Ici tout est glace, sans appel, et on réfléchit alors à ce que les extrêmes peuvent générer chez l’homme. Les 270 000 habitants de Yakoukst, au nord de la Sibérie orientale, vivent pendant la période hivernale, des températures qui oscillent entre -40 et -50°C, que n’éprouvent que les cordées de l’Everest, glace, brouillard et ombres furtives. Dans un tour du monde des villes de l’extrême, de la ville la plus basse à la ville la plus polluée en passant par la plus peuplée, sur une planète où la moitié de la population vit en milieu urbain, Yakoukst, la ville la plus froide du monde, est la première de ce nouveau projet.

Année de production : 2013

La zurichoise Ruth Erdt a le sens de l’ambivalence et de l’ambiguïté. Les images de son « work in progress » ne sont pas ordonnées selon la chronologie, ni selon le contexte d’élaboration. Elles forment bien plus un ensemble hybride, un puzzle, au confluent des genres. Dans un esprit fragmentaire, Ruth Erdt photographie tour à tour ses enfants, ses amants, ses amis, mais aussi des modèles professionnels, sans distinction, à la manière d’instantanés qui racontent une histoire, la sienne, celle des autres, la nôtre également, en tant qu’elle nous renvoie à nos sensations et à notre sens imaginatif.

Qu’en est-il de la composante documentaire de ce travail ? La photographe donne-t-elle à voir un témoignage partiel de son existence et de ses expériences humaines ou, au contraire, une fiction, à laquelle notre imaginaire est convoqué ? Ces photographies ont-elles été prises spontanément ou résultent-elles d’une mise en scène ? Ruth Erdt laisse planer les doutes à envi, ce qui confère une originalité à son travail.Si la série est fragmentaire dans son contenu, elle tisse un lien cohérent dans son rendu. Ruth Erdt accorde en effet une attention toute particulière à la matière et à la lumière, faisant du rendu de la peau et des ses différentes carnations un thème central. Du blanc au violacé, en passant par des tons orangés et rougeâtres, elle explore ses diverses valeurs, autant que sa composante sensuelle, dans des tons le plus souvent crus et blafards. Ses enfants, les différents protagonistes et les mannequins professionnels, avec lesquels elle a établit une relation de confiance et qu’elle photographie depuis plus d’une quinzaine d’années, exhalent un parfum de sensualité, constamment présent. Ces images mettent aussi l’accent sur l’émotion qu’elles peuvent procurer au spectateur, en tant que Ruth Erdt nous invite à un processus d’identification par le familier.

A l’opposé d’une conception lisse et nette de la mode qui privilégie souvent le glamour, la zurichoise laisse apparaître les défauts de l’enveloppe corporelle. Par cet apparence un peu fragile, qui contraste avec l’habituelle impression de masque, ces portrais sont aussi perméables aux différentes émotions qui habitent les modèles. Qui plus est, les mannequins ne se distinguent en rien de celles et ceux qui font partie de son monde intime. A contre-courant, imprégnées d’un esprit libertaire par rapport aux canons habituels, ses photographies n’en constituent pas moins une forme de photographie de mode, mettant en scène le corps en tant qu’élément déterminant autour duquel s’articule la prise de vue. Une série de photographies de Ruth Erdt qui met en valeur les vêtements de Christa de Carouge est présentée aux Journées photographiques de Bienne et réalisée spécialement pour l’événement.

Wolfgang Ernst Pauli, un des fondateurs de la physique quantique, était aussi surnommé la « Conscience de la Physique ». La légende raconte que lorsque Pauli entrait dans une salle, les expériences échouaient. Ses collègues, avec humour, nomment le phénomène « L’Effet Pauli ». La présence de Pauli persiste encore dans les archives du CERN. Ainsi commence cette « histoire de fantôme scientifique ». Art, photographie, histoire et science entrent en collision, floutant la frontière entre science factuelle et science fictionnelle. Certaines images sont manipulées par l’artiste, tandis que d’autres sont laissées intactes.

Manipulations par l’artiste 2015-2016
Images des archives du CERN 1960-1985

Année de production : 2015-2016

While Dreaming est un travail en cours commencé en 2011. Il résiste ainsi aux formes de production sérielles limitées dans le temps qui s’imposent souvent aux artistes. Présentée dans une boîte réalisée sur mesure, cette série est une tentative de donner une image aux rêves. Le public est invi-té à contempler à son rythme ces clichés conçus sur la base d’une collection de rêves personnels ou racontés. Réalisés grâce à un processus d’impression altérant la netteté des informations données à voir, les tirages cyanotypes renforcent l’aspect évocateur des images et sollicitent la mémoire des spectateur-trice-s.

Année de production : 2011-

Aujourd’hui, l’intelligence artificielle et les algorithmes informatiques permettent à des entreprises de trading de générer des opérations plus rapidement que nos capacités humaines. Les sites filmés dans la vidéo d’Eline Benjaminsen ne sont pas des lieux que notre œil associerait facilement à ceux de la finance, c’est pourtant là que les plus grands profits sont réalisés aujourd’hui. Dans son travail, l’artiste documente les décors d’un marché immatériel et questionne les limites d’un système qui crée des profits et de la valeur à des vitesses imperceptibles par le cerveau humain.

Année de production : 2017

L’exploration des codes visuels propres aux loisirs de masse de la société occidentale, traitée avec humour.

Année de production : 2010

Wentworth, où Lucas Olivet a passé ses vacances d’été alors qu’il était enfant, se trouve au Canada. Les histoires, les jeux, les personnages et la mythologie liés à ses expériences d’enfant sont recréés à travers des images photographiques et une vidéo tournée cet été au Canada, par le collectif Cowboy Noir.
Le projet Wentworth est montré pour la première fois aux Journées photographiques de Bienne.

Année de production : 2013

Travail de recréation et de libération à partir d’images sorties d’anciens albums photo et de leurs pages désertées.

Année de production : 2011-2012

Jules Spinatsch a sillonné en voiture les routes de New York, Zurich et Paris, d’un feu de signalisation à l’autre. Il a profité des quelques secondes d’arrêt des véhicules pour photographier les passagers environnants, observant au moyen de son appareil des personnes au regard souvent absent, dirigé au-delà du cadre de l’image.

Le rythme des feux dicte le début et la fin de ces rencontres uniques et permet au spectateur de découvrir une foule de petits salons mobiles habités par des visages cachés derrière les vitres teintées. La courte pause imposée par le feu s’offre comme un moment intime au milieu de l’espace public.Chaque voiture laisse échapper une image furtive et imprévisible de ces rencontres solitaires, impossibles à répéter ou à prolonger.

Les photos de Jules Spinatsch se déclinent en trois séries:

1. New York 1997, 70/105 cm, c-prints sur aluminium
2. Paris 1998, 90/135 cm, c-prints sur aluminium
3. Zurich 1998, 40/60 cm, c-prints sur aluminium

De la 2e à la 3e série, la position du photographe change radicalement. Alors que les séries de New York et de Paris résultent d’une position légèrement distante de l’observateur, les conducteurs de Zurich sont photographiés la nuit au moyen d’un flash et d’un téléobjectif. La position devient alors celle d’un paparazzi agressif. Ce changement met en évidence le médium: l’appareil photographique.

Sleep (film n/b)
Cette courte séquence muette de 6’40” se compose de différents extraits filmés de photographies noir/blanc représentant pour la plupart des jeunes gens dormant en plein jour dans une voiture. Elle a été réalisée à Paris et Montpellier après de grandes techno et rave parties.

L’exposition We Call It Home présente les résultats du deuxième volet d’un projet de médiation initié en 2018 par Patricia Huijnen en collaboration avec Manuela Hée et dans le cadre de Femmes-Tische Bienne (programme sous la responsabilité effe).

Un groupe de 11 animatrices provenant de différents pays (Afghanistan, Brésil, Erythrée, Iraq, Congo, Liban, Mexique, Soudan, Turquie, Togo, Tschad) a participé à des formations de photographie et mené des tables rondes avec des femmes de leurs pays d’origine au coeur d’une sélection d’expositions qui abordaient les thématiques du „bonheur“, du « temps » et de « l’habitat » afin de discuter de santé mentale, de culture et créativité.

Encadrées par la photographe Solène Gün, les animatrices ont prolongé leurs réflexions en images. La sélection de photographies proposée nous invite à nous plonger dans leur environnement quotidien.

We are all going home est une installation immersive qui découle d’une commande à l’artiste de la ville de Chiasso, ville frontière du canton du Tessin, afin de donner un nouveau regard sur ses habitant·e·s issu·e·s de l’immigation est-européenne. La première partie du travail présente une série de photographies des participant·e·s au projet. La deuxième partie, une installation vidéo, montre des personnes en perpétuels mouvements, à différents moments et dans différentes directions, des images en rupture avec certaines représentations de la migration. La troisième partie propose aux spectateurs et spectatrices de se plonger dans l’écoute de berceuses d’Europe de l’Est, allongé·e·s dans une salle obscure à l’atmosphère onirique. A travers ces différents éléments rassemblés, l’installation We are all going home interroge le sentiment d’appartenance physique et psychique et propose de nouvelles perspectives sur la représentation du « chez soi ».

Année de production : 2019

Des caméras de surveillance deviennent les motifs d’une tapisserie angoissante.

Année de production : 2006-2011

Les séries de portraits de Martin Wiesli sont de sobres représentations d’êtres humains ; quatre prises de vue pour chaque modèle, comme pour des documents d’archives policières. Aucun détail n’échappe à l’objectif de la caméra grand format, le visage semble multiplié par le procédé de la prise de vue, gelé dans le négatif puis fixé dans l’image. Confiné dans l’exiguïté du format, souvent visible uniquement par fragments, le visage devient un objet qui, considéré sous cette forme seulement et sans empathie, devient un délice optique. La lumière change, sur les cheveux raides, comme sur du velours. Les perles de sueur sont comme des gouttes de rosée, elles amènent la lumière sur la peau ocre. Les boucles de cheveux tombent tels de fins traits de pinceau sur le front, et sur les lèvres les petits sillons étincellent, aux endroits humides, de la même manière que les yeux. Martin Wiesli ne laisse rien au hasard. Lumière, couleur, arrière-plan, expression – tout est réglé. De plus, dans la série, les images sont placées dans un rapport chronologique ; dans le cas d’un couple d’images, elles gagnent en narration et en psychologie. Qu’est-ce qui relie la cage d’escalier éclairée au néon et la femme habillée de noir, pouvons-nous nous demander. Les espaces vides dont une femme se détourne correspondent-ils à son état d’âme, ou un événement particulier a-t-il réuni cette femme et ce lieu ? Les couples d’images permettent aussi la comparaison, le rapprochement. Elles sont encore des compositions colorées.

Michael Krethlow

Comme Søren Kierkegaard, Fabian Unternährer pense que le banal peut se cacher derrière l’extraordinaire et vice-versa. Il cherche à trouver l’insolite dans le quotidien, ce qui est soi-disant invisible, comme pour connaître cette sensation de vertige dans une situation connue. Ainsi, sa série « Vertigo » titille la superficialité des clichés pour changer nos perceptions de la réalité ; ceci accentué par les tons gris, une recherche sur la lumière, et le savant mélange de familier et d’inconnu. (cv)

Année de production : 2012-2013

En 2011, en naviguant sur le site internet Getty Images, j’ai réalisé que j’avais déjà vu plusieurs des photographies historiques du Ghana estampillées du copyright de la société aux archives du Ministère ghanéen de l’Information.

En poursuivant ma recherche, j’ai découvert toute une série d’erreurs (fausses dates, légendes incorrectes), ainsi que des manipulations des photographies originales ; certaines fautes semblant involontaires, d’autres plus délibérées. Getty vs. Ghana extrait les clichés communs des deux archives et les compare afin d’attirer l’attention sur les problématiques actuelles du droit d’auteur, de la numérisation et de l’appropriation étrangère d’un héritage national. Corbis vs. Mozambique, Getty vs. Kenya vs. Corbis et Musée royal de l’Afrique centrale vs. Getty vs. DR Congo poursuivent cette même stratégie. (MJ)

Année de production : 2012-2015

Une étude sur les friches urbaines et leurs occupants, loin des regards mais étroitement surveillés.

Lisette Appeldorn a une obsession pour les masques fabriqués à partir de nombreux matériaux de toutes sortes. Sa série de portraits Untitled se caractérise formellement par des drapés, des couleurs saturées et des poses originales des modèles qu’elle photographie. Construite au fur et à mesure de la prise de vue, la série de personnages créée par l’artiste et dont les visages sont dissimulés, anonymes et sans émotion visible, créent un sentiment de malaise chez le-la spectateur-trice. A travers la prise de vue, l’artiste réduit le corps à une sculpture, à un objet, à des formes étranges. A l’ère du selfie et des technologies de reconnaissance faciale, ces images questionnent la place des émotions dans notre société, la disparition de l’individu lorsqu’il est immergé dans des flots de données, mais aussi les masques derrière lesquels l’humain a parfois tendance à se cacher.

Année de production : 2018

Concours FNS d’images scientifiques

Un nouveau regard sur la science
Les découvertes scientifiques qui font la une des journaux ne rendent pas compte de la diversité des personnes, des savoir-faire et des perspectives qui se trouvent au cœur de la recherche scientifique. Cette entreprise sans fin est moins affaire de chiffres froids que de dévouement humain, d’ingéniosité et de curiosité. Les 14 œuvres distinguées par le Concours FNS d’images scientifiques 2022 présentent des images rares du monde de la science telle qu’elle est pratiquée aujourd’hui.

Les catégories du concours
1. L’objet d’étude
2. Les femmes et les hommes de la science
3. Les lieux et les outils
4. Vidéos

Le jury 2022
Président
Lars Lindemann, directeur de la photographie de GEO (Allemagne)
Membres
Emmanuel Ferrand, mathématicien, Sorbonne Université (France)
Emmanuelle Giacometti, directrice de l’Espace des Inventions (Suisse)
Cécile Lestienne, directrice des rédactions de Pour la Science et Cerveau & Psycho (France)
Alexander Sauer, photographe (Suisse)

En collaboration avec le Fonds national suisse de la recherche scientifique (FNS).

Présentation vidéo de photographies de Jeanne Chevalier sur une musique de Christian Giger interprétée par Anton Koudriavtsev. Montage Yvan Kohler.
« Almeria Bayyana » reflète une relation intime établie entre deux mondes. Celui du souvenir de l‘enfance et celui d’un paysage andalou, très éloigné des êtres qui lui sont chers et dans lequel la photographe a décidé de vivre. La période éclair des vacances lui permet de réunir ces deux mondes. Mélange de grâce et d’éternité. Comme l’écrit si bien Bernard Plossu à propos de ces images :
« (C’est) photographier le journal quotidien de la vie, sans circonstances exceptionnelles, sans faire du ‚reportage‘… Pas à pas, photo après photo, année après année… ». Projection d’images qui, lentement apparaissent, s’enchaînent, se mélangent les unes aux autres dévoilant des territoires nouveaux à travers leur transparence. Les photographies semblent portées par le son d’une guitare, mouvement musical lent et répétitif. Des enfants grandissent, le temps passe et retient l’extraordinaire présence d’un paysage qui, lui, apparemment ne sent pas le temps passer. « Apparemment », car aujourd’hui, bien que cette région soit déclarée parc naturel, elle est sauvagement menacée par des projets touristiques de plus en plus voraces et par les cultures sous plastique qui l’encerclent chaque jour davantage. « Pour que la forêt ne meure pas, il faut commencer par aimer un arbre », dit le dicton chinois.
Par ces images, la photographe veut rappeler la force du lien qui existe entre la physionomie d’un paysage et celle de l’être humain.

Malgré les protestations du parti de l’Inkatha, le parlement du KwaZulu-Natal (Afrique du Sud) fut déplacé d’Ulundi à Pietermaritzburg en 2002. En dépit des tentatives d’autres départements comme l’éducation, l’aide sociale ou les affaires intérieures pour occuper les lieux, l’imposant complexe construit pendant l’apartheid et qui domine la ville d’Ulundi demeure dans un état de vide paradoxal. La majeure partie des bureaux est soit occupée par des installations provisoires constituées de mobilier et d’archives abandonnées, soit utilisée de manière informelle par des personnes extérieures. (LB

Année de production : 2012

Réalisé au Japon, ce projet photographique est né d’une irrésistible envie de spontanéité et de transgression dans un pays où tout est codifié et où l’hermétisme règne en maître.

La rue tokyoïte se révèle être le théâtre des recherches de Daniel Stucki, mais aussi le décor le plus puissant et le plus libre de ses envies. Posté pendant plusieurs jours à un seul et même feu rouge (sur la Meiji-Dori avenue, l’une des plus grandes artères de Tokyo), il a au mépris de toute pudeur (nippone ou occidentale) choisi d’accrocher et de solliciter les regards des motocyclistes pour dérober ou recevoir, sans fards ni mise en scène, leurs portraits.Coincés dans une attente patiente ou impatiente, sans aucune possibilité de fuite, ces modèles n’avaient pour seul choix que de lui signifier leur refus, de détourner leurs regards ou, plus rarement, de s’offrir à son objectif. Tantôt timides, sérieux, rieurs, agacés ou complices, ils se sont dévoilés l’espace d’un instant. Daniel Stucki a appris à les apprivoiser, à jouer du flux perpétuel de leur défilement – par cycles de trente secondes toutes les deux minutes trente environ – et à partager cette confrontation dans laquelle les modèles se surprenaient à être des objets de convoitise.

Ce travail s’offre donc comme le miroir séquentiel de très brèves rencontres, toutes vécues dans une durée similaire et dans un univers fait de bruits, d’agitation et d’agressions urbaines. Daniel Stucki tente d’extraire d’un monde compact et hermétique – le trafic – un individu, pour le regarder, le dessiner et l’explorer.

TTL = terme usuel de photographie. Désigne la mesure de l’intensité lumineuse d’un éclair à travers l’objectif de l’appareil.

La route est habituellement considérée comme une voie de communication qui relie le point A au point B: déjà mon grand-père s’y était consacré. Assez tôt il avait possédé une voiture. Son enthousiasme ne provenait pas tant du véhicule que de la mobilité qui lui était associée. Mais il n’était pas rare que le chemin ou la route fussent un élément important de ses photographies de paysage. Mon père s’est intéressé depuis sa petite enfance non à la route, mais aux véhicules. Sa fascination ne valait pas seulement pour les voitures, qu’il conduisait lui-même, mais surtout pour les pilotes célèbres de l’après-guerre. Il a photographié des voitures dans toutes les « situations de vie » : la fabrication, le mouvement, les accidents, ou l’usage sportif. En 1949 déjà, il s’était rendu à Berne pour le Grand Prix de Suisse. Plus tard, cet enthousiasme est devenu une partie de son activité professionnelle: il photographia régulièrement les courses de Formule 1 à Monaco, Monza, Reims ou Hockenheim. Son activité principale comme photoreporter régional le conduisit aussi souvent sur la route. D’abord au volant d’une « Goggomobil », plus tard avec une Coccinelle, il se rendit jour et nuit, hiver comme été, à tous les événements et manifestations de Suisse centrale. Comme il fixa presque chaque accident de voiture, incendie ou accident d’avion, et qu’il était souvent sur place même avant la police ou les pompiers, on lui donna le surnom de « Katastrophen-Sepp ».Au jardin d’enfants, je ne dessinais qu’au crayon noir, la plupart du temps des courses automobiles pleines d’accidents, ce qui me conduisit chez le psychiatre à l’âge de six ans, car la jardinière d’enfants croyait que quelque chose n’allait pas chez moi. Après que le grand rêve de devenir pilote de course échoua en raison de nos possibilités financières, ma carrière de photographe commença automatiquement le long des circuits. Non seulement Monaco et Monza, non, le monde entier m’était ouvert. Depuis 1979 je me tiens, week-end après week-end, dans tous les virages qui portent des noms qui sonnent bien, comme « Parabolica», « Lesmo », « Sachs », « Mirabeau », « Eau Rouge » ou « La Source ».

Sur les trois générations se rassemblèrent avec les années d’innombrables images sur le thème de la route, du trafic et du sport automobile. Malheureusement, une partie de nos archives fut détruite par une inondation le 15 août 1997. Cette circonstance a modifié notre rapport avec les archives: nous avons pris conscience de leur valeur et des moyens de conservation à mettre en œuvre en lien avec elles.

Daniel Reinhard

« Cibler pour une Amérique plus sûre » qu’ils disent. Qui ? Les fondateurs de la Law Enforcement Targets Inc., entreprise basée au Minnesota fournissant cibles d’entraînement en tout genre, celles du collectif Type A y compris. Oui, les deux artistes aiment à se jouer des limites de l’« artistiquement correct ». Des braquages à main armée aux attaques de zombies, les différents scénarios de menace concoctés par le collectif cataloguent les risques et peurs – réels ou fictifs – de l’Amérique contemporaine. Elément crucial du concept de la série, la Law Enforcement Targets Inc. définit la production et la distribution des photographies : la demande de la clientèle, la pertinence culturelle et le réalisme (taille des figures, choix des armes, etc.) sont les critères de sélection. A ce jour, 400’000 affiches de Type A ont été vendues et le collectif poursuit sa démarche socio-artistique interrogeant non seulement la culture américaine de la peur, mais aussi ce qui fait art.
(Elena-Sezgi Esen)

Année de production : 2011

Le jour qui précède l’opération passe lentement. Si tout se passe bien, une nouvelle vie commencera pour Leonie Zeller, onze ans. Depuis sa naissance, Leonie souffre d’une insuffisance rénale. La fonction de ses reins diminue constamment et s’abaisse vers la limite de 10%. Chaque nuit, des toxines s’accumulent dans son corps. Le matin, elle se sent mal et vomit souvent. Pendant des années, elle a dû être nourrie artificiellement par une sonde nasale.

Marilyn Zeller ne se permettra pas de faire une pause pour souffler. Elle s’occupera comme toujours de Leonie, jusqu’à ce qu’elle soit elle-même sous narcose le matin suivant à 7h41 précises. Afin que sa fille puisse retrouver la santé, Marilyn Zeller s’est décidée il y a déjà longtemps, de lui donner un rein. Elle n’a encore guère eu l’occasion de réfléchir à ce que signifiait cette intervention pour son intégrité psychique et physique.Dans le monde entier, on manque d’organes. La conséquence en est l’augmentation du trafic illégal d’organes humains. La misère économique conduit de plus en plus de personnes à vendre leurs organes. Dans quelques années, il devrait être possible d’implanter à l’homme des organes de porc génétiquement modifiés. Mais il subsiste de grands risques, et les questions éthiques, morales et juridiques ne sont pas élucidées. Afin de raccourcir le temps d’attente, de plus en plus de parents de malades qui pourraient être aidés par une transplantation se décident pour un don de leur vivant.

La transplantation d’un rein d’une personne en vie est presque devenue une opération de routine à l’Hôpital universitaire de Zurich et est réalisée plusieurs fois par semaine. Chaque intervention médicale comporte cependant un risque. L’Office fédéral des assurances sociales estime qu’en Suisse 2000 à 3000 personnes meurent annuellement des suites d’une erreur médicale – plus que dans les accidents de la circulation. Mais l’opération se passe comme prévu dans le calme.

Les suites de l’opération causeront encore un certain temps du souci à Marilyn Zeller. Elle a cependant bon espoir que le rein qui lui reste restera sain : selon les médecins, elle peut atteindre 90 ans sans problème avec un seul rein.

Leonie va rapidement mieux. Deux jours déjà après l’opération, elle a envie de manger chaud. Pour la première fois de sa vie elle ose manger ce qui lui fait envie. Les chances sont bonnes que les déficits corporels et mentaux se remettent et qu’elle puisse mener une vie indépendante et sans handicap.

Daniel Rihs

Conçu spécialement pour le festival, l’assemblage d’images proposé de manière installative par l’artiste est tiré d’une série de photographies noir et blanc qu’il collecte depuis plusieurs années. A rebours d’une écriture avec la lumière, ses images arrachent à la photographie sa pellicule d’ombre : de ce qui est capturé par l’appareil photo n’est conservé que ce qui est dans l’ombre. Plutôt que de nous dévoiler le « visible », les feuillages photographiés par Maisonnasse nous confrontent à un univers mystérieux et impénétrable.

Année de production : 2020

Thomas Zollinger interroge depuis longtemps les différentes formes que peuvent prendre les déplacements. Alors que certains sont attirés par la vitesse ou les horizons lointains, il met en scène l’instant présent et décortique les ralentis. Le déplacement en soi, mais aussi la position spatio-temporelle ainsi que l’ancrage conceptuel font pour lui l’objet d’incessantes recherches.

Les travaux de Thomas Zollinger oscillent entre deux pôles. D’un côté, l’aventure libre et mouvementée d’autrefois, le stress temporaire des pendulaires d’aujourd’hui, et de l’autre, la station assise, immobile et relaxante, pour le corps comme pour l’esprit. Entre les deux, la marche considérée comme le déplacement naturel du corps.En 1997, Thomas Zollinger donne corps à son oeuvre lors d’une marche ininterrompue de 12 heures à travers des magasins vides, la ville de Bienne et le Seeland en compagnie de 29 autres personnes et sous l’œil interrogateur de la population.

L’exposition de cette année met un terme au cycle d’expositions «weiter gehen» qui a débuté en 2000 à la Gewölbe Galerie. Au centre de la rétrospective: cinq immenses panneaux présentant des photographies d’arrêts sur image vidéo.

Ce faisant, Thomas Zollinger accorde une attention toute particulière à la manière de documenter ses projets. Sa réflexion accompagne le visiteur à travers l’exposition et lui donne ainsi l’occasion de découvrir la photographie non seulement au contact d’autres médias, mais aussi à travers un concept artistique.

Pendant la Révolution ukrainienne de février 2014 à Kiev, après les premières victimes de la place de l’Indépendance (Maidan Nezalezhnosti) et lorsque la police a commencé à utiliser des armes, les militants ont eux aussi recouru à différentes armes dans la confrontation avec la police. Toutes ces « armes de fabrication artisanale » créées par les militants sont originales et ont été récupérées sur le site immédiatement après les affrontements.
Je poursuivais le but de créer non seulement une image, mais un document anthropologique qui me fournirait plus d’informations pour analyser les événements passés. Dans cette démarche, je voulais montrer les objets très proprement, à la frontière entre l’art conceptuel et le reportage documentaire, concentrant toute l’attention sur la forme et la structure de l’objet. (SK)

Année de production : 2014

Lorsque je vis des centaines de perruches essaimant dans le ciel, je fus saisi par la peur. Je me sentais comme si j’étais entré dans le film d’Alfred Hitchcock « Les Oiseaux ». Chaque matin, des nuées de perruches envahissent l’orme près de chez moi à Setagaya (arrondissement de Tokyo). J’ai fait quelques recherches et découvert que ces perruches ont été apportées au Japon dans les années 1960 et 1970 des régions tropicales d’Inde et du Sri Lanka pour être vendues comme animaux de compagnie. Depuis lors, elles sont redevenues sauvages et se sont établies dans la zone de Tokyo. Aujourd’hui elles sont des milliers.
Ces perruches ne sont pas censées exister à Tokyo, mais elles y vivent pourtant. Ce sentiment intense et étrange que j’ai ressenti quand j’ai vu pour la première fois la nuée, je l’ai capturé dans ces photographies. (YM)

Année de production : 2013

Une installation vidéo sur un phénomène envahissant le cyberespace : les autoportraits réalisés face à un miroir.

Une exposition du PhotoforumPasquArt, coproduite avec les Journées photographiques de Bienne.

Année de production : 2011

THE SINGLED PERSON (MICHAEL ACKERMAN, MORTEN ANDERSEN, THORSTEN KIRCHHOFF, PEER KUGLER, ANDRÉ LÜTZEN, HISASHI MURAYAMA, FILIPPO ROMANO)

Sept photographes pour sept projections simultanées : le projet «The Singled Person» propose une lecture subjective du rapport de l’individu à son environnement. Présenté notamment au New York Photo Festival 2008, ce projet réunit des photographes de différents horizons qui partagent une manière subtile et impressionniste d’aborder le réel. «The Singled Person» est conçu comme une installation de sept projecteurs de diapositives non-synchronisés dont l’aménagement s’adapte en fonction des lieux d’exposition. Michael Ackerman (*1967, USA), Morten Andersen (*1965, NO), Thorsten Kirchhoff (*1973, DE), Peer Kugler (*1966, DE), André Lützen (*1963, DE), Hisashi Murayama (*1973, JP) et Filippo Romano (*1968, IT) favorisent une écriture personnelle qui s’épanouit sous la forme d’instantanés. Ils privilégient la représentation nocturne de la ville, parfois à la limite du visible et de l’abstraction. L’individu y apparaît souvent flou et mystérieux, silhouette solitaire qui renvoie à la nécessité rassurante de la communauté.Dans son travail «Departure», qui rassemble des photographies prises en Pologne entre 1999 et 2009, Michael Ackerman questionne le temps et la mort en adoptant une approche radicale. Rompant avec toutes tentatives descriptives, il crée en noir et blanc des visions énigmatiques et trouve dans le monde qu’il traverse l’image de son propre malaise, de ses doutes personnels. Les images de Morten Andersen parlent de l’inattendu et traduisent ses rencontres ainsi que son expérience de la rue. «Fast / Days» constitue une manière de plaidoyer pour une pratique instinctive de la photographie envisagée comme un révélateur de soi. Avec «Alibi», Thorsten Kirchhoff explore la notion « d’entre-deux », ses images donnant le sentiment de précéder ou de suivre un événement. Abolissant toute référence au lieu ou à l’histoire, elles fonctionnent comme un support à l’imaginaire. Peer Kugler refuse tout concept dans sa série intitulée «Nothing at all». Ses photographies prennent naissance dans les circonstances de l’instant et questionnent l’idée de solitude. «Hole in the head» est une fiction qui illustre les défaillances de la mémoire. André Lützen y réarrange des lieux et des situations observées dans différents pays afin de faire naître un sentiment de doute et d’ambiguïté. Dans «Radiance» Hisashi Murayama pratique un monologue intérieur sur l’immobilité, le hasard, l’ombre et la lumière. Il aborde son travail sous un angle quasi mystique. Filippo Romano s’intéresse à la condition humaine dans la Chine contemporaine. «Off : China» met en évidence les laissés pour compte de la révolution capitaliste chinoise. En reporter engagé, Filippo Romano leur porte un regard plein d’empathie. (Daniel Mueller)

Dans la presse de mode, c’est en septembre que sort le numéro le plus conséquent de l’année en termes de pages, de lecteurs et de revenus. Dorade, une revue d’art et de photographie qui interroge les codes de la représentation, notamment dans la mode, profite de l’invitation des Journées photographiques de Bienne pour présenter son installation “The September Issue”. Ce chemin de fer sculptural d’un numéro idéal propose un nouvel éclairage sur le travail éditorial de Dorade, en recombinant et en exacerbant son contenu. Caricature monstrueuse d’un magazine et de ses coutumes, l’exposition propose aussi de réévaluer l’importance de l’écriture photographique propre à ce format et engage une réflexion sur le pouvoir marchand de ces images qui aspirent à la perfection.
(Sylvain Menétrey)

La revue

Dorade, revue galante photographie et formes critiques est une publication périodique artistique et critique lancée en 2009 par l’association Dorade Editions basée à Lausanne/Paris. Dorade s’identifie à un espace d’exposition au format papier dans lequel les éditeurs interviennent à l’instar de curateurs, en commissionnant, sélectionnant et faisant dialoguer des productions texte et image, contemporaines et historiques. Jusqu’ici cinq numéros sont parus.

Le Photoforum Pasquart donne une carte blanche à la curatrice Sorana Munsya (CD/BE) qui propose une présentation solo de l’artiste visuelle Joud Toamah. Dans cette exposition, l’artiste choisit d’explorer le pouvoir de réparation contenu dans le geste de partage des images. Le projet utilise des archives d’images numérisées d’albums de famille que l’artiste se procure auprès de connaissances, d’amis et de membres de sa famille en Syrie et dans la diaspora. Toamah collecte des images qui ont subi des processus de numérisation, de téléchargement, de recherche, de découpage, de transfert, etc. Elle crée ainsi des archives numériques d’images privées et intimes. C’est à travers la circulation des images que l’artiste Joud Toamah propose une manière de recréer des liens. « Dans son parcours numérique de relocalisation, l’image acquiert des couches consécutives de relationnalité. » (Petra Van Brabandt). De cette manière, la photographie devient un lieu où la relation est possible.

Année de production : 2021

Pour créer ces collages, Tornero a utilisé le problème informatique d’un logiciel qui n’avait pas été programmé afin d’associer des images apparemment sans rapports. Ignorant des paramètres régissant la fonction copier/coller que le programme allait suivre, il a laissé l’aléatoire prendre le dessus et apposer son rythme à la série.

Dans le livre, ce procédé s’accroît et s’intensifie : les textes ont été traduits à l’infini au moyen de Google Traduction. La mise en page est aussi le fruit du hasard, de même qu’avant d’avoir été reliés, les différents chapitres ont été intervertis à chaque fois.  L’on peut ainsi parler d’un livre déconstruit dont chaque copie est pratiquement unique.

Année de production : 2014

« The Price of Vanity » est un projet sur le long terme initié pour raconter le sacrifice caché derrière les valeurs impitoyables de la haute couture et de sa tendance culturelle dominée par des normes de beauté implacables. Le volume d’activité de ce marché s’élève à plusieurs millions d’euros par an et condamne des millions d’animaux à un élevage intensif en vue de la production de fourrure, plumes ou cuir pour les vêtements. L’estimation à laquelle a été évaluée le secteur des peaux d’animaux se monte à 40 millions de dollars et révèle une croissance massive du nombre d’exploitations intensives dans le monde.

Année de production : 2012-2016

En 1970, Caroline Hunter découvre des preuves que son employeur, l’entreprise Polaroid, soutient indirectement l’apartheid en produisant des appareils photo ID-2 mis à disposition de l’État d’Afrique du Sud. L’appareil photo était doté d’un flash renforcé pour photographier la peau noire et de deux lentilles qui permettaient d’exposer le portrait et l’image de profil sur la même feuille de papier photographique. Le groupe formé par Caroline Hunter, «the Polaroid Workers Revolutionary Movement», fit alors campagne pour un appel au boycott. Adam Broomberg & Oliver Chanarin ont réalisé ce travail en Afrique du Sud avec un appareil photo Polaroid ID-2 récupéré. Ils y questionnent l’idée que des préjugés peuvent être inhérents à la photographie elle-même.

Année de production : 2013

Place Tahrir, 24 juin 2012. L’Egypte chante les résultats des premières élections démocratiques de son histoire. Les banderoles à l’effigie du candidat élu Mohamed Morsi recouvrent la place de la capitale égyptienne. Mais les différentes pressions exercées par les supporters sur l’une d’entre elles déforment le visage du président : la figure, sans intention aucune de la part des partisans, devient alors disproportionnée, faussée et changeante. Et Mohamed Morsi, l’homme aux multiples visages.

Place Tahrir, 30 juin 2013. Une année plus tard, l’Egypte est scindée en deux. Une partie du peuple, soutenue par l’armée, réclame la démission du président. L’ultimatum du 3 juillet lui est donné pour se retirer. En vain. L’armée égyptienne renverse alors le gouvernement de Mohamed Morsi et suspend la Constitution. Un président par intérim est nommé alors que les partisans du président déchu crient au coup d’état, aujourd’hui encore.
(Elena-Sezgi Esen)

Année de production : 2012

Après que le génome de l’homme de Néandertal, mort il y a 39’000 ans, ait été déchiffré en 2013, les scientifiques planifient de le reproduire artificiellement dans une cellule souche humaine. Ainsi, la (re)naissance d’un clone du Néandertal est un scénario scientifique qu’il faut prendre au sérieux, et dont Ulrike Schmitz reprend la trace dans « The Missing Link ». C’est le point de départ d’une réflexion visuelle sur la modification de notre rôle dans l’histoire de l’évolution. « L’homme d’aujourd’hui est une impasse ; l’homme mécanique, certes une rupture dans l’évolution organique, se situe lui plutôt dans la tradition d’une évolution. » (J.D. Bernal, 1929). (US)

Année de production : 2015

« The String of Pearls » fait référence aux vastes projets de nouvelles infrastructures dans le village de pêcheurs sri-lankais Hambantota. Avec des capitaux et de la main d’œuvre chinoise, on y construit ce qui un jour doit devenir le plus grand port d’Asie du Sud. A une époque où la Chine est en passe de devenir une superpuissance et fait vaciller l’hégémonie de l’Ouest, l’océan Indien devient une zone géopolitique de première importance. Hambantota se situe ainsi au centre de la nouvelle carte du monde. Le village semble illustrer parfaitement la notion de « String of Pearls » forgée par les stratèges militaires américains et indiens : une chaîne d’importantes infrastructures le long des côtes de l’océan Indien. (KH)

Année de production : 2013

Ses photographes photographiés de dessus ont l’air de pions cherchant leur place sur l’échiquier du sol.

Année de production : 2007-2008

Huit jours après sa naissance, l’artiste Gao Shan a été adopté par une « nouvelle » maman. Comme une quête identitaire, il a photographié sa mère adoptive durant plusieurs années, en majeure partie dans l’appartement de 70m2 dans lequel ils habitent, afin d’explorer les liens tissés avec cette nouvelle figure maternelle, mais aussi les brèches qui les séparent. Très brutes, ses images qui alternent entre plans larges et rapprochés reflètent à la fois la fusion, la proximité physique d’un fils avec sa mère mais aussi la froideur, la distance et parfois la répulsion d’un enfant envers la figure parentale. Le livre que l’artiste a publié a été primé dans le cadre du First Book Award à Paris Photo en 2019.

Année de production : 2013-2016

Les douze images dissociables de la série The Day Before_Star Systemsont des vues reconstituées par ordinateur de la voûte céleste le jour précédant un bombardement militaire délibéré sur des populations civiles. Avec ces cartes du ciel au format IGN (Institut national de l’information géographique, France), échos des antiques pratiques oraculaires et autres phénomènes populaires « astrologiques », Renaud Auguste-Dormeuil s’attache à la fabrication d’images qui nouent construction du territoire, obsession sécuritaire, fatum, mémoire médiatique et réalité historique.

Le titre de chaque œuvre indique le lieu, l’année, le jour et la minute précédant l’entrée du Jour J dans la grande Histoire.

Toutes ces images suggèrent la guerre sans jamais la montrer.
(Julien Blanpied, MAC/VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne)

Année de production : 2014

Année de production : 2012-

« The Column vient d’une histoire que m’a racontée un ami restaurateur qui avait besoin de faire réaliser une sculpture en marbre pour le château qu’il était en train de restaurer. Quelqu’un lui a dit qu’il devrait s’adresser en Chine parce qu’ils ont du bon marbre, de bons artisans, une main-d’œuvre bon marché et qu’ils sont rapides puisqu’en fait le travail se fait sur le bateau, pendant le transport du marbre. J’ai trouvé ça extraordinaire. Ça m’a paru tellement bizarre, à la fois aberrant et fabuleux avec quelque chose de mythologique et, en même temps, de conforme avec la logique de profit capitaliste : une mise en coïncidence entre le temps de la production et le temps du transport. […] Il y a, dans ce projet, coexistence entre le conflictuel et le fabuleux, entre le réel et le fictionnel. […] Il y a une structure de récit, et la chronique de faits réels se mêle à la légende et au conte. Évidemment, ce qui m’a entre autres stimulé pour The Column, c’est la fabrication d’une colonne occidentale classique par un groupe d’ouvriers asiatiques qui font route vers l’Europe. Comme tu l’as dit, c’est, en un sens, pour la colonne une sorte de ‘retour chez soi’. »

(Marie Fraser et Marta Gili. Entretien avec Adrian Paci, p. 32-37. In: “Transit”, Jeu de Paume, Paris, Musée d’art contemporain de Montréal, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan, 2013.)

Année de production : 2013

En 2006, les Emirats arabes unis décident d’entreprendre le projet de faire pousser une ville entière en plein désert. Masdar City, catégorisée « ville verte », a pour but premier d’atteindre le 0% d’émission de CO2. Ce projet arrive à l’heure où les préoccupations écologiques liées à la consommation d’énergie et à la pollution sont grandissantes. Masdar est un bon exemple de l’aménagement du territoire liant l’architecture et la technologie environnementale en prévision de « l’après pétrole ».

Année de production : 2015

Pour son projet The Bliss of Conformity, Yingguang Guo s’est infiltrée dans un coin du Parc du Peuple, à Shanghai. C’est là que se retrouvent toutes les mères de famille qui viennent littéralement mettre en vente leurs enfants célibataires. À l’aide de petites affichettes, comme on le ferait pour vendre une voiture ou un appartement, celles-ci vantent les mérites de leur progéniture: âge, taille, salaire, études, etc. Dans ce travail vidéo qui nous plonge au premier abord dans l’ambiance apaisante d’un parc, l’artiste questionne les mariages arrangés, la place de la femme dans la société et soulève des questions liées à l’appartenance sociale et à la discrimination.

Année de production : 2015-2017

A la fin de la guerre civile en 1992, Sérgio Santimano a pu explorer librement et pour la première fois son immense pays, au bord de l’Océan Indien. Fasciné par sa diversité culturelle, il y poursuit depuis lors son voyage d’exploration.

Les êtres humains sont au centre de ses travaux. Il désire documenter leur réalité aux multiples facettes, sources d‘histoires inépuisables. Il interroge simultanément son identité personnelle et cherche à comprendre ce qui le lie à ses compatriotes.

Les images révèlent, à partir d’une perspective intérieure, des mondes jusqu‘ici inconnus dans un pays africain. D’un point de vue formel, leur langage visuel complexe et poétique possède une validité universelle.

Les séries sur Niassa et Ilha montrent des individus habitant au nord du Mozambique, à deux endroits opposés : l’un est retiré à l’intérieur du pays, l’autre se trouve sur une île située le long de la côte mozambicaine. Niassa est considérée aujourd’hui encore comme une « terra incognita ». La série de photographies constitue un travail de pionnier. Ilha a acquis une importance historique mondiale en tant que première base portugaise de l’Afrique de l’Est. Elle appartient aujourd’hui au patrimoine culturel mondial de l’UNESCO. Le regard de Sérgio Santimano n’est pas touristique. Il va en profondeur.

Bruno Z’Graggen, curateur indépendant

Installation photographique et sonore composée de cinq sténopés panoramiques de 38 x 450 cm

Les photographies d’Anna Katharina Scheidegger représentent des panoramiques d’usines en friche et de quartiers inhabités avec leurs fenêtres aveugles et leurs portes murées. Par leur esthétique, elles tentent de retranscrire un sentiment d’abandon mêlé à une beauté organique. A travers le geste cinématographique propre au sténopé, qui crée de fait une image en mouvement continue, ce travail interroge la suspension du temps et sa transformation.La totalité des sons de la composition dérive par ailleurs d’une seule et même source sonore. La chanteuse Eugénie Levèbre se base sur une partition composée de phrases musicales et d’interjections enregistrées dans une usine en friche. De fait, l’environnement sonore de ce lieu considéré a priori comme parasite devient un élément intrinsèque de la composition. Aucune manipulation électronique tels que ajout de filtres, transformation de vitesse ou encore changement de fréquence n’a été utilisée. Il s’agit avant tout de musique concrète.

Le défi consistait à traverser à la fois l’univers photographique d’Anna Katharina Scheidegger et à proposer une autre forme d’accès à son travail.

Sidney Corbett

L’ensemble de la composition est diffusé en stéréophonie désynchronisée. L’installation est accompagnée d’un livre documentant la beauté étrange des fragments (in)habités, résultat(s) de la destruction.

Les Journées photographiques de Bienne et le Forum du bilinguisme fêtent tous deux en 2016 leur vingtième anniversaire. A cette occasion, mandat a été donné au photographe américain domicilié à Bienne, Jon Naiman, de documenter une activité spécifique du Forum du bilinguisme : les Tandems linguistiques.

Les Tandems réunissent deux personnes souhaitant améliorer leurs compétences dans la langue partenaire par la conversation, contribuant ainsi activement à la construction de leur parcours de vie. Les photographies témoignent de discussions animées et vivantes dans le contexte de la ville du bilinguisme, Bienne. Souvent, un élément central de la composition évoque métaphoriquement une « barrière de la langue », que les Tandems servent à abattre. (Hélène Joye-Cagnard)

Stephen Gill aime tester les limites que la photographie lui impose. En tant qu’artiste conceptuel, un peu sociologue et poète aussi, il expérimente diverses techniques insolites tout en documentant sa banlieue londonienne de Hackney District. Pour sa série « Talking to Ants », ce sont des fourmis et autres objets qu’il a directement insérés dans son appareil pour ainsi créer une confusion d’échelle. Un autre type de photographie documentaire où la coïncidence et l’intervention humaine créent un nouveau langage visuel. (cv)

Les 16 images exposées sont extraites de la série « Talking to Ants » ont été éditées dans un livre paru en 2014 aux éditions Nobody Books.

Année de production : 2009-2013

L’entière série des « Sunburns » ne représente pas des objets réels et tangibles, mais des traces laissées par le processus de destruction de la lumière solaire. Claus Stolz expérimente ainsi un procédé unique et radical au moyen de la photographie argentique. Il ne fixe pas son appareil sur les objets éclairés par la lumière solaire, mais se concentre sur la source lumineuse elle-même. Au cours de ce processus qui comporte une durée d’exposition longue variant de quelques secondes à plusieurs heures, les rayons du soleil attaquent le film photosensible qu’ils détruisent partiellement. L’intensité de l’irradiation solaire et la trace de brûlure continue sur le film, laissée par le mouvement régulier du soleil, se matérialise dans ses travaux comme des nuages atténués ou sectionnés en plusieurs points. Le résultat obtenu résulte de la technique utilisée qui varie en fonction de l’appareil de prise de vue, de l’objectif (certaines focales pouvant mesurer jusqu’à un mètre de diamètre !), de l’installation du matériel, du film sensible et de la technique utilisée lors du développement. Après avoir été exposés, certains films vont être en partie agrandis directement, sans traitement chimique préalable. Les images réalisées à l’aide d’appareils grand format ou d’outils de prise de vues conçus par lui-même n’ont pas cette distanciation que l’on connaît des clichés numériques. Dans une certaine mesure, le soleil a aussi un rôle de créateur dans ce processus, au même titre que l’artiste, car il donne les derniers paramètres dans la conception de l’oeuvre. La force de destruction de la lumière est aussi génératrice de nouveauté : des cosmos très personnels aux palettes de couleurs différentes, aux structures multiples et aux fines touches concentrées naissent de l’éclatement, de l’amollissement ou de la cristallisation des couches du film. Les marques du temps et de l’énergie sont ainsi capturées, fusionnées dans le support photosensible et deviennent de manière surprenante visibles et palpables.

Année de production : 1996-

Les photographies décrivent et documentent le girl show que j’ai eu l’occasion de voir en Nouvelle-Angleterre durant les étés 1973, 1974 et 1975. Les femmes que j’ai rencontrées sont âgées de 17 à 35 ans. Désireuses de voir du pays, la plupart ont quitté leurs petites villes d’origine à la recherche d’argent, d’horizons lointains ou d’une existence différente de celle qui leur avait été prescrite ou proscrite jusque-là. La fête foraine leur a permis d’abandonner leur «ancienne vie». Ce sont des exilées, des copines de forains et de danseurs de cabaret. Elles travaillent ici et là, sans jamais bénéficier d’un emploi fixe, mais toujours de manière professionnelle. Elles sont rétribuées en liquide, 15 à 50 dollars par nuit, déduction faite de leurs frais.Ces femmes se produisaient dans un espace mobile, un camion qui se déployait pour former deux scènes, l’une accessible au «grand public», placée bien en évidence et servant de guichet, l’autre cachée sous une tente et réservée à une «audience privée». Un vestiaire séparait les deux endroits. Sans interruption, de jour comme de nuit, les strip-teaseuses faisaient la navette entre l’avant-scène, avec son battage – le baratin du présentateur qui attirait la foule d’un endroit à l’autre – à l’arrière-scène, où elles se déshabillaient le temps d’un 45 tours. Le public était entièrement masculin. Toutes les couches sociales étaient représentées, du fermier au banquier. Les pères assistaient au spectacle avec leurs fils; jamais les femmes et les enfants n’étaient présents («no ladies and no babies»). Chaque année, les forains restaient entre trois et cinq jours au même endroit, puis les flonflons de la fête s’éteignaient, on chargeait les camions et la caravane des strip-teaseuses reprenait son chemin jusqu’à la prochaine halte. La vie sur la route se passait autour de repas, dans des bars et chambres de motels. Elle était faite d’attentes interminables, de lessives, de jeux de cartes, de télévision et de discussions.
Le girl show est un business, le travail des strip-teaseuses de fête foraine est saisonnier et soumis à une rude concurrence. Les femmes qui font carrière dans la profession travaillent l’hiver dans le circuit parallèle – go-go bars, clubs de strip-tease, soirées entre hommes et prostitution occasionnelle. Mais pour la plupart des femmes, la fête foraine est une parenthèse dans leur existence de serveuses, de secrétaires ou de femmes au foyer. Découvrir (ou inventer) ce monde ne signifie pas encore en connaître l’existence. Mon but était de dresser un inventaire de la situation, de documenter ce que j’ai vu et de montrer comment ces femmes ressentent leur travail.

Je suis d’une génération qui n’a pas connu les corps transgressifs, militants, critiques, engagés des mouvements féministes ou des artistes des années 1960, 1970 ou 1980. Le corps que je connais est un corps codifié à l’extrême, que ce soit dans son apparence, sa sexualité, sa santé ou sa jeunesse. Il me semble que nous n’avons plus les mêmes moyens ni les mêmes stratégies de réactions, de critiques, voire de défense que les générations précédentes face à la violence entraînée par ces codes aux impératifs souvent contradictoires et aux pratiques parfois très invasives qui permettent de s’y conformer. L’engagement et la résistance laissent parfois place, peu à peu, à des stratégies de retrait.

C’est cette cassure qui m’intéresse, ce moment de lâcher prise et de repli protecteur. Un état fait à la fois de relâchement, de tension perceptible et d’inconfort, entre absence et expectative… L’autre est maintenu au loin, en dehors de toute intrusion, indésirable, profondément inaccessible. Des corps fragilisés par leur surexposition se replient dans une intimité enveloppante et friable.

Chaque personne est photographiée de façon à la geler et à lui donner un aspect sculptural, renforçant le corps comme frontière entre soi et l’autre, alors que sa peau devient une pellicule fragile et marquée. L’image entretient un rapport au spectateur fait de ces ambiguïtés, entre l’attraction des corps exposés, d’une image brillante et glacée, et l’impossibilité de s’y projeter.

Le projet State of Shame est constitué d’une collection d’images trouvées de personnes présumées coupables et dont la culpabilité n’a pas encore été prouvée. En récoltant ces images publiées dans les médias et en isolant la silhouette des suspect-e-s, l’artiste questionne la relation entre les accusé-e-s, le photographe et le grand public et pose des questions sur l’impact des images sur notre identité sociale.

Année de production : 2017

Soleil Noir est une recherche photographique réalisée principalement le long de la frontière luxembourgeoise et inspirée par des commandes publiques historiques. Avec son outil de prise de vue similaire à un scanner, l’artiste enregistre l’espace et le restitue en nuages de points linéaires, une technique qui brouille les codes de représentation. Le paysage n’est plus délimité par l’horizon ou le cadre, mais s’étend en cercle autour de l’appareil et s’estompe à mesure qu’il s’éloigne de l’objectif, laissant un rond aveugle à son emplacement. L’univers ainsi obtenu semble émaner du cœur d’un trou noir. Si dans le réel, le soleil rayonne sur le visible, ici c’est l’instrument qui filtre la réalité et donne à voir un monde qui nous apparaît comme distordu ou fantastique et qui fait à la fois référence à la peinture romantique allemande et aux jeux vidéo.

Année de production : 2019

Les images font partie d’une série résultant d’un travail personnel mené en 2005 à l’occasion d’une session de jeux en réseau. Durant l’un de mes trajets quotidiens, j’avais remarqué un groupe de jeunes qui paraissaient désorientés. Je les avais suivis et avais abouti, étonné, dans une grande halle sombre remplie d’écrans d’ordinateur.

A 16 ans, je m’intéressais aux vélomoteurs, rêvais d’un « Maxi Puch » et de jeunes filles. Mais qu’est-ce qui motive actuellement des centaines de jeunes gens à s’enfermer durant quatre jours et trois nuits dans une immense halle, à rester assis devant des ordinateurs branchés en réseau et à jouer presque sans dormir dans une atmosphère étouffante, avec pour toute subsistance leur nourriture de fast-food favorite ? A peine une jeune fille aux alentours… Ce qui est nécessaire comme équipement est livré par les parents et à nouveau rassemblé après quatre jours: écrans, terminaux d’ordinateur modifiés et refroidis par eau, jusqu’au sac de couchage et au mini-frigo – cet attirail ne tiendrait pas vraiment sur un vélomoteur.

Les portraits ont été pris à l’issue de la cérémonie de remise des prix, lorsque les fans de jeux, fatigués d’avoir tant veillé, prenaient le chemin du retour. J’ai décidé de faire ces portraits devant une lourde tenture noire qui avait séparé le monde virtuel de l’extérieur pendant quatre jours et trois nuits.

Éléments ambigus du paysage, les murs antibruit intéressent le photographe Gregory Collavini en tant que prétexte pour illustrer sa propre vision du territoire helvétique. Depuis 2012, ce disciple de Nicolas Faure recense ces ouvrages avec l’aide de l’Office fédéral des routes et de Google Earth. De l’édifice signé Mario Botta aux réalisations plus ordinaires, Gregory Collavini présente les murs antibruit sous un point de vue et dans un instant particulier, soulignant ainsi leurs effets pervers sur notre occupation du territoire. (dm)

Année de production : 2012-

Uli et Thomas de Baden-Württemberg mènent une vie tout ce qu’il y a de plus normale. Comme tant d’autres, ils travaillent tous deux dans un bureau. A côté de ça, Uli met sur pied un centre de conseils en alimentation. Elle espère pouvoir en vivre un jour. Tous deux souhaiteraient avoir un jour des enfants. Uli et Thomas sont de petite taille. Des nains ou des lilliputiens, comme on les appelait autrefois. Comme ils ne supportaient plus la solitude, ils ont tous deux adhéré à l’Association des personnes de petite taille en Allemagne. C’est là qu’ils se sont connus : ils forment un couple depuis 1997 et se sont mariés en été 2002.

Le concept de ce reportage a été de documenter le couple au quotidien, au travail et à la maison. Montrer comment ils se comportaient dans le « monde des grands » était important pour moi. Avec bien sûr la noce, où tous leurs rêves sont devenus réalité. De nombreuses personnes de petite taille étaient invitées pour fêter le couple avec les « grands ».Je documente depuis 1994, à intervalles réguliers, la vie des personnes de petite taille en Europe. J’ai fait la connaissance de Uli et Thomas lors des championnats du monde à Peterborough (GB) en 1997. C’est à peu près à ce moment-là qu’ils ont découvert qu’ils s’aimaient. L’idée était initialement de rendre plus proche la vie des personnes de petite taille à nous les «grands» par le biais d’un reportage sur le mariage. Durant mon travail avec eux, cet objectif se confirma: en montrant leur vie sous tous ses facettes, un tel reportage permet de mieux comprendre les « short people ».

Markus Bühler

Les installations de Morgane Denzler intègrent l’image photographique dans un ensemble traduisant son expérience de lieux attentivement parcourus et observés pour raconter une histoire. Dans le milieu rural des Arques elle s’est d’abord intéressée au cadastre. D’un arbre à l’autre, d’une clôture à une haie, elle a représenté le paysage fragmenté en parcelles par l’humain, et mis en évidence les propriétés rendues visibles par des clôtures et des barrières. Elle a ensuite donné corps à la relation existant entre l’éleveur de brebis, le troupeau et le paysage par l’intermédiaire d’une peau de mouton imprimée. A travers ses subtils assemblages d’images et de formes, l’artiste questionne la relation d’interdépendance entre le paysage, l’humain et l’animal, mais aussi le désir de l’humain de vouloir maîtriser à tout prix la nature.

Année de production : 2018

Utilisant comme source d’inspiration le paysage, la nature et l’histoire, la série photographique Sharp Memories de Constanza Piaggio expérimente les possibilités plastiques de la photographie. Les images présentées sont des fragments de paysages, parfois flous, réalisées avec un appareil analogique, et dont certaines zones ont été manuellement endommagées, déchirées, laissant apparaître une surface où le sujet s’efface et créant un nouveau paysage qui suggère la disparition. La manipulation des éléments formels de l’image établit ainsi un jeu d’équilibre avec le ton personnel et intime de son imagerie et propose un questionnement poétique sur l’altération de la nature par le geste humain.

Année de production : 2019-2020

Le travail de Vanja Bucan est à mi-chemin entre la photographie docu-mentaire et la mise en scène. Pour sa série Sequences of Truth and Deception, Bucan intègre des corps humains dans des images qui montrent la nature intacte. Ses images, soigneusement mises en scène questionnent la tension qu’il peut exister chez l’individu entre l’idéalisation et la domination. En introduisant le corps humain dans ses images, elle crée une fiction qui évoque l’anthropocentrisme. Dans ses images, l’être humain est simultanément en interaction avec la nature et coupé d’elle.

Année de production : 2015-

L’artiste Nora Papp réalise des images sans prise de vue. Elle utilise individuellement des filtres de l’application Instagram afin de déconstruire les structures des images numériques et collecter des “données esthétiques”. Ces données sont ensuite répertoriées dans un tableau Excel puis vectorisées dans Illustrator. Émergent alors des compositions visuelles que l’œil humain associe à des objets et qui questionnent la matérialité et la place de l’image dans la culture numérique aujourd’hui.

Année de production : 2018-2019

C’est à travers d’autres regards que ce duo d’artistes cherche à se voir, faisant appel à des photographes de studio ou au radar de la police.

Année de production : dès 1998-

« Segmentation.Network » restitue plus de 600.000 segmentations créées manuellement par des crowd workers pour la base de données de reconnaissance d’image COCO de Microsoft. Ce jeu de données se fonde sur des photos issues de Flickr et est utilisé pour la formation et les tests dans le cadre de l’apprentissage machine. L’œuvre rend visible le travail manuel caché nécessaire à la construction des réseaux neuronaux et de l’intelligence artificielle. En outre,« Segmentation.Network » aborde la vision par ordinateur comme un acte de sélection consciente : ce qui peut et doit être vu par les machines et ce qui restera non reconnu ou qui sera jugé non pertinent est séparé par des lignes distinctes.

Année de production : 2016

Chacun conserve, sur les murs de sa maison, sur l’écran de son téléphone portable ou au fond de son porte-monnaie, des images précieuses associées au bonheur, que l’on aime contempler et même porter sur soi. Le réflexe de photographier des moments heureux et des êtres chers est profondément ancré en nous, et les liens entre photographie, mémoire et bonheur, aussi étroits et complexes. Le Photoforum explore ces relations à travers les témoignages et les réflexions des résidents des EMS Chemin Redern et Ried de la Ville de Bienne. Nés dans la première moitié du 20e siècle et ayant accumulé de nombreuses décennies de souvenirs et d’images, ils partagent leurs moments et images associés au bonheur avec le public, lors d’entretiens réunis grâce au soutien des animateurs.

Année de production : 2018

Depuis les attentats du 11 septembre 2001, la sécurité est devenue un thème politique incontournable et une préoccupation majeure pour beaucoup d’individus. A New York, les mesures de sécurité récemment prises (contrôle renforcé des cartes d’identité à l’entrée des bâtiments, fouille des sacs dans les musées et les bibliothèques) sont faites surtout pour rassurer la population, lui montrer que des mesures concrètes sont prises pour sa sécurité. Dans des lieux hautement symboliques comme Time Square ou Liberty Island, la sécurité est également renforcée, elle est devenue le plus visible possible. Il est impressionnant de voir le nombre de gardes qui « protègent » une statue sur un petit îlot ! Ces mesures sécuritaires, réponse à une menace terroriste, semblent des mesures plus psychologiques et parfois symboliques qu’efficaces.Un débat sur les mesures sécuritaires et leur efficacité reste difficile aux Etats-Unis, vu la charge émotionnelle que ce thème continue à véhiculer trois ans après les attaques du 11 septembre. Beaucoup de gens se sentent rassurés par cette visibilité sécuritaire, mais, à l’inverse, plusieurs personnes rencontrées réagissent négativement en voyant cette présence comme un constat d’échec devant des menaces dépassant largement les mesures de sécurité prises. Cette exhibition sécuritaire ne serait-elle pas là pour justifier certains objectifs de la politique extérieure américaine ? Alibi politique ou réponse efficace à une menace, l’attitude des hommes qui font aujourd’hui la sécurité à New York et leur façon de s’approprier leur espace de travail en dit long sur cette question et ce qu’ils pensent de leur propre rôle dans la sécurité.

Ce reportage réalisé à New York est la première partie d’un projet sur le rôle de la sécurité, son évolution, sa visibilité et sa signification. La seconde partie est actuellement en cours de réalisation en Suisse.

Marc Renaud

En décembre 2000, une attaque cérébrale arrache Vreni à sa vie active. Dommages irréversibles, hémiplégie, destruction de l’aire de la parole, oedème potentiellement mortel – les médecins laissent peu d’espoir. Malgré tous les diagnostics, Vreni survit et, grâce à une volonté de fer, elle commence lentement à réapprendre ses fonctions vitales.

« Se sche was » sont les seuls mots que Vreni était capable de prononcer. « Se sche was? » Vreni a essayé de m’atteindre par téléphone, j’entends sa voix sur le répondeur, elle a l’air de bonne humeur. Je rappelle. « Se sche was? » « Je viens après le repas ». Vreni raccroche. Je pense qu’elle a compris.Après six mois de clinique, Vreni revient à la maison, soutenue par ses enfants, son mari et l’aide de Spitex. Elle ne peut plus travailler, mais elle semble ne pas s’en préoccuper beaucoup. Vreni a travaillé des années comme journaliste à la DRS. Questionnée sur sa période à la télévision, Vreni ne répond que « schaffe…wääh…äxgüsi! », et rigole.

Vreni sur la terrasse – Vreni au jardin – Vreni à la physiothérapie. Notre projet s’étend sur le long terme. Nous avons commencé en novembre 2001. Vreni suit son chemin, je l’accompagne.

En août 1984, toutes deux enceintes, nous avions scellé notre amitié au Storchenbar à Zurich autour d’une bouteille de champagne. Aujourd’hui, en 2004, nous sommes attablées à la terrasse de Vreni avec un verre de vin et trinquons à notre projet commun. Vreni me regarde et rit. Je pense qu’elle m’aime. Je l’aime aussi, beaucoup même.

Judith Schlosser

Par le biais de l’action «se marier à Bienne», les Journées photographiques 2004 associent la population locale à l’événement. Une centaine de photos d’habitants de Bienne et des environs sont ainsi projetées dans le cadre de l’exposition thématique consacrée au mariage. Ces diapositives censées immortaliser «le plus beau jour de la vie d’un couple» fourmillent d’anecdotes et de souvenirs : du choix de la robe au port des escarpins en passant par la couleur du nœud papillon. Les Journées photographiques de Bienne déroulent pour vous l’album de famille. Avec son cortège de personnages d’hier et d’aujourd’hui. Ses modes d’ici ou d’ailleurs. Ses coutumes à la fois proches et lointaines.

A travers ses installations, qui confrontent les spectateur·trice·s à des résistances physiques et visuelles, Florian Bach questionne la domination de l’être humain sur son environnement. En 2003, l’artiste se rend à Sangatte, sur le lieu du centre d’hébergement et d’accueil d’urgence humanitaire (CHAUH) récemment détruit par les autorités françaises. Sur place, il réalise une série d’images silencieuses et répétitives qui révèlent les traces de l’occupation temporaire des lieux. Ses photographies réalisées dans le brouillard parlent de disparition, de déni de personnes et du malaise face à une question à laquelle notre société est sans cesse confrontée : l’exil. Son travail est présenté sous la forme d’une installation qui encercle les spectateur·trice·s.

Soutenu par : Ted Support / Canton de Genève / Ville de Genève

Année de production : 2003-2023

Protagoniste du reportage, Sandra s’est battue avec force dans sa quête d’identité et d’acceptation de sa personne. Élevée dans une institution spécialisée et souffrant d’un problème cardiaque, Sandra a affronté bien d’autres écueils. Elle, qui a grandi en tant qu’homme, a été opérée il y a six ans pour devenir pleinement une femme.

La photographe nous fait découvrir Sandra tant à travers les attributs de sa féminité que ses intérêts personnels, parmi lesquels une passion pour la météorologie. Des vues d’un ciel mouvant viennent ainsi parfaire la série en nous invitant à adopter le point de vue de la protagoniste et à penser le parcours, parfois malaisé, qui relie le corps à l’esprit. (Catherine Kohler)

Mandatées par le Pôle de recherche national LIVES et les Journées photographiques de Bienne, trois jeunes photographes suisses (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) ont réalisé chacune un travail sur les thématiques du PRN LIVES « vulnérabilité et résilience ».

Année de production : 2015

Même chemise, même cravate, même mallette. Une centaine de milliers d’individus. Huit heures du matin. Ils montent dans le train bondé de dizaines d’employés (salarymen), arrivent à leur bureau dans un bâtiment luxueux au centre de Tokyo, s’asseyent à leur place, sans partager leurs idées propres, sans remettre en question l’avis de leur chef. Ils acceptent des jobs ennuyeux sans poser de questions. Le style de vie des salarymen tourne uniquement autour du travail au bureau. Personne ne conteste le système, et le système assure les besoins de tous. Si un de tes supérieurs hiérarchiques (sen pai) veut aller boire après le travail, tu y vas. Tu traînes la nuit avec des collègues et des clients dans des bars à ciel ouvert de Shimbashi. Un karaoké à Shinjuku, des cigarettes, du saké ou du shochu à profusion. C’est déjà minuit et les salarymen n’ont même pas encore pensé au dernier train. Epuisés, proches du coma éthylique, ils s’effondrent après une nuit passée à boire. Certains d’entre eux se trouvent une chambre dans un hôtel capsule s’ils en connaissent un, d’autres choisissent le taxi, et d’autres encore tentent de se mettre à l’aise où ils se sont écroulés. Au Japon, l’ivresse est bien acceptée et sert parfois de catharsis pour le dur travail des salarymen. Ils ne s’inquiètent pas vraiment de savoir si leur mallette ou leur téléphone portable a été volé ou non. Ça c’est le Japon. Et, alors qu’il semble facile de leur piquer leur mallette, les salarymen ivres font partie du paysage urbain, sont respectés par tous. A mille lieues de l’Occident, où les jeunes se soûlent et dépassent les limites – une folie acceptée durant la jeunesse – mais où pour les pères de famille respectables, il est honteux d’être surpris complètement soûl par son voisin. (Fernando Alvarez Busca)

Année de production : 2008-2009

Mon projet « Salar » concerne un gigantesque lac salé dans les Andes boliviennes qui est le plus grand réservoir de lithium au monde. Le métal précieux n’a pas encore été extrait, mais il pourrait apporter la prospérité économique à la région car une société d’Etat est sur le point d’extraire ce métal et d’autres minerais. Cependant, des critiques soulignent les problèmes environnementaux qu’une industrie chimique croissante causera, affectant fortement ce paysage unique et surréaliste qui attire chaque année des milliers de touristes du monde entier.

Année de production : 2011

«Par-dessus l’épaule de Théodore» est un projet photographique sériel sur l’Afrique, qui se base sur une multitude de choses entrevues. Il consiste en un puzzle avec 100 à 200 photographies mises l’une à côté de l’autre, sans aucun ordre précis, tel un long travelling cinématographique.

Jean-Luc Cramatte s’intéresse avant tout à l’infini détail (en cela il rejoint le travail d’inventaire de «Policliniques Series») et sa vision de l’Afrique est forcément un peu décalée. Le photographe s’interroge: comment aborder l’Afrique? Jean-Luc Cramatte observe les ambiguïtés du paysage ainsi que des regards de ces hommes qui passent devant la fenêtre de son taxi. Dans un premier temps, le thème de l’Afrique apparaît comme secondaire. Il pourrait tout aussi bien s’agir d’un projet sur le design, le graphisme ou l’architecture (un mur entraperçu par la fenêtre du taxi devient un monument).

Dans ce projet, l’histoire prend une nouvelle dimension (pas nécessairement voulue par le photographe) si l’on sait que le pays traversé est le Rwanda. Dès lors, les rumeurs du génocide de 1994 (un million de morts) remontent à la mémoire de chaque spectateur. Au Rwanda, les traces du génocide sont d’autant plus troublantes qu’elles sont discrètes et diffuses.

Ce sont des régions pauvrement peuplées dans lesquelles les traces laissées par l’homme peuvent être interprétées comme des signes de son absence. C’est à ces signes qu’Ester Vonplon s’intéresse dans la série Ruinaulta.
Dans ses portraits, elle montre cette absence en photographiant une nouvelle fois l’image du sujet et par de longs temps d’exposition. Elle réduit ainsi l’humain à des apparitions fantomatiques. En parallèle, elle nous emmène dans des paysages atmosphériques, et nous laisse nous régaler entre poésie et réalité. A l’observateur, elle demande toutefois d’y déchiffrer des histoires possibles.
La série Ruinaulta a été réalisée dans les gorges du Rhin, aux premières heures du jour et par un froid mordant : le vieil appareil Polaroid a été poussé aux limites de ses fonctionnalités. Le hasard joue ainsi un rôle important dans la formation des images. Le voile gris qui les recouvre leur procure un aspect mystique.

Année de production : 2012

Comment les ordinateurs voient nos rues, nos villes, nous-mêmes, et ordonnent notre monde.

Année de production : 2012

Une page de magazine est froissée et défroissée, dans un geste répété: l’image disparaît à vue d’œil tandis que l’encre de la page s’imprime sur les mains qui, alternativement, dérobent et révèlent au regard l’image évanescente. Ce transfert dissout les visages et les corps idéalisés de ces images publicitaires, les réduit en poussière, les imprime sur les doigts, tandis que la feuille de papier devient elle-même une peau, un tissu organique.
(François Piron)

Année de production : 2016

Les images qui ont un but illustratif, images publicitaires, images de presse et de produits comme nous en voyons tous les jours, souvent sous forme digitale, figurent au centre du travail de Matthias Gabi. En suivant son intuition et parmi des sources visuelles variées, l’artiste sélectionne des images qu’il trouve intéressantes, tant au niveau du contenu que de la forme et qui semblent représentatives d’une publication en particulier. Il reproduit ensuite les pages sélectionnées au moyen d’un processus complexe similaire aux moyens utilisés pour la numérisation d’objets culturels. A travers ce processus, les documents se matérialisent; ils deviennent images. Pour son exposition à la Gewölbe Galerie, Gabi a collaboré avec Martin Jegge, le galeriste, afin de créer une installation in situ dans laquelle il propose une interaction entre ses images et les meubles de la galerie, une manière de prolonger sa réflexion sur l’image dans l’espace.

Année de production : 2019

J’ai, depuis le 19 mai 1995, rendez-vous une fois par mois avec des morceaux de moi.
D’abord ce fut avec mon ventre, qui s’arrondissait sans fin autour du nombril.
Ce sont aujourd’hui Merlin et Basil, morceaux de moi de sexe masculin, qui n’en finissent pas de se déployer dans et hors l’image.
Le cadre de la rencontre est simple: un carré blanc de six centimètres de côté et l’envie de jouer le jeu le temps de douze poses.
La « photo du mois » est devenue notre work in progress intime (la «photo du toi», comme disait un temps le plus jeune de ses participants), une sorte de journal de bord physionomique.
Tout avait commencé sous forme d’exercice de style explorant l’arrondi de la chair. Mais bien vite les images se sont emboîtées pour raconter l’histoire largement plus complexe de l’être en devenir, jonglant avec ses identités, la représentation d’idéaux réels et fictifs ainsi qu’avec l’actualité des accessoires mis en scène. Ainsi l’embryon invisible ne mute pas seulement de l’état de bébé à celui d’enfant, dont les traits laissent peu à peu deviner l’adolescent. Libre à lui aussi de s’inventer créature de conte, héros de science-fiction ou personnage de bande dessinée. Laissant deviner non seulement la complexité de son imaginaire, mais aussi les écueils quotidiens de la configuration familiale et du jeu de rôles qui la sous-tend.

La performance filmée « Religious Aerobics » est une réponse à la montée du fondamentalisme religieux suite à la chute du système soviétique en Géorgie. Sous forme de cours d’aérobic, Group Bouillon investit l’espace public et performe les gestes des trois religions les plus présentes en Géorgie, c’est-à-dire le christianisme, le judaïsme et l’islam. La signification de ces mouvements, significativement spirituels à l’origine mais aujourd’hui si automatisés, tels des mouvements de gymnastique, est mise en question. (cv)

Année de production : 2013

Année de production : 2020-2021

Année de production : 2019

« Est-ce radical de demander justice ? Est-ce radical d’être sauvé par l’amour ? Est-ce subversif d’être gentil ? Est-ce radical de vouloir être en accord avec soi-même ? »

En leur rendant hommage, Radical Love explore les stéréotypes liés à l’identité genrée dans le phénotypage médico-légal de l’ADN. Le portrait de Chelsea Manning, ancienne informatrice de WikiLeaks aujourd’hui prisonnière politique, a été généré en collaboration avec Paper Magazine car celle-ci ne pouvait être photographiée en raison de son incarcération.

Année de production : 2015

Le projet Racines du Ciel ⵣ est une œuvre avec laquelle l’artiste chemine depuis son exposition rétrospective i-Grow au Japon en 2010 : des arbres millénaires à travers le monde, saisis par l’œil du photographe dans un premier temps et dont l’empreinte revit ensuite par l’encre et la ligne du pinceau, lors de performances participatives qu’il propose au public à partir d’une image choisie. Cedric Bregnard ouvre un nouveau chapitre de ce projet, avec pour sujet la biodiversité d’une forêt. Pendant trois jours, durant le week-end du vernissage, le public du festival est invité à rendre visible, par le geste pictural, l’image photographique monumentale d’une forêt dont la représentation a été construite durant deux workshops. Réalisée en collaboration avec des participants et participantes du programme effe, qui y ont intégré des histoires personnelles liées à leur migration, l’image de la forêt imprimée en filigrane sur toile sera révélée par le geste du public au fur et à mesure de l’acte performatif. Sonorisation réalisée en collaboration avec le musicien Jef Calmard.

Cette expérience, qui poursuit celles qui ont déjà pris place dans une trentaine de lieux dont l’église de la Madeleine, à Paris, avec 480 participants de 40 nationalités différentes, nous est offerte comme une variation dans ce lieu unique qu’est la salle Farel.

En collaboration avec l’espace de formation biennois effe
Soutenu par : Canton de Vaud, Ville d’Yverdon-les-Bains, Pentel, Posca

Année de production : 2022

Au travers de manipulations de réalités ou de véritables fictions, le travail de Jérémie Gindre s’oriente volontiers vers la démonstration d’un quotidien qui ne demande qu’à déborder dans le spectaculaire. Attiré par les vastes promesses de la fabulation, il tente de créer des personnages, des actions, des situations, bref des ersatz de films, témoignages d’un univers marqué par le charme de la bêtise, l’ironie du sort et l’indubitable fantaisie du banal. Ses intrigues résolument improbables entreprennent de faire parler le récit stéréotypé à travers l’enchâssement de ses variantes, et de réunir ainsi des formes culturellement très éloignées. Au-delà de la parodie, ses romans-photos investissent ce medium habituellement contre-exploité de manière à ce que le récit appliqué à cette forme clairement référencée s‘en approche et s‘en éloigne subrepticement. Absurdes ou ironiques, ces récits ne sont jamais tout à fait solidifiés en histoires, et invitent le lecteur à se plonger dans ces métaphores infimes.

CS.

Dans « Purity », je dresse le portrait de jeunes filles et de leurs pères après leur participation aux cérémonies des Purity Balls aux Etats-Unis. Les filles y promettent de s’abstenir de relations sexuelles avant le mariage, tandis que les pères s’engagent à les protéger dans leur choix.
Pour me mesurer à mes propres préjugés et explorer la façon dont nous sommes façonnés par nos expériences dans l’interprétation de ce que nous rencontrons, je voulais réaliser des portraits d’une beauté telle que les filles et leurs pères puissent être fiers des photos, tandis que quelqu’un d’un milieu différent peut y voir une histoire totalement différente.
« Purity » est destiné à nous faire réfléchir sur la façon dont nous sommes façonnés par notre société et à la façon dont nous interagissons avec le monde à travers nos valeurs. (DM)

Année de production : 2014

Le thème de la mobilité se prête particulièrement bien à l’utilisation de l’espace extérieur comme lieu d’exposition. A côté des expositions dans les musées et les galeries de la Vieille Ville de Bienne, la Place de la Gare accueille ainsi l’installation photographique de Daniel Zimmermann et la Promenade de la Suze invite les visiteurs à une balade visuelle.

La «Promenade visuelle» se propose d’aborder les multiples aspects liés à la mobilité en présentant une série d’agrandissements (recto/verso) des photos qui se donnent à voir au sein des différentes expositions. Tous les photographes invités dans le cadre des Journées 2005 y sont représenté(e)s par l’une de leurs positions.Ces photos grands formats (200 cm x 200 cm) offrent au visiteur la possibilité d’expérimenter la photographie dans un contexte inhabituel. Suspendues au-dessus de la rivière et par conséquent toujours en mouvement, elles lui permettent une autre approche de l’image.

La «Promenade visuelle» présente non seulement une nouvelle forme de mise en image, mais elle est accessible à la population de jour comme de nuit. Ce faisant, elle s’inscrit dans l’esprit du festival qui choisit durant les Journées photographiques de faire vivre toute une ville, Bienne, au rythme de la photographie.

Dans la province andalouse d’Almeria au coeur d’une mer de plastique de plus de 30’000 hectares croissent nos légumes hivernaux et vivent plus de 100’000 migrants, nouveaux forçats des temps modernes. Les questions de migration et d’agriculture me préoccupent depuis plusieurs années. Je décide, dès lors, de plonger dans cette mer et d’y consacrer mon attention et mon énergie photographique. Le besoin d’explorer cette réalité en profondeur et de la comprendre de l’intérieur m’amène à y effectuer plusieurs séjours. A travers cette sélection d’images aux cadrages clos, je souhaite souligner l’enfermement et le double isolement de ces hommes logeant à l’écart des centres urbains, au coeur des serres de plastique. Eloignés de leurs terres, de leur famille, ils vivent dans une société andalouse conservatrice où le racisme et la ségrégation demeurent fréquents. L’étrangeté visuelle de ces scènes, pourtant situées dans l’Europe d’aujourd’hui, met à mal nos repères et nos codes d’identification. Elle nous renvoie à l’étrangeté des conditions imposées à ces hommes, maintenus dans des lieux de nulle part, habitants d’une terre privée de sens. En ces temps de crise, j’ai voulu retrouver avec ce reportage contemporain couleur moyen format, l’émotion que j’ai pu ressentir en découvrant les images noir-blanc de la grande dépression étasunienne de l’entre-deux- guerres. Imprégné tout au long de ce reportage par des oeuvres telles que «Let Us Now Praise Famous Men» du photographe Walker Evans ou « Les Raisins de la Colère » de John Steinbeck, j’ai centré mon travail sur le vécu humain et social des migrants. (Christophe Chammartin)

Année de production : 2006–2007

Dames et chevaliers en porcelaine blanche, figurines de lutteurs de kung-fu et de ballerines, vases en verre contenant diverses sortes de fleurs… aucun objet n’échappe à l’esprit destructeur de l’objectif de Martin Klimas. Néanmoins, ce n’est pas l’idée de destruction qui prime sur ses photographies, mais plutôt celle de transformation. Faits dans un matériau fragile, ces objets s’effondrent inévitablement sur le sol et sont saisis par le photographe juste au moment de leur désintégration: un instant éphémère de silence absolu que l’oeil humain n’arrive pas à capturer en temps réel. Spécialiste de la photographie ultra-rapide, dont la chronophotographie est l’ancêtre, Martin Klimas se sert de fonds neutres, monochromes et d’un environnement contrôlé au millimètre près, afin de capter ces objets au moment précis où ils éclatent en mille morceaux. Le bruit produit par l’impact des vases et des figurines contre le sol, déclenche l’appareil photographique qui nous dévoile le mouvement arrêté, l’espace de transition entre objet et non objet. Cette technique favorise ainsi la perception de nouvelles structures, des «sculptures temporaires», créées par le photographe, qui se succèdent et qui ne durent qu’une fraction de seconde. Parmi tous les clichés qu’il prend de chaque objet, il en choisit un seul, celui qui exprime le mieux la mutation. Entre l’élégance et la violence, entre le repos et le mouvement, les photographies de Martin Klimas nous montrent la beauté et la poésie du moment de transformation et de silence qui précède la totale destruction. (Laura Sánchez Serrano)

Année de production : 2004-2007 / 2007-2010

« Polygon » est une série de photographies qui a été réalisée sur le terrain d’essais nucléaires de Semipalatinsk au Kazakhstan. Les photographies, prises en argentique sur des films moyen format, sont ensuite soumises à un rayonnement radioactif avant d’être développées. Le voyage de Charrière vers le « Polygon » est inspiré de la nouvelle « The Terminal Beach » de J.G. Ballard. Le projet oscille entre art, science et fiction, et nous emmène dans l’un des endroits les plus reculés et les plus inaccessibles qui soient : au début de l’ère nucléaire. C’est un lieu mystique, antithétique de toute vie humaine qui révèle l’esthétique dystopique d’une archéologie du futur.

Année de production : 2014

En mars 2020, en raison des restrictions liées à la pandémie, Pascal Greco doit renoncer à se rendre en Islande pour continuer un projet photographique. Confiné chez lui, il commence à se promener quotidiennement dans les paysages numériques du jeu Death Stranding sur sa Playstation 4. Au fur et à mesure des heures passées à jouer dans cet environnement digital, il constate que les paysages virtuels du jeu ont une ressemblance étonnante avec les paysages islandais qu’il projetait de photographier. Il commence à faire des zooms dans l’écran, à observer les détails des environnements construits et réalise des prises de vues dans le jeu grâce au mode photographique proposé, tant en plans serrés qu’en plans larges.

La série Place(s), présentée de manière installative, explore la pratique de l“in-game photography”, une pratique qui s’inscrit dans le cadre de la “post-photographie”. Ses images d’un réalisme troublant se concentrent sur des paysages “naturels” et “existants”. Elles interrogent notre perception et construction de la réalité à l’ère du digital. Des nouvelles images ont été produites pour le festival, l’artiste étant retourné en “Islande” avec un appareil photographique plus puissant, la Playstation 5. Il a ensuite utilisé un programme d’intelligence artificielle pour réaliser des impressions grand format.

Soutenu par : Photorotation

Année de production : 2020-2023

L’installation photographique Piegeception ouvre une réflexion sur la documentation d’un espace mais aussi sur la perte de contrôle des images dans un système de production qui aujourd’hui nous échappe. Tout au long de la manifestation, deux cameras réglées par un minuteur réalisent des photographies à des intervalles réguliers. Ici, l’espace d’exposition est pensé comme un territoire avec ses propres rythmes et cycles d’activités. La capture photographique est conçue comme un processus qui sauvegarde ou perd l’information du vécu, créant ainsi une tension entre perte et mémoire. Les visiteur-euse-s et les intervenant-e-s qui occupent l’espace deviennent ainsi, malgré eux-elles, acteur-trice-s et sujets du dispositif.

Année de production : 2019

Exposition de photographies et portraits filmés de 28 photographes suisses
CentrePasquArt, Biel/Bienne, 2.9 – 29.10.2006

La Fondation suisse pour la culture et le CentrePasquArt présentent PHOTOsuisse dans le cadre des 10e Journées photographiques de Bienne. PHOTOsuisse réunit 28 artistes contemporains de la photographie provenant de toutes les régions de Suisse. Parmi eux, des jeunes photographes très en vue, mais également des artistes confirmés qui ont marqué l’évolution des tendances au cours de ces trente dernières années. Cette sélection présente les domaines de la documentation, du reportage photographique et de la photographie artistique. L’exposition est articulée en trois groupes, MEDIA, MATRIX et MILIEU, de manière à illustrer les différentes positions et stratégies qui caractérisent les oeuvres de ces photographes.
L’exposition a été présentée pour la première fois en automne 2005 à Rome, lors de l’inauguration de l’Istituto Svizzero di Roma. A cette occasion, les trois thèmes ont été montrés successivement dans le temps. Lors du passage de l’exposition au Tessin d’avril à juin 2006, MEDIA a été présentée à Ascona au Museo Comunale d’Arte Moderne alors que MATRIX et MILIEU étaient exposées à la Pinacoteca Comunale CASA Rusca. A Bienne, les trois thèmes de l’exposition sont à découvrir ensemble au CentrePasquArt.
L’exposition est accompagnée de 28 portraits filmés qui font pénétrer les visiteurs dans les ateliers des artistes. Ce sont les photographes eux-mêmes qui présentent leurs oeuvres et nous permettent ainsi de nous confronter de manière approfondie à leur travail. Ces portraits nous font également découvrir les photos exposées sous un autre jour. Des moniteurs offrent au visiteur la possibilité de visionner en quatre langues (français, allemand, italien et anglais) les portraits des artistes qui l’intéressent le plus.
MEDIA La relation aux images: Olaf Breuning, Olivier Christinat, Christian Coigny, Katrin Freisager, Peter Knapp, Urs Lüthi, Gérald Minkoff / Muriel Olesen, Reto Rigassi, Alberto Venzago
MATRIX L’examen de la surface: Stefania Beretta, Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Nicolas Faure, Alberto Flammer, Thomas Flechtner, Georg Gerster, Alain de Kalbermatten, Luciano Rigolini, Gaudenz Signorell
MILIEU L’espace social: Manuel Bauer, Luc Chessex, Michael von Graffenried, Monique Jacot, Gian Paolo Minelli, Jean Mohr, Annelies Štrba, Beat Streuli, Christian Vogt
Initiée et financée par la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia, l’exposition PHOTOsuisse a été réalisée par les curateurs Andreas Hertach et Hilar Stadler. La Fondation Stanley Thomas Johnson contribue à la réalisation de la tournée suisse de l’exposition.

Il était une fois une ruelle dite «des Photographes». Elle débutait ou bien encore se terminait au sud-ouest de la Place Centrale de Bienne. Elle n’appartenait ni à la Rue de la Gare, ni au Quai du Bas, mais se trouvait tout simplement au beau milieu. Elle conduisait vers une arrière-cour, où elle finissait par perdre son nom. Survivre sans plus avoir de nom! Voilà qui est bien étrange pour une rue, même si on la dit de peu d’importance. Bien curieux aussi ce nom qui semble disparu! Les registres du Cadastre de la Suisse ne mentionnent qu’une «Rue des Photographes» à Genève. De «Ruelle des Photographes», vous n’en trouverez nulle part, à moins d’aller bien loin!Voilà qui justifie bien de redonner vie à cette ruelle des Photographes de la Bienne d’autrefois et de lui rendre, mais oui, son ancien nom! Mais l’ancien nom est-il ou était-il adéquat? Quel lien existait-il entre ce passage étroit, insignifiant, situé entre deux rangées de maisons, et les perspectives offertes par la photographie? En voici l’explication: celui qui quitte la Ruelle des Photographes – comme il y est venu, car le passage d’autrefois vers la Rue de la Gare n’est plus accessible de nos jours – et regarde en direction du Canal de la Suze, vers le pied du Jura, tombe sur l’emplacement exact du magasin «Photo Bandi», qui est resté ouvert à la clientèle durant 70 ans. C’est dans ce magasin, qui servait aussi d’atelier photo, que Fritz Bandi et la collaboratrice qui lui succèda, Ruth Patzer, ont mis leur passion et leur savoir-faire à fixer sur la pellicule les visages, jeunes et vieux, des Biennois et des gens des environs.

L’arrivée des automates à photos, des caméras digitales et du traitement photographique par ordinateur, a étouffé le métier traditionnel des photographes-portraitistes. Les photos, elles, sont restées: dans le cas du magasin «Photo Bandi», ce sont environ 50.000 négatifs en noir et blanc. Ces portraits, remontant à 40 ans, viennent d’être sauvés de la destruction grâce à la «Mémoire régionale» – un projet de W. Gassmann S.A., qui s’occupe de rassembler des photos et des films sur l’histoire de la région. Pour la première fois, une sélection de ces archives Bandi est présentée au public.

Manuela Di Franco

Exposition du Collège du Châtelet à Bienne
12 élèves de 13 à 16 ans, sous la conduite de Francis Boillat, proposent une exposition surprise sur le mouvement et la mobilité. Leurs travaux ont été réalisés au cours d’une semaine hors-cadre fin juin 2005.

Le cube camera obscura (1er projet)
Dans un premier temps, les élèves ont été invités à construire leur petite camera obscura de format cubique 9 x 9 cm. En parallèle, ils devaient découvrir la mobilité du point de vue en photographiant dans les six directions correspondant à chaque face du cube posé à même le sol. Ils ont produit ainsi 6 négatifs sur papier de format 9 x 9 cm qu’ils ont ensuite scannés, inversés et redressés à l’aide d’un traitement d’image. Cette étape a permis de les initier au laboratoire numérique sans passer par une caméra photographique traditionnelle. Les cubes sont exposés suspendus dans une installation avec les tirages positifs agrandis.
La mobilité comme objet d’abstraction (2e projet)
Equipés d’appareils de photo numériques, les élèves sont partis à la découverte de l’abstraction en photographiant des détails d’objets liés à la mobilité et capturés dans l’environnement immédiat de l’école. Ils devaient ensuite sélectionner 6 images qu’ils ont optimisées en vue de l’exposition.

Exposition de l’Ecole secondaire du Bas-Vallon à Corgémont
12 élèves de 15 à 16 ans, sous la conduite de Christian Rossé, ont travaillé seuls ou en petits groupes sur différents projets liés à la mobilité.

Ils se sont mis en scène dans différents environnements allant de la ville à la campagne en passant par le studio pour exprimer leur univers fait de cinéma, de sport et de joie de vivre.

Les sujets traités vont du portrait («mon œil!») à la passion surf («moi et ma planche à roulettes»), en passant par le lèche-vitrines («je ne prends pas le temps de m’arrêter!»), la Place de la Gare («un espace en mouvement») et le phénomène de l’apesanteur («duo fluo»).

Le résultat est coloré et explosif!

En toute innocence, les clients d’un magasin d’électronique de loisirs documentent leur propre comportement de consommateurs.

Année de production : 2011 / 2009-2011

En collaboration avec le Centre hospitalier Bienne, les Journées photographiques de Bienne présentent une sélection de clichés de l’artiste biennoise Jeanne Chevalier. Prises au cours des années 1979 et 1989, les différentes photographies exposées sont le résultat d’un important travail documentaire entrepris par l’artiste. De l’Hôpital pour enfants Wildermeth, aujourd’hui regroupé avec le Centre hospitalier Bienne, à l’ancienne École d’infirmières de Beaumont, les multiples clichés découvrent les coulisses d’un certain quotidien hospitalier – celui des instants de complicité, des courts moments de détente, de l’inquiétude qui se lit parfois sur les visages et des quelques éclats de rire capturés. (EE)

Curatrice : Elena Ese

Année de production : 1979, 1989

Prenant appui sur la thématique de la physionomie de cette édition des Journées photographiques de Bienne, l’exposition «Photo Panini» se veut à la fois rétrospective, documentaire et interactive. Il s’agit d’interroger notre rapport aux figurines Panini selon ces trois axes. Tout d’abord, un extrait des archives, prêté par la maison Panini de Modène (Italie), donne à voir quelques pièces déjà historiques et fort rares, prémices d’un succès populaire planétaire. Présentées dans des vitrines de musée, ces archives nous relient à une mémoire immédiate, plus familiale que publique, plus intime que collective. Elles drainent tout un corpus de souvenirs, faits d’attachement à la constitution d’une collection personnelle, le cas échéant, de détachement par rapport à un phénomène d’édition qui ne nous touche guère, ou alors, dès que la collection est terminée, par rapport à son devenir… Puis une série de documents imprimés montrent les figurines Panini de la Coupe du Monde 2006 avant leur découpe, dans une cohérence fixe, qui préexiste à celle de leur distribution par petits paquets aux quatre coins de la planète. Là encore, le regard est invité à se perdre dans la masse, avant d’être saisi par un réflexe aiguisé de sélectionneur. Enfin, l’exposition «Photo Panini» prend fait et cause pour les figurines Panini orphelines. Celles qui n’ont trouvé ni preneur ni demeure ont été recueillies par les Journées photographiques de Bienne 2006. Durant le festival, elles seront restituées au public avec un certificat d’adoption, contre une garantie de bons soins.

Les biologistes considèrent la méduse Turritopsis dohrnii comme pratiquement immortelle. Elle peut en effet régénérer son ADN jusqu’à 14 fois et est ainsi techniquement en mesure de renaître. Le travail vidéo « Perpetual Operator » de Dominique Koch associe la destinée de cette espèce de méduse et les déclarations du sociologue Maurizio Lazzarato et de Franco ‘Bifo’ Berardi. La méduse fonctionne comme personnage d’un cycle complexe qui commente l’état d’un modèle capitaliste au bord de l’effondrement, et compare ce dernier avec les parangons de l’art contemporain. (Nadine Wietlisbach)

Une exposition du Photoforum Pasquart.
Avec le soutien de : Fachausschuss Audiovision und Multimedia der Kantone Basel-Stadt und Basel-Landschaft.
Futurum Stiftung Basel.

Année de production : 2016

A travers le médium photographique, Bertrand Cavalier explore les interactions entre les personnes et les environnements urbains modernistes dans lesquels elles évoluent. Permanent Concern, la série d’images qu’il présente a été réalisée avec un smartphone aux Pays-Bas, au gré de ses déambulations dans les villes. Briques, béton, plastique, traces, motifs et fragments d’architectures urbaines constituent les sujets de ses images. Ces éléments sur lesquels son regard s’arrête et qui peuvent paraître banals, révèlent des pratiques subjectives et sociales qui se déploient quotidiennement dans l’espace public.

Par l’utilisation parfois maximale du zoom, en cadrant ses sujets de manière à créer un déséquilibre, ainsi qu’en jouant avec la répétition de certains motifs ou sujets, l’artiste provoque un sentiment de déjà-vu chez les spectateur·trice·s. De plus, le transfert qu’il opère de l’espace tridimensionnel à la bidimensionnalité de l’image questionne les liens que l’être humain entretient avec son environnement et avec les représentations de ce dernier. Imprimées en monochrome à l’aide d’une imprimante laser, son installation propose un dialogue poétique entre les noirs et les blancs, entre les pleins et les vides, entre l’absence et la présence, ainsi qu’entre le passé et le présent.

Soutenu par : Wallonie Bruxelles International / Fédération Wallonie-Bruxelles

Année de production : 2021-2022

Que cherchent les touristes sur une île tropicale perdue? En 1985, les parents de Thomas Egli ont passé leur lune de miel sur Gili Trawangan, une petite île près de Lombok dans l’archipel indonésien. Ils décrivent ce lieu comme l’un des plus beaux sur Terre. D’une île de lagune pratiquement vierge, Gili Trawangan s’est transformée 30 ans plus tard en un lieu touristique effervescent. Thomas Egli raconte des histoires bouleversantes qui sont à la fois un miroir et une critique du langage visuel inoffensif diffusé par l’industrie du tourisme.

Année de production : 2015

En 2007, Sébastien Cuvelier reçoit de sa mère le journal de son oncle, parti explorer l’Iran dans les années 70, avant la destitution du Shah. Porté par cette pièce d’archive familiale, l’artiste s’est à son tour rendu plusieurs fois en Iran afin de construire sa propre représentation du pays, à l’heure actuelle. Ses photographies, juxtaposées à des extraits tirés du journal de son oncle, questionnent la notion d’héritage, la recherche d’un changement à la fois personnel et sociétal, et révèlent les failles qui peuvent émerger au sein d’un «paradis» religieux et totalitaire.

Année de production : 2017-2018

«Je fais des images du monde tel que je le vois, et je le vois de cette manière parce que je fais des images.»

S’asseoir sous les palmiers de Miami, admirer l’architecture moscovite, venir à bout du québécois et contempler la Mongolie depuis la Grande Muraille de Chine. Prendre un petit déjeuner à Prague et dîner à Izmir. Chambre d’hôtel, salutation personnelle, dear Mister Swissair, lit de deux mètres, vue sur Midtown Manhattan, piscine à Athènes, Munich, saucisses et bretzel à 5 h du matin, eat as much as you can. Arabie Saoudite, recouverte d’une habaya par 40°. Voir, expérimenter, se hâter, Hong-Kong en 24 heures, consommer, s’arrêter, ne rien oublier, photographier. Constamment en chemin. Des villes, des gens, la mer, partout. Mal du pays, lieux habituels à l’étranger, St-Laurent à Montréal, le Colonial à New York, Welcome back, et pourtant à chaque fois une autre rue pour retourner à l’hôtel. Toujours tout découvrir à nouveau. OUT OF TOWN – tout est différent et pareil à la fois.Entre 2000 et 2004, Sabine Troendle, hôtesse de l’air chez Swiss(air), a parcouru le monde de long en large. A des fins d’orientation, elle a photographié systématiquement tout ce qu’elle a vécu en s’intéressant en particulier à l’interaction entre photos souvenir et images artistiques. Les images de Sabine Troendle témoignent d’une vision de l’étranger qui s’est révélée au moment même de sa présence sur place. Il y est question de vitesse et de superficialité, d’aventure et de répétition, d’interchangeabilité, d’échange et de mélange – mais aussi de beauté et de fascination de l’instant.

« Options for Walls » est une appropriation spatiale au moyen de la représentation photographique. La photographie d’une paroi (exposition « Transform », 2013) a été mise à l’échelle des dimensions de la surface photographiée, puis imprimée (laser) en noir-blanc au format A4, montée et tapissée sur la même paroi. La paroi devient ainsi copie et document d’elle-même. Du lieu d’origine, transportée dans une salle d’exposition, nous découvrons la paroi en tant qu’installation dans un nouveau cadre institutionnel. Chaque situation est photographiée à nouveau, puis appliquée sur la paroi de bois et transportée dans un nouveau contexte. Alors que le mur se déplace et se relocalise dans l’espace, l’image continue de se complexifier et tient, ainsi, sa chronique d’exposition. (MG)

Année de production : 2013-

Le paysage qui nous entoure est en perpétuel changement. L’horizon est de plus en plus surchargé et ceci même quand il ne semble plus y avoir assez d’espace disponible. Dans tout cela, où joueront les enfants? Y aura-t-il assez de place pour leurs terrains de jeux?

C’est l’histoire d’un monde fantastique où les enfants ont toujours assez d’espace pour jouer. Dans quelques jours, le site sera transformé en chantier. Actuellement, c’est la seule aire de jeu restante pour les enfants du quartier.

A l’occasion des 20 ans des Journées photographiques de Bienne, trois jeunes festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) ont été invités à participer à la programmation.

En collaboration avec Goa Photo (IN).

Année de production : 2014

Avec Megan Cump, Tim Davis, Jade Doskow, Matthew Gamber, Sam Jury, Kalle Kataila, Jason Lazarus, Oliver Wasow

Les photographes qui participent au projet «One Hour Photo» prennent un engagement singulier: ne pas reproduire ou vendre l’image sélectionnée au-delà de l’exposition. Le concept veut en effet que des photographies soient projetées les unes à la suite des autres, chacune pendant une heure, et qu’elles soient ensuite détruites. En montrant des images pendant un temps limité, «One Hour Photo» suscite une foule de  réflexions, tant sur la perception que nous avons de la photographie que sur le travail du photographe. Esquissons ici l’une ou l’autre d’entre elles. Grâce à ce procédé, chaque image cesse d’être un objet et devient une expérience, un processus avec un début et une fin. Le spectateur devient l’appareil photographique qui capture l’image, et sa mémoire le support et la seule trace qui en restera ensuite. «One Hour Photo» recentre ainsi l’expérience de l’art sur le moment de la perception, écartant tous les actes périphériques auxquels la visite d’une exposition est de plus en plus associée, comme l’acquisition d’une œuvre, l’achat de produits dérivés ou encore les comptes rendus dans la presse ou par le biais de réseaux sociaux. En faisant disparaître des images après les avoir montrées pendant une heure, «One Hour Photo» ne fait que souligner la nature éphémère et fragile de la photographie, et plus encore de la photographie numérique. Contrairement aux qualités qu’on lui prête habituellement, mémoire infaillible et permanente d’un moment passé, elle n’a, comme tout autre objet, qu’une durée de vie limitée. «One Hour Photo» remet ainsi en tension le rapport de la photographie au temps.  Dans un monde où l’image est banalisée par des flux constants et à la portée presque illimitée, «One Hour Photo» prête à la photographie la qualité d’objet rare et unique, dont la présence fugitive est un moment précieux. (Anne Froidevaux)

Année de production : 2011

Emma, Anne, Anne-Marie et Bernadette ont été diagnostiquées comme électrosensibles par une équipe du professeur Belpomme à Paris. Cela signifie qu’elles ne supportent ni les réseaux électriques domestiques, ni les rayonnements électromagnétiques et à hautes fréquences comme ceux du téléphone mobile et de la wifi. Depuis des années, elles cherchent les fameuses white zones, des zones mortes sans champs électromagnétiques. Dans le département français de la Drôme, elles ont trouvé des lieux où elles peuvent dormir en paix. Les symptômes électrosensibles sont reconnus par l’OMC. Depuis décembre 2013, la France paie des rentes d’invalidité, mais ne reconnaît pas la maladie. Une étude suédoise montre qu’il faut compter avec trois pourcents de personnes électrosensibles sur l’ensemble de la population.

Année de production : 2014

De nos jours, l’industrie du tourisme propose des voyages organisés dans les « zones de conflits ». Ainsi, « Offscreen », le triptyque vidéo de Gabriela Löffel, raconte le séjour en Iran et Afghanistan d’un jeune homme parti à la fin de ses études. Si le récit est bien réel, les scènes tournées en studios de cinéma de Babelsberg à Potsdam, les faux décors, la voix off et la présence des cascadeurs font osciller le film entre fiction et réalité, telle une mise en scène de l’authenticité pour parler de la guerre, devenue bien de consommation. (cv)

Année de production : 2012-2013

Le ciel est strié de fils hérissés de piquants – qu’on associe automatiquement aux fils barbelés, à la prison, aux camps de concentration. Pourtant, ce que Tiziana De Silvestro présente n’a rien à voir avec une barrière, une frontière, un obstacle. Ces supports lumineux qui reviennent à intervalles réguliers nous sont familiers: il s’agit des éclairages de Noël d’une grande ville. Et la barrière hérissée de piquants est celle qui existe dans nos têtes. Tiziana De Silvestro capte dans son objectif les obstacles que nous rencontrons à chaque pas: limitations dues aux chantiers, feux de signalisation, murs, rambardes. Parfois, les photographies ne font que les esquisser; souvent, ils apparaissent au premier plan. Mais nous n’avons pas besoin de les percevoir plus distinctement – nous savons ce dont il s’agit. Cela fait bien longtemps que nos yeux et notre âme se sont accommodés des restrictions. Lorsque nous butons contre une barrière, nous nous arrêtons ou nous changeons de direction, même si l’obstacle est facilement surmontable. Pourquoi dans le fond? C’est la question soulevée par Tiziana De Silvestro. Elle tente de mettre en images nos limites mentales. Les murs, les barrières et les fils de fer de ses photos sont autant de signes de nos manières d’agir et de penser. Autant d’objets certes statiques, mais qui ont le pouvoir d’empêcher, de déranger, de freiner, de détourner. Le fait que les images aient été prises à Hongkong ne jouent qu’un rôle mineur. Les barrières sont les mêmes partout. La question est bien plutôt de savoir ce qu’elles sont capables d’empêcher.

Lilo Weber, journaliste culturelle

Comment appréhender une société que nous ne connaissons pas? En quoi notre culture façonne-t-elle notre regard? Observing the Unknown est un projet sur l’absence d’informations dans un monde saturé d’images et de données. Sur l’île North Sentinel Island dans l’Océan Indien, vit une tribu indigène sans aucun contact avec le monde extérieur et préservée des technologies modernes. Elle est devenue un objet de projection, d’imagination, d’idées politiques et de théories radicales. En combinant des photos trouvées dans des banques d’images ou dans des clips publicitaires, Dominique Wyss interroge les principes, les normes et les désirs qui caractérisent nos sociétés.

Année de production : 2016

Contesté par de nombreux citoyens, Google Street View est l’outil de base du travail d’Edgar Leciejewski. Il en extrait des images qu’il retravaille pour brosser le portrait de la population du XXIe siècle.

Année de production : 2011

Lauréat Rado Star Prize Switzerland 2013 @ Biel/Bienne Festival of Photography

Les images de cette série montrent une imbrication de personnes et d’éléments urbains résultant d’un choix minutieux du photographe. Le cadrage est réalisé en deux temps : d’abord avec une grande distance lors des prises de vue au Japon, puis par une exploration détaillée des captures pour y déceler un sujet latent passé inaperçu. Ce procédé contribue à conférer à la série un caractère intrigant qui s’intensifie à la lecture des images. Le jury a salué non seulement la grande qualité expérimentale du travail primé, mais aussi le traitement original des sujets photographiés, loin des clichés habituels sur le Japon, pays abondamment photographié.

Organisé par les Journées photographiques de Bienne et les Montres Rado SA, ce prix international de photographie offre au lauréat une exposition lors des Journées photographiques, la production des travaux exposés jusqu’à hauteur de CHF 10’000, ainsi qu’une résidence d’un mois en Chine.
Les photographies primées ont été sélectionnées parmi 200 dossiers provenant de 15 pays européens par un jury composé de Dr Simon Baker (président), conservateur du département Photography and International Art à la Tate Modern de Londres; Mirjam Fischer, éditrice indépendante de livres d’art, de photographie et de design à Zurich; Gerardo Mosquera, critique d’art indépendant, curateur, historien et directeur artistique de PHotoEspaña à Madrid, ainsi que de Hélène Joye-Cagnard, codirectrice des Journées photographiques de Bienne et commissaire d’exposition indépendante et Philippe Walther, Brand Manager Marché Suisse chez les Montres Rado SA (voix consultatives).

Année de production : 2010-2013

L’argent est un passeport pour la réalisation de nos voeux. Mais tout a son prix – chaque promesse, chaque service.

Beaucoup de parties du corps sont aussi connotées par l’argent: « Kopfgeld » (impôt prélevé par tête), « Fersengeld geben» (lever le pied), « Sch.. » (m…)

En anglais, on engage quelqu’un à dire la vérité en lui disant: « Met ton argent où est ta bouche ». Souvent, nous sommes forcés de nous « épargner de dire quelque chose ». Parfois l’on doit changer nos capacités pour « y trouver son compte » ou être « solvable ».

Si nous ne fixions pas le prix des choses, beaucoup de choses auraient leur vraie valeur.

Daniel Schwartz, mai 2004

Nothing Personal est un projet en cours sur le marché de la guerre. A l’opposé d’un champ de bataille, ce monde est un immense terrain de jeu pour les adultes. On leur propose du vin, des petits fours et des armes étincelantes. Les cadavres sont des mannequins ou des pixels sur les écrans des simulateurs. Les bazookas et mitrailleuses sont montrés sur écrans plats. Les foires à l’armement de guerre sont généralement fermées au public, à quelques exceptions près. Les photos ont été prises à Kielce (Pologne), Minsk (Biélorussie) et Séoul (Corée du Sud) entre 2016 et 2017.

Année de production : 2016-2017 (ongoing)

« Notes sur H2 » se déroule dans une ville désertée et partiellement détruite (Hébron). Le narrateur part à la recherche du dernier homme vivant là-bas, seul et abandonné de tous. Le film établit sa propre fiction, un récit post-apocalyptique pour faire référence à un genre différent : reportage ou documentaire. Tourné dans la zone militarisée H2, le film cherche à scinder selon ses possibilités la même modalité de vision : d’une part la domination, le contrôle et l’appropriation, et d’autre part la compassion, la célébration et le respect.

Année de production : 2014

Le mythe du pouvoir tout voir en temps réel a parfois des ratées.

Année de production : en cours

Pour son reportage photographique No Blackout, Marc Renaud a relevé le challenge de mettre en images une matière invisible, l’électricité. Le photographe a remonté le flux électrique jusqu’aux éléments sources: l’eau, le vent, le soleil et les ressources fossiles. Au fil des images, la matière électrique se révèle dans l’architecture de structures en béton, dans les chantiers alpins monumentaux, captée dans le vent par des mats jurassiens ou devenue lumière dans les chambres blanches des laboratoires de microtechnique. Remonter le fil électrique, c’est aussi donner une image à la fragilité de nos ressources et ouvrir les portes à un questionnement sur notre consommation énergétique.

Année de production : 2017-2019

La série a été réalisée à Kiruna, petite ville suédoise au nord du cercle arctique. La ville, construite au cours du siècle dernier pour répondre aux besoins des travailleurs des mines, tient sa principale ressource dans l’extraction du minerai de fer. La dynamite, utilisée chaque nuit afin d’extraire le minerai de la montagne Kirunavaara, fait trembler le sol de la ville et menace de l’entraîner dans son effondrement. Chaque explosion accroît les fissures et les déformations du paysage, gagnant peu à peu la ville de Kiruna. « Night time tremors » est le portrait d’une ville où la normalité se tient sur un sol instable, au propre comme au figuré.

Année de production : 2015

Pour développer sa série photographique New Dutch Views, Marwan Bassiouni s’est rendu dans plus de septante mosquées aux Pays-Bas, entre janvier 2018 et février 2019. Ses prises de vues frontales et verticales, réalisées à l’intérieur des mosquées, opèrent comme des fenêtres sur le monde extérieur, créant un dialogue formel entre ces deux espaces. Construites de manière rigoureuse, ses images évoquent à la fois les oppositions et les liens qui existent entre les représentations religieuses et culturelles, orientales et occidentales.

Année de production : 2018-2019

Pour « New Artificiality », Catherine Leutenegger s’est rendue au siège d’une entreprise chinoise de construction fabriquant des bâtiments avec de gigantesques imprimantes 3D. Ces millefeuilles de ciment, conçus en un temps et un coût record, vont-ils s’imposer en tant que nouveau mode de construction et marquer la fin de la standardisation ? L’impression 3D inaugure ici une fusion inédite entre l’architecture et la représentation, et reformule notre expérience de la réalité. Adaptées aux dimensions de l’espace d’exposition, les grandes photographies de Leutenegger génèrent un trouble dans notre compréhension des nouvelles coordonnées d’une image tridimensionnelle habitable.

Année de production : 2016

En ce début de troisième millénaire, l’essor des technologies numériques a ouvert de nouvelles pistes d’expérimentations sans précédent. L’impression 3D fait partie de ces technologies dont les perspectives de développement me fascinent, de par sa démocratisation progressive et ses possibilités toujours grandissantes en voie probablement de révolutionner plusieurs secteurs d’activités.

Quelles sont les limites de ce procédé dont les pouvoirs qui lui sont conférés semblent quasi infinis ? Avec quel degré de précision est-il en mesure de répliquer le réel ? Et que se passe-t-il lors d’une défaillance du logiciel ou de la machine d’impression, lorsque le « glitch » du modèle numérique 3D se matérialise en un objet physique dans l’espace? (CL)

Année de production : 2015-

« Neuseenland » est une étude topographique montrant l’évolution d’une région d’Allemagne de l’Est où l’une des plus grandes transformations de paysage a actuellement lieu en Europe.
L’extraction de charbon était le secteur économique le plus important de ce territoire de l’ancienne RDA. Dans les alentours de Leipzig, deux zones sont encore en exploitation, alors que toutes les autres, inactives aujourd’hui, ont été noyées et transformées en lacs artificiels dans le but d’être vendues comme aires de loisirs et de détente. Éloignée désormais temporellement et géographiquement de cette région dont je suis originaire, cette étude m’a permis de redécouvrir ce lieu sous une nouvelle perspective. (SG)

Année de production : 2014

Durant le siècle passé de l’histoire politique iranienne, l’hymne national du pays a été changé trois fois : il a été adapté chaque fois qu’un nouveau régime oppressif a pris le pouvoir.

Dans mon travail photographique, j’utilise des emblèmes culturels afin de les confronter à ma vision du Moyen-Orient en tant qu’observatrice externe. En me focalisant sur des faits sociaux médiatiques, je me procure des images issues de fuites de données et les adapte pour les faire exister dans de nouvelles configurations. Chaque image se réfère à un événement de l’histoire iranienne tout en faisant également allusion à la manière dont l’Orient et l’Occident ont réagi à ces évènements sociaux. (SS)

Année de production : 2014-2015

Les prises de vues de la série Mundus ont été réalisées dans un ensemble de grottes italiennes et suisses pendant une année de résidence à l’Institut suisse de Rome. Chaque image est constituée d’un dyptique photographique qui nous donne à voir des fragments de seuils rupestres s’apparentant à des cavités oculaires ou à de brillantes surfaces rétiniennes. L’artiste appréhende les lieux physiques et symboliques comme des brèches d’ouverture vers le monde mais aussi comme des abîmes qui plongeraient le-la spectateur-trice dans sa cavité mentale intime. A travers cette série, Marion Tampon-Lajarriette nous propose une expérience des limites entre l’extérieur et l’intérieur, le visible et l’invisible, le réel et le virtuel.

Année de production : 2017

Dans sa série « Moi avec des filles », Romain Mader questionne encore une fois, avec humour, son rapport aux femmes. Au salon de l’automobile à Genève, il pose fièrement devant les hôtesses plantureuses et les voitures qu’elles représentent, comme pour prouver ses conquêtes éphémères. Vêtu d’une chemise « kitschement » jaune et posant pour un « selfie », Romain Mader se plaît à se mettre lui-même en scène pour continuer à documenter sa quête éternelle de bonheur et ainsi combler sa solitude amoureuse. (cv)

Année de production : 2009

La ville est un espace de contrôle où la nature est modelée et structurée par l’homme qui s’approprie l’espace.

Année de production : 2010

La passion que nourrit Biss pour la nature et la photographie l’a amené à créer « Microsculpture ». Cette série de portraits en très grands formats révèle la structure microscopique d’insectes dans des détails impressionnants par leur haute résolution. Elle offre également une opportunité unique de découvrir et d’apprécier ce monde caché. Chaque sujet (issu de l’Oxford University Museum of Natural History) a été monté sur un microscope adapté pour permettre le contrôle optimal de la position du spécimen devant l’objectif de la caméra. La plupart des insectes ont été photographiés en 30 sections, chaque partie étant éclairée différemment par une lumière stroboscopique afin de renforcer l’aspect visuel plastique de chacune des zones du corps de l’insecte. Chaque portrait d’insecte a été recomposé à partir de plus de 8000 clichés individuels.

Une exposition du NMB Nouveau Musée Bienne.

Année de production : 2016

J’ai réalisé ce projet après avoir trouvé une valise qui trainait dans la rue depuis cinq jours. J’ai commencé par documenter méticuleusement chaque objet individuellement et je me suis rapidement rendue compte de la nature de ce que j’avais sous les yeux.

À une distance d’environ cinquante mètres de ma fenêtre se trouve un parking où il m’est arrivé de voir des jeunes femmes se cachant entre les voitures, pour changer de vêtements ou se mettre du rouge à lèvres. Elles avaient ces sortes de sacs avec elles, elles montaient dans les voitures qui passaient et laissaient leurs bagages cachés dans des buissons ou sous des branches. Je l’ai appelée Magdalene et j’ai imaginé ce qui lui était arrivé. Très vite, j’ai commencé à faire entrer ses affaires en interaction avec les miennes. (ME)

A l’occasion des 20 ans des Journées photographiques de Bienne, trois jeunes festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) ont été invités à participer à la programmation.

En collaboration avec Fotopub (SI).

Année de production : 2014

Pouvons-nous envoyer de drôles de photos d’animaux dans l’espace à l’adresse des extraterrestres pour qu’ils découvrent l’écosystème de la Terre? Notre facilité d’accès aux innombrables photos d’animaux sur Internet détruit notre conception que seuls les humains posséderaient conscience de soi, langue, culture, terre et coutumes. Mais quand un lion arrête-t-il d’être un lion? Comment les catégories typiques de la photographie de nature, conçues par les mains de la science, sont-elles remplacées par les images d’amateurs qui documentent une vie sauvage et son environnement disparaissant sous une urbanisation galopante? En conséquence, ces images requièrent-elles des catégories scientifiques entièrement révisées?

Année de production : 2015

A l’aide de combinaisons spatiales prototypes et de régimes alimentaires composés uniquement d’aliments lyophilisés, certains consacrent des semaines ou des mois de leur vie à simuler l’environnement martien pour se préparer au jour où il faudra quitter la Terre. Pour la plupart de ces pionniers, leur souhait est de participer à la recherche en exploration spatiale. Les sites de simulation tels que HI-SEAS ou MDRS créent une expérience qui brouille les frontières entre la réalité et la fantaisie; un univers où l’air est irrespirable, où le contact avec les êtres chers est limité et où la dépendance et la coopération des membres d’équipage est au centre des préoccupations.

Année de production : 2015

En flânant dans le Petit-Bâle, devant les vitrines des photographes turcs, j’ai découvert des photographies qui m’ont paru différentes : elles témoignaient d’une manière colorée de fêtes que nous connaissons mais que nous célébrons autrement. A côté de portraits d’anniversaires et de représentations de couchers de soleil, les photographies de mariage ont attiré mon attention par leur composition et leur témoignage.Ces images se distinguent des photographies de mariage que je connais par leur langage et par leur émotion particulière: le désir de faire un bon mariage est mis en scène de façon imagée. L’instant solennel est représenté par une grande joie. On voit souvent sur ces photographies une famille nombreuse qui témoigne ainsi de l’importance du moment. En revanche, le contexte culturel, la tradition et les attentes du couple se retrouvent difficilement dans ces documents.

Le choix de l’arrière-plan est inhabituel pour notre goût, pour nos yeux. Mais c’est justement par cela qu’est manifesté un autre usage de la photographie: elle n’a pas la prétention de représenter une réalité, elle veut illustrer un rêve romantique et sentimental.

Pour découvrir le monde de ces images, j’ai accompagné pour une courte période le travail du photographe Özlem dans le Petit-Bâle. Ce travail est né durant les séances de pose des mariés et de leurs invités au studio.

Tanja Schmidlin

Je suis de l’avis que chaque couple qui se marie a droit à de bonnes photos de reportage. Pour moi, les mariages sont une bonne opportunité de perfectionner l’œil. Ici, je ne peux pas mettre en scène mais je dois réagir. J’accompagne le couple et ses convives pendant toute la journée. Particulièrement captivant : la nervosité le matin, au moment de l’habillement, pendant la coiffure, ensuite les petits moments d’intimité entre les grands moments et ce qui se passe dans les coulisses.Le jour du mariage est de grande importance pour beaucoup de personnes. Pour la première, et parfois l’unique fois de leur vie, elles sont le centre d’intérêt. Un mariage est aussi un événement particulier au sein de l’histoire familiale. Une fois, j’ai lue une histoire qui montre combien il est important de fixer les mariages par l’image. Sur le chemin du retour d’une noce, les deux frères de la mariée se sont tués dans un accident ; les photos qui avaient été prises la veille avaient tout à coup une tout autre signification. Je trouve beau quand un couple réalise son rêve de mariage. Pour l’exposition, j’ai choisi deux reportages. Barbara Göldi et Jan Martell se sont mariés en été 2002 à Saint-Gall, en Suisse. L’été suivant, le frère de la mariée, Andreas Göldi, et Bettina Hein se sont mariés en France. Barbara Göldi et Jan Martell ont fait documenter leur mariage de façon systématique. Le jour, fut photographié, filmé, et même décrit par un auteur. Les invités furent dessinés par un artiste. Bettina Hein et Andreas Göldi avaient organisé leur mariage dans un château dans le Beaujolais. Là-bas, ils firent la fête pendant trois jours. Les hôtes ne furent pas seulement gâtés sur le plan culinaire, on s’occupa aussi d’eux de manière remarquable. On pouvait se faire masser maquiller on coiffer. Les amis du marié, les « grooms » et les amies de la mariée, les « brides » portaient les mêmes habits. Le couple réalisa avec ce mariage de rêve un souhait de longue date pour lequel il avait expressément épargné.

Stöh Grünig

Après plusieurs années, on me demanda à nouveau de faire les photographies d’un mariage, en Suisse. La première et dernière fois que je l’avais fait, c’était en Croatie à la fin des années 80. Peu après que j’eus décidé que la photographie serait mon occupation professionnelle, mon père m’avait trouvé un petit boulot d’une journée : l’un de ses amis se mariait. Au début, tout le monde était beau et sympathique, mais au fur et à mesure que la soirée se déroulait, les gens se laissaient aller et ne me respectaient plus du tout. Je ne contrôlais plus ce qui se passait devant mon objectif.En 2003, un ami d’un ami se mariait et j’acceptai le défi de documenter l’événement d’une manière non conventionnelle : ni instantanés des participants ni images-familiales-par-petits-groupes-debout-en-face-de-l’appareil. Toute la prise de vue fut prévue d’avance et tous les participants en furent informés dès l’apéritif. Il fallut trois minutes par image de petit groupe et deux heures pour l’ensemble. Il fut extraordinaire d’avoir l’attention de chacun pour un moment et de créer ensuite une image de groupe de tous les invités, une sorte de panorama du mariage.

Goran Potkonjac

Extrait d’une lettre de Werner Bischof à Robert Capa à Paris, février 1951: Famine dans la province du Bihar
« Après avoir étudié la situation au Bihar, je pense représenter le problème de la faim dans une trilogie :
1. la faim au Bihar
2. de l’acier pour l’industrie
3. rentabilisation des barrages
Cela me donnerait la possibilité d’intégrer les projets de construction de Damodar Valley et de Jamshedpur et de montrer comment les hommes essaient ici aussi de faire quelque chose contre les catastrophes naturelles. »
L’Inde d’autrefois
En août 1947, l’Inde acquiert son indépendance, mais elle n’aura une constitution qu’en janvier 1950. Le pays compte alors 350 millions d’habitants. L’Inde est une grande puissance. En tant que seule démocratie d’Asie, elle a réussi à mener une politique indépendante entre les deux blocs, les Etats-Unis et l’Union soviétique. L’Inde nouvelle était pacifique et, pour cette raison, pour de nombreux artistes et intellectuels, synonyme d’espoir.
Citation de Werner Bischof, Inde, 1951
« Encore une demi-heure jusqu’à Bombay. Tout est si particulier. On perd la notion d’échelle en avion. Je n’ai jamais l’impression d’être si loin. » (Journal, février 1951)Arrivée
Il écrit ses premières impressions d’Inde à sa femme Rosellina : « Je me suis fait à la pauvreté qu’on trouve partout, mais ce qu’on rencontre comme masures et comme saleté le long des routes est indescriptible, et l’odeur qui nous parvient donne la nausée. Je devrai me dominer beaucoup pour bien travailler.
Histoire de famine
Lundi je commence avec une histoire de famine. Pas un travail facile, car le gouvernement n’aime pas qu’on documente cette matière. Je ne crois pas que quelqu’un puisse se détourner de ces images de famine. Non, certainement pas, même si chaque fois on n’en garde que peu de chose, une base se crée avec le temps, qui aide à distinguer ce qui est bien de ce qui est condamnable. »
« Je me rendis avec un envoyé du gouvernement dans les villages. On apporta des rations de céréales, mais que peut faire une Jeep pour 5‘000 km2! Puis j’ai vu ces femmes affamées à travers le miroir du Rolleiflex, et c’est la première fois que j’employais mon appareil sans appréhension. Le caractère dramatique de cet instant était fort. Il n’est pas difficile de faire de telles images si on a un tant soit peu de sens pour la composition. »
Réaction de Werner Bischof à la publication
« La parution de Food Story dans Life fut réjouissante, de même qu’une lettre d’Edward Steichen du Museum of Modern Art, dans laquelle il parle avec enthousiasme des images fortes du Bihar et me fait part de toute sa reconnaissance. Il croit que si les sénateurs américains voient ces images, ils ne discuteront pas longtemps pour livrer de la nourriture. Maintenant, il est vrai que la première page est vraiment forte, mais j’aurais organisé les quatre autres autrement. Mais, humainement, il me semble que cette petite contribution fait vraiment de l’effet. »

(Tiré de : © Werner Bischof, Estate)

Deux êtres sont de passage. Ils ne savent ni d’où ils viennent ni où ils vont.
Ont-ils quelque chose à faire l’un avec l’autre ?
Ont-ils jamais été heureux ?
Un guide fait défaut.

Rien ne va plus. Les relations avec les parents deviennent difficiles, les frères et soeurs sont insupportables, le corps évolue tout comme les sentiments d’appartenance. Et pourtant, tout était si simple jusqu’ici, les bons d’un côté et les méchants de l’autre, l’intérieur et l’extérieur, l’étranger et le familier. A présent, la puberté chasse l’enfance. Et il n’y a plus qu’une personne qui puisse nous comprendre. Une seule et unique personne qui sait tout, à qui on peut tout dire, sa meilleure amie. C’est avec elle qu’on passe ses après-midis de congé, qu’on partage ses colères et ses chagrins d’amour, qu’on essaie ses fringues. Une meilleure amie est toujours là pour vous prêter une oreille attentive, elle sait garder un secret ou vous conseiller pour une nouvelle coiffure. On partage volontiers sa couette avec elle et ses téléphones sont toujours les bienvenus. C’est elle la meilleure, elle est superbe, forte, jolie, compréhensive, tout en étant elle-même fragile et incertaine. Mais cette ressemblance a quelque chose de rassurant.

Dans sa série « Ma meilleure amie », Judith Stadler dresse le portrait de jeunes filles qui sont amies dans la vie. Elle s’inspire des récents développements techniques pour pousser plus loin le portrait photographique. Le traitement digital de l’image lui permet d’accentuer encore la valeur des liens d’amitié. En remplaçant le visage d’une des jeunes filles par celui de l’autre, Judith Stadler place le spectateur face à une énigme, l’empêchant ainsi de dire à qui appartient le visage dédoublé. Au-delà de toute supercherie technique, ces portraits de jeunes filles témoignent de la quête à la fois déroutante et fascinante de l’identité. Plus que de simples portraits, c’est de l’intimité et de la fragilité de ces amitiés adolescentes dont il est question ici.

Fanni Fetzer, Zurich

La beauté joue un rôle primordial, même dans un des pays les plus pauvres du monde, le Mali, où ce marché est en plein essor. Avant des fêtes importantes comme le Ramadan, le jour de l’an, les mariages, les femmes attachent une importance toute particulière à changer de coiffure, à soigner leurs mains ou à acheter un nouvel habit. Elles y consacrent un temps infini.

La variété et la créativité des coiffures est immense. La mode va et vient comme chez nous. On se demande aussi au Mali si les jeunes filles qui portent un string et des pantalons taille basse sont trop aguicheuses. Dans ce pays, beaucoup de femmes s’éclaircissent la peau car un teint clair est considéré comme noble et distingué. Chez nous, en Europe, c’est en revanche le bronzage « sain » qui est à la mode. Là-bas, les cheveux sont tirés et on leur applique des postiches lisses. Ici, les cheveux sont coupés, et même permanentés.

Les mêmes actes procèdent d’autres références culturelles. Ils poursuivent d’autres idéaux. J’ai pourtant l’impression qu’ils sont comparables.

In 1517 Martin Luther shook the Catholic Church to its foundations with his 95 theses, triggering fundamental changes in the Christian faith. The Reformation involved not just the coexistence of different church communities but also has affected everyday life in many parts of Germany, Europe and the world. In his search for the effects of Protestantism Jörg Gläscher encountered people and landscapes in which the ideas of Luther are still alive. His photographic project invites us to reflect on the religious roots of the central values that are at the roots of our society.

Year of production: 2016

Losing Ground raconte l’histoire de terres, souvenirs et identité perdus suite à la construction du barrage de Spring Grove par le gouvernement sud-africain en 2013. Pour Kay, la documentation de la construction du barrage marque la disparition de routes arpentées dans l’enfance, d’espaces bien connus et de souvenirs intenses. Son travail documentaire sur la région compilant lieu, famille et amis est une tentative de compréhension des images comme substituts de ce qu’elles ne peuvent représenter, car la photographie, fugace, ne permet de capturer ni le passé ni le présent. (John Fleetwood)

A l’occasion des 20 ans des Journées photographiques de Bienne, trois jeunes festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) ont été invités à participer à la programmation.

En collaboration avec Joburg Photo (ZA).

Année de production : 2012-2014

Pour Ingrid Wildi, la vidéo est un médium immédiat qui lui permet d’adopter le regard anthropologique et le format documentaire qui caractérisent son travail depuis plusieurs années. La série “ Los Invisibles” donne la parole à cinq immigrants colombiens, vivant clandestinement en Suisse depuis plusieurs années. Ils répondent aux questions d’Ingrid Wildi et évoquent ainsi les raisons de leur émigration et les conditions dans lesquelles ils vivent. A travers un montage dialectique, l’artiste montre la réalité des sans-papiers et élargit la portée de leurs témoignages. Comme pour préserver leur anonymat, le cadrage est centré sur le torse des sujets et omet leur visage. En réalité, cette fragmentation du corps évoque à la fois l’existence, puisque l’artiste montre les personnes qu’elle interroge, et une forme d’absence puisque privés de leur visage, ils sont privés de leur identité. Le titre délivre tout son paradoxe dans ce processus. En filmant ses sujets sans les identifier, elle montre l’invisible et souligne ainsi la contradiction dans laquelle vivent les clandestins : ils existent mais nous ne les voyons pas, ils vivent parmi nous mais n’ont pas droit à une identité sociale. L’omission des visages amène également le spectateur à se concentrer sur les voix et le langage corporel. Les gestes, les intonations et les détails que relèvent ces immigrants disent non seulement la réalité de leur situation, mais suggèrent aussi l’anxiété, l’impuissance et la fragilité face à leur condition. “ Est-ce que vous reconnaissez un immigrant dans la rue ?” Les réponses à cette question montrent la conscience aigüe qu’ont les clandestins de ne pas correspondre à la norme de leur pays d’accueil, de sortir de l’ordinaire, et, paradoxalement, d’être visibles. La couleur de leur peau, leur façon de parler et même de marcher semblent les trahir et exprimer leur identité malgré eux. A la fragmentation du corps répond le fractionnement des témoignages : un montage subtil, pensé à l’avance, fait s’enchaîner les enregistrements, et les voix semblent se répondre, s’interrompre et se compléter. Un discours apparaît alors au fil des interventions, qui met en évidence les thèmes marquants et récurrents dans l’expérience de la clandestinité. La dialectique de fragmentation opère ainsi une transformation qui résulte en un témoignage collectif et universel emblématique, de la condition des clandestins en Suisse comme dans le reste du monde. (Anne Froidevaux)

Année de production : 2007

Le regard que Britta Rindelaub porte sur les êtres, les choses et les événements s’attache aux réalités les plus banales.
Elle en dénude cependant l’apparence jusqu’à la ressaisir dans une image où ce que nous reconnaissons dans un premier mouvement d’identification nous échappe tout aussitôt. Ce que la photographie donne, cette empreinte lumineuse du monde, est représentée dans l’esthétique d’une image qui excède sa valeur de témoignage. Certes, elle témoigne, mais pour elle-même autant que pour ce qui en elle se reflète. Si bien que l’essence de la réalité est fictionnée alors que l’artifice de la fiction n’a d’autre aliment que le réel. L’un et l’autre indissociablement mêlés. La photographie est la surface où s’inscrivent événement et mise en scène, chronique et narration, autobiographie et fiction, chaque terme de l’alternative n’étant jamais que le substrat de l’autre.

Hervé Laurent

Clin d’oeil au travail Der Lauf der Dinge (Le Cours des choses) du duo d’artistes Fischli/Weiss, la vidéo Liquid Panic est aussi un remake du film Pulp Fiction. Tournée dans la campagne suisse et presque essentielle-ment avec de l’eau, cette vidéo présentée sous forme d’installation nous plonge dans l’univers mystérieux d’Augustin Rebetez. Ici, le liquide est la machine, une machine qui explose partout, créant des rythmes lo-fi bruyants, épileptiques, drôles et débordants. Ce travail ne prétend pas aborder des questions environnementales ou des désastres écologiques, cependant, il évoque les pulsions destructrices, la tourmente mentale ou une certaine forme d’obsessionalité à laquelle l’humain peut être confronté.

Année de production : 2018

Le projet thématise la modification du paysage et la construction non contrôlée dans la capitale financière indienne Mumbai. C’est aujourd’hui la ville qui dénombre le plus grand nombre de super gratte-ciels et de tours en construction au monde ; cela rend la ville difficile à parcourir à pied et est dommageable pour l’environnement. Les photographies des tours, de l’extérieur, entrent en dialogue avec un regard minutieux porté sur les images publicitaires d’intérieurs et de paysages, d’ambition similaire, qui donnent un aperçu d’aménagements domestiques inhabituels. Le gratte-ciel est aussi un moyen de s’élever physiquement et socialement au-dessus de la foule et du dédale des rues. La vue depuis le haut propose la fiction d’une ville qui peut être tenue à distance. (AD)

Année de production : 2013-2015

Iren Stehli a documenté pendant 27 ans l’existence de Libuna et de sa famille tzigane à Prague.

La photographe débute lorsque Libuna Sivakova devient à la fois son amie et son modèle. Dans une sorte de curiosité retenue, Iren Stehli observe les particularités de cette existence hors du commun. Son admiration transparaît dans la force de conviction des sentiments documentés à travers ses photos, certes complexes mais jamais déroutantes : chaleur, tendresse, soif de survie, besoin de beauté, érotisme, lutte, espièglerie, solidarité. Au fil du temps, le travail de description se transforme imperceptiblement en une quête existentielle : la recherche de l’essence de la vie.

La photographie d’Iren Stehli ne donne jamais dans le pathétique : c’est ce qui en fait l’originalité. Même lorsqu’elle aborde le monde des émotions, les sentiments à l’origine des grandes valeurs humaines la foi, l’amour, l’espoir.

Cette façon de faire sous-tend tous les essais photographiques d’Iren Stehli. Nulle trace de vanité d’auteur dans ses photos. Au contraire : c’est consciemment que l’artiste maîtrise son empathie, son humour et sa faculté visuelle dans le but de ne pas compromettre la proximité de l’instant qui s’offre à elle. De là naît cette impression d’immédiateté, à la fois hasardeuse et évidente. Qu’on ne s’y trompe pas : elle n’est autre que le résultat d’une démarche photographique et artistique.

Martin Heller, extrait de « Libuna – Das Leben einer Zigeunerin in Prag », Scalo Verlag, Zurich, 2005

Dans les années 60 et 70, la Suisse a connu un épisode de trouble interne: la lutte pour l’indépendance du canton du Jura. Durant cette période, le pays a subi plusieurs attaques « terroristes » commises par le Bélier, un groupe séparatiste militant par des actions comiques, absurdes et presque toujours non-violentes. Ce travail explore le territoire oppressant, quasi guerrier, du Jura en quête des vestiges de ce combat, et retrace quelques actions marquantes du Bélier. Ces mises en scènes, jouées par les protagonistes originaux, sont un hommage à l’activisme politique propre au Bélier : humoristique, voire un peu loufoque.

Année de production : 2012-ongoing

L’artiste Rebekka Friedli crée des performances dans lesquelles elle travaille avec son propre corps. Le festival expose deux travaux audiovisuels. La vidéo Leveza, présentée en projection, montre un corps nu assis surplombant la mer. Recroquevillé comme une pierre qui s’intègre au paysage, le dos filmé de l’artiste se redresse lentement et révèle, petit à petit, sa nature humaine, féminine et organique.  Filmé au coucher du soleil, dans une atmosphère brumeuse et des couleurs pastel, le « corps-sculpture » qui se déploie rentre en dialogue de manière intime avec le paysage qui l’entoure, accompagné par le mouvement des vagues. Un dialogue poétique entre univers intérieur et extérieur, entre le corps et la matière, entre l’animé et l’inanimé. Touching Myself, le deuxième travail vidéo de l’artiste, présenté sur écran, traite de la relation de l’être humain avec son corps et son image. Face à la caméra, filmée en plan rapproché, Friedli touche lentement son visage avec ses propres mains qui se déplacent comme un corps étranger. Dans une société de l’image, son travail interroge la relation à soi et à sa représentation.

Soutenu par : Burgergemeinde Bern / Stadt Bern

Année de production : 2021 & 2017

Année de production : 2021

« Letters from Utopia » est une recherche documentaire photographique sur des groupes de personnes souhaitant prolonger la durée de la vie humaine à l’extrême ou même à rendre l’homme immortel. Pour ce projet, Daan Paans a rendu visite à cinq différents mouvements et à leurs acteurs clés qui envisagent un ordre mondial utopique. Depuis des temps immémoriaux, les humains ont été fascinés par l’idée d’une vie infinie, avec le but ultime de surmonter leur (propre) mortalité. Paans a été guidé par cette question qu’il pose et que posent sans cesse ceux qu’il dépeint, comme un leitmotiv : longue vie à l’immortalité?!

Année de production : 2012

En 1991, après la fin de la guerre froide et la dissolution de l’Union soviétique, l’Ukraine devient finalement indépendante. En 2014, la révolution ukrainienne conduit à l’annexion de la Crimée par la Russie et à la guerre en cours dans les Donbass. Let Us Not Fall Asleep While Walking dépeint l’état psychologique d’un pays qui cherche à construire son avenir tout en demeurant lesté par son passé et sa mémoire collective. Les images sont des représentations métaphoriques de la vie quotidienne où le temps semble figé mais les rêves d’espoir persistent.

Année de production : 2017

Le travail de Marc Latzel retrace la formidable aventure des femmes volantes de Téhéran. Celles qui n’ont pas le droit d’entrer dans un stade de football. Pas le droit de faire de la moto en ville, de danser dans la pièce des hommes lors des mariages, de garder les enfants après le divorce. Mais qui, voici trois ans, ont obtenu le droit de voler. Celles qui ont osé se lancer dans les airs ne peuvent plus s’en passer, à l’image de Nasim Lotfi, 19 ans, victorieuse du premier concours de parapente de Téhéran en 2001.

La capitale iranienne, métropole de 12 millions d’habitants, compte actuellement une soixantaine de femmes volantes. La plupart ont été les élèves d’Azar Farahani, seule instructrice officielle en Iran. Cette pionnière, réputée pour le soin qu’elle apporte à la sécurité de ses élèves, s’est lancée en 1993 avec son mari, un ancien pilote de chasse, à une époque où le parapente n’était pas encore sur la liste des sports autorisés pour les femmes. «J’ai reçu tellement d’appels après mes premiers vols que j’ai décidé de demander l’autorisation officielle», dit-elle. La procédure va prendre six ans. A plusieurs reprises, Azar Farahani doit envoyer des cassettes vidéo à des comités religieux afin de prouver que le vent ne soulève pas le manteau islamique des femmes volantes. «En théorie, il s’agissait de savoir si l’Islam autorisait les femmes à voler, ajoute l’instructrice. Mais en pratique, les autorités voulaient vraiment être sûres que nous étions bien couvertes.»

Et elles le sont. Le harnais du parapente par-dessus le manteau islamique ne laisse aucune chance à un strip-tease aérien. Le foulard, lui, est solidement recouvert d’un casque. Et les mains gantées, sauf pour la lecture du Coran juste avant le décollage.

Serge Michel

Analyse de la représentation du paysage et du rapport au territoire, cette série, par une approche structurelle et analytique, propose une vision en périphérie décalée par des jeux d’hybridations et de mutations.

Glissements et tangentes opèrent un détournement de la mise en abîme photographique. Au moyen d’une collision dysfonctionnelle envers la matière brute du réel, l’ambition est de surpasser tout contemplation immédiate et toute virtuosité vertigineuse. Images d’images, représentations de représentations réalisent ainsi une dialectique flottante d’intensification ou d’effacement du sujet.

Année de production : 2012-

Les villageois de la vallée de Fiesch en Suisse, dépendants de la nature et du tourisme, s’arrangent avec Dieu, les esprits et les projets scientifiques sans qu’aucun puisse exclure l’autre, avec comme unique but de conserver le fondement de leur communauté autant identitaire qu’économique, le cœur de leur existence : le glacier d’Aletsch.Dans cette vallée du bout du monde, entre mythes et sciences, l’écologie et la tradition se fondent dans une avancée imperturbable vers l’avenir. (AKS)

Année de production : 2015

A l’heure actuelle, la pratique de la lecture est un acte concurrencé par de nombreuses plateformes digitales, sociales et culturelles, dont l’objectif est d’accaparer l’attention. L’acte de lire est devenu une pratique de plus en plus immatérielle, fragmentée, dans le temps et dans l’espace. Dans sa série de photographies intitulée Lectures, Olivier Suter met en scène des enfants qui sont plongés dans des écrits marquants de l’histoire de l’humanité; des ouvrages qui, au moment de leur parution déjà, interrogeaient notre rapport au monde et à l’autre. A travers ses images, l’artiste questionne l’influence que pourraient avoir aujourd’hui encore des écrivain·e·s, penseur·euse·s, philosophes sur notre société. Grâce à une collaboration avec la Bibliothèque de la Ville, les portraits photographiques sont accompagnés de contenus sonores proposant des extraits et une brève mise en contexte des livres apparaissant dans les images.

Soutenu par : Canton de Fribourg / Forum du bilinguisme / Collaud & Criblet

En collaboration avec la Bibliothèque de la Ville.

Année de production : 2020-2023

Ils existent encore, ces petits skilifts de village. L’un d’entre eux se situe à Schüpfheim dans l’Entlebuch. Derrière l’église et le cimetière il y a encore un champ, puis vient un petit cabanon – c’est la station du bas. Des rideaux à carreaux rouges et blancs ornent les fenêtres du restaurant des pistes. Une ardoise vante l’Ovo et les saucisses de Vienne chaudes – avec du pain, pas avec des frites ! Depuis le bas, la remontée mécanique monte sur 300, 400 mètres peut-être, jusqu’au sommet de la colline. C’est tout. Nombreux sont ceux qui ont appris auprès de telles installations le virage en stemm. Départs fulgurants, sauts audacieux, chutes spectaculaires forment les souvenirs d’enfance.Cette idylle est pourtant menacée – à Schüpfheim et ailleurs. Les remontées sont pour la plupart installées à moins de 1000 mètres d’altitude et ne peuvent plus compter que sur peu ou pas de neige. Ainsi par exemple à Schüpfheim, on a pu skier 15 jours seulement en 1999, et en 2000 pas un seul. Le changement climatique va encore accentuer cette tendance. En plus du climat, il y a la concurrence des grands domaines skiables et les exigences croissantes des snowboardeurs et des skieurs. Dans un monde fait de business plans, de courbes de croissance et de mesures d’économie, un skilift de village n’a pas de place.

Ou peut-être que si ? Dans les skilifts de village, beaucoup de cœur et d’engagement personnel sont investis, ce dont les entreprises commerciales rêvent d’ailleurs. Le service est assuré principalement par les paysans qui travaillent contre une maigre rétribution et exécutent les réparations nécessaires et l’entretien avec un budget réduit. Le travail manuel et l’investissement personnel sont requis – et beaucoup de bénévolat. Pour tendre les câbles, accrocher les perches, préparer les pistes. Dès qu’il neige, les clients ne se font pas attendre. Lors des belles journées enneigées, les classes du village viennent spontanément faire les cours sur les pistes. Qui a congé est forcément au téléski. Et où y a-t-il encore aujourd’hui des cartes journalières pour cinq francs ?!

Marion Nitsch

Mon travail, à chaque portrait, est de faire en sorte que la personne s’affirme dans son épanouissement.
Le portrait photographique est l’enregistrement d’un rapport humain entre deux personnes.
Mon cadrage de prise de vue témoigne de ma volonté d’aller à l’essentiel. Je veux représenter l’être humain dans la trinité de son visage afin d’éviter tout signe distinctif d’ordre social.
Le regard se situe au-dessus du centre du carré (format du négatif 6 x 6 cm), dans l’axe de l’optique, afin de conserver le rapport de force pour la personne qui va parler avec ses yeux.
Je me suis fixé des règles formelles pour permettre à la personne de s’affirmer en toute quiétude, dans le et respect de son unicité.
Le portrait photographique est le constat d’un moment donné dans l’histoire de la vie d’une personne.
Conscience de l’autre, de son exception. Sa lumière m’interroge.
C’est la personne qui fait son propre portrait, l’appareil photographique est un miroir sans tain.

Voici quelques dizaines d’années, le port de Bâle constituait non seulement un nœud commercial, mais aussi un point de rencontre pour tout un quartier de la ville. Les hommes y trouvaient un travail bien rémunéré en tant que dockers et faisaient la fierté de leurs familles. Les matelots apportaient l’air du large dans notre petit pays. Bien des choses ont changé avec la rationalisation du travail et l’introduction du système des containers. De nombreux travailleurs ont perdu leur emploi au cours des années. Un nombre restreint d’employés parvient aujourd’hui à embarquer une quantité de marchandises autrement plus importante qu’autrefois. L’image du port de Bâle se caractérise aujourd’hui par de grands terminaux de containers. Et il suffit aux grutiers d’une simple manette pour déplacer des milliers de tonnes.

« Ils étaient des centaines de milliers. Ils venaient du Sud profond, de Sicile, d’Apulie, de Basilicate et de Calabre. Ils venaient du centre de la Péninsule et beaucoup d’entre eux du Frioul ou du Veneto. Le Nord représentait du travail et des revenus, c’était une promesse. Ce qu’ils vécurent fut très souvent la privation, toujours de mauvaises surprises. Il ne devait y avoir au début que des hommes et des femmes aptes à travailler qui avaient l’autorisation de se rendre là-bas; le pays d’accueil, la Suisse, voulait des forces de travail, pas des concitoyens étrangers. »« Il lungo addio » montre un aspect important de l’histoire de l’Italie et de la Suisse. L’émigration des travailleuses et travailleurs italiens en Suisse entre 1950 et la fin du siècle forme une partie des grands flux d’émigration qui menèrent depuis le 19ème siècle d’Italie dans l’Europe entière et ensuite en particulier en Amérique du Nord et du Sud.

Ce n’est pas un hasard si dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, on montre une exposition qui traite de cette thématique. Son contenu entretient une relation étroite avec l’histoire de la ville de Bienne : dans les années 50 et 60, beaucoup d’émigrés italiens trouvèrent du travail dans l’industrie horlogère alors en plein essor. Bienne représenta longtemps la ville ouvrière typique et possède encore aujourd’hui de nombreuses communautés allophones. Bienne, la ville bilingue, tire une partie de son identité de la cohabitation de diverses langues et cultures.

L’exposition a également un lien direct avec le thème du festival de cette année, la photographie de reportage. Une fois de plus, le médium photographique justifie son caractère documentaire : témoigner, raconter des histoires. Selon la célèbre formule de Max Frisch selon laquelle on appela des travailleurs et où «ce furent des hommes qui arrivèrent», l’exposition documente des destins individuels, retient des moments, des hommes dans leur voyage entre leur provenance et leur destination. Chaque image est un témoignage et raconte sa propre histoire – emblématique de l’histoire de centaines de milliers, en tout de millions, d’émigrantes et d’émigrants.

Différents thèmes sont ainsi abordés : les conditions précédant l’émigration, le départ, la traversée de la frontière – l’arrivée, les premiers contacts, les places de travail – le travail, le logement et les quartiers d’habitation – les loisirs, les jours fériés et les fêtes : beaucoup d’ennui, souvent la nostalgie du pays, et parfois la tentative de rentrer.

L’exposition n’est pas une monographie sur le thème de l’émigration des travailleurs italiens en Suisse. Celle-ci a été décrite ailleurs avec les moyens de la science, de l’écriture de l’histoire et de la sociologie. Ce que nous avons réuni peut être une sorte d’épopée photographique – comme le titre italien «Il lungo addio» y fait penser – un chant, une ballade ou, si l’on veut, plus simplement une histoire en images.

Une grande analyse photographique sur ce sujet n’a jamais été établie jusqu’à présent. Sa réalisation ne représente pas seulement une nécessité historique et médiatique, mais aussi une dette qui témoigne de notre gratitude pour l’enrichissement culturel et social de la patrie d’accueil.

Extraits de « Il lungo addio. Le long adieu », édité par Dieter Bachmann , Limmat Verlag, Zürich 2003

42 cm2 de peau, une région du corps qui n’est pas cachée mais à laquelle on fait à peine attention. Elle est dessinée, modelée et marquée par la vie. Le coude, l’endroit où la partie supérieure du bras et l’avant-bras se rejoignent. Il est exceptionnel et unique chez chaque individu.

Les images de Marlous van der Sloot nous invitent à pénétrer un monde immatériel, celui des sentiments et des émotions, et tentent de sonder l’âme humaine. Il semblerait probablement à l’artiste que la société moderne, par une rationalisation exacerbée, ait créé les conditions d’une rupture avec l’immédiateté du réel.
Maniant la métaphore avec un sens étonnant de la poésie, ses photographies nous portent dans un univers de significations raffinées, ou les éléments s’entrechoquent pour résonner en chacun de nous, à la manière d’images primitives et primordiales. Attribuant à la figure humaine des postures et des gestes incongrus, ses images provoquent une sensation d’étrangeté.
(Christophe Laloi)

Année de production : 2008-2012

Personnage tout à fait hors du commun, Justo Gallego Martinez était moine trappiste jusqu’à l’âge de quarante ans. Devenu homme constructeur, il poursuit seul depuis bientôt quarante ans un grand œuvre exceptionnel. Il s’agit ni plus ni moins d’une cathédrale, dans la banlieue de Madrid : cinquante-cinq mètres de longueur pour vingt-cinq de largeur et cinquante en son point culminant.Pour mener à bien la construction de cet édifice, il recourt, grâce aux dons d’entreprises de la banlieue, à des matériaux de récupération qu’il achemine et dresse pour, dit-il, se rapprocher de Dieu. La foi l’habite et il ignore le découragement : il travaille sans cesse, six jours par semaine, dix à douze heures par jour, alimenté par un bref repas le soir. C’est, selon lui, à ces strictes conditions qu’un homme peut parvenir à l’achèvement d’un tel ouvrage. Tout au plus craint-il de n’avoir bientôt plus la force physique de terminer ce qui a été, dans un premier temps, l’objet de moqueries et de désaccords entre les habitants de la banlieue et qui force désormais leur admiration.

Le rêve un peu fou de Gallego est maintenant sous toit et sous coupole. Bientôt, ce sera peut-être un but touristique et, pourquoi pas, un pèlerinage. A moins que le monde de l’économie n’en décide autrement. Il est en effet possible que l’édifice soit détruit. Pour l’instant, le pari de l’impossible finit par s’imposer et consacre l’énergie et la foi du plus humble. C’est toujours au pluriel qu’on a exalté les constructeurs de cathédrales. Il faut, cette fois-ci, rendre hommage au singulier.

Pierre Montavon

Le réseau de relations entre l’homme et l’animal est complexe. Etonnée par le fait qu’on dépense plus d’argent pour la nourriture des animaux que pour celle des bébés, j’ai cherché à comprendre ce phénomène par le moyen d’une recherche visuelle.

Pendant mon travail, j’ai observé différents types de relation entre le chien et l’homme. On se rend avec «son trésor» à des compétitions de chiens pour s’amuser. On habille le petit animal d’un imperméable semblable au sien pour faire équipe.

Le chien accompagne l’homme partout si bien qu’arrivés au soir on a vécu des tas de choses ensemble. L’animal se montre à l’écoute avec une patience infinie. Il a lui-même peu de problèmes et beaucoup de temps. Il est toujours là, disponible pour ses propriétaires. On prend parfois soin de lui avec beaucoup d’amour et on l’amène même chez le coiffeur. Viendrait-il remplacer un manque d’enfant ?Une nouvelle tendance a vu le jour : des vacances Wellness pensées pour le chien et son maître. Pendant qu’on masse les pieds de la maîtresse, une spécialiste s’occupe des pattes du «trésor». Qui ne veut pas séjourner dans un hôtel Wellness peut laisser son plus fidèle compagnon dans un hôtel pour chiens. Ces résidences proposent des hébergements normaux mais également des chambres spéciales avec chauffage au sol, télévision, lustre et murs carrelés. Respectant des horaires précis, l’hôtel cuisine pour le chien, comme il est usuel de le faire pour les hôtes. Les nettoyages ont lieu chaque jour. Les propriétaires peuvent s’assurer de la propreté de l’endroit grâce à la Webcam dont est équipée chaque chambre. A tout moment, le maître peut ainsi voir son « trésor », si l’ennui devient trop grand.

Nos quotidiens font depuis peu paraître des avis mortuaires pour chien et chat. Il y a trois ans, un premier cimetière pour animaux a été ouvert en Suisse, à Läufelfingen près de Wiesenberg. La demande pour l’attribution d’un lieu commémoratif va croissante.

Grâce à mes observations, je sais aujourd’hui qu’un chien n’est pas égal à un chien.

Franca Pedrazzetti

The Long Watch

Que regarde-t-il?
Qui vous observe?
La longue vue incarne la double focale de cette fable du désir et de la contemplation.

À travers différentes stratégies et approches comme le documentaire, la performance et la narration, Camille Aleña crée des liens entre plusieurs domaines (musique, arts visuels, traduction, ethnologie…) et différentes pratiques. Pour la 25e édition du festival, l’artiste et Sylvain Menétrey proposent de réaliser le deuxième volet d’une performance qu’ils ont créée en 2020-2021 et dont la première a eu lieu durant le festival, en mai 2021. À l’aide d’un sifflet confectionné, rejouant l’Arcadie, une flûtiste allongée devant un écran d’ordinateur lance un appel à un oiseau rare, presque éteint, le bruant proyer, dans l’un de ses derniers bastions du canton de Vaud : le Champ Courbe. Au Lokal-int, une image du Champ Courbe filmée et diffusée en direct dans l’espace met les spectateurs et spectratrices à l’affût de l’oiseau rare.

Année de production : 2021-2022

En Suisse, on sourit ordinairement de ce personnage symbolique qu’est le cow-boy américain, quand on ne le déteste pas. Les publicitaires savent pourtant qu’ils peuvent compter sur le pouvoir suggestif du «Marlboro-Man», et de son aura empreinte de liberté et de romantisme, pour toucher les couches sociales les plus larges. McDonald’s fait également l’objet de critiques, mais le fast-food ne fait pas moins partie de notre quotidien. L’industrie automobile américaine a beau s’essouffler en Europe, on demeure sensible à l’idée d’un mariage ou d’un samedi soir en limousine. Nous n’y échappons pas, l’influence de l’Amérique s’exerce dans de multiples domaines: mobilité, aménagement du territoire, habillement, nourriture, économie, publicité, film, télévision, musique, littérature, langue. L’Amérique habite nos esprits, nous intéresse, nous fascine, nous irrite et nous provoque à la fois. Bref, elle ne nous est pas indifférente.C’est cette rencontre de deux mondes qui a aiguisé l’intérêt photographique de Geri Stocker. Depuis 2001, il documente la présence visuelle de l’Amérique en Suisse en mettant le doigt sur les contrastes les plus surprenants. Plus les américanismes sont stéréotypés, plus ils fascinent et irritent: le cow-boy à côté du Journal officiel, le Grand Canyon à Pratteln, la Statue de la Liberté à Winterthour, le «Wild West» dans la Suisse profonde, des taxis new-yorkais à Oerlikon. Les exemples foisonnent: l’attrait du lointain coexiste avec la fibre patriotique.

Le Musée Schwab se transforme en caméra. Des lentilles, miroirs et diaphragmes projettent des images fugitives de la ville à l’intérieur du bâtiment. Il en résulte une sorte de Roadmovie à la fois statique et en mouvement, et qui évolue au fil de la journée et de la météo.

Dans un dialogue spacio-imagé, walter-feger-spehr développent des projets qui vont au-delà des formats médiatiques industriels, à la recherche du point où perception et construction mentale se rejoignent.

Car derrière l’oeil se déroule le paysage invisible du regard. Quand les neurones du cerveau s’enflamment, réalité et souvenir, expérience et vécu s’unissent pour ne former plus qu’un.

Pour les personnes âgées du home médicalisé du Pasquart, 2008 marquera le début d’une nouvelle vie : ils quitteront l’aile ouest du complexe de bâtiments muséaux pour s’installer dans de nouveaux locaux. Le reportage d’Alfred Samuel Maurer documente la période précédant le déménagement et la manière dont les personnes âgées la vivent. En montrant des situations de la vie de tous les jours au Pasquart, ses photos révèlent les attitudes, les désirs, les limites, les domaines d’intérêt ainsi que les penchants des habitants du home.
« J’ai rendu visite à plusieurs reprises aux pensionnaires afin de me pénétrer petit à petit de leur rythme de vie, de leurs habitudes et de leurs particularités. Lors de ces rencontres, il m’importait de leur témoigner beaucoup de respect et de ne pas heurter leur dignité. Je me suis concentré sur le rapport entre les corps et leur environnement et sur l’expression de ce rapport.
Ces portraits ont été conçus de telle manière que les spectateurs ont l’impression de vivre au quotidien avec les sujets représentés. »

Dans le cadre des 10e Journées photographiques de Bienne, les photos d’Alfred Samuel Maurer nagent dans les eaux basses du lit de la petite Suze au faubourg du Lac. Cette exposition au fil de l’eau renforce encore l’idée du parcours de vie des habitants du lieu, en particulier de cette tranche de vie.

Le travail de Guadalupe Ruiz se matérialise, depuis plusieurs années, sous la forme d’un inventaire d’images rassemblées sous la forme d’encyclopédies, une manière de travailler qu’elle a développé afin d’analyser le monde et la société qui l’entoure. En 2015, elle a réalisé la Kleine Fotoenzyklopädie, un ouvrage qui regroupe 645 images noir-blanc et couleur récoltées au quotidien, et organisées dans 37 chapitres différents : chiens, vases, variations de pâtisserie, manifeste révolutionnaire, portraits de sa cousine, objets photographiés dans la maison de ses parents etc. Pour créer son installation à l’espace d’art Juraplatz, Guadalupe Ruiz a continué l’inventaire d’images qu’elle a débuté dans l’appartement de ses parents, une tentative de reproduire et de se réapproprier ce qui, avec le temps, pourrait s’échapper.

Année de production : 2018-2019

Plaines désertes, paysages baignés dans la brume et bâtisses abandonnées, uniques traces de présence humaine… Maria Trofimova place le décor et nous plonge dans un climat post-apocalyptique à la manière des films du genre ou de jeux vidéo. Avec sa série “La Horde”, réalisée en 2007, elle nous offre la vision d’un monde dans lequel n’auraient survécu que des chiens. Leurs silhouettes se détachent, comme des apparitions, de la lumière émergente. A travers ses compositions, notre attention passe de vues de nature sans véritable horizon et dont les éléments à peine perceptibles nous rappellent des représentations oniriques, à des plans plus rapprochés de ces mystérieux protagonistes. Maria Trofimova semble suivre les bêtes dans leur errance, passant d’une ruine à l’autre en s’appropriant les lieux délaissés. Elle confère ainsi à sa série son unité d’ensemble. La meute devient à la fois sujet et vecteur du regard de la photographe, comme pour nous montrer une réalité autre, une réalité choisie par ses soins. Avec “La Horde”, elle introduit les bases d’un travail plus général lui permettant d’accéder aux limites fragiles de la photographie entre fiction et réalité ou, comme elle le dit, entre « faux documentaire et fiction involontaire ». Ce qui l’intéresse : brouiller les pistes, ne délivrer aucun repère spatio-temporel. Elle amène le spectateur à emprunter les chemins de traverse et le confronte à son imagination ou à ses rêves. À lui de trouver le fin mot de l’histoire.

Année de production : 2007

La « Diagonale Aride » est un espace géographique en France s’étendant des Ardennes jusqu’au Cantal, au pied du Massif Central. Cette expression est inspirée de celle du géographe Roger Béteille, la « Diagonale du Vide », employée dans son ouvrage « La France du Vide » pour désigner un ensemble de régions marquées par une désertification rurale forte.
Mon travail dans le territoire de cette « Diagonale Aride » a été guidé par le besoin de vérifier la réalité de cette dénomination. J’ai choisi de me concentrer sur quelques sites historiques ou géographiques, évocateurs de ce territoire. Avec l’expérience de ce voyage, je constate la particularité de cette diagonale aride par rapport au reste de la France. (BS)

Année de production : 2013-2014

Les événements météorologiques de l’espace, comme les vents solaires ou les astéroïdes, perturbent régulièrement l’efficacité protectrice des champs magnétiques sur Terre et influencent les systèmes technologiques terrestres, le climat et les déplacements des animaux migrateurs. La dérive des pôles est un projet qui questionne l’incidence des champs magnétiques dans la transformation des paysages terrestres. Pour sa recherche plastique, Vanessa Gandar s’appuie sur des relevés terrestres réalisés en 1650 par les marins pour naviguer, des recherches du naturaliste et scientifique Alexander Von Humboldt et des découvertes récentes.

Elle s’est aussi rendue dans différents cratères météoritiques à travers le monde afin de relever les traces susceptibles de rendre compte de ces phénomènes magnétiques. Chacune de ces missions a donné lieu à un ensemble de productions : un atlas de formes documentaires, des travaux photographiques et des expérimentations graphiques qui traduisent de manière plastique, sensible et technique les traces de ces phénomènes au niveau géologique, culturel et social. Créée pour le festival, son installation interroge les relations que l’être humain entretient avec le vivant, la Terre et le cosmos.

Soutenu par : DRAC Grand Est / Région Grand Est

Année de production : 2018-2023

En Roumanie, la Dacia ne passe pas inaperçue pour le visiteur étranger. C’est la version locale de l’ancienne Renault 12, dont les premiers modèles sont sortis en 1969 de l’usine de Mioveni, près de Pitesti, suite à la vente de la licence par la France à Nicolae Ceaucescu. Depuis lors, 2.300.000 véhicules ont été fabriqués. Vendue à prix modeste (environ 4000 Euros), la Dacia reste aujourd’hui encore la voiture la plus accessible pour la population et enregistre près de 50% des immatriculations du parc automobile. Mais sa production va bientôt s’arrêter.Malgré cela, la Dacia suscite toujours la plus grande fierté du Roumain. Son heureux propriétaire vous expliquera par exemple qu’elle date de 1982, que c’est une 1310cm³, qu’elle consomme maximum 8 litres au cent, qu’elle a 167.000 km au compteur, qu’elle est très solide et surtout qu’elle «passe partout» malgré les aspérités de la route! La Dacia se décline en autant de modèles: berline, break, commerciale, pick-up, elle est à l’aise en ville comme à la campagne, transformable aussi bien pour le pic-nic qu’en taxi improvisé… De leurs côtés, ses détracteurs, qui regardent vers l’Ouest, vous diront qu’elle est tellement mal conçue que chaque modèle est unique et qu’elle tombe souvent en panne… C’est compter sans l’entraide des propriétaires de Dacias: il n’est pas rare en effet de voir un conducteur porter secours à un camarade en train d’agiter une pièce défectueuse le long d’une route nationale…

« Dans le mouvement des interdits, l‘homme se séparait de l‘animal. Il tentait d‘échapper au jeu excessif de la mort et de la reproduction (de la violence), dans le pouvoir duquel l‘animal est sans réserve. Mais dans le mouvement secondaire de la transgression, l‘homme se rapprocha de l‘animal. Il vit dans l‘animal ce qui échappe à la règle de l‘interdit, ce qui demeure ouvert à la violence (à l‘excès), qui commande le monde de la mort et de la reproduction. »
Georges Bataille, L‘Erotisme

La corrida réalise l‘union de l‘éros et de la mort d‘une manière incomparable, en un seul lieu : la Plaza de Toros. Nous participons en tant que spectateur à cet événement à couper le souffle, auquel nous sommes véritablement soumis depuis la naissance. Il nous fascine au même degré qu‘il nous bouleverse.Le point de départ, initialement moral, de mon approche photographique de ce rituel de sacrifice inégalable et radical m‘a emmené dans un monde inattendu et contradictoire, dans un microcosme de passion et de mort. Les jours de fête que l‘Espagne et le sud de la France consacrent à la corrida m‘ont captivé au point que l‘intérêt a progressivement pris le dessus sur la morale.

On peut voir la corrida comme une contemplation de la mort, égale à une fête rituelle. Le Matador et les Toreros, les Picadores et Banderilleros sont comme des grands prêtres. Face à eux, le Toro, animal sauvage fort de ses cinq cent kilos qui, de par sa nature, est supérieur à l‘homme : tout est centré sur lui et presque tout dépend de lui. Notre société fixée sur les médias ne peut plus se passer de regarder cette mort. Et même si les émissions espagnoles de corridas diffusées en direct ne peuvent pas être captées hors des frontières nationales en raison du codage européen, nous prenons part chaque jour à des rituels d‘éros et de mort à travers nos propres chaînes de télévision. Elles mettent en scène des hommes et des femmes, des enfants, des soldats, des civils, des affamés, des perdants, des avilis et des victimes.

Les habitants d‘Europe centrale se plaignent de la cruauté de la corrida envers les animaux. Consommant de la viande de veau, de boeuf et de porc, ils ne s‘intéressent guère à l‘élevage animalier de nos ressources de viande nationales et internationales. Ils en savent aussi peu que sur la corrida, à laquelle ils s‘opposent pourtant avec préjugés et d‘une façon émotionnellement indifférenciée.

Mon travail ne peut pas éliminer l‘effroi de la mort. La corrida à la Plaza de Toros reste une métaphore du triomphe de l‘esprit sur la force qui nous est apparemment étrangère.

Giorgio von Arb

Un camion sillonne à toute vitesse la campagne vallonnée de Pennsylvanie. Sa cargaison recouverte d’une énorme bâche noire ressemble à la caisse d’un magicien itinérant. Au volant, David Hackenberg est à la poursuite du printemps, pour la troisième fois depuis le début de l’année. La première fois, c’était en Floride, la seconde fois en Pennsylvanie et à New York. A présent, il veut capturer le printemps dans le Maine, tout au Nord, à la frontière avec le Canada. Il lui reste, ainsi qu’à ses abeilles, 1200 kilomètres à parcourir. A l’arrière du camion, 356 colonies, 356 boîtes empilées sur deux grands rectangles. A l’intérieur, la faim gronde et l’instinct de rassemblement augmente. Le pied de David Hackenberg repose telle une masse de plomb sur la pédale des gaz, 440 chevaux, dix vitesses, voie de gauche. «Il faut récolter le foin dès le lever du soleil», se répète-t-il.En compagnie de leurs abeilles, «l’animal utilitaire» n° 3 après le bœuf et le porc, quelques centaines d’apiculteurs en gros arpentent les côtes des Etats-Unis de haut en bas, d’Ouest en Est, des périphéries urbaines à l’intérieur des terres et retour – des bosquets d’orangers aux amandiers, des fleurs de cerisiers aux airelles, des courges aux melons en passant par les arbres à poivre, les avocats, les concombres, les noix… Chaque année, les abeilles génèrent plusieurs milliards de dollars – moins en tant que récolteuses de miel que comme transporteuses de pollen. Sans elles, l’offre serait moins diversifiée et plus chère. Les abeilles se situent au début d’une gigantesque chaîne de production alimentaire qui se termine dans les cerises des yogourts et les anneaux de pommes séchées du géant américain de la distribution Wal-Mart ou encore de la Migros, dans les muffins aux myrtilles du Coffeeshop, dans les éclats d’amandes des glaces Mövenpick ou dans les petites rondelles de concombre des McDonalds. Même le steak du restaurant et la brique de lait en font partie car le marché des aliments pour animaux se développe en partie grâce aux abeilles. Bees for rent, anywhere, any crop – Abeilles à louer, partout, pour toutes sortes de fruits. C’est ainsi que les apiculteurs itinérants recrutent en début de saison.

Stefan Scheytt, journaliste indépendant, Neue Zürcher Zeitung, «Zeitbilder», 03.09.2005

L’installation in situ de Luzia Hürzeler examine la relation entre l’image et l’objet, entre un objet et son double et joue avec l’intérieur et l’extérieur. Créée spécialement pour le festival, cette œuvre questionne la porosité insaisissable entre soi et l’autre, entre l’illusion et la réalité. L’espace d’art Juraplatz est ainsi mis en relation avec son «double » du Brühlplatz et propose aux spectateur-trices un dispositif d’exposition mêlant photographie et architecture.

Année de production : 2019

Année de production : 2021

En pleine période électorale, les innombrables portraits du président syrien Bachar el-Assad.

Année de production : 2007

Date: le 5 septembre 2003 à 18h00
Durée du défilé : environ une demi-heure
Lieu : temple allemand, place du Ring
Nombre approximatif de places : 500
En collaboration avec :
Martina Schwarz, Andreas et Raphael Urweider : textes / Daniel Glaus : musique / les chanteuses et chanteurs du Théâtre de Bienne-Soleure: modèles

A l’occasion de son 25e anniversaire de création, Christa de Carouge organise à Bienne une performance pour le vernissage des Journées photographiques de Bienne où elle présentera sa nouvelle collection, avant de prolonger la fête cet automne à Zurich. L’esthétique de la styliste zurico-genevoise étant emprunte de spiritualité, quel endroit mieux que le Temple allemand pouvait servir d’écrin à ses créations ?Une trentaine de personnes, des modèles non professionnels du théâtre Bienne-Soleure, donneront vie aux habits, en les présentant sur une musique originale composée spécialement pour cette présentation par Daniel Glaus et jouée en direct sur l’orgue de l’église. La coupe des habits, le choix des tissus, en pure soie, et leur texture, ou encore la couleur utilisée peuvent évoquer le bouddhisme, avec lequel Christa de Carouge s’est familiarisée lors des voyages au Tibet et au Japon. L’amplitude de ses vêtements aux allures de tuniques unisexes privilégie le bien-être et la simplicité des formes. Le plus souvent découpés dans des étoffes, ses tenues s’illuminent parfois d’un rouge incandescent, une nouvelle couleur qui vient s’ajouter à sa collection. La créatrice, avec un langage créatif qui tend à l’épuration, va à l’encontre du superflu, essayant de tendre à l’essentiel, à une réduction minimale, dense et intense.

Depuis 1986, je vis et travaille dans le Niederdorf, dans la vieille ville de Zurich, comme restaurateur de meubles indépendant. Mais à côté de cette activité, j’ai toujours pratiqué la photographie. En 1994 environ, j’ai eu l’idée de documenter par la photographie mon environnement proche.

Au cours des années, j’ai appris à connaître chaque ruelle et chaque coin, les bistrots et les bars de mon quartier, mais aussi observé ses habitants, les oiseaux de nuit comme ceux qui passaient là par hasard. Cette variété de choses connues, beaucoup vues et confidentielles, de même que l’inattendu, l’unique, la rencontre d’amis dans différentes situations, ce théâtre du monde qui se joue devant mes yeux, voilà ce que j’ai essayé de documenter dans ce travail.

Christian Schwarz

« Le photographe, né en 1955, est dans les situations de tous les jours et de toutes les nuits constamment une part de la réalité qu’il saisit avec son appareil. On voit des gens de tous âges qui se donnent la liberté de vivre de ce côté-ci des règles habituelles. Christian Schwarz n’exploite pas son environnement de manière voyeuriste, mais se tourne vers lui presque tendrement – ses meilleures images de ce Zurich inconnu rappelant le Paris nocturne de Brassaï. »

Wolfgang Jean Stock, Süddeutsche Zeitung

Les portraits de l’étude « Kobo, Lesotho » de Joël Tettamanti se concentrent sur les couvertures (kobo) portées par les Basotho, peuple majoritaire du Lesotho (royaume indépendant enclavé en Afrique du Sud). Bien plus qu’une simple protection, ces couvertures sont offertes lors de rites d’initiation. Elles servent ainsi de marqueur social. Cet attribut distinctif, introduit au 19e siècle par les colons en échange de peaux, est aujourd’hui sur le point de disparaître. Tettamanti décide ainsi en 2013 de le documenter. Conséquence probable de la mondialisation, ce qui était l’habit national n’est actuellement revêtu plus que dans les zones rurales et montagneuses ; il relèvera bientôt uniquement du folklore. (HJC)

Année de production : 2013

«Kamagasaki», titre de la série de photographies d’Eduardo Cebollero, est aussi un quartier de la ville japonaise d’Osaka. Sensé incarner la prospérité et le glamour occidental, Kamagasaki est aujourd’hui en totale décrépitude, piégé dans son passé et devenu la plus grande colonie de sans-abris et chômeurs du Japon depuis le déclin économique du pays.
Dès lors, le bureau de recherche d’emploi devient le théâtre des moments d’attente vaine d’un travail et des activités fantômes auxquelles s’adonnent ces Japonais. (cv)

Année de production : 2013

Huntsville, Texas. Un village de province endormi qui ne se distingue guère des autres localités texanes, sans centre ni charme, qui parsèment le paysage. Mais alors qu’on longe la onzième rue, on remarque que cette ville est étrange. De puissants murs rouges se découpent sur le ciel : « L’unité des murs », la prison centrale – une machine de mort. 321 exécutions capitales ont eu lieu ici depuis la réintroduction de la peine de mort au Texas en 1976. 451 personnes, dont 9 femmes, attendent en ce moment leur exécution.

James Coburn a été exécuté le 26 mars 2003 par injection létale dans l’Etat du Texas. Il avait tué en 1994 une femme de 55 ans, Peggy Murphy, dans sa ville natale de Conroe. L’appel à représailles est un argument courant pour justifier l’exécution de meurtriers – la famille de la victime doit trouver la paix. « Œil pour œil », voilà le slogan de ce type de justice.Tina Morris a aimé son frère James jusqu’à son dernier jour. Celui-ci a été déclaré schizophrène par une expertise indépendante. Pendant qu’à la prison centrale de Huntsville le poison mortel coule dans les veines de son frère, Tina lui lance un « I love you, James ! » à travers la vitre qui sépare les spectateurs. Comme souvenir de leur enfance commune, il lui reste une photo prise il y a 36 ans.

L’exécution ne figure pas dans la série de photographies; il s’agit de la tragédie personnelle de Tina : nous sommes là lorsqu’elle téléphone une dernière fois à son frère une heure avant l’exécution, ou lorsqu’elle ose le toucher pour la première fois depuis dix ans – à peine une heure après sa mort. Le contact corporel direct avec leurs proches est en effet interdit aux visiteurs dans le couloir de la mort texan.

Le « Journal d’une exécution » montre comment l’argument « œil pour œil, dent pour dent » crée une deuxième famille de victimes. Nous reconnaissons qu’il n’est guère possible de distinguer le bien du mal : il y a des victimes et des coupables – mais les coupables peuvent devenir victimes et réciproquement.

Fabian Biasio

A l’ère digitale, les traces numériques des personnes disparues les rendent omniprésentes dans notre quotidien et modifient notre rapport au deuil et au souvenir. Les rituels entourant la disparition d’un proche, autrefois vécus au sein d’un cercle intime, s’élargissent aux réseaux sociaux. Je vivrai pour toi met en image ce phénomène grandissant auquel nous sommes tous confrontés : l’éternité virtuelle. A travers ce travail, Calypso Mahieu explore les profils fantômes qui continuent à être tagués, pokés et notifiés dans le monde virtuel. Semblables à des mausolées digitaux, les comptes de défunts deviennent des espaces de recueillement et de communication avec l’outre-monde où l’on partage souvenirs, images et peines.

Pour le deuxième volet de ce projet dont la première partie avait été présentée dans le cadre du festival en 2018, l’artiste a adopté des codes de l’imagerie du deuil et de la spiritualité tels que les compositions florales, l’usage des bougies ou de l’encens afin de reproduire des autels virtuels aux formes hybrides. Cette série de natures mortes, imprimée en format monumental et suspendue, incarne ces nouveaux espaces de recueillement, désormais décloisonnés et libérés de leurs limites spatiales et temporelles.

Soutenu par : Pro Helvetia / Ville de Lausanne

Année de production : 2020

Selon des études, en 2065, Facebook deviendra un cimetière digital dont le nombre de morts excédera celui des vivants. Je vivrai pour toi explore ces profils fantômes de personnes disparues continuant à être taguées, pokées et notifiées. Semblables à des mausolées digitaux, ces comptes sans destinataire semblent devenir des espaces de recueillement et de communication avec l’outre-monde où l’on y partage souvenirs, images et épitaphes. Le web, comme une allégorie de l’Au-delà, ne peut être touché, ni matérialisé. C’est un espace illimité, rendant immortel tout un chacun.

Année de production : 2017

Ce projet à long terme consiste à rechercher et à approcher des ermites et leur mode de vie. C’est souvent dans des lieux reculés du territoire suisse, comme les paysages de montagne, que Nelly Rodriguez les rencontre. Les images qu’elle ramène rendent compte d’une réalité peu connue tout en abordant de multiples sujets comme celui de la solitude, du choix de style de vie, de la confrontation à l’autre, ou du rapport à la société et à la nature.
La série en cours, exposée pour la première fois aux Journées photographiques de Bienne, montre en alternance des portraits et les espaces, construits et naturels, dans lesquels ces personnes évoluent.
(Catherine Kohler)

Année de production : dès 2010

L’exotisme, l’étrange, l’inexploré, des stratégies esthétiques pour induire un parallélisme entre le 19e siècle et aujourd’hui. En cela le désir de parler d’une situation actuelle, mais comme étant directement le résultat du passé. En partant d’éléments tournant autour de ma vie, j’ai abordé une notion beaucoup plus globale, le néocolonialisme. Je pars d’une histoire intime pour aller vers une problématique mondiale : les relations de pouvoir entre le nord et le sud, une réflexion sur le capitalisme. Mon quotidien est régi par une multitude de transactions, d’échanges et de liens à un niveau planétaire. Je ne serais pas celui que je suis sans le phénomène de la mondialisation. (YH)

Année de production : 2013

Früher fand Wissenschaft und Forschung nur in den Studierzimmern leidenschaftlicher Tüftler statt. Heute sind die abenteuerlustigen und entdeckungsfreudigen Hobbyraketenbauer ganz normale Leute, die diese Tradition nach ihrem eigenen Rhythmus weiterführen. Die International Rocket Week findet in der Nähe von Glasgow in Schottland statt und zieht Raumfahrtbegeisterte aus England, Europa und den USA an. Eine Woche lang campen die Teilnehmer in der Nähe einer alten Pfadfinderunterkunft und bauen ihre eigenen Raketen, die sie dann auf der angrenzenden Wiese abschiessen. Diese Raketen kosten zwischen 5 und 3ʼ000 Pfund und werden in der Regel nach dem Flug wieder eingesammelt und wiederverwendet. Dies ist jedoch nicht immer möglich: Einige kehren von ihrer Reise durch die Lüfte nicht mehr zurück.

Herstellungsjahr: 2014

Le bonheur n’est pas un état, c’est un moment furtif. Penser au bonheur revient inévitablement à évoquer les souvenirs.

Dominic Büttner propose des portraits d’inconnus ou d’amis se remémorant leurs instants de bonheur au singulier ou au pluriel. Ces hommes et ces femmes d’origines et d’âges divers ont deux traits en commun : leur patience mais aussi leur aptitude à se dévoiler face à l’appareil photo.

Les circonstances qui entourent la prise de vue s’avèrent être particulières. Car ces courts instants de bonheur – qu’ils soient enfouis dans le passé ou vécus au quotidien – naissent d’un état de contemplation. Ils sont conditionnés par un certain éclairage, par l’utilisation d’un appareil grand format et par la discrétion de l’entourage. Ils sont la manifestation d’une force intérieure émanant des protagonistes

L’expression du bonheur dépasse le simple sourire. Il prend naissance en dehors du réseau obligé de nos relations, va au-delà d’une simple réaction face au vécu. Le bonheur prend ses racines en lui-même, comme une trace de vie, une aspiration. De façon à permettre à ses modèles de l’atteindre, le photographe respecte un certain silence, sans toutefois se taire complètement. Car c’est dans l’échange suggestif et ouvert que naît cet état de grâce susceptible de déboucher sur un instant de bonheur. Le bonheur n’est pas ici synonyme d’euphorie, encore moins de curiosité et surtout pas de copinage. Il n’est rien d’autre que la faculté de laisser transparaître sa beauté intérieure face à l’appareil photo.

Le photographe Pierfrancesco Celada a habité pendant huit ans à Hong Kong. De 2016 à 2021, il photographie chaque jour un port cargo public situé à l’ouest de l’île, un lieu convoité par de nombreux instagrammer·euse·s, photographes et individus afin de faire des selfies et des images dans lesquelles ils se mettent en scène, utilisant le port comme un décor. Au fur et à mesure de ses prises de vues, le photographe remarque des répétitions dans ses propres images et dans celles des autres ainsi que dans les mises en scènes élaborées dans ce décor surprenant. Le port opère comme un point de rencontre entre le monde réel et le monde virtuel. Les gens y retournent souvent plusieurs fois pour créer et recréer des images similaires à celles qui ont été réalisées et postées en ligne, des mèmes.

Le photographe crée une exposition de ses images sur Instagram. En mars 2021, son projet est stoppé par la fermeture de l’accès au port par les autorités. Il crée alors un port en ligne de manière à proposer un nouvel espace d’expression dans le monde virtuel. A Bienne, son projet qui questionne le pouvoir du digital dans des contextes où les libertés publiques sont remises en question est accompagné par une proposition interactive, au bord du lac : #instagrampierbiel.

Prenez une photo et postez-la avec le #instagrampierbiel :

• Pilier de l’amour – Liebessäule Nidau (Schlossstrasse 25, 2560 Nidau) : 47°07’47.9″N 7°13’51.5″E
• Rue du Débarcadère – Ländtestrasse (chemin le long du lac) : 47°07’59.9″N 7°13’56.0″E

Soutenu par : Jura Trois-Lacs, Tourisme Bienne Seeland

Année de production : 2016-2021

Vue d’avion, Tokyo se présente comme un océan sans fin de maisons, dont seuls les hauts édifices des quartiers d’affaires se dressent, telles des îles. La métropole ressemble à un assemblage fortuit d’agglomérations, grandes et petites, reliées entre elles par des lignes de chemin de fer. Les gares forment leur centre. Contrairement aux villes occidentales qui dessinent un plan précis de rues, de places et d’axes importants, Tokyo ne dispose pas d’une organisation facilement perceptible du point de vue de l’urbanisme. Un règlement peu contraignant, des parcelles de petites tailles et une volonté radicale de renouvellement débouchent sur une diversité de constructions qui nuit à l’homogénéité de la ville.
En raison des incendies dévastateurs dus au séisme de 1923, des bombardements de 1945 ainsi que de l’essor économique, rares sont aujourd’hui les maisons de plus de 60 ans. C’est pourquoi l’histoire de Tokyo se raconte non par le biais de ses bâtiments, mais par les rivières et les canaux encore existants. Depuis 1964, on travaille à l’édification du réseau «Tokyo Metropolitan Highway». Par manque de place, cette autoroute urbaine est érigée sur des piliers, principalement au-dessus des anciennes voies d’eau. Sa hauteur et sa longueur de 220 km la rendent omniprésente.
Tout comme la structure de la ville, les bâtiments – excepté les tours les plus récentes – ne sont pas non plus conçus dans un esprit de représentation. C’est principalement l’intérieur des maisons, le privé, qui mérite l’attention des habitants. On se préoccupe peu de l’aspect extérieur des immeubles. Ainsi, la position et la taille des fenêtres dépendent souvent des besoins intérieurs. Aux façades sont encore fixés, très pragmatiquement, les appareils de climatisation, les tuyaux et les canalisations.

Depuis 2019, Giorgia Piffaretti et Sophie Wright travaillent ensemble, rassemblant des fragments (images, notes, matériel d’archives personnelles) pour présenter diverses constellations narratives. Les recherches partent souvent d’un point de départ statique, puis se développent expérimentalement dans différentes directions et se présentent, par exemple, sous la forme d’une conférence-spectacle ou d’une installation multimédia. Au centre de leur travail commun se trouve le récit spéculatif des images.

A partir d’une photo de famille prise au sommet du Mont Blanc, l’œuvre “In Vetta” déclenche une avalanche d’associations collectives. La plus haute montagne d’Europe devient la métaphore d’une archive qui représente notre obsession de vouloir capturer le temps. Les questions relatives au passé, à la nostalgie, à la perte et à la préservation s’imposent et nous permettent de réexaminer la relation entre l’homme, l’image et la nature sous différents angles.

Un projet proposé par Espace libre.

Année de production : (ongoing research project, 2019 –)

« In the Woods », l’installation interactive de Camiller Scherrer, emmène le visiteur dans une forêt imaginaire, où sa silhouette se mélange à des ombres animales ou végétales extraordinaires dès qu’il s’approche d’un faisceau lumineux. Avec des figures inspirées des découpages du Pays-d’Enhaut, région natale des Alpes vaudoises de l’artiste, cette balade forestière à l’intérieur d’un espace d’exposition où il fait bon se perdre est faite pour les citadins en mal de nature et d’aventure. (cv)

Année de production : 2012

Isabelle Steiner, jeune artiste établie à Bâle, joue sur les notions d’habillement et de déshabillement dans ce travail intitulé « in et out ». Les sous-vêtements, par un mouvement d’inversion, habillent les différents modèles qui posent pour elle, se superposant aux habits courants. Le dessous se métamorphose en une enveloppe extérieure. Dans une succession d’images qui nous fait voir l’intime, elle met en scène un processus de dévoilement, néanmoins toujours avec pudeur. Sans donner l’impression d’être une voyeuse, elle traite bien plus le thème du sous-vêtement dans une optique sociologique, tentant de mettre en évidence les différentes relations existantes entre l’habit de ville, celui de notre intimité et notre personnalité.Isabelle Steiner ne s’attache pas au vêtement qui enveloppe et cache, mais au contraire à celui qui révèle, non pas le corps, mais un peu du caractère des modèles. Non sans ironie, hommes ou femmes se laissent alors appréhender de manière nouvelle, nous exposant une part de leur intériorité et établissant ainsi une nouvelle présence à l’autre, qui va au-delà de la surface. Alors que l’être humain peut se cacher derrière une façade vestimentaire, Isabelle Steiner dévoile ses modèles et rend visible ce qui est le plus souvent soustrait au regard. Au moyen de cette réflexion sur l’intérieur et l’extérieur, l’intime et le visible, elle cristallise la question du vêtement en tant que deuxième peau.

Guide utile des habitations du camp de réfugiés de Calais. La « Jungle » est un grand quartier résidentiel en périphérie de Calais, en France, entouré d’une clôture métallique et équipé d’eau courante et de lumière. Plus de 6’000 réfugiés vivaient dans les mêmes conditions que celles qui sont visibles ici. Aujourd’hui le camp est démoli. Nous avons imaginé comment nous aurions pu trouver une maison dans le camp. Derrière ce projet, il y a un travail photographique de près de deux ans. Nous avons choisi l’ironie parce que, fatigués de la façon dont les médias traditionnels et de nombreux photographes traitent ce sujet, nous pensons qu’il est nécessaire de fournir d’autres points de vue et d’autres récits.

Année de production : 2016

Sandra Mehl a rencontré Ilona et Maddelena dans un quartier populaire de Montpellier en 2015. Agées de 12 et 11 ans, elles habitent dans le petit appartement familial qu’elles partagent avec leurs parents, le parrain de Maddelena, cinq chiens, quatre chats et une multitude d’objets à l’effigie des Indiens d’Amérique et de Johnny Hallyday. La photographe les a suivies pendant deux ans dans leur intimité, pour capter les instants où les deux adolescentes transcendent leur quotidien, durant une période de la construction du soi.

Année de production : 2016

Des images réalisées au moyen d’un iPhone en Libye. De l’iphotojournalisme qui grâce à une esthétique différente amène à en reconsidérer le contenu.

Année de production : 2011

En mars 2016, la Commission Européenne ferme la « Route des Balkans ». Plusieurs centaines des 15’000 réfugiés bloqués à Idomeni réussissent cependant, le lundi 14 mars après-midi, en passant à travers champs, à contourner la barrière de barbelés érigée par la Macédoine et à arriver à Moin. Arrêtés par l’armée macédonienne, les réfugiés sont renvoyés sur le territoire grec. Malgré cet échec, ce mouvement collectif reste celui d’un ultime geste d’émancipation et de revendication de la liberté de passage dans une Europe qui s’emmure. La vidéo témoigne de ce passage clandestin voué à l’échec. (Maria Kourkouta)

Année de production : 2016

Jenny Rova espionne son ex-copain et sa nouvelle amie. Elle les traque sur Facebook et charge les images qu’ils ont téléchargées d’eux-mêmes, seuls ou ensemble. Elle adopte la même position et se substitue à l’actuelle petite amie, en imitant sa pose et ses expressions, en empruntant sa tenue. Elle se photographie avec la même lumière. Elle colle ensuite sa silhouette découpée sur l’image originale en recouvrant la copine. Jenny Rova reconstruit de cette manière un univers fantasmé qui vient se superposer à celui du couple. Pendant un court instant, le temps de prendre la pose, elle fait à nouveau partie de la vie de son ex-petit ami et s’imagine à la place de cette fille.

Année de production : 2010

Des photographies récupérées dans des journaux quotidiens régionaux et des magazines, disposées sur 60 disques de bois fixés aux murs. Ce format évoque l’image que l’oeil perçoit à travers une longue-vue ou l’objectif d’un appareil photo.

Année de production : 2011

Pylône électrique abandonné dans un désert qu’une route balafre, cimetière d’automobiles se déployant dans des enchevêtrements végétaux, barres de résineux enveloppées d’une vapeur irréelle. Entre les mains de Nicolas Denis, le paysage se détache de son support – le monde – pour devenir une image.

Le photographe propose des énigmes visuelles à partir de ce qu’il voit réellement. Ses photos pourraient être extraites d’un magazine de géographie au papier luxueusement glacé. Les reliefs disparaissent au profit de lignes, de plans qui se succèdent – rappel direct des premiers collages panoramico-photographiques de Nicolas Denis.Et pourtant, ces paysages, aussi artificiels soient-ils – car le paysage est une invention – expriment également une appétence photographique pour les contrées que Nicolas Denis traverse. Le mythe du voyageur dix-huitiémiste n’est pas loin: tout en expérimentant la virtualité narrative de paysages pris en flagrant état de nature, le photographe lève le voile sur des coins de monde insoupçonnés.

Florence Grivel, historienne de l’art

Année de production : 2020

À seulement 22 ans, Stephen Dock part, sans expérience ni commanditaire, couvrir les conflits au Moyen-Orient et leurs conséquences. Dix ans plus tard, il s’engage dans une relecture et une réinterprétation de sa propre archive photographique syrienne. En instaurant une distance temporelle et factuelle avec ce fonds, il se réapproprie radicalement son écriture notamment à travers l’expérimentation et l’intervention, débarrassé des codes photojournalistiques. Il aboutit ainsi à une recherche sur la matière organique de l’image, analogique autant que numérique. Entre images de destruction et destruction de l’image, cette série implique une profonde remise en cause de la fonction iconographique et du vocabulaire photographique de la guerre. Le projet Human Interest Stories interroge l’utilité de la photographie au sens large et questionne le statut d’auteur.

En collaboration avec la curatrice Audrey Hoareau.

Année de production : 2011-2021

Il n’y a rien de plus contraignant qu’un tatouage. Tu peux te séparer de tout, tu peux tout perdre, le tatouage reste tien pour ta vie entière, pour autant que tu ne l’effaces pas en recourant à une coûteuse opération au laser. Et pourtant, les gens viennent souvent à l’atelier en voulant ce que les autres ont. N’importe quel motif facile, pourvu qu’il soit « in ». Ou alors ils disent : « Fais simplement quelque chose, tu fais ça bien ». La tatoueuse appelle cela « absence de responsabilité » , lorsque quelqu’un veut laisser décider la mode ou la tatoueuse de ce qu’il portera sur sa peau pour toujours. Irréfléchi et irrespectueux. Le motif devrait avoir un rapport avec la personnalité, la conscience de soi, le parcours autobiographique. Il n’est pas nécessaire de devenir un album de souvenirs multicolore comme ces galeries de peinture ambulantes qui ont un jour commencé petit et n’ont plus cessé ensuite de collectionner des images, jusqu’à investir chaque parcelle de leur peau, de façon à ce que le manteau protecteur soit parfait et qu’elles ne doivent plus jamais se sentir aussi nues que lors de l’expulsion du paradis. Celui qui au contraire débute avec un motif occupant une grande surface s’est plus intensément préoccupé du comment, pourquoi, d’où, où. Et il ne se laisse pas non plus nécessairement séduire par l’esthétique décorative d’un tatouage noir, tel un bijou à exhiber. Il préfère même plutôt le faire appliquer à un endroit où normalement les vêtements le dissimulent ; il le porte ainsi sur lui tel un trésor caché. Car sa signification va bien au-delà de la simple parure. En tant que message codé remontant aux origines de l’humanité, il relie l’être qui le porte aux mondes lointains où les tatouages étaient et sont toujours d’authentiques rites d’initiation.

Margret Mellert, tiré du reportage sur le travail de la tatoueuse Jacqueline Spoerle, Neue Zürcher Zeitung, 25/26.5.2002

La vidéo de l’artiste Mary Maggic est un show télévisuel fictionnel dans lequel les deux animatrices trans-femmes Maria et Maria enseignent aux spectateur·trice·s comment fabriquer leurs propres hormones dans la cuisine. Avec beaucoup d’ironie, ce travail qui évoque la vidéo Semiotics of the Kitchen de Martha Rosler questionne la représentation de la sexualité dans les médias, les normes avec lesquelles les identités sexuelles sont définies dans notre société et interroge les contraintes imposées aux individus pour accéder à un traitement hormonal. Choisissant la cuisine comme champ de bataille, l’artiste spécule sur un monde avec moins de discrimination et une meilleure souveraineté pour tou·te·x·s.

Année de production : 2017

L’hôtel Viktor est un bâtiment de 12 étages situé dans la ville de Most au nord de la Bohême. Les chambres des 4ème, 5ème et 6ème étages sont destinées à des personnes qui, pour une raison ou une autre, se retrouvent sans logement pour une durée indéterminée.

En 2001, durant un séjour à Most, Vanessa Püntener loge comme cliente régulière dans cet hôtel. Elle y fait la connaissance de retraités, chômeurs, pères de familles divorcés, voire de familles entières vivant dans des chambres de 16 m2.Son attention se porte sur le comportement d’individus appelés à vivre dans un cadre uniformisé. Au départ, les pièces mises à disposition par l’hôtel Viktor sont toutes identiques. Mais la présence de ces clients particuliers fait qu’elles acquièrent une touche singulière et personnelle.

Une chambre à coucher relève de la sphère privée, tout comme un journal intime. La manière de la décorer reflète-t-elle la personnalité des gens qui l’habitent? La façon qu’on a d’y ordonner ses affaires a valeur de portrait. Le lieu devient portrait.

“Hoselupf” est un terme vernaculaire qui signifie “soulever par le pantalon”. Le projet de Sabina Bösch étudie la section féminine du sport le plus traditionnel de Suisse, la lutte. Cette discipline, pour laquelle les femmes ont pu obtenir le pantalon qu’en 1982 afin de pratiquer la lutte à un niveau professionnel, demeure essentiellement masculine. Durant l’été 2019, munie de son appareil photographique, l’artiste a accompagné des femmes et des filles pendant une saison de cinq tournois qui ont eu lieu dans différents endroits en Suisse. La série d’images, réalisée en couleurs et en noir-blanc, combine des prises de vues de lutteuses dont le genre n’est pas toujours identifiable.

Parfois présentées en diptyque pour créer un dialogue entre deux images ou deux corps, à la fois sensuelles et brutales, ses photographies donnent une perspective contemporaine et féminine sur un sport de combat et permet à ses protagonistes de sortir de l’ombre dans laquelle elles sont aujourd’hui encore souvent reléguées.

Année de production : 2021

Située sur une surface exigüe, Hong Kong est l’une des villes les plus denses et les plus chères du monde. Dans les années 1950 – 1960, des milliers de personnes – estimées à 15’000 – ne pouvant se loger, ont élu domicile sur des toits d’immeubles, créant de nouveaux espaces communautaires. Longtemps tolérés mais illégaux, ces « bidonvilles des toits » font depuis quelques années l’objet d’une campagne d’éradication de la part de la municipalité, notamment au vu des nombreux accidents qui y surviennent. Aujourd’hui, la majorité de ces personnes ont été relogées dans les nouveaux quartiers situés à des kilomètres du centre ville. Pour prétendre à ce type de logement social, encore faut-il prouver habiter sur un toit depuis plus de sept ans. (PM)

Année de production : 2012-2014

Cela fait dix ans que Markus Bühler-Rasom parcourt le Groenland: le pays et ses habitants sont devenus avec le temps sa deuxième patrie. C’est là qu’il a appris à connaître les inuits, du nom des esquimaux des terres arctiques.

Les inuits du nord du Groenland ont depuis longtemps cessé de vivre dans des igloos. Leurs maisons sont équipées du chauffage, de la télévision et du téléphone. Si la vie des villes et des villages du Groenland s’apparente à quelques exceptions près à celle en Europe, elle demeure conditionnée par le climat arctique. Les phoques et les poissons constituent les produits alimentaires de base des esquimaux. Mis à part les animaux indigènes, le Groenland n’offre pas d’autre forme de subsistance: tout autre produit doit être importé. Durant les longs mois d’hiver, il est souvent très difficile de se ravitailler. Les tempêtes interminables empêchent pratiquement tout avion de voler. Les localités ne sont reliées entre elles par aucune route. Aujourd’hui encore, les principaux moyens de transports sont le bateau en été et les traîneaux en hiver. Pour assurer leur subsistance, les inuits sont obligés de chasser. Ce n’est pas de leur plein gré qu’ils continuent à honorer les traditions séculaires et à se procurer ainsi leur nourriture. Ce sont les conditions climatiques qui les y obligent. Certes, une société moderne se développe en parallèle. Elle soumet notamment les jeunes inuits à rude épreuve, ainsi qu’en atteste leur forte consommation d’alcool. Mais ce n’est pas demain la veille que le peuple de l’Arctique cessera d’être exposé à la rudesse du climat. Or la perte des traditions signifierait inévitablement la fin de leur culture.

Nina Berman photographie dans le monde entier, en prêtant toutefois un intérêt particulier au paysage social et politique des Etats-Unis : “La plus grande partie de ma vie, je l’ai passée à parcourir les Etats-Unis, afin de comprendre ce qu’est l’American Way of Life”. Elle se consacre aux traces visibles engendrées par les idéologies dans le monde. Dans sa série Homeland, Berman rend compte de la militarisation du quotidien américain, après le 11 septembre 2001. Le titre de son travail fait référence au « Department of Homeland Security », créé par George W. Bush afin de protéger les Etats-Unis d’attaques terroristes. La photographe observe les agissements de ses compatriotes avec un regard acéré. Bien que le soleil brille la plupart du temps, le monde reste empreint d’une profonde tristesse. Les sujets paraissent être prisonniers d’un monde de rêves, hermétique et surréel. La société des loisirs américaine se mêle aux exercices d’urgence. Les gens sur la plage portent leur regard haut dans le ciel sur la silhouette d’un bombardier de type B-2 Stealth – un trou dentelé dans le ciel, censé les protéger. En arrière-fond on peut lire “Paintball with Live Targets”. La peur fait partie du quotidien. Le niveau de menace du moment est communiqué par drapeaux de couleur, de façon à aider les habitants. Que dire du drapeau jaune sur lequel on peut lire “significant risk” ? La peur génère l’identité. Nina Berman nous montre à répétition des enfants et adolescents – dont les souvenirs les plus marquants consisteront en des jeux de guerre, dans une forêt inondée de soleil. La vie en état d’urgence sera pour eux la normalité, sans qu’elle soit questionnée (ni questionnable) : cette normalité s’appelle “Homeland”. (Simon Stähli)

Année de production : 2008

Le processus de fabrication du savon d’Alep a été élaboré au cours de l’Antiquité dans la région du Levant dont Alep était alors l’une des villes principales. Emmanuel Tussore sculpte cette matière fragile et malléable puis la photographie. Grâce à cette méthode de production, le savon d’Alep devient le symbole d’une force brute, destructrice. Les ruines qui en résultent racontent l’absence, la perte, l’exil et questionnent les valeurs humanistes. Puisant dans l’histoire pour révéler des problématiques actuelles, Tussore propose une vision du monde dans laquelle la notion de disparition est prépondérante.

Année de production : 2017

Le Photoforum Pasquart propose pour cette édition des Journées photographiques, intitulée Flood, une carte blanche à l’artiste Myriam Ziehli, prenant comme point de départ les motifs récurrents au cours de l’histoire du déluge et de la catastrophe.

«Cela part d’une intuition très simple; la conservation dans la structure zoologique n’est pas sans rappeler deux paraboles bibliques: celle de l’Arche de Noé et avant elle, la Genèse. En effet, le parc zoologique représente une structure fermée de conservation, constituant ainsi une forme d’arche. L’urgence de la situation apocalyptique dans la parabole évoque les problèmes écologiques contemporains avec notamment l’inquiétante perte de biodiversité caractérisée par la sixième extinction de masse. L’autorité patriarcale et hiérarchique de Noé sur les animaux qu’il choisit et ‚qu’il sauve’ rappelle l’insolence occidentale, d’une part, définissant une priorisation des actions de conservation et d’autre part, la manière de définir les animaux comme représentants de leur espèce au sein du parc zoologique.

Finalement la perception ‚naturaliste’ (selon les quatre ontologies définies par Philippe Descola), séparant le monde ambiant (environnement) de l’humain se retrouve dans les prémices de la Bible, ainsi dans la Genèse1.26, nous retrouvons ce verset: ‚Puis Dieu dit: Faisons l’homme à notre image, selon notre ressemblance, et qu’il domine sur les poissons de la mer, sur les oiseaux du ciel, sur le bétail, sur toute la terre, et sur tous les reptiles qui rampent sur la terre.’

Ces visions de la ‚nature’sous la domination de ‚l’homme’semblant aujourd’hui aberrantes, nous permettraient-elles de revoir notre rapport culturellement construit — et ancré profondément — de ‚souverain sur la nature’?»

Les likes, retweets , followers  et autres friends  contribuent à la mise en place d’un système de valeurs basé sur la popularité. Constant Dullaart a constaté qu’un grand nombre d’entre eux sont générés par des programmes informatiques utilisant aléatoirement des photographies et des noms trouvés en ligne. L’artiste brouille les pistes. Il a acquis en masse des faux followers Instagram, qu’il a attribué, en nombre identique, à plusieurs utilisateurs de cette même plateforme. Il devient, dès lors, impossible de mesurer la popularité de chacun.

Année de production : 2017

A l’âge d’un mois, Carmela Harshani Odoni est adoptée par ses parents au Sri Lanka et débarque en Suisse. Deux ans plus tard, une sœur, également originaire du Sri Lanka, vient la rejoindre. Toutes deux grandissent bien entourées à Rothenburg (LU), avec la conscience d’être différentes.

Jusqu’alors, Carmela Harshani Odoni ne s’était pas intéressée à son adoption ni à ses parents biologiques. Elle voulait vivre comme les autres. Mais avec l’âge, et en se découvrant petit à petit, surgirent également les questions: qui étaient son père et sa mère? Pourquoi l’avaient-ils donnée à adopter? Comment les gens de là-bas vivent-ils? Elle se rend alors à l’ambassade du Sri Lanka à Genève pour s’informer des différents moyens de recherche. Sur ses papiers, on découvre au verso d’un document une adresse à Colombo.En octobre 2004, Carmela Harshani Odoni retourne pour la première fois depuis 24 ans pour une semaine dans sa patrie. Dans ses bagages, son passeport cinghalais (sri lankais), son certificat de naissance et cette adresse.

Au début, tout va bien. Elle établit des contacts avec des familles sur place et apprend à connaître leur quotidien. Les gens font preuve de sollicitude à son égard. Les Cinghalais et les Tamouls vivent en paix avec les bouddhistes, les musulmans, les hindous et les chrétiens. La rencontre à l’adresse mentionnée donne aussi bon espoir à Carmela. Une femme du nom de Galappathi lui promet de l’aider dans ses recherches.

Lors du deuxième voyage, les événements se précipitent. Le Tsunami déferle sur le Sri Lanka au moment où Carmela Harshani Odoni débarque. Peu après son arrivée, Madame Galappathi lui annonce qu’elle a probablement retrouvé sa mère… Mais c’est la dernière fois qu’elle reverra cette femme. Pour Carmela Harshani Odoni, les moments de joie extrême font place à des périodes d’amère déconvenue. Cette femme voulait-elle la lancer sur une fausse piste? En savait-elle plus sur sa mère biologique qu’elle ne voulait l’avouer? Ou s’agissait-il même de l’une de ses filles? Autant de questions qui demeurent sans réponse.

Pendant une année, jour après jour, mois après mois, l’artiste a documenté le niveau de pollution de la ville de Singapour et de sa région. Durant cette période, l’augmentation des feux de forêts dans les plantations de palmiers dédiées à la production d’huile de palme a eu un impact sur la densité de particules fines de pollution dans l’air. L’artiste a retranscrit de manière minutieuse l’index de pollution de l’air mesuré par l’agence nationale de l’environnement de Singapour en valeur de gris sur des papiers photosensibles. Composée d’images plus ou moins foncées en fonction du niveau de pollution du jour et rassemblées en douze blocs, représentant chacun un mois du calendrier, son installation évoque de manière métaphorique l’incapacité des individus à se représenter l’impact de la surexploitation de la nature sur l’environnement et questionne sa passivité face aux problèmes climatiques qu’il génère.

Année de production : 2016

Jouant avec la perspective et les rapports d’échelle, la photographie Hang s’apparente au premier abord à une peinture abstraite, puis contraint le regard à se plonger dans le sujet de l’image : des tas d’ordures. En numérisant et en agrandissant une photographie argentique qui représente des déchets laissés à l’abandon, l’artiste nous confronte à une réalité visuelle qui nous renvoie à notre surconsommation et questionne l’impact, conscient ou non, de l’être humain sur l’environnement.

Année de production : 2018

Nous n’attendons pas des vieilles personnes qu’elles travaillent encore. Elles doivent, dans la mesure de leurs possibilités, jouir de la vie. Madame Kawai de la province de Chiba, qui est à la bordure est de Tokyo, est âgée. Elle a 84 ans. Et elle est une « Gyosho ». Les deux caractères japonais pour « Gyosho » signifient « aller/conduire » et « faire du commerce/marchander ». On pourrait donc traduire « Gyosho » par « colporteuse ».

Chaque semaine, du lundi au vendredi, Madame Kawai amène son lourd ballot de 60 kilos de légumes, fruits et produits à base de riz à Tokyo pour les vendre. Et ceci depuis plus de 60 ans. On pourrait penser que ce dur labeur l’aurait aigrie et ravagée. Pas du tout : Madame Kawai est une femme forte, heureuse, rayonnante et faisant preuve d’assurance. Comme la plupart des colporteuses que j’ai rencontrée.Lorsque j’ai vu pour la première fois des Gyoshos à Tokyo, j’ai tout de suite été frappé par leur apparence. Ces vieilles petites femmes courbées dans leurs habits paysans et avec leur gros ballot de légumes sur le dos détonnaient au milieu de l’agitation trépidante et affairée de la grande ville moderne. Elles me paraissaient des messagères d’un autre Japon, plus ancien.

En 1949, près de 3000 Gyoshos arrivaient chaque jour de Chiba à Tokyo. Aujourd’hui, l‘« Association de la ligne de Keisei » ne se compose plus que d’environ 120 femmes. Comme les jeunes femmes ne veulent plus travailler comme Gyoshos et que l’âge moyen des Gyoshos actives est d’environ 70 ans, leur nombre diminue rapidement.

Les images montrées ici sont le résultat de deux bonnes années de travail. Avant de vraiment pouvoir prendre les premières photographies, j’ai dû établir un contact avec ces femmes. Comme leur association est très fermée et hiérarchisée, cela ne fut pas si simple. Il a fallu beaucoup de patience et de compréhension de part et d’autre. Mais après, elles m’ont permis de prendre des images, ce qu’aucun autre photographe avant moi n’avait encore pu faire.

Dans une dizaine d’années, il n’y aura plus de Gyoshos. Mais je continuerai d’essayer de témoigner de leur héritage par le moyen de la photographie; parce que je recours à l’une des propriétés élémentaires de la photographie: capturer le temps.

Andreas Seibert

En 2001, Barbara Davatz a fait le protrait de 12 familles de la région de l’Oberland zurichois ; 93 femmes, hommes, jeunes et enfants sont représentés sur 77 photographies couleur de 35 x 50 cm, et rangés par familles de 2 à 13 images.
« Gsüün » désigne selon le « Schweizerischem Idiotikon » (dictionnaire des dialectes) un type précis de peuple ou de famille, mais signifie également face, visage, ou expression du visage. Ce mot s’entend encore de temps en temps.
Un travail de recherche visuelle a été réalisé, qui traite de similitudes familiales, de parentés, de la transmission de caractéristiques physionomiques et de particularités physiques à l’intérieur d’un arbre généalogique. Une autre thématique, qui ne saute peut-être pas immédiatement aux yeux, sous-tend ce travail plus en profondeur : le passage des générations, le cours de la vie.
Les personnes ont été photographiées de manière strictement frontale, devant un fond gris clair, en studio, « extraites »
de leur environnement, afin que plus rien ne distraie de la silhouette et de ses significations. Les figures apparaissent ainsi en toute clarté et netteté. La réalité objectivement représentée peut ainsi exercer intensément sa pleine fascination : la sobriété de la prise
de vue permet aux personnes de se « représenter » elles-mêmes.
Cette présentation centrée sur l’essentiel permet l’« étude morphologique » d’une collection scientifique unitaire, l’observation curieuse et précise des silhouettes avec leurs références.

Jumeaux, une lubie de la nature
La photographe traite de la question de l’unicité de l’individu dans cette série de 1982 comprenant 52 paires de jumeaux.
Elle y prend pour exemple des couples d’humains nés avec un « code de vie » absolument identique. Au cours du travail, la photographe a pu observer que ces « êtres doubles » ont véritablement un « alter ego » en chair et en os comme compagnon de vie, et que cette très forte, profonde et durable relation les empêche probablement de se sentir « seuls » au monde ou « abandonnés », en tant qu’individus dans la masse, comme nous, les non-jumeaux.

Si l’on tient compte, en arrière-plan, des plus récentes recherches en génie génétique qui tentent de décoder les « derniers secrets » de la vie humaine, ces deux travaux de photographie sont tout à fait d’actualité.

« Gsüün » et « Jumeaux, une lubie de la nature » suivent d’autres séries conceptuelles de portraits de la photographe Barbara Davatz, portées par une curiosité quasi scientifique, par la confiance en l’élémentaire force d’expression du représenté traité de manière encyclopédique, par un amour du visible, une fascination pour la manifestation physique, et un intérêt pour les questions touchant à l’identité ainsi qu’à l’appartenance à d’autres individus et au groupe.

«Grosse kleine Welt» emprunte son titre à un roman de Walser et porte son regard sur une région, une ville, maintes fois parcourues, contemplées par Robert Walser. «Grosse kleine Welt» fait un portrait de l’écrivain au travers de promenades contemporaines dans des images et des paysages de ce coin du monde. Deux textes courts de Walser accompagnent cette déambulation, «La ville natale» et «La lune».«Interférences et variations» questionne nos manières de voir et d’entendre ; l’image et sa transmission sont examinées dans un dialogue parfois absurde, parfois mélancolique, parfois pointu. (mjb)

«Grosse kleine Welt», version française : 12h I 14h I 16h.
«Interférences et variations», versions française : suit la projection de «Grosse kleine Welt».

Année de production : 2013 | 2011

Comment s’orienter dans des situations politiques et historiques complexes ? Quels sont les réseaux de causalité et leurs répercussions ? Où les différents récits nous mènent-ils et comment situer une perspective individuelle par rapport aux autres ? Comment la poussière et l’ombre peuvent-elles être des témoins, comment l’écart est-il parlant ? L’exposition personnelle d’Abächerli à espace libre explore les multiples perspectives des récits politiques et historiques. Elle présente une installation vidéo dans laquelle des techniques de stop motion sont utilisées pour superposer du matériel documentaire et des dessins animés, créant ainsi une situation d’interruption constante.

Année de production : 2022

J’ai suivi Giulia entre décembre 2005 et août 2006. A cette époque, elle se battait contre la maladie : un cancer du sein.
Ce que mon objectif a capturé est moins la représentation d’une maladie que celle de la perte de la féminité. Et qu’est-ce qui au fond constitue cette féminité ? Derrière cela se cache une peur, celle de ne plus être une femme, de ne plus être considérée comme telle. Ce sont des peurs primitives qui se dissimulent en nous, amplifiées de nos jours par d’inaccessibles images idéales véhiculées par le show business et la publicité.

Les cheveux de Giulia symbolisent une nouvelle perception de sa féminité. La manière dont la finesse, la douceur et la féminité réapparaissent témoigne d’un processus qui est non seulement externe mais aussi interne.

Entre 2006 et 2013, Lucas Foglia a traversé l’Idaho, le Montana, le Nevada, le Nouveau-Mexique, le Texas et le Wyoming, régions parmi les moins peuplées des Etats-Unis. « Frontcountry », publié par Nazraeli Press, débute par des images de cowboys et montre l’intrusion progressive des compagnies minières : or, pétrole, gaz naturel, cuivre, charbon. Dans l’Ouest américain, l’élevage et l’exploitation minière ont deux histoires parallèles. Les cowboys et la culture de l’élevage sont une identité, imprimée sur les plaques d’immatriculation et les souvenirs pour touristes. Si le Nevada était un pays, il serait le quatrième producteur d’or dans le monde. Les compagnies minières creusent des trous énormes pour trouver des petites choses, laissant des fosses là où s’élevaient des montagnes. « Frontcountry » est le portrait de personnes qui vivent aujourd’hui dans l’Ouest américain rural, et montre comment elles partagent et dépendent d’un paysage qui reste encore sauvage. (LF)

Année de production : 2006-2013

Pour son projet, Ekaterina Sevrouk a photographié des réfugiés d’Afrique dans les régions alpines et sauvages d’Autriche. L’intention artistique de la photographe est associée à l’image de soi des réfugiés et à la perception qu’ils ont d’eux-mêmes. Le titre s’inspire du cycle de chants romantiques Winterreise de Franz Schubert, repris par le poète Wilhelm Müller. Elles ont été composées en 1827 et décrivent le voyage d’un vagabond entre joie et désespoir. Là où Schubert emploie le piano pour exprimer la mélancolie et l’état d’âme d’un étranger, Ekaterina Sevrouk utilise les ressources de la photographie pour créer une atmosphère d’altérité et d’aliénation.

Année de production : 2017

Espace réel, images et reflets se mêlent pour dérouter notre regard.

Année production : 2012

Une foule se structure spontanément, tel un organisme cellulaire soumis à la cohérence de séquences génétiques. Les émotions se manifestent de manière exacerbée, voire même violente. Il y a cette excitation, ce moment où les individus se fondent pour composer cette masse humaine et homogène. Les personnalités se confondent avec les unités d’un corps complexe qui se calque sur les rythmes du spectacle. Cette masse se met alors à bouger, à s’animer comme une ondulation visqueuse. Ces vibrations forment une onde, une vague de signes et de sons.
(Cyril Porchet en interview avec Joël Vacheron, Novembre Magazine n° 6, 2012)

Année de production : dès 2011

Année de production : 2018

Depuis l’enfance, Tymon Markowski vit à Bydgoszcz où la rivière Brda se termine. Pour apprendre à la connaître, il est parti sur les routes. Pendant un an, il a exploré les lieux aux abords de la rivière, à la recherche de tableaux surprenants ou extraordinaires. Ce voyage a pris une tournure fantasque quand il découvre un deuxième village nommé Bydgoszcz à la source même de la rivière. La distance entre ces deux Bydgoszczs est de 106 kilomètres en ligne droite. C’est un espace inhabituel dans lequel Tymon s’est alors plongé.

Année de production : 2016

Après avoir photographié différentes collections privées d’art contemporain en Europe, Nicolas Delaroche a investigué le territoire chinois, premier marché mondial de l’art. First Seenexplore 30 collections d’art privées en Chine et à Hong Kong avec la même approche dans le but de produire un dialogue avec les œuvres d’art et l’habitat. Nicolas Delaroche introduit, à travers cette série, une nouvelle esthétique de la composition qui répond à l’environnement chinois et pour laquelle il a développé un accrochage inspiré des collections d’art visitées.

Année de production : 2017

L’installation False Positives questionne la fiabilité des systèmes de surveillance utilisés dans l’espace public. L’artiste a posé son regard sur des caméras de surveillance programmées à détecter les comportements dits «déviants» dans le quartier d’affaires de Bruxelles. Ces comportements considérés comme suspects car potentiellement criminels ont été définis selon un schéma préprogrammé de huit anomalies, définies par des expert-e-s des systèmes de surveillance avec lesquel-le-s l’artiste a collaboré. Montages photographiques et croquis intègrent ces anomalies pour interroger les notions de normalité et de déviance des systèmes de surveillance.

Année de production : 2015-2016

« Face Swap (present) » a été tournée aux Etats-Unis, devant le centre de récolte de données de la NSA (National Security Agency). Depuis les révélations d’Edward Snowden, ce centre stockerait des informations sur des particuliers sans leur consentement. La vidéo, ou photographie vivante, fait allusion aux applications sur les téléphones permettant d’échanger son visage avec un autre visage. Or ici, dans cette permutation, le visage se retrouve coincé dans l’écran du smartphone, laissant le corps, délaissé de son identité, avec un trou béant à la place du visage. Proposant un regard littéral sur la notion d’identité numérique, la vidéo fait état du statut confus entre l’être humain et l’objet machine.

Réalisée avec l’aide de Dash et Hunter Longe.

Année de production : 2017

Depuis 1950, les mineurs du Bas-Rhin ont «dévoré» 25’000 hectares de forêts, prairies et terrains d’habitation. La plus grande roue excavatrice du monde ronge la terre de l’exploitation minière de Garzweiler sur une longueur de 240 mètres et une profondeur de 100 mètres. Capacité de production du site : 240’000 m3 par jour. La mine à ciel ouvert est à l’origine du départ de dizaines de milliers de personnes. Garzweiler fait partie des villages miniers de la région. Or les gisements houillers de Garzweiler I sont sur le point d’être épuisés. Malgré l’opposition des défenseurs de l’environnement et de la population locale, le site de Garzweiler II a reçu l’autorisation d’être exploité.Chaque jour qui passe rend le trou béant plus proche. 7’600 personnes supplémentaires ainsi que 18 villages seront sacrifiés au nom de Garzweiler II. Quatre cents mètres séparent encore Otzenrath de la mine. Ce village sera parmi les premiers à être engloutis par Garzweiler II d’ici trois à quatre ans. L’exode des habitants a déjà commencé.

De nouvelles localités voient le jour : Neu-Otzenrath n’est situé qu’à quelques kilomètres du village d’origine. Les anciennes localités telles Altdorf, Inden et Etzweiler ressemblent à des villages fantômes. Les maisons abandonnées sont visitées par les pillards. Les derniers habitants des fermes vivent au milieu de demeures délabrées. Bientôt, ils devront à leur tour quitter les lieux et laisser derrière eux tout ce qui leur est cher. Leur nouvelle patrie factice les obligera à recommencer une nouvelle vie.

Travail photographique réalisé en 2002.

Jordis Antonia Schlösser

Née et élevée en Chine, l’artiste Pixy Liao imaginait qu’elle pouvait uniquement aimer quelqu’un de plus âgé et de plus mature qu’elle, quelqu’un qui pourrait la protéger et être son mentor. Quand elle a rencontré son compagnon actuel, Moro, de cinq ans plus jeune qu’elle, sa conception des relations a complètement changé. En 2007, elle commence à expérimenter physiquement et visuellement avec lui, en mettant en scène des situations qui les impliquent elle et lui, devant l’objectif de son appareil photographique. La série d’images subtiles qui découle de ces mises en scène décline une réflexion sur la question du pouvoir dans les relations et sur la possibilité d’intervertir le pouvoir dans la sphère privée.

Année de production : 2007-

Patrick Pfeiffer fait de la photographie de théâtre depuis sept ans. Les photographies qu’il montre aux Journées photographiques de Bienne ont toutes été prises lors des deux dernières saisons du Stadttheater de Constance, sous la direction de Dagmar Schlingmann, et du théâtre Bienne-Soleure, dirigé par Hans J Ammann.

Ces photographies documentent d’une part l’apparition de l’image digitale dans le domaine de la photographie de théâtre, jusqu’ici associée au noir-blanc. Elles sont empreintes d’une sensualité plutôt non documentaire, ce qui rapproche stylistiquement ce travail d’une photographie publicitaire et de mode contemporaine.

Les exigences du monde théâtral et des rédactions de journaux se recoupent cependant rarement avec une conception de l’image affranchie et détachée du contexte de la commande. Ainsi, ce sont des travaux jusqu’ici pour la plupart non publiés qui sont montrés à Bienne. Les images ont toutes cette légèreté un peu audacieuse qui nous donne l’impression que le mouvement n’est pas figé dans la prise de vue, mais déborde bien plus la photographie, au-delà de l’instant photographié.

Que savons-nous du Parlement européen, de ce qui s’y passe, de ses ambiances et des gens qui le fréquentent ? Quelles images nous faisons-nous de cet endroit caché, dont la façade de verre rappelle que l’on peut jouer de l’idée de transparence ? Que pensons-nous connaître de ce monde, dont les médias se font les rapporteurs privilégiés ? De cet univers institutionnel et formalisé à souhait, Martin Kollar rend compte de façon singulière dans la série “European Parliament”. Loin de l’iconographie officielle qui nous est habituellement présentée, Kollar immortalise ces hommes et ces femmes de pouvoir dans des situations inattendues, à la frontière de l’absurde et de l’ironie. Cet univers-là est pourtant le leur, celui du Parlement européen, où se jouent des scènes ordinaires entre gens ordinaires – libérés qu’ils sont de leurs responsabilités professionnelles. Il ressort de cette série, et du travail de Kollar en général, une étonnante capacité à faire ressortir cette banalité, un côté “nothing special” que seule une prise de distance parfaitement maîtrisée permet de révéler. (Géraldine Delley)

Année de production : 2007-2008

Les deux photographes allient deux projets identitaires sous le titre « Eukalyptus & Vegas ». « Eukalyptus » fait référence, pour Michal Florence Schorro, à la recherche de ses racines, de son « Heimat » : un lieu changeant dont elle capte les objets, les paysages ou les gestes qui refont surface. « Vegas » quant à lui, est le terme qui rappelle à Prune Simon-Vermot ses origines espagnoles fraîchement découvertes et qui la pousse à faire une recherche sur elle-même et sur la culture de son nouveau pays. (cv)

Année de production : 2013

L’Union Soviétique existe encore, le mur aussi. Mais les dissidents commencent à prendre la parole. Une exposition d’art en plein air, rasée par des machines de chantier, va entrer dans l’histoire sous le nom d’« exposition bulldozer ». C’est à ce moment-là que naît l’intérêt de Sergei Borissow pour l’art dissident. De cette époque datent ses premières photographies d’atelier et ses portraits d’artistes. Il crée aussi des affiches et des pochettes de disques pour des groupes de musique de Moscou et de Léningrad.

Borissow pratique très jeune la photographie, à la maison des pionniers. Il découvre tôt l’Union Soviétique, en particulier l’Asie Centrale et la Sibérie, alors qu’il travaille dans les cuisines des wagons-restaurants. Professionnellement, il se présente comme photographe publicitaire et de mode, des métiers inhabituels pour ce temps-là. En effet, la mode est restée longtemps un mot appartenant au vocabulaire décadent de la bourgeoisie occidentale.Les mannequins ne lui servent cependant pas uniquement pour des photographies de mode. Il les utilise comme acteurs pour ce qu’il appelle des « photos-théâtre ». Il les revêt d’insignes idéologiques ou patriotiques, et les photographie devant des monuments ou des lieux représentatifs de la Russie, de façon caricaturale et ironique. Résultat : des images mises en scène.

Cet intérêt pour la mise en scène le conduit tout naturellement à s’intéresser aux arts de la scène. A partir de 1986 déjà il recourt également à la vidéo. Sergei Borissow peint aussi, et ce depuis toujours.

Borissow appartient à la scène, cela vaut autant pour ses images arrangées que pour les groupes sociaux qu’il photographie : la scène, qui se met elle-même en scène.

Je suis fascinée par la multiplicité et l’hétérogénéité des archives d’images « alternatives ». Google et Instagram, mais aussi les ventes aux enchères en ligne sur Ricardo ou eBay représentent un fond quasi inépuisable pour mon travail. Les flots d’images numériques placés dans un nouveau contexte font apparaître des points de vue passionnants ou des commentaires visuels. Grâce à l’outil Google Reverse Image Search, je réalise des portraits d’espaces dans lesquels mes images originales entrent en dialogue avec des images Google apparentées. J’utilise ce système de recherche aveugle, qui produit de façon récurrente des résultats surprenants et inhabituels. L’algorithme participatif exposé pose d’ailleurs la question de la pertinence des œuvres photographiques à l’ère de la post-photographie. (TJ)

Une exposition conçue spécifiquement pour les Journées photographiques de Bienne.

Année de production : 2015

Le photographe se glisse sans en avoir l’air, mais au prix d’un travail minutieux, dans la peau d’icônes célèbres.

Année de production : 2010

La série d’images proposée par Catherine Leutenegger est issue d’une résidence d’artiste dans la mégapole de Chennai, en Inde. Sur place, elle a photographié la deuxième vie de bâches, affiches et peintures murales, réalisées et présentées dans l’espace public : des affiches de personnes célèbres – acteur·trice·s, politicien·ne·s – ou d’inconnu·e·s – anniversaires, commémorations, campagnes publicitaires. Générant un brouhaha visuel dans lequel plusieurs univers fusionnent et se confondent, ces images se retrouvent ensuite sur les plages, pour recouvrir le matériel des pêcheurs et des petits commerçants. Réutilisées à d’autres fins, les images préalablement bidimensionnelles se muent en monticules sculpturaux tridimensionnels qui déforment les visages et petit à petit se déchirent, se délavent et disparaissent, évoquant de manière métaphorique la fragilité de l’image et celle de l’individu dans notre société actuelle.

Année de production : 2020

Lauréate de la première enquête photographique genevoise en 2016, Elisa Larvego a réalisé un reportage sur le monde du sport à Genève, sous l’angle sociétal. Elle s’est introduite durant six mois dans les clubs et lieux sportifs genevois dans le but de saisir l’instant éphémère de l’après sport chez les 18-30 ans. Son regard d’auteur, porté sur l’humain, nous présente une vingtaine de disciplines sportives, les faisant dialoguer avec l’environnement dans lequel elles sont pratiquées. Le résultat forme une mosaïque de portraits de jeunes sportifs, regards souvent pointés sur l’objectif, et constitue un témoignage éloquent des pratiques sportives actuelles chez les jeunes.

Année de production : 2016

La commande documentaire est riche d’une longue histoire, en Suisse et à l‘étranger. Cette exposition inédite retrace une histoire de la commande documentaire romande de 1989 à aujourd’hui. Elle rassemble des images tirées des quatre enquêtes photographiques de la Suisse romande qui sont encore actives aujourd’hui : les enquêtes fribourgeoises, genevoises, neuchâteloises et valaisannes. Démarche de soutien à la création photographique mais également outil essentiel pour la préservation d’un patrimoine à travers l’image, les enquêtes photographiques ont une configuration et un mode de fonctionnement très différent d’une région à l’autre. Le but de cette exposition est de valoriser la richesse et la variété des productions de ce soutien à la photographie régionale, de révéler les spécificités locales de chaque enquête, définies en fonction des besoins et des attentes présentes sur le terrain mais permet aussi au public d’apprécier la diversité des regards de leurs auteurs.

Les enjeux de ce soutien à la photographie documentaire seront discutés par des photographes et des spécialistes de l’image lors d’une table ronde modérée par la journaliste Florence Grivel le samedi 18 mai de 14h à 17h.

Dans son travail, Silvia Rosi reconstitue des moments inspirés par son histoire familiale en puisant dans son héritage togolais et dans les parcours migratoires qui l’ont amenée à naître en Italie. Opérant de manière personnelle sur les stratégies artistiques développées par la tradition des «portraits de studio» ouest-africains, Rosi place au centre de sa pratique la visualisation de l’afro-descendance italienne et le travail constant de négociation identitaire demandé à ces subjectivités italiennes qui portent en elle une histoire diasporique. Ses images évoquent les thèmes de la tradition portée au présent, et les effets de la migration sur eux, le port de tête étant un des aspects central qu’elle observe dans son travail. Dans Encounter, l’artiste met en lumière la complexité des relations familiales et l’(auto)représentation des liens familiaux comme lieu d’émergence de questions sociales structurelles et de célébration de subjectivités cachées dans le courant dominant.

Année de production : 2019

Je ne suis pas dupe de l’illusion de tranquillité qui protège ce monde. Les paysages me parlent des intrigues, des réflexions et des vies intérieures de ces personnages. Et je suis conscient des conversations qui se créent entre eux deux. Je veux frapper violemment sur cette vitrine d’illusions, et je demande à ce qu’on m’y laisse entrer. Mais j’ai peur. J’apprécie la paix et la beauté de ces images et ne veux pas y découvrir un monde de violence, de destruction et de colère. Un monde qui pourrait, ou non, exister.

Ainsi je me protège en fermant les yeux et imagine ce que ces personnages pensent et ressentent. Je conçois leurs pensées pures, sensuelles et innocentes. Et puisque c’est cela que je veux, c’est cela que je vois.

Jacques Henri Couvillon

Située à l’extrême nord de la France, la région du Nord-Pas-de-Calais a été depuis le XIXe siècle le berceau d’un gigantesque essor industriel basé sur la mise en valeur du charbon. Jusqu’à l’abandon de son exploitation à la fin des années 1980, 852 puits de mine ont été construits, 326 terrils ont été élevés et plus de 100’000 kilomètres de galeries ont été creusés, marquant durablement le paysage topographique, urbain et démographique.Adepte d’une démarche socio-documentaire, Antoine Bruy a arpenté les différentes villes du Nord-Pas-de-Calais à la rencontre de leurs habitants et à la recherche des traces de cet «âge d’or». Ses photographies témoignent de la lente et difficile reconversion entamée il y a près de 30 ans et distillent le sentiment d’un éternel recommencement.
(Daniel Mueller)

Année de production : dès 2011

Planté dans le sol, sous des arbres aimant, Embracet est une performance qui cherche la stabilité dans les hauteurs. À leurs pieds : des chaussures pointues et dangereuses. Comme dans le de-skilling, elles créent une impraticabilité qui les oblige à trouver de nouvelles façons de bouger. Se fondre les uns dans les autres, traverser des évolutions. Et au bout du compte, que faut-il faire pour avancer ?

Pour son exposition à espace libre, présentée dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, Bertuchoz collabore avec l’artiste et photographe Ricardo Caldas pour construire une nouvelle installation à partir des traces et de la documentation de la performance originale.

En collaboration avec Yadin Bernauer, Giuliana Gjorgjevski, Sven Gex, Thilda Bourquie, XV06-Y.

Curators: Beth Dillon & Vera Trachsel

Année de production : 2022-2023

Le projet phonographique Elements est le deuxième volet d’une création imaginée par la photographe Sarah Carp et la musicienne Priscille Oehninger. Ensemble, les deux artistes ont conçu une proposition qui puise sa source dans la symbolique des quatre éléments : la terre, l’eau, l’air et le feu. Utilisés depuis l’Antiquité pour décrire la matière composant l’univers, ces derniers ont été à l’origine définis par des philosophes grecs. Selon leurs hypothèses tous les matériaux constituant le monde en seraient composés.

Dans un premier temps, le projet propose une identité et un traitement propre à chaque élément. Les textures sonores rentrent en dialogue avec les compositions visuelles abstraites, en mouvement. Par la suite, les éléments se juxtaposent et s’entremêlent pour s’exprimer simultanément dans un tourbillon visuel et sonore qui crée un cinquième élément, évoquant la tourmente dans laquelle se trouve notre planète à l’heure actuelle.

Musique live: Priscille Oehninger (viola) et Christophe Calpini (drums electro)
Images: Sarah Carp
Montage: Aurélien Garzarolli (atelier Actinic)

Performance : 14.5., 16.00-17.00 (Maison Farel)

Année de production : 2022

L’artiste lauréat de la première édition de l’Enquête photographique Jura bernois propose une immersion dans le quotidien de la jeunesse multiculturelle du Jura bernois. Son travail photographique, un assemblage de portraits et de paysages qui jouent de manière subtile avec la lumière et les ombres, témoigne de différents récits et questionne le sentiment d’appartenance de l’individu par rapport à son environnement, à ses origines, locales et lointaines, à ses illusions, perceptibles ou fantasmées. À travers une démarche documentaire subjective, Pierre-Kastriot Jashari s’est fixé comme objectif de donner à voir ce qui, dans notre société, est parfois murmuré, caché, voire inaccessible. Silencieuses, ses images prennent le·la spectateur·rice au piège, dans un environnement suspendu, souvent obstrué par une présence humaine au premier plan.

L’Enquête photographique Jura bernois 2019-2020 a été lancée en collaboration avec le fOrum culture, la fondation Mémoires d’Ici et la revue Intervalles.

Année de production : 2019-2020

Sélectionnées sur Google Earth, des vues satellitaires censurées par les autorités militaires ou gouvernementales.

L’oeuvre photographique d’Elina Brotherus se compose essentiellement d’autoportraits et de paysages. Si les photographies de ses débuts sont empreintes des émotions que lui ont procurées les événements de sa vie intime ou la contemplation de la nature, celles de la récente série « The New Painting » (2000-2004) sont davantage le fruit d’une recherche formelle.

En 2000, Elina Brotherus commence une série qu‘elle intitulera « The New Painting » (2000-2004). Partant de l’idée que la photographie est une nouvelle forme de peinture, l’artiste soulève les mêmes problèmes que les peintres classiques, mais avec des moyens contemporains, en l‘occurrence son appareil photographique. Dans ses autoportraits, ce qui change par rapport aux séries précédentes, c’est qu‘elle ne s‘inspire plus de son expérience personnelle pour mettre le sujet en scène : elle se considère dorénavant comme un modèle, une figure située dans un espace donné, et dont elle fait un objet de recherche formelle.

Andrea Holzherr, commissaire d’exposition, extrait du livre « Elina Brotherus : The New Painting », Thames & Hudson, 2005

Un matelas gonflable, une brosse et un tube de ketchup n’ont entre eux aucune relation logique ou naturelle. Bien que nous possédions tous ces objets chez nous, peu de gens à part MacGyver tenteraient de les combiner. Mais ce sont surtout celles et ceux qui le feraient dont parle l’essai « Homo Ludens » publié en 1938. Comme l’écrit Johan Huizinga, le jeu est l’une des conditions essentielles de la production de culture. Les biens domestiques sont souvent considérés comme pratiquement sans valeur, leurs qualités sont en général négligées. Mais lorsqu’ils sont utilisés en grand nombre, ces objets triviaux semblent soudain rendre hommage à l’imagination.

Année de production : 2010

Le « DIY » (Do It Yourself) peut être décrit comme un mouvement, dans le monde du skateboard, qui intervient en dehors des normes civiques et sociales. Par l’aménagement de skateparks dans des lieux souvent laissés à l’abandon, urbains ou ruraux, le skateur d’aujourd’hui transcende son besoin d’exister par rapport à un environnement plus conventionnel. Ces constructions illégales, faites de matériaux récupérés, ont fasciné Richard Gilligan qui a passé quatre années à rechercher et photographier ces espaces éphémères à travers l’Europe et les Etats-Unis. Ses images montrent de quelle manière les skateurs et les « DIY » se libèrent des contraintes imposées par les règles de la société en créant leur propre espace dans lequel ils peuvent exercer leur quête périphérique. (RG)

Année de production : 2008-2012

En collaboration avec le Gymnase français de Bienne.

Année de production : 2021-2022

En novembre 2001, j’ai déménagé avec deux de mes amis dans une maison individuelle sur les hauts de Lausanne. A cette époque, tous trois ne souhaitions pas encore vivre sous le même toit avec nos amies respectives. Elles seraient nos invitées…, c’était aussi l’une des conditions adoptées pour nous lancer dans cette aventure.

Pendant environ une année, nous avons vécu cette colocation en parfaite harmonie. Nous avions le sentiment d’avoir trouvé un mode de fonctionnement adéquat pour chacun d’entre nous. Un savant équilibre entre les moments passés tous les trois et ceux partagés avec la présence de nos amies.

Cet équilibre fut profondément bouleversé lorsque l’un de mes amis nous laissa deviner que la présence de son amie serait désormais définitive. Nous fûmes mis devant le fait accompli.Ainsi, bien vite, cette dynamique de couple fut incompatible avec l’esprit de notre colocation. Inévitablement, ce changement allait, de manière prématurée, mettre fin à notre aventure. Pendant les six derniers mois qui précédèrent notre rupture, le climat était devenu extrêmement tendu, laissant place à la déception, l’incompréhension, et finalement au mutisme, forme dans laquelle nous avions tous trouvé provisoirement refuge. Puis vint la décision de nous séparer.

Le besoin de documenter les 30 derniers jours de ma présence au sein de cette colocation est né de manière très impulsive. Une sorte de journal de bord intimement événementiel.

Du 1er au 30 avril 2003, à un rythme un peu obsessionnel, tous les matins et tous les soirs en rentrant, j’effectuais un état des lieux. Au fil des jours, je pouvais remarquer à quel point ces murs, ces objets du quotidien, à force de m’y attarder, l’esprit confus, prenaient un sens grandissant.

Profondément touché par l’issue de notre colocation, ces images ont remplacé les mots qui manquaient. Ce que ce travail allait devenir, je ne le savais pas encore, certes le témoignage d’un incident de parcours.

Les images ont été réalisées sur négatif avec une caméra technique 4×5 inches.

Cédric Widmer

À travers son enquête photographique, Laurence Rasti tente de donner une voix à des hommes et femmes issues de la migration qui vivent à Genève. Ces personnes en irrégularité de séjours, que l’on appelle « sans-papiers », contribuent à l’identité même des villes. Cependant, des milliers d’entre elles sont stigmatisées, considérées comme malvenues, parfois même criminalisées, et se retrouvent parfois privées de leurs droits fondamentaux. Ce travail documentaire se penche d’une part sur ces personnes à travers des portraits en couleurs réalisés dans différents contextes urbains et d’autre part sur les institutions et associations qui les hébergent et dont les procédures d’accueil et d’encadrement sont parfois incohérentes. En plus de les accompagner, c’est paradoxalement aussi elles qui les enferment, les éloignent, voire parfois les expulsent. Le festival présente une sélection des portraits urbains de l’artiste dans l’espace public.

Enquête photographique 2019 de la Ville de Genève

Année de production : 2019

« Mon travail s’est consacré, ces dernières années, au pétrole et à l’eau : ces deux liquides primordiaux produisent des changements profonds au plan de l’écologie planétaire et forment, pour cette raison, les contre-courants sous-jacents à chaque narration portant sur des questions d’écologie. Dans Deep Weather, je connecte l’exploitation sans limite des ressources fossiles – avec son impact toxique sur le climat – et les conséquences que de telles pratiques ont sur la vie de groupes humains établis dans des zones reculées du monde. La première partie de la vidéo porte sur l’extraction du sable bitumeux au milieu de la forêt boréale au nord du Canada. La seconde partie expose les conséquences de la fonte des glaces dans l’Himalaya sur le rehaussement du niveau des mers, ainsi que les désastres géothermiques et les événements climatiques extrêmes qui se produisent à l’échelle planétaire. Ceux-ci déterminent notamment les conditions de vie des populations au Bangladesh, où le film documente les efforts gigantesques consentis par les habitants dans l’érection de digues de protection en boue. »

Année de production : 2013

Dans le cadre du festival, le Photoforum Pasquart invite l’artiste Salvatore Vitale. Son installation numérique Decompressed Prism présente une combinaison d’éléments fictionnels et documentaires, d’archives vidéo, de textes, de conceptions sonores et de données réelles créant un espace incertain et malicieux. Conçue comme une expérience pour le visiteur, l’œuvre évolue dans un espace ludique et aborde des sujets de réflexion importants pour l’artiste, tels que la surveillance, l’empathie, l’espace et le corps. Decompressed Prism révèle les paradoxes qui se cachent derrière la logique systémique de la surveillance omniprésente par le biais d’outils de sécurité automatisés.

En explorant différentes utilisations des technologies de contrôle en Pologne, en Slovaquie, en Suisse et en Italie, l’artiste s’interroge sur la manière dont elles façonnent notre relation au monde et à nous-mêmes en tant qu’êtres humains. Salvatore Vitale explore la notion de corps évoluant entre numérisation et réalité, et la transformation de ce dernier en un produit contrôlé par la technologie. S’appuyant sur des textes philosophiques et sociologiques contemporains, l’artiste imagine une réalité différente dans laquelle le public est invité à s’interroger sur la possibilité de contre-récits.

Curator: Jana Johanna Haeckel

Année de production : 2022

Sara-Lena Maierhofer joue les enquêtrices, profile la vie extraordinaire d’un étranger et ainsi construit le scénario de son œuvre. C’est ce qu’elle a fait avec Clark Rockefeller (ou Christian Karl Gerhartsreiter). Dans son travail « Dear Clark, », à mi-chemin entre narration et documentation, elle étudie à distance cet escroc qui se plait à voyager à travers les identités. Ces photographies, collages, documents trouvés ou vidéos retracent sa recherche, dont le but est de capter l’identité de celui qui change constamment. (cv)

Année de production : 2011

Durant quatre ans Will Steacy a travaillé sur l’évolution du journal Philadelphia Inquirer. En saisissant les moments de transformation de ce journal particulier, il réalise un portrait du développement du secteur du journalisme américain dans une perspective plus large. En effet, Will Steacy s’intéresse à déceler dans quelle mesure les changements des technologies et de la diffusion des informations sur internet n’ont pas uniquement des conséquences sur le marché du journalisme, comme Deadline le montre, mais aussi sur l’ensemble de la société américaine. Il perçoit dans le déclin du journalisme, le déclin de l’information, de la société et du soi.

Année de production : 2009-2013

Les images de Lucas Dubuis interrogent notre rapport à la représentation du vivant et de la mort : elles questionnent le pragmatisme de la prise en charge des défunts dans notre société et la signification symbolique des rituels funéraires dans le contexte d’un village marqué par le catholicisme. Pour réaliser ce travail qu’il a réuni dans une publication, le photographe a suivi pendant plusieurs mois Dominique Theurillat, paysan et croque-mort aux Breuleux, dans le Jura suisse. Le corpus d’images présenté pour la première fois au public montre le quotidien d’un homme qui partage son temps entre les responsabilités liées au domaine familial et la prise en charge des défunts de la région.

Le photographe donne à voir en parallèle le monde de la ferme et celui de la morgue, le monde du vivant et celui des morts, des univers qui à la fois s’opposent, se ressemblent et se complètent. Une métaphore de la condition humaine dans laquelle la chaleur de l’écurie n’est pas très loin de la froideur aseptisée d’une chambre funéraire éclairée aux néons. De la terre à la terre fait également référence au verset de la Genèse condamnant l’humanité désobéissante au travail et à la mort : « C’est à la sueur de ton visage que tu mangeras du pain, jusqu’à ce que tu retournes dans la terre, d’où tu as été pris ; car tu es poussière, et tu retourneras dans la poussière. »

Année de production : 2019-2023

Depuis la guerre froide, tous les premiers lundis du mois (« eerste maandag van de maand »), une alarme retentit aux Pays-Bas. Ce son, censé avertir les citoyens de l’approche du danger, envahit l’environnement pendant 1 minute et 26 secondes. En 2020, la sirène sonnera pour la dernière fois. Thomas Kuijpers a commencé à filmer ces scènes dès 2014. Sa vidéo illustre l’absurdité de la relation entre cette alarme et l’environnement paisible dans lequel elle se manifeste.

Année de production : 2015

Année de production : 2020

La série documentaire Dans les plis de la ville est le résultat d’une recherche de traces dans le tissu urbain de la périphérie parisienne que l’artiste a arpenté de manière systématique, à pied. Composées de vues urbaines où le corps occupe l’espace de telle manière qu’il est par moment difficile de déterminer le dedans et le dehors ou la nature du lieu occupé, les images d’Emmanuelle Bayart donnent à voir « l’inhabitable ». Composées avec minutie, oscillant entre détresse et enchantement, ses photographies interrogent nos valeurs démocratiques et le vivre-ensemble dans nos sociétés actuelles.

Année de production : 2012-2018

Subventions agricoles, production croissante de lait pour un prix en baisse constante, l’accord de libre-échange entre l’UE et la Suisse – tout cela rend la survie économique des fermiers suisses difficile. Les petites exploitations disparaissent peu à peu, et les cas de suicides augmentent. Alors que certaines fermes voient une issue dans l’industrialisation, des marchés de niche promettent peut-être le succès: buffles, zébus, bisons, kangourous, autruches, vers à soie, crevettes, chèvres du Cachemire, lamas et chameaux. Quelques fermiers se sont déjà établis sur ce marché, d’autres se développent encore. Indépendamment de la situation économique, l’amour pour les animaux joue également un rôle central.

Année de production : 2016

L’installation interactive Cursor Caressor Eraser explore le potentiel érotique d’une interface sensible au toucher. Une surface traduit les caresses des utilisateurs par des images projetées qui ressemblent à des paysages corporels. Elles se superposent en couches successives au fil de lents enchaînements puis s’effacent à nouveau. La succession d’images thématise la tension existant entre toucher et rencontre corporelle : l’oubli, le souvenir, la reconnaissance et le dépaysement. Un simple geste produit une série de riches variations.

Année de production : 2010

Le Photoforum Pasquart propose pour cette édition des Journées photographiques, intitulée Cracks, une carte blanche à l’artiste Małgorzata Stankiewicz.

Pendant des siècles, contre toute attente, la forêt de Białowieża, en Pologne, a résisté aux assauts des agissements humains barbares sur son territoire. En 2016 cependant, sous prétexte de la protéger, le nouveau ministre polonais de l’environnement, Jan Szyszko, a approuvé une exploitation forestière à grande échelle dans les zones où toute intervention humaine avait été exclue jusqu’ici.

Alors que tant a été dit sur l’environnement au cours des dernières années, et que nous devons le protéger de manière urgente et impérative, la dernière forêt vierge d’Europe a été meurtrie pendant deux ans, sur les directives de ceux qui avaient pour mission de la protéger. cry of an echo est une protestation, la voix personnelle d’opposition de l’artiste; les images sont une métaphore de la catastrophe à venir, de la destruction irrémédiable.

Le projet a été réalisé lors d’une résidence d’un mois en tant que bénévole au parc national Białowieża au printemps 2016. Il comprend un total de 46 images qui ont été intentionnellement maltraitées par desmasquages, des contaminations chimiques, un développement irrégulier, la décoloration et les retouches. Conçu à l’origine comme un livre d’artiste fait à la main, cry of an echo a remporté en 2017 le prix Unseen Dummy Award, et le livre a été publié par l’éditeur néerlandais Lecturis en septembre 2018.

Année de production : 2016

Thierry Fontaine thématise d’un côté le rapport entre le Nord et le Sud, c’est-à-dire entre La Réunion et des métropoles importantes dans le contexte du post-colonialisme. D’un autre côté, la question de l’identité et de la connaissance de soi est également un élément essentiel de son travail. En effet, Thierry Fontaine recouvre son visage avec des matériaux très différents qui étouffent les sens et voilent la question de la couleur de la peau; il met ainsi en lumière la discrimination, tout en la cachant. Thierry Fontaine tente de déconstruire les clichés dans ses photographies.

Année de production : dès 1996

Un projet de la médiation culturelle des Journées photographiques de Bienne sous la direction artistique de Claudia Breitschmid en collaboration avec la Prison régionale de Bienne.

Dans nos sociétés numériques où les images sont omniprésentes et la photographie s’est généralisée, il existe des lieux, comme les établissements carcéraux, où les images ne sont accessibles que dans certaines limites. Le projet « Création d’espaces photographiques » s’intéresse à la création de liens (et à la résistance à ces liens) entre l’espace de la prison et celui du festival par le biais du médium photographique.
Les travaux présentés ont été réalisés par des personnes détenues lors d’une série d’ateliers qui ont eu lieu à la Prison régionale de Bienne au cours de l’été 2013. En rendant visibles des espaces, des points de vues et des regards qui ne sont pas ou peu accessibles pour chacune des parties impliquées (détenus, artistes, médiatrices culturelles et publics) ce projet permet de mener une réelle réflexion sur la photographie comme expression et médium artistique.

Dans la salle supérieure de l’Ancienne Couronne seront présentées des photographies expérimentales sur le thème des accessoires de mode, réalisées par des élèves des collèges du Châtelet à Bienne et de Corgémont, au moyen d’une camera obscura créée par leurs soins. Ce projet, intitulé « Coup d’oeil d’adolescents sur la mode », est dirigé par Francis Boillat.

Inspirée par la notion de surveillance et par la prédominance des traitements de beauté, la série photographique Cosmic Surgeryest imaginée comme la représentation d’une procédure médicale que le public pourrait subir dans le futur. Combinant la photographie et une complexe technique d’origamis, les compositions de Haser font référence au genre du portrait en peinture pour parler de problématiques qui concernent les générations futures. Dans ses images, comme dans un univers cubiste ou surréaliste, les caractéristiques faciales sont multiplées, déformées. Chaque portrait devient le kaléidoscope de formes étranges et particulières ; des images narratives qui invitent le-la spectateur-trice à se projeter.

Année de production : 2016

La série Copyride réunit 60 images. A travers le procédé ludique mis en place par Aline Zeltner, la fonction première du photocopieur laser couleur – celle de reproduire une image à l’identique – est dépassée. Cet outil apparaît désormais comme un moyen de produire un original. Les images naissent de courts moments instables (mouvement, déplacement de la feuille) qui s’inscrivent dans le processus d’impression au cours duquel la véritable fonction du photocopieur couleur laser se trouve pervertie. La série Copyride propose un langage visuel léger et coloré auquel vient se mêler le regard critique de la photographe – une forme de questionnement du monde.

Année de production : 2011

Si la recherche tente de mieux comprendre le monde qui nous entoure, les images qui en résultent sont souvent irréelles et créent un langage visuel d’une étonnante variété: un outil de laboratoire se transforme en monolithe; une vague artificielle oscille entre réel et virtuel; une scientifique semble partir en fumée et une expérience devient performance artistique. Les Journées photographiques de Bienne exposent les photographies et la vidéo lauréates du premier Concours d’images scientifique du Fonds national suisse de la recherche scientifique (FNS), que le jury a sélectionnées parmi près de 500 images. (Pascal Hufschmid et Daniel Saraga)

« Coming Soon », la série de photographies de Natan Dvir prises à New York, dénonce l’ère de la publicité omniprésente dans laquelle nous vivons. En arrière-plan, des panneaux d’affichages éphémères, monumentaux et aux couleurs criardes annoncent l’ouverture d’un magasin ; au premier-plan, des passants ou vendeurs de rues devenus spectateurs passifs de leur ville, subissant sa publicité. Ces images à l’esthétique flamboyante deviennent dynamiques grâce au subtil cadrage de l’artiste et à la juxtaposition du tout. (cv)

Année de production : 2008-2014

Les Américains regardent la couleur de la peau plutôt que l’individu. La plupart d’entre eux attachent une importance significative à la race. Nous avons appris que la race ainsi que l’histoire personnelle jouent un rôle majeur dans la constitution de l’identité.
La race est comme une médaille d’honneur ou quelque chose qui nous lie à nos communautés. Mais, plus souvent, elle est source de tensions sociales ou une case cochée sur une formule officielle, ce qui peut procurer des avantages variés ou engendrer des jugements divers. Cette différence crée une hiérarchie de valeurs raciales et contribue ainsi aux tensions entre les races.
Elle est à l’origine de la ségrégation des communautés et des stéréotypes raciaux. A une époque où la crainte du terrorisme est à son apogée, les Américains considèrent la guerre du terrorisme menée par leur gouvernement comme étant une manière légitime de classifier les races au nom de la protection des citoyens américains.

Ce projet parle du besoin des Américains de catégoriser les gens selon la couleur de leur peau et identifie nos préjugés ainsi que la manière dont nous définissons les valeurs, la menace ou la beauté. Pour ces portraits, j’ai relié la couleur de la peau de chaque individu à une couleur Pantone. J’ai utilisé le système de correspondance des couleurs Pantone car c’est un système de couleur standardisé qui ne varie pas d’un pays à l’autre. Chaque portrait mentionne la couleur de peau de l’individu, son nom, et à partir de cela, le spectateur catégorise, définit et attribue une valeur.

La salle de bains est le lieu de la rencontre avec Claude. La baignoire celui d’un rituel quotidien. La froideur des carreaux blancs, de l’acier chromé, et les blessures du corps épuisé. Au premier regard, l’observateur est placé dans une position d’abus. Claude semble se cacher dans l’eau, vouloir se blottir dans la propreté, comme d’autres sous une couverture chaude. Les doux contours du corps se résignent à la symbiose dans la symétrie de la pièce et forment à l’aide de symboles émergents une composition esthétique. Avec un soin méticuleux, le protagoniste se nettoie, de la racine des cheveux jusqu’à l’interstice entre le quatrième et le petit orteil. Il se parle sur un ton calme; un monologue qui résonne comme une demande de réconciliation. Claude accepte sa dépendance. Un voyage qui a commencé il y a trente ans pour l‘éducateur spécialisé. Avec le temps, le monologue cède le pas à une chansonnette presque joyeuse. L’observateur pourrait penser à de la séduction. Et se cache. Apparemment.

Le photographe biennois Enrique Muñoz García s’est concentré, pour réaliser son travail, uniquement sur les trois pièces de l’appartement de Claude.
Le bruitage des mineurs de son Christian Müller et Gaudenz Badrutt du groupe <strøm>crée l’événement musical.
L’exposition « Claude » est constituée d’un documentaire de 45 minutes à l’état brut, d’un reportage photographique, d’une animation vidéo et de musique.

Simone Lippuner, journaliste

« Cíclope » donne à voir un geste, celui d’une main qui place des images dans une cuvette remplie d’une eau tourbillonnante, provoquant leur dissolution. Les images s’effacent peu à peu, jusqu’à ce que le tourbillon d’eau ne devienne plus qu’un grand disque noir : l’œil du cyclope. Les concepts chers à Oscar Muñoz sont au cœur de cette vidéo : la mémoire, l’oubli, le caractère éphémère des souvenirs et de la vie elle-même. (cv, mor.charpentier)

Année de production : 2011

« China Western » reflète l’actualité politique métissée et ambivalente de Xinjiang, province la plus à l’ouest de la Chine, riche en pétrole et gaz, et stratégiquement importante puisque sur le chemin des réservoirs de pétrole chinois au Kazakhstan. Les indigènes, des Ouïghours musulmans aux origines turques en perte de leur culture, réclament l’indépendance de leur Turkestan oriental. Ils côtoient les ouvriers Han, peuple historique du pays, venus travailler et apporter progrès et éducation. (cv)

Année de production : 2006-2008

A travers la photographie et l’écriture Hazuki Natuno parvient à exprimer la frontière entre la vie et la mort. La série Change of Life se construit autour des conflits et de la reproduction à l’intérieur de l’histoire familiale aux prises avec la lutte contre une maladie psychique. A propos de la photographie comme un médium pour exprimer des sentiments, elle dit : « L’appareil de photo est mystérieux. Rien qu’en bougeant un doigt, des photographies peuvent être faites sur un lit d’hôpital, même dans l’ambulance; tu peux documenter ta vie et ton mental. »

Année de production : 2010

Jusqu’en 1994, la « tombe blanche » Akmola n’était qu’une modeste ville provinciale du Kazakhstan. C’était avant. Depuis, la re-nommée Astana est capitale à l’architecture mégalomane, cité-fantasme imaginée et construite de toutes pièces par et sur l’ordre du président Nazarbayev. Las Vegas des steppes, Astana n’est que désastre urbanistique où l’artificialité du décor semble vouloir effacer les traces d’un lointain passé. Car la ville se doit désormais de jouer aux grandes métropoles. Et pourtant, le temps y semble comme suspendu. Tout comme ses habitants…
(Elena-Sezgi Esen)

Année de production : 2012

Dans cet ensemble intitulé « Candela », l’appareil photographique est utilisé comme un négatif, un moule. Il devient un contenant dans lequel du plomb en fusion est déversé. Les appareils, dont les optiques ont été retirées, sont surmontés d’un tube en carton placé verticalement. Le liquide incandescent une fois refroidi et durci donne forme aux aspérités et détails habituellement invisibles de la boîte noire. Semblables à des sceptres une fois extraits de l’appareil photographique, les contretypes révèlent et reproduisent le lieu de création de l’image.

Année de production : 2016

Un trou de lumière en face d’une surface photosensible placée à l’intérieur d’un corps noir: c’est la simplicité du sténopé qui séduit Maxime Genoud. Ce dernier fabrique lui-même ses appareils à partir de résidus de notre société de consommation. Pour l’exposition, il a proposé aux élèves de l’école primaire de Madretsch de faire de même en bricolant leurs propres déchets, boîtes de conserve et Tetra Paks. Avec ce projet, l’artiste exprime son désir de revenir à l’essentiel, à la simplicité et à la matière et esquisse des pistes de résistance au rendement, à la normativité et à la productivité. Devant les objectifs des camerae obscurae, tout mouvement devient invisible. Dépourvues de détails, les images floues et vaporeuses qui émanent des prises de vue ne gardent que l’essentiel; au spectateur et à la spectatrice de les compléter.

En partenariat avec le Lions Club Biel-Bienne

Année de production : 2019

Saskia Groneberg a voulu documenter une relation intime qui dure pendant des années. Une relation qui demande de l’attention mais aussi un certain flegme. Il s’agit de la relation qu’entretient un employé avec sa plante de bureau. Si elle en dit long sur son propriétaire, la plante de bureau s’épanouit aussi sans entrave, change subrepticement, donne un petit goût d’anarchie autour d’elle et rappelle la vie à l’extérieur du bureau, là où le travail et la productivité ne sont plus les maîtres-mots. (cv)

Année de production : 2012

Le titre ambigu du projet photographique à long terme de Dimitris Michalakis est une allusion à la situation actuelle d’épuisement économique et émotionnel de son pays natal. Mais le titre de l’exposition peut aussi être compris littéralement. Il fait alors référence aux incendies dans les rues d’Athènes. La colère des indignés, des pauvres manifestants qui évacuent régulièrement leur désespoir en jetant des cocktails Molotov, en incendiant des barricades et en combattant dans les rues. […] Dans ces situations, Dimitris Michalakis a photographié ces sujets au hasard et par zooms rapides. Ses photographies sont caractérisées par une absence de détachement émotionnel et par leur intensité atmosphérique. Le climat tendu et sombre qu’il restitue accentue son diagnostic d’une société parvenue à ses limites.

Année de production : dès 2010

Entre tradition et modernité, l’artiste Mikail Koçak interroge sans cesse la persistance des héritages culturels et les identités multiples nées de l’exil. Les exercices de réappropriation qu’il met en place donnent lieu à des installations qui réveillent des possibilités narratives et tissent des liens entre ses deux cultures, orientale et occidentale. Originaire du Moyen-Orient et rapporté en Occident au XVIIe siècle, le « kiosque » est un élément d’architecture destiné au loisir. Il prend la forme d’un belvédère ou d’un petit pavillon de jardin ouvert de tous côtés et surplombé d’un toit. Si le mot est dérivé du persan Kūšk (« palais ») et du turc Köşk (« pavillon » ou « château »), les différentes réalités qu’il recouvre au fil du temps ont sans cesse évolué. Mikail Koçak s’empare avec intérêt de ce mot malléable dans sa langue maternelle (le turc) et dans sa langue nationale (le français) pour occuper l’espace d’art Juraplatz. En superposant les rives du Bosphore aux rues de Bienne, deux continents et deux cultures à travers des fictions, l’artiste vise à créer un lieu caméléon.

Année de production : 2022

Homme ou femme ? Ici, les apparences sont trompeuses. Le « troisième sexe » brouille les pistes et rend difficile l’identification des genres. Icônes fantasmatiques et stéréotypées, tribu complexe et soudée en marge d’une société figée dans ses tabous… Pendant un an et demi, Julian Salinas a posé son regard sur ce phénomène qui dérange.

Fidèle à sa démarche, en observateur libre, sans autre programme que celui d’évoquer autrement – ou de saisir ce qui se passe derrière la façade – il s’est promené dans les coulisses du décor. De sa plongée dans cet univers parisien festif et nocturne, déjà infiniment photographié, il a ramené des portraits directs, pris de face sur fond uni. Une forme de répétition simple et calme qui permet de révéler cette dualité hybride sans pour autant la stigmatiser.

Julian Salinas avance sur ce chemin peu praticable et l’on sent vite que ce n’est pas le spectaculaire qui l’attire, encore moins l’idée de montrer des objets de désirs sexuels. Bien au contraire, il cherche ce qui est le moins visible. Il joue de la confusion pour aller du côté de l’évidence des êtres. De ce groupe social en marge, il retient la quête d’identité et cette difficulté sociale qu’ils ont de trouver une image qui leur ressemble au-delà des apparences.

Le travail regroupe environ 70 photographies prises pour la plupart dans le XVIIIe arrondissement à Paris (2004 et 2005) et plus particulièrement aux Folies Pigalle, un haut lieu des nuits parisiennes, qui fait office une fois par semaine de quartier général pour les travestis et les transsexuels.

Aude Boissaye, journaliste, Paris

À l’occasion de l’exposition du PhotoforumPasquArt durant les journées photographiques de Bienne, Penelope Umbrico développe une installation multidimensionnelle composée entre autres de photographies d’écrans plats cassés.

Ces images, qu’elle trouve sur e-bay et Craigslist, sont combinées avec d’autres clichés dévoilant des reflets de flash engendrés par les vendeurs eux-mêmes. Penelope Umbrico utilise des images provenant de site d’échange et de vente et utilise l’abondance de ces plates-formes comme espace de recherche. La mémoire visuelle collective du 21e siècle détermine sa façon de travailler. Elle évolue entre les représentations individuelles et collectives d’une image et ses propriétés technologiques et techniques. (Nadine Wietlisbach)

Une exposition du PhotoforumPasquArt.

Année de production : 2008-

Photographier les cratères de bombes constitue pour l’artiste allemand Henning Rogge une manière de se confronter à l’histoire récente de son pays. Prises dans l’esprit de la peinture romantique, ses images révèlent des paysages forestiers où apparaît en légère plongée la forme arrondie, souvent remplie d’eau, d’un impact. Sans lien avec un événement spécifique de la Deuxième Guerre mondiale, ces lieux paraissent suspendus entre la mémoire et l’oubli. Il s’y exprime l’ambiguïté d’un territoire marqué par la violence de la destruction mais empreint de force vitale. Car ces trous de bombes sont en effet souvent devenus un refuge pour les espèces menacées de disparition. (DM)

Une exposition du PhotoforumPasquArt.

Année de production : 2008-

Contrastant avec la cité-satellite du Lignon dans la commune genevoise de Vernier, de frustes pavillons en bois constituent la trame de fonds de l’enquête photographique de Delphine Schacher. Conçus dans les années 1960 pour loger les centaines d’ouvriers italiens venus travailler sur le chantier du Lignon, les chambres de 10m2 ont continué à héberger des générations successives de travailleurs saisonniers rejoints par d’autres locataires.

Des portraits des habitants se mêlent aux vues intérieures et extérieures des pavillons de manière à former une pluralité de perspectives qui s’ouvrent sur des réalités socio-économiques. Migrations, chômage ou divorces redéfinissent les frontières de l’intimité ou de la promiscuité génératrice à la fois de tensions et de cohésion sociale. (Catherine Kohler)

Mandatées par le Pôle de recherche national LIVES et les Journées photographiques de Bienne, trois jeunes photographes suisses (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) ont réalisé chacune un travail sur les thématiques du PRN LIVES « vulnérabilité et résilience ».

Année de production : 2015

Le tchador voile ici, sous la forme d’un oiseau de bon ou de mauvais augure, un homme. Ces oiseaux noirs interrogent autant le visible que ce qui est occulté.

Année de production : 2011

Les images invitent à un voyage en Suisse, au travers de piscines d’hôtels des régions de montagne. La construction de piscines d’hôtels se développe dans les années 1920 en Suisse, afin de remédier à la crise en premier lieu, puis plus tard pour contrebalancer la popularité du tourisme d’hiver. D’abord sportives et fonctionnelles, leur taille diminue et leurs formes varient au cours des années 1950. A partir des années 1960, les moyens techniques et financiers permettent la construction de piscines couvertes et d’ainsi compenser les variations de fréquentation saisonnière. Les mises en scène suivent le langage typique de l’entreprise Brügger. Leur charme rétro est encore accentué par les changements de couleur subis au fil du temps.

Des années 1950 aux années 1970, l’ancienne police municipale de Bienne disposait d’un « secteur photo » auquel un seul policier était affilié. Accompagnés de leur appareil Mamiya, les photographes auront notamment capturé les infractions routières, les interventions policières, les grands travaux de restauration et de démolition ou encore les catastrophes.En collaboration avec les Archives municipales de Bienne, les Journées photographiques présentent une sélection du Fonds de la Police municipale témoignant du quotidien ordinaire, extraordinaire, parfois frauduleux, de la ville de Bienne. Parmi plusieurs centaines de négatifs du Fonds de la Police municipale, 40 clichés ont été sélectionnés en fonction de leur intérêt esthétique, accentué par le noir et blanc. Un regard donc original sur des documents historiques présentés pour la première fois au public. Parfois non dénuées d’humour, elles interrogent notre présent en mettant en relief l’évolution des mœurs et la configuration de la ville de Bienne. Et rappelleront peut-être à certains de vieux souvenirs aussi…

Vous avez des informations sur les images exposées ? écrivez-nous à l’adresse suivante : bienne.extraordinaire@jouph.ch

Between Chair And Keyboard, le titre du travail audiovisuel d’Emma Bedos évoque les erreurs technologiques provoquées par l’intervention humaine dans un système virtuel appelées « problèmes entre la chaise et le clavier ». Pour ce travail, réalisé en pleine pandémie, l’artiste a photographié et enregistré les conversations de ses grands-parents, tous deux atteints de la maladie d’Alzheimer et vivant dans une maison de retraite. Grâce à la photogrammétrie, une technique qu’elle a utilisée pour retranscrire ses images dans un environnement 3D, Bedos plonge le public dans un univers où les sujets filmés apparaissent sous la forme de petits points.

Fragmenté, le nuage de points met en avant les vides, évoque l’affaiblissement de leurs corps et leur mémoire qui s’estompe. Ces représentations numériques illustrent le contraste entre le système virtuel sans faille et la fragilité de la condition humaine. Son travail audiovisuel, oscillant avec humour et poésie entre réalité et fiction questionne la place du vivant, de la mémoire et du lien fragilisé de l’individu avec son environnement.

Année de production : 2021

Par l’intermédiaire de deux éléments mis en rapport – un lieu, un objet ou une photographie et leur image modifiée vue à travers un stéréoscope, Daniel Zimmermann compose habituellement dans ses travaux artistiques avec les décalages, temporels, spatiaux, en y intégrant souvent une composante ludique. Alors que le lieu, l’objet ou la photographie varient, le stéréoscope est la constante de ces couples inséparables. Fixé sur un pied, à une hauteur bien précise, il évoque une paire de jumelles et sa fonction ordinaire: permettre une vue plus distincte. En fait, les fausses jumelles de l’artiste proposent une image modifiée, inattendue, à laquelle la stéréoscopie confère une proximité saisissante, et qui nous transporte dans une autre réalité, porteuse d’une signification différente.

Ce projet est une étude, documentation, construction de la culture de la mode urbaine à Johannesburg (Afrique du Sud).
La mode urbaine est un domaine relativement peu documenté comparé à la photographie de mode commerciale dans le peu de médias accessibles aux Africains.
Ce projet a été réalisé à travers ma propre mémoire : des gens de mon entourage pendant ma jeunesse. Je m’interroge sur une autre Afrique du Sud que celle de l’idée stéréotypée construite par les médias occidentaux à travers les années, juxtaposant la fierté et l’affirmation de la population sud-africaine.
Les personnes photographiées sont des personnes que j’ai rencontrées par hasard dans les rues : confiants, héroïques ; et je me suis identifiée à eux. Ce sont les chefs de leur propre milieu et ils exigent un certain respect.
La jeunesse sud-africaine utilise le vêtement en tant que forme d’expression de soi, pour exprimer la liberté, l’identité, le statut social : un désir de richesse, de s’acheter des choses, d’avoir l’air décontracté sans essayer de leur correspondre. L’identité est plus complexe que ce qu’on voit à l’oeil nu.

La recherche accroît jour après jour le corpus de nos connaissances tout en constituant une pratique sociale, concrète et souvent personnelle. Les gens qui la mènent jettent des regards variés sur leurs propres activités. Quel sens donner à la beauté qu’on peut découvrir dans leurs travaux?

Chaque année, un jury international livre une nouvelle réponse à cette question en se confrontant aux centaines d’œuvres soumises au Concours FNS d’images scientifiques. Cette sélection offre un tableau surprenant de la pratique scientifique contemporaine qui questionne notre perception de la science et de la beauté.

Les catégories du concours
1. L’objet d’étude
2. Les femmes et les hommes de la science
3. Les lieux et les outils de la recherche
4. Vidéos

Le jury 2023

Présidente
Mónica Bello, directrice de Arts at Cern (Suisse)

Membres
Tanja Gesell, biologiste et artiste, Université de Vienne (Autriche)
Emmanuelle Giacometti, directrice de l’Espace des Inventions (Suisse)
Lars Lindemann, directeur de la photographie du magazine Geo (Allemagne)
Alexander Sauer, photographe (Suisse)

En collaboration avec le Fonds national suisse (FNS).

Remise des prix du Concours : 11.5. à 16.00 (NMB)
Visite commentée de l’exposition par Alexander Sauer, photographe, Scanderbeg Sauer (Zurich) : 27.5. de 11.30 à 12.30 (d/e) (NMB)

Grâce à une collaboration avec les Ports Francs et Entrepôts de Genève SA, l’exposition du Concours FNS sera présentée en leurs murs du 21.9 au 10.11.23.
Heures d’ouverture : du lu-ve de 7.45-11.45 et de 13.00-17.00.
Route du Grand-Lancy 6a, 1227 Les Acacias.

© Francesca Angiolani Larrea, Maria Francesca Petrucci, Rafael Barmak, Jens Ingensand, Concours FNS d’images scientifiques | SNF-Wettbewerb für wissenschaftliche Bilder

JocJonJosch explore le concept de travail collectif, ses significations et ressentis au niveau artistique. Les vidéos « Beast Mutation » montrent le trio nu en pleine étreinte monstrueuse, dans un corps-à-corps précaire, d’où naissent des « bêtes » autour desquelles se développe alors leur réflexion sur la collaboration. La relation de travail intime qui lie les trois artistes, parfois inconfortable, pénible voire handicapante, fait partie intégrante de leur génie créatif et le pousse toujours plus loin. (cv)

Année de production : 2010

La série photographique République des Bananes est une réponse de l’artiste Shinji Nagabe à un état de désillusion politique et de désenchantement social dans lequel règne la violence, l’extrême religiosité et qui est marqué par un recul des libertés individuelles. Dans la fiction créée par l’artiste, l’état se retrouve sous le joug d’un dictateur cruel et populiste, où la banane est utilisée pour aveugler et censurer, alors que des groupes de résistance s’en servent pour fabriquer des armes et des bombes artisanales. Cette série photographique à l’approche surréaliste nous plonge dans une république fictive, à la fois acide et grinçante. Elle nous projette avec beaucoup d’ironie au même niveau de fantaisie que certains discours actuels, questionnant le rôle de l’individu au sein d’une communauté.

Année de production : 2018-2019

Les premiers « autoportraits » de Xavier Perrenoud étaient des mosaïques photographiques qui reprenaient en gros plan des détails de son corps multipliés à l’envi, devenant comme des pixels où une humanité de clones se rencontrait.
En considérant à nouveau sa récente série comme des autoportraits, l’artiste l’inscrit dans la continuité d’une réflexion qu’il poursuit. Cette fois, c’est à travers les visages de nos jouets d’enfance que la série « I’m Big Jim (Big Jack, etc) » interroge notre identité.
Sommes-nous devenus ce que nous rêvions d’être ? En choisissant de faire le portrait des héros qui ont peuplé ses jeux de petit garçon, Xavier Perrenoud adresse un clin d’oeil amusé aux rêves qui l’habitaient alors, lorsque son imagination lui permettait d’emprunter successivement les masques et la vie de chacun de ces personnages.
Cependant, l’adulte peut mesurer aujourd’hui avec nostalgie combien ces figurines nous parlent d’une époque révolue, plus artisanale, alors que celles qui les ont remplacées sont devenues beaucoup plus symétriques, et que leurs traits n’ont plus ce modelé qui rendait leurs ancêtres quasi vivants. Dans son travail, l’artiste joue sur cette ambiguïté, qui attire et repousse tout à la fois. Technologie, clonage, chirurgie esthétique, tout tend actuellement à effacer la différence à laquelle ces portraits renvoient, et l’humanité dont se paraient paradoxalement ces super-héros, qui ne s’avèrent pas si parfaits que cela. Comme nous.

Christian Sester

Une ferme à Gösgen. Celui qui passe par-là avec le train et regarde au bon moment par la fenêtre verra apparaître à l’arrière-plan la tour de refroidissement d’une centrale nucléaire. A ce moment précis, la ferme et la tour de béton sont en parfaite harmonie avec le paysage. On ressent partout les traces de l’Homme. Pourtant il n’y a personne en vue.

Daniel Rihs a toujours profité de ses voyages en train pour photographier. Avec minutie, mais sans but précis. C’est seulement en passant et en repassant au même endroit que son attention s’est fixée sur ce 250e de seconde à mi-chemin entre Berne et Zurich.Il n’y a pas si longtemps de cela, on aurait considéré cette image de la ferme dominée par la centrale nucléaire comme un symbole de l’opposition entre tradition et modernité. Entre-temps, l’atome est passé de mode et n’aura probablement plus aucun avenir en Suisse. En 2038 au plus tard, lorsque l’usine de Gösgen sera retirée du réseau, la ferme ne se retrouvera plus qu’à l’ombre d’un grand mémorial industriel radioactif.

Au cœur de la ville de Bienne
Exposition No 1, classe secondaire de 9ème année de Corgémont, Christian Rossé, maître secondaire
16 élèves du Collège secondaire de la communauté du Bas-Vallon de St-Imier situé à Corgémont parcourent et photographient la ville de Bienne à l’aide de « camera obscura » panoramiques de format 40x15cm le temps d’une journée.

Leur reportage ressemble à une pêche extraordinaire : jeux d’ombres et de lumières, de lignes, de formes et de structures.

Les élèves ont développé sur place les négatifs dans un petit laboratoire situé dans la « Boîte à Images ».MMS à l’école et chez moi

Exposition No 2, classe secondaire de 9ème année de Corgémont, Christian Rossé, maître secondaire
16 élèves du Collège secondaire de la communauté du Bas-Vallon de St-Imier situé à Corgémont parcourent et photographient leur école (reportage) et chez eux (recherche de couleurs) à l’aide de téléphones portables mis à leur disposition.

Une façon de prendre congé de la vie d’école et d’adolescents.

Devine
Exposition No 3, classe primaire de 6ème année de Bienne, Marché-Neuf, François Flückiger, instituteur
Et si les images, comme les mots, étaient composées de plusieurs parties ?
Et si on vous montrait des photos dont une zone est cachée ?
Sauriez-vous reconnaître votre ville ?
Découvririez-vous facilement ses faces obscures ?
23 élèves de 12 ans de l’Ecole du Marché-Neuf ont pris des photos en ville de Bienne. Ils ont recadré et parfois truqué leurs clichés à l’ordinateur. Leur prof les a alors intégrées à un petit jeu interactif dans lequel les photos sont à moitié cachées. A vous d’imaginer cette partie, avant de confronter votre image mentale avec la réalité biennoise.

Une merveilleuse aventure dans notre imaginaire avec une souris comme seul outil.

Cette exposition sera présentée sous forme de borne interactive.

Les centres d’accueil pour demandeurs d’asile sont des lieux de transit. Ce sont des salles d’attente entre passé et futur, entre lieu d’origine et de destination. Les demandeurs d’asile craignent la décision des autorités qui contrôlent leur identité, la déconstruisent, la reconnaissent et la méconnaissent. L’incertitude qui plane sur leur vie future conditionne leur quotidien et conduit à un profond conflit identitaire.
Durant six mois, les photographes sont allées voir à plusieurs reprises des centres d’accueil de la région de Berne. Leur travail est né d’une observation approfondie de cet aspect de la problématique identitaire.
Le statut juridique des demandeurs d’asile apparaît clairement dans les pièces d’identité. Au-delà de l’identité formelle que ces documents leur attribuent, les photographes voulaient donner à chaque personne la liberté de se présenter à travers la réalisation de leurs portraits. Ces photos personnelles sont porteuses de souvenirs qui jettent des ponts symboliques entre différents univers de vie.

Un homme – de dos – courant le plus vite possible, le plus loin possible. Le long d’un chemin se perdant dans un horizon lointain, voilé, inconnu ; il repousse sans cesse les limites, ses limites. Au travers de ces photographies, John Divola nous dévoile le déploiement d’un instant, conférant à ses images l’empreinte de l’éternité et les inscrivant de ce fait au sein de l’espace-temps. D’un point de vue plus personnel, le photographe a réalisé ces images à approche de la cinquantaine, lorsque la vie n’apparaît plus comme infinie et immuable. Son travail va donc de pair avec une notion de mortalité furtive ; il se profile comme un point de non-retour : il n’y a plus de choix possible, l’homme ne peut qu’aller de l’avant. Mais John Divola, lui, poursuit sa course sur le chemin de la vie, sans tergiverser. Pour la réalisation de ces photographies, l’artiste a utilisé un film 35 mm à gros grain. Dès lors, sa personne nous semble comme absorbée par l’image elle-même. Récemment, John Divola s’est également servi de la technologie GigaPan – des images panoramiques prises en très haute résolution –, ce qui lui permet d’explorer ses clichés à travers le temps, de se mouvoir parmi les innombrables détails les composant, comme dans un ouvenir que l’on ranime grâce à la mémoire. Le temps et l’espace sont donc deux éléments clés pour la lecture de cette œuvre. Toujours est-il que, en s’éloignant aussi vite qu’il le peut de son appareil photo, John Divola nous laisse nous, observateurs, face à notre existence, avec toutes nos interrogations. (Alexia Brodu)

Année de production : 2009–2010

Aux débuts de la photographie, afin de compenser l’effet d’un long temps d’exposition nécessaire pour tirer des portraits, les personnes photographiées étaient immobilisées à l’aide d’appuie-tête (headrest), de chaises spéciales et autres tringleries. Par leur travail, Trmasan Bruialesi et Rudolf Steiner reflètent cette curiosité de l’histoire de la photographie et prennent pour leur part le chemin inverse, en « fixant » le corps de la ou du photographe dans une position particulière avec leurs « appareils de pose ». Il se pourrait, en effet, que la position du corps reflète aussi une position de l’esprit.

Année de production : 1998-2016

Europe 1999-2004
Ingouchie – Grozny – Moscou – Ukraine – Fuerteventura – Suisse – Milan – Bradford

Réfugiés de guerre, réfugiés économiques, émigrants, immigrants, personnes déplacées, demandeurs d’asile: la multiplicité des expressions utilisées ne fournit qu’une image incomplète des raisons à l’origine de l’exil. Ici et là, on s’interroge sur le bien-fondé des motivations qui poussent certains à endosser le statut de réfugié. Quels que soient leurs destins, tous ces gens ont quelque chose en commun: ils ont perdu leur patrie et sont dans l’attente d’un avenir meilleur. Cette perte est une expérience décisive et souvent traumatisante. La plupart des apatrides passent d’une situation provisoire à une autre.Toutes sortes d’endroits leur servent de chez-soi: tentes, prisons démantelées, baraquements, appartements faits d’une seule pièce bondée, anciennes installations militaires, fabriques désertées. Au prix d’une incroyable débauche d’énergie, ces «non lieux» revêtent un semblant de sphère privée. Chaque angle, chaque objet y concourent. En témoignent la prière silencieuse dans cet appartement exigu, cette corde à linge dans l’ancienne fabrique de ciment ou encore ce jeu avec le tuyau d’arrosage abandonné. Et puis toujours cette attente, cette condamnation à l’inactivité, à garder l’espoir, avant de sombrer à nouveau dans le désenchantement. Beaucoup de logements sont consciemment mal entretenus, car ils ne doivent en aucun cas inviter à l’enracinement. Les gens qui les habitent sont des personnes censées repartir aussi vite qu’elles sont arrivées. Seules les statistiques de l’asile doivent conserver une trace de leur passage.

Les apatrides sont les témoins de la guerre, de la misère, bref d’une situation insoutenable. Or qui voudrait se souvenir de cela?

Dans le Las Vegas de Google Street View, le Sphinx a troqué son flamboyant masque de Touthankhamon contre le visage érodé de son modèle égyptien. « Si l’une de nos images contient un visage identifiable […], notre technologie floute automatiquement ces éléments pour empêcher toute identification de la personne. » Floutés par Google, tous les visages se valent. Ainsi ces grandes statues – religieuses ou commerciales – se dissimulent-elles de ceux qui les regardent, unilatéralement, depuis leur fauteuil.

Année de production : 2014

Vingt ans après le génocide au Rwanda, les auteurs et leurs victimes vivent à nouveau dans une paix relative. Avec ce projet, Lana Mesić leur donne la possibilité de raconter leur histoire. Elle a approché des couples et leur a demandé de recréer les moments de pardon. Survivant et agresseur face à face, se prennent les mains, s’embrassent ou tombent. Combien ont-ils pardonné? Combien se sont-ils pardonnés? Lana Mesić explore tendrement les multiples visages du pardon.

Année de production : 2014

Le projet à long terme Amicezia raconte l’histoire du parcours géographique et artistique de Jaromir Kreiliger. Les images reflètent son environnement immédiat et l’intérieur de son âme. Cette synthèse de moments vus et ressentis forme une œuvre révélatrice de ces lieux. Le mot Amicezia vient de la langue rhéto-romane. Il signifie amitié et amour.

Année de production : 2016

Regards directs et sévères, bustes raides, mains croisées; ce qui à première vue fait penser à des portraits classiques procure rapidement une impression d’étrangeté. En effet, les portraits de Grégoire Cheneau ne sont pas des instantanés, mais des compositions très élaborées qui évoquent la complexité de l’être humain par une habile manipulation de ses gestes. Grégoire Cheneau photographie ses modèles pendant plusieurs heures à partir des angles les plus divers. Il réassemble finalement en portraits différents éléments d’image qui mettent mal à l’aise. L’imperfection fait ainsi son entrée dans le portrait photographique. Dans Altered States, Grégoire Cheneau cherche à se rapprocher de l’essence de la personne photographiée et ce faisant, il côtoie très intimement la limite entre réalité et fiction.

Année de production : 2012

En 2020, le photographe Beat Schweizer emménage aux Etats-Unis avec sa famille. Quelques mois plus tard, il se retrouve confiné dans un petit appartement au centre de New York. Il commence à observer de près l’appartement familial et les gestes du quotidien qui s’y déploient. Il crée alors un blog qu’il alimente aves des images qu’il réalise. Sa série photographique All Things Considered est constituée de vues poétiques et intimes, prises à l’intérieur de l’appartement familial, du salon à la chambre à coucher. Dans ses images composées dans des tons clairs, la lumière du jour perce et, comme dans certaines peintures hollandaises, s’installe un climat particulier où le temps est suspendu.

Sa série est complétée par des prises de vues documentaires réalisées dans la ville désertée, des images qui font référence de manière suggérée au contexte politique, à la pandémie et au temps qui passe. Un témoignage photographique doux et percutant.

Soutenu par : Pro Helvetia / Kultur Stadt Bern / Burgergemeinde Bern / Nigg Ziegelmüller Bilderrahmen

Année de production : 2020-2021

Les photographies de Marta Zgierska sont d’apparences douces, nettes, à la fois séduisantes et profondément personnelles. Pour créer ses images, l’artiste utilise son propre corps et les souvenirs d’expériences traumatiques qu’il a vécues comme point de départ et comme matière première. Ses performances, cristallisées par l’image photographique, s’inspirent des codes de l’industrie cosmétique et questionnent les injonctions imposées au corps féminin dans notre société.

Pour réaliser la série d’autoportraits Afterbeauty, l’artiste a placé à plusieurs reprises des masques de beauté sur son visage. Elle a ensuite photographié chaque masque, marqué en négatif par la forme de son visage, comme des sculptures abstraites ou des corps vidés de leur contenu. Pour la série d’images Votive Figure, l’artiste a couvert son corps, au préalable maquillé, de cire, une matière qui évoque les produits cosmétiques mais aussi la pureté et la virginité. Les photographies en tons pastel qui résultent de cette performance, durant laquelle la cire se rigidifie sur son corps comme un corset, questionnent la beauté paradoxale des représentations du corps féminin, un corps souvent contenu ou contrôlé.

Année de production : 2018 & 2019

En collaboration avec Gowen Contemporary.

Dans le reportage de Simone Haug, l’univers fantastique du cirque constitue la toile de fond d’une réalité sociale : la fragilité morale, physique et matérielle des acrobates à la retraite. Ne pouvant plus exercer leur métier en raison de capacités physiques amoindries ou contraints de quitter la piste en raison de leur âge, les artistes font montre d’un optimisme sans faille, de débrouillardise et d’une attitude inchangée face à la vie. Du monde du cirque, Simone Haug retire une simplification de la forme qui tend vers l’essentiel : la capacité à maintenir un équilibre dans un monde où les limites sont constamment dépassées. (Catherine Kohler)

Mandatées par le Pôle de recherche national LIVES et les Journées photographiques de Bienne, trois jeunes photographes suisses (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) ont réalisé chacune un travail sur les thématiques du PRN LIVES « vulnérabilité et résilience ».

Année de production : 2015

Caché sur la côte Est anglaise, un lieu magique: de l’or blanc balayé par le vent sous un ciel constellé d’étoiles filantes. C’est un endroit tenu secret par ses habitants et ses visiteurs. Après la deuxième guerre mondiale, ce lieu fut un refuge pour les mères et leurs nourrissons, puis un camp hippie jusque dans les années 90, quand les ravers vinrent y déposer leurs hauts-parleurs et danser jusqu’aux aurores. Toutes les années depuis 20 ans, ils reviennent avec leurs enfants et quelques meubles pour vivre de longues semaines estivales de danse, de transe et de spiritualité, comme un bref échappatoire aux contraintes du monde moderne.

Année de production : 2017

Maya Rochat a développé A Plastic Tool à partir de ses recherches personnelles sur des images hétérogènes. Le collage qui en ressort est composé de photographies caractérisées par leur matérialité, leur densité structurelle, leur pertinence et leur position critique. L’assemblage de visuels en un collage fait plus particulièrement ressortir l’illusion et la superficialité de ces images singulières. En conséquence, A Plastic Tool devrait être considéré comme une observation critique de la production et de la réception des images dans notre société.
Cette installation a été conçue pour les Journées photographiques de Bienne.

Année de production : 2013

A Man In Public Space est un travail dont les premières images, réalisées à Lausanne, ont été présentées en 2021 dans le cadre du festival. Pour ce deuxième volet, Karla Hiraldo Voleau a réitéré l’expérience, cette fois-ci à Paris. Inspirée par la montée des actions féministes et par des artistes féminines comme Adrian Piper ou Katarzyna Kozyra, elle a créé une performance photographique sur la transgression des genres et les codes qui leur sont associés. Avec l’aide de la SFX artist Mélanie Vargas, elle s’est une nouvelle fois glissée dans la peau de son « alter ego masculin » afin d’étudier les questions de masculinité dans l’espace public.

Présentées sur des panneaux d’affichage, le long d’une promenade, son exploration se décline à travers deux typologies d’images : l’autoportrait et la photographie documentaire. Elle propose aux spectateur·trice·s et passant·e·s un questionnement sur l’impact de l’identité de genre dans des enjeux de pouvoir, en lien aux sentiments de sécurité ou de danger perçus et vécus dans des lieux publics.

Soutenu par: Ville de Lausanne

Année de production : 2022 –

Karla Hiraldo Voleau s’est glissée dans la peau de son « alter ego masculin » pendant une semaine, afin d’une part d’étudier les changements d’attitudes à son égard, d’autre part d’observer son propre changement de comportement. Son exploration se décline dans des autoportraits, des textes, des images volées et des captures vidéos. Elle plonge le spectateur dans son expérience à la fois singulière, terrifiante, amusante et excitante. Son installation questionne l’impact de l’identité de genre sur nos actions et dans l’espace public.

Année de production : 2020

En Roumanie, 30% de la population cultive encore la terre. Seulement, depuis quelques temps déjà, les entreprises agro-industrielles de l’Ouest envahissent les terres fertiles et peu chères du pays. Parce qu’elles bénéficient notamment d’accès facilités aux fonds européens pour l’agriculture, ces entreprises étrangères changent la donne. Et, à fortiori, le quotidien des agriculteurs roumains.
De la bourgade de Zagon au pied des Carapates en passant par la grande ville de Sibiu, Christophe Chammartin aura, dès le mois de septembre 2010, parcouru les routes de Transylvanie et photographié les différentes réalités de l’agriculture roumaine. Reportage socio-poétique, la série de l’artiste rend compte d’une réalité certes connue en partie de tous, mais dont les enjeux sont encore bien souvent tus.
(Elena-Sezgi Esen)

Année de production : 2010-2013

Afin d’accélérer le développement de son travail en tant qu’artiste indépendante et de ne plus compter sur l’aide financière de l’état, Stephanie Schroeder a été encouragée à participer à une mesure d’optimisation corporative. Sa demande de documenter ces 40 heures dans un film a été rejetée. À partir de conversations, de polycopiés, de son recueil de rêves et du formulaire F5.5, elle transforme son « travail sur la personnalité de l’entrepreneur artistique » en un scénario dans lequel se heurtent les rôles d’artiste, d’entrepreneur et de récipiendaire de Hartz-4, qu’elle interprète tous elle-même.

Année de production : (Work in progress)

La vidéo 34°8’8.59”N | 118°20’48.61”O est un plan séquence réalisé avec Google Earth. L’endroit capturé se trouve dans les studios Universal à Los Angeles. Ce décor a été réalisé pour le film « La guerre des mondes » de Steven Spielberg réalisé en 2005. En proposant un plan séquence sur ce lieu je tente d’amener chez le spectateur un sentiment de confusion. En effet ce lieu est un décor que l’on peut visiter encore aujourd’hui. La reproduction de ce décor par Google Earth induit un certain degré de réalité. Est-ce réellement un accident d’avion qui a été reproduit ou une supercherie. Le décor dans le décor, la « fictionalisation » de la fiction. (st)

Année de production : 2013

Des étudiant·e·s de la classe professionnelle de graphisme de 2e année de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, encadré·e·s par leur enseignant Alexander Jaquemet, ont produit un ensemble de travaux en résonance avec les enjeux de cette édition. Pour la 26e édition, les projets dont une partie a été réalisée en collaboration avec des résident·e·s sont présentés à la Residenz au Lac.

Année de production : 2023

Des étudiant·e·s de la classe professionnelle de graphisme de 2e année de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, encadré·e·s par leurs enseignants Dominik Müller et Alexandre Jaquemet, ont produit un ensemble de travaux en résonance avec les enjeux de cette édition. Les réalisations sont présentées dans l’espace d’exposition de l’Ecole d’Arts Visuels.

Année de production : 2022

Des étudiant·e·s de la classe professionnelle de graphisme de 2e année de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, encadré·e·s par leurs enseignants Dominik Müller, Roland Aellig et Alexandre Jaquemet, ont produit un ensemble de travaux en résonance avec les enjeux de cette édition. Les réalisations des deux classes (2019-2020 et 2020-2021) sont présentées dans l’espace d’exposition de l’Ecole d’Arts Visuels.

Année de production : 2019 – 2021

An Answer to Women with Binoculars est la réponse des étudiant-e-s de la classe professionnelle de graphisme de 2e année de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne aux images assemblées par Enrique Muñoz García. Chaque élève, encadré par leurs enseignants, Dominik Müller et Roland Aellig, a réalisé un travail qui répond à une image. Les réalisations sont présentées dans l’espace d’exposition de l’Ecole d’Arts Visuels.

Classe professionnelle de graphisme 2e année.
Travail d’un semestre sur le thème du « Bonheur ».

Classe professionnelle de graphisme 2e année.
Travail d’un semestre sur le thème « Extrême ».

Classe professionnelle de graphisme 2e année.
Travail d’un semestre sur le thème « Permis de construire ».

Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, classe professionnelle de graphisme 2e année

Travail d’un semestre sur le thème de l’édition.

Travail d’un semestre sur le thème de l’édition.

Classe professionnelle de graphisme 2e année.

Les 16 étudiants ont travaillé pendant un semestre sur le thème des Journées photographiques de Bienne 2012.

Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, classe professionnelle de graphisme 2e année

Le thème collatéral a été l’occasion pour les élèves de Roland Aellig de recherches sur la perception et la vision de choses qui peuvent être conjointes, semblables, tirées du dedans vers le dehors, dissimulées, derrière, reflétées ou simultanées.

Les étudiants de deuxième année de la classe professionnelle de graphisme de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne développent une démarche photographique très personnelle. Au moyen de techniques et de mises en perspective très variées, ils documentent leur propre environnement et s’intéressent aux thèmes de société à leur manière. Les plus souvent, les photographies sont réalisées au moyen d’appareils analogiques ou numériques.

Manuela Cannizo s’est servie d’un Holga pour mettre en images ses meubles, qui finalement rappellent les objets d’exposition montrés en grande surface.
Anaïs Corti a intitulé sa série « rendre beau ». Elle cherche à montrer ce qui différencie les pierres tombales entre elles, les décorations, les fleurs et les plantes dans un cimetière. Et ce que ces éléments peuvent nous révéler au sujet du défunt. L’appareil photo de Nadine Furer fouine au « Passpartout ». C’est ici que se rencontrent des jeunes d’origines géographiques et sociales très bigarrées. Parfois, la pression sur le déclencheur passe inaperçue – les regards se perdent dans le vide. Janaïs Gerber explore les valeurs de la télévision : l’importance de la télévision chez les individus, sa présence dominante et l’influence qu’elle porte sur eux, sur ce qui les entoure. Photos surexposées de téléviseurs dans différents appartements. Mathieu Grosjean documente le « Vestibule » : Un lieu intime et personnel au milieu d’un environnement public, qui marque un changement, un passage. Milena Gsteiger a accompagné Sabine et Nik. Elle met en lumière le couple, les espaces intérieurs et la soirée grillade à la lueur du flash. L’environnement s’obscurcit rapidement et plonge ainsi dans l’arrière-plan. Manon Gygax utilise un vieux Polaroïd. Par les teintes typiques de cette technique, des jeunes d’aujourd’hui prennent une coloration ancienne. Le « teenage », cette période entre 10 et 19 ans est une étape importante de notre vie où l’on aime se démarquer des autres et s’affirmer en tant qu’individu dans la société. Le style vestimentaire joue un rôle important d’identification. Le besoin d’appartenir à un groupe pousse les adolescents à se comparer et s’influencer les uns les autres. Marc-Andrea Huber montre des pièces abandonnées dans des locatifs en déliquescence. Les murs s’effondrent, un chat traverse l’immobilité de l’image. Au moyen de son écharpe jaune et noire, Simon Kiener se transforme en fan de Young Boys et plonge dans la masse populaire des fous du foot. Le dimanche, les différentes origines sociales et les classes d’âge ne jouent plus aucun rôle. Tous s’animent pour le jaune et le noir. Ils fêtent ensemble, ils vibrent ensemble. Patrick Kuhn met en perspective les objets jetés. Peut-on analyser les personnes par rapport à ce qu’elles jettent ? Cette série fait parfois penser à des archives policières. Simon Mick photographie une place où les gens s’arrêtent pour se reposer. Quelques tables et quelques chaises suffisent. Les personnes de passage viennent et s’en vont, la lumière du jour change. Les images semblent tirées d’une caméra de surveillance. Tanja Roux a intitulé le résultat de son travail « Mes machins favoris». Des amies posent dans leur appartement avec leurs accessoires préférés.
Tamara Rufener Kunz photographie des cabanes de chantiers avec un appareil analogique à grand angle. Elle interroge ces petits abris qui servent de refuge. D’habitude fermés, elle les met visuellement en lien avec le monde extérieur. David Ryf se sent à l’aise dans le monde des tatoueurs. Sa série est composée d’une bonne quinzaine d’images très picturales, prises sur un fond sombre. Une fois accrochés, les différents formats forment un ensemble cohérent. Judith Schmid, à 3471 mètres au-dessus de la mer. La visibilité est réduite. Des grappes de touristes se forment dans la neige, finissant par ressembler à des îlots. Qui vient donc visiter le Jungfraujoch ? À quoi ressemblent-ils ? Que peut-on bien voir dans un tel brouillard ? Michael Wenk nous montre l’environnement des hôtes qui cherchent toujours à montrer le meilleur d’euxmêmes. (Projet sous la direction de Roland Aellig)

Pendant une heure, la Terre avance de 107’218 km sur son orbite autour du Soleil. Pendant une heure, la Terre tourne – vue depuis un point sur l’équateur – de 1’670 km autour de son axe. Une heure, c’est le temps pendant lequel Hans-Christian Schink expose la pellicule et rend ainsi visible « la ligne d’intersection » de ces parcours. Il dirige son appareil photographique vers le soleil et se sert de l’effet de la solarisation durant lequel le processus de noircissement du négatif s’inverse : en surexposant fortement, le soleil n’apparaît pas blanc, mais noir sur l’épreuve. Entre 2003 et 2010, Hans-Christian Schink prend des photos en de nombreux endroits répartis sur la terre et très différents par rapport à la course du soleil, dont certains à proximité des pôles, des tropiques et de l’équateur. Procédant comme pour un travail scientifique, il est à la recherche d’une image de la réalité, qui dans ce cas ne peut être montrée que par la technique de la photographie argentique et que l’oeil humain ne peut pas percevoir sans son aide. La ligne dessinée par le soleil sur ses photos représente à la fois la lumière et le déroulement du temps. Les vastes perspectives sur des paysages et des espaces urbains donnent une impression surréaliste. La « ligne de lumière », noire, flottant dans le ciel, domine l’espace. Elle le limite et l’ouvre en même temps. Son inclinaison change selon la saison et la latitude de l’emplacement de l’appareil. Les lieux deviennent coulisse. Hans-Christian Schink les décrit par la définition précise de la ligne dessinée par le soleil ; par des coordonnés géographiques et l’indication de l’heure d’exposition. Ses images ne documentent pas seulement un phénomène quotidien, elles sont aussi une mise en scène du soleil et un rappel particulier de son existence permanente. Elles font penser aux images inconnues jusque-là des photographes de voyage du XIXe siècle.

Année de production : 2003-2010

Les multiples images d’une performance sur les divers comportements que provoque le regard à travers un dispositif de capture d’image.

Année de production : 2008-2012

Prises de la même fenêtre d’un appartement new-yorkais, sur une longue période, les images se lisent comme un storyboard.

Année de production : 2010

Année de production : 2020

Mathieu Merlet Briand récupère des données statistiques et des milliers de photos liées à une recherche sur le web, une matière brute qu’il retravaille ensuite avec des algorithmes de traitement d’images qu’il a développés. L’installation #Blue-Screen Templefait écho aux écrans bleus servant à indiquer le bug d’un système informatique. En entrant dans l’installation de l’artiste dont la structure est une analogie aux formes de temple classique, nous entrons dans une réalité abstraite, un bug visuel immersif qui questionne nos croyances à l’ère des nouvelles technologies.

Année de production : 2019

La disparition de visages par leur surexposition traduit l’impossibilité de saisir l’humain à travers un portrait.

Photographe de mariage…« Ah, tu fais aussi des photos de mariages », me dit-on parfois, l’air un peu surpris et presque compatissant. C’est que la photographie de mariage n’a pas toujours bonne presse, elle est considérée comme un travail peu intéressant, conventionnel et à la portée du premier photographe venu. Cela tient probablement au fait que la photographie, dès son apparition, s’est inscrite dans le rituel du mariage, comme un passage obligé, et que la forme photographique se dégageant de cette pratique s’est rapidement figée dans une image exaltant les signes convenus du bonheur et du romantisme.Il est clair que je me situe à l’opposé de cette esthétique et que j’essaie au contraire de rester en contact avec la manière dont les acteurs vivent cet événement. Au lieu de «ritualiser le rituel», comme le fait la photographie de mariage classique, j’essaie au contraire d’en extraire la vie, celle qui s’insinue partout, même dans les moments les plus calculés et les plus prévisibles.

Dans un mariage, le photographe est un observateur accepté, ce qui donne une liberté de mouvement et de choix de sujets que j’apprécie. J’essaie de trouver un compromis entre la nécessité de couvrir l’événement et ses moments phares et la volonté de les montrer de manière subjective. Au final, même si certaines images sortent du lot, je ne considère pas qu’elles constituent un travail artistique. La photographie de mariage reste pour moi un travail artisanal, un moyen de faire mes gammes, de gagner ma vie, de trouver quelques bonheurs d’images en donnant une certaine image du bonheur.

L’ensemble sera complété par une salle d’écoute, mise sur pied en collaboration avec Canal 3, dans laquelle les visiteurs pourront prendre connaissance de divers avis et réflexions sur les thèmes de la mode, du style et de l’identité, recueillis auprès de la population biennoise, cela afin de pouvoir se focaliser non pas sur une représentation visuelle, mais sur une image mentale. Cette démarche participe ainsi d’une vision complémentaire du sujet.

Installation en collaboration avec visarte. 660 images dans 420 cadres.

Le point de départ de mon exposition a été le thème des Journées Photographiques de Bienne de cette année : «de la vie à la mort – de la mort à la vie». Pour moi, c’était clair, je voulais faire une installation qui intègre l’espace. Tout le reste était encore ouvert début juin. J’ai alors fouillé parmi mes négatifs – les boîtes avec les photos que je ne range jamais…

J’ai trouvé de nombreuses photographies: les photos passeport que j’ai faites au long des années à chaque fois dans les automates les moins chers, d’innombrables polaroïds de moi! Tout à coup j’ai eu un grand plaisir à regarder et à rassembler toutes ces photographies où je suis seule représentée.Je me suis faite un pari à moi-même: «Toutes les photos que je trouve, je les scanne sans les censurer. Cela sera la base de l’exposition.» Mais plus tard vint souvent le doute, était-ce vraiment ça que je voulais faire ? Le flot de photos a réveillé de nombreux souvenirs et des questions : la confrontation avec ma vie et la question du sens de ce travail. Malgré tout j’ai toujours tenue pour juste ma décision de faire l’installation de cette façon.

Durant la réalisation de l’installation, c’était très intéressant de voir comment une photographie se modifie, selon le cadre dans laquelle je la plaçais.

C’est seulement le lundi avant l’ouverture de l’exposition que j’ai pu reconnaître que l’installation terminée correspondait effectivement à l’image, à l’idée que j’avais originellement en tête. L’image seule est finalement peu importante dans l’installation. Mais toutes les images ensemble permettent un regard dans une vie et dans son passé.

Carla Etter

Début avril 2005, la HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich) a publié son rapport annuel 2004. Le graphisme de la publication était signé Franziska Burkhardt et Barbara Wiskemann. En collaboration avec les graphistes, vingt-cinq «photos de classe» ont été réalisées entre avril et juillet 2004. Les étudiants de chaque branche ont été photographiés dans l’un de leurs espaces de travail. Les portraits de groupe ont été pris par une caméra grand format, la lumière d’un flash venant s’ajouter à l’éclairage existant.

Les photographes voulaient observer l’effet que les espaces d’enseignement exercent sur les personnes qui les occupent, et aussi les interventions que les étudiants effectuent dans ces espaces. Malgré le, ou plutôt à cause du genre classique et conventionnel de la photographie de groupe, l’intérêt du projet résidait dans la forte concentration d’individus et la présence d’une certaine créativité, rendant ainsi visibles aussi bien les caractéristiques des sujets photographiés que leur appartenance à un groupe spécifique.

Dans « Blast », un visage caché derrière un ballon rouge apparaît au fur et à mesure que la baudruche se gonfle, d’abord les yeux, deux taches sombres, puis l’ensemble des traits un peu flous. Le ballon grossit et devient fragile, la couleur perd de sa densité et laisse voir en transparence. Un halo rouge encadre le visage devenu net, à peine coloré de rose. L’artiste continue à gonfler, jusqu’à l’éclatement en lambeaux. Le bruit est sec et lui fait peur. Elle regarde le spectateur puis ferme les yeux.
Pour faire pendant à cet autoportrait, où le visage apparaît, Luzia Hürzeler a moulé son buste pour en tirer une épreuve en pâtée pour chat. Le titre « Selbstporträt für die Katz » prend d’ailleurs une dimension ironique en allemand.
Cette érosion sans brutalité est lente et douce. Posée sur un socle, l’effigie habituellement faite pour durer est appelée à se défaire sous la langue râpeuse d’un chat.

Ces deux autoportraits, comme « Derrière le rideau » ou « Perturbations », traitent du corps, de sa présence réelle ou juste induite par le son, visible ou dissimulée. Le chat qui mange le buste fait penser aux oiseaux qui détruisent un pain de graines dans « Vogelhaus ».
Comme pour ses autres vidéos, Luzia Hürzeler construit des situations simples à partir de dispositifs complexes. L’action réduite à des bribes de narration, sans réel développement, traite avant tout du temps, du point de vue, des effets visuels et sonores. Ces fables, dont Luzia Hürzeler ne livre pas la morale, nous interrogent en fait sur la construction des images en mouvement et sur notre perception.

Claude-Hubert Tatot