Eva-Maria Raab is interested in new technologies and in individual and collective modes of representation. For her project “YOUNIC / faceBOOK,” she invited Facebook users from all over the world to send her their profile pictures. She then took one hundred of these portraits and reshaped them according to the generic male and female images that appear as the profile picture when users don’t add one themselves. The project addresses how a homogeneous symbol can be individualized to shake up everyday life.

Year of production: 2012

Here everything is ice without respite, and one is led to think about what extremes can produce in human beings. During the winter, the 270,000 inhabitants of Yakutsk in north-eastern Siberia live in temperatures that vary between -40 and -50°C (otherwise experienced only by climbers on Mount Everest), along with ice, fog, and fleeting shadows. In a world tour of a planet where half the population lives in cities, Steeve Iuncker is seeking out the cities of extremes, from the lowest city, to the most polluted, to the most populated. Yakutsk, the coldest city in the world, is the first subject in this new project.

Year of production: 2013

Wolfgang Ernst Pauli, one of the founders of quantum physics, was also called the “conscience of physics.” There was a legend that experiments failed when Pauli entered a room, a phenomenon that his colleagues jokingly called the “Pauli effect.” Pauli’s presence lingers on in the CERN archives. Thus begins this “history of a scientific ghost.” Art, photography, history, and science come into collision, blurring the boundary between scientific fact and science fiction. Some images have been manipulated by the artist, while others have been left intact.

Manipulations by the artist, 2015–2016
Images from the CERN archives, 1960–1985

Year of production: 2015-2016

While Dreaming, a work in progress begun in 2011, rejects the mode of production in time-limited series that often gets imposed on artists. Presented in a custom-made box, this series is an attempt to give an image to dreams. The public is invited to contemplate at their own pace these photos conceived on the basis of a collection of personal and recounted dreams. Created by a printing process that alters the clarity of the visible information, the cyanotype prints reinforce the evocative aspect of the images and call on the viewers’ own memories.

Year of production: 2011-

Today, artificial intelligence and algorithmic technology allow trading firms to operate faster than is possible for our human abilities. The locations depicted in Eline Benjaminsen’s video are not places that we would readily associate with high finance, yet this is where some of the biggest profits are being made today. In her work, Benjaminsen documents the resolutely physical landscapes of an immaterial market and questions the limits of a system that generates profits and value at speeds imperceptible to the human brain.

Year of production: 2017

A light-hearted exploration of the visual codes of mass leisure in western society.

Year of production: 2010

Wentworth is situated in Canada, where Lucas Olivet spent his summer holidays as a child. The stories, games, characters and mythology of his childhood experiences are recreated in these photographs, as well as in a video about Canada that is also being shown, produced this summer by the Cowboy Noir collective. The Wentworth project is being exhibited for the first time at the Biel/Bienne Festival of Photography.

Year of production: 2013

A work of re-creation and liberation on the basis of pictures from old photo albums and their abandoned pages.

Year of production: 2011-2012

Jules Spinatsch a sillonné en voiture les routes de New York, Zurich et Paris, d’un feu de signalisation à l’autre. Il a profité des quelques secondes d’arrêt des véhicules pour photographier les passagers environnants, observant au moyen de son appareil des personnes au regard souvent absent, dirigé au-delà du cadre de l’image.

Le rythme des feux dicte le début et la fin de ces rencontres uniques et permet au spectateur de découvrir une foule de petits salons mobiles habités par des visages cachés derrière les vitres teintées. La courte pause imposée par le feu s’offre comme un moment intime au milieu de l’espace public.Chaque voiture laisse échapper une image furtive et imprévisible de ces rencontres solitaires, impossibles à répéter ou à prolonger.

Les photos de Jules Spinatsch se déclinent en trois séries:

1. New York 1997, 70/105 cm, c-prints sur aluminium
2. Paris 1998, 90/135 cm, c-prints sur aluminium
3. Zurich 1998, 40/60 cm, c-prints sur aluminium

De la 2e à la 3e série, la position du photographe change radicalement. Alors que les séries de New York et de Paris résultent d’une position légèrement distante de l’observateur, les conducteurs de Zurich sont photographiés la nuit au moyen d’un flash et d’un téléobjectif. La position devient alors celle d’un paparazzi agressif. Ce changement met en évidence le médium: l’appareil photographique.

Sleep (film n/b)
Cette courte séquence muette de 6’40” se compose de différents extraits filmés de photographies noir/blanc représentant pour la plupart des jeunes gens dormant en plein jour dans une voiture. Elle a été réalisée à Paris et Montpellier après de grandes techno et rave parties.

The exhibition We Call It Home presents the results of the second part of an arts education project begun in 2018 by Patricia Huijnen, in collaboration with Manuela Hée, as part of Femmes-Tische Biel/Bienne, a programme sponsored by effe (espace de formation fachstelle für erwachsenenbildung).

A group of 11 organizers from different countries (Afghanistan, Brazil, Chad, Congo, Eritrea, Iraq, Lebanon, Mexico, Sudan, Turkey and Togo) participated in photography groups and led round tables with women from their countries of origin, which are at the centre of a selection of exhibitions on the themes of “happiness”, “time” and “habitat” in order to discuss mental health, culture and creativity.

Under the guidance of photographer Solène Gün, the organizers continued their reflections in images. The selection of photographs that is being presented invites us to plunge into their daily environment.

We are all going home is an immersive installation which is the result of a commission that Aline d’Auria received from the city of Chiasso, a frontier town in the canton of Ticino, in order to take a new look at its residents who have immigrated from Eastern Europe. The first part of this work presents a series of photographs of the people who participated in the project. The second part is a video installation showing people in perpetual movement, at different moments and in different directions, in images at odds with some representations of migration. The third part allows viewers to stretch out in a dark room with a dream-like atmosphere and immerse themselves in the sound of lullabies from Eastern Europe. By bringing together various elements, the installation We are all going home raises questions about the feeling of belonging, both physical and spiritual, and opens new perspectives on the representation of “home”.

Year of production: 2019

Surveillance cameras become the motif of an anxiety-inducing tapestry.

Year of production: 2006-2011

Les séries de portraits de Martin Wiesli sont de sobres représentations d’êtres humains ; quatre prises de vue pour chaque modèle, comme pour des documents d’archives policières. Aucun détail n’échappe à l’objectif de la caméra grand format, le visage semble multiplié par le procédé de la prise de vue, gelé dans le négatif puis fixé dans l’image. Confiné dans l’exiguïté du format, souvent visible uniquement par fragments, le visage devient un objet qui, considéré sous cette forme seulement et sans empathie, devient un délice optique. La lumière change, sur les cheveux raides, comme sur du velours. Les perles de sueur sont comme des gouttes de rosée, elles amènent la lumière sur la peau ocre. Les boucles de cheveux tombent tels de fins traits de pinceau sur le front, et sur les lèvres les petits sillons étincellent, aux endroits humides, de la même manière que les yeux. Martin Wiesli ne laisse rien au hasard. Lumière, couleur, arrière-plan, expression – tout est réglé. De plus, dans la série, les images sont placées dans un rapport chronologique ; dans le cas d’un couple d’images, elles gagnent en narration et en psychologie. Qu’est-ce qui relie la cage d’escalier éclairée au néon et la femme habillée de noir, pouvons-nous nous demander. Les espaces vides dont une femme se détourne correspondent-ils à son état d’âme, ou un événement particulier a-t-il réuni cette femme et ce lieu ? Les couples d’images permettent aussi la comparaison, le rapprochement. Elles sont encore des compositions colorées.

Michael Krethlow

Fabian Unternährer follows Søren Kierkegaard in maintaining that the banal can be hidden in the extraordinary, and the extraordinary in the banal. He tries to find what is unusual and what is said to be invisible in everyday life, in order to bring out the sensation of vertigo in seemingly unremarkable situations. In his series “Vertigo”, he digs beneath the surface of the images to change our perception of reality; this is accentuated by the use of grey tones, the play with light, and the subtle mixing of the familiar with the unknown.

Year of production: 2012-2013

In 2011, while browsing the Getty Images website I realized that several historical photographs from Ghana that Getty Images had copyrighted, I had already seen at the archives of the Ghana Ministry of Information. Digging deeper, I uncovered a trail of errors (wrong dates, incorrect captions) and manipulation of original photographs, errors ranging from seemingly accidental to more deliberate. Getty vs. Ghana takes the overlapping images in both image banks and posits them to tap into contemporary concerns about copyright, digitization, and the foreign ownership of national heritage. Corbis vs. Mozambique, Getty vs. Kenya vs. Corbis and Musée Royal d’Afrique Centrale vs. Getty vs. DR Congo follow this same strategy. (MJ)

Year of production: 2012-2015

A study of urban wastelands and their inhabitants, far from sight but under strict surveillance.

Lisette Appeldorn is obsessed with masks made from all sorts of materials. The portrait series Untitled is characterized formally by drapes, saturated colours and unusual poses of the models she photographs. Constructed for each picture, the series of figures created by Appeldorn with faces that are concealed, anonymous and without any visible emotion, elicit a feeling of unease in the viewer. In the photos, Appeldorn reduces the body to a sculpture or object, or to strange shapes. In the era of selfies and facial recognition technology, these images address the place of emotions in our society and the disappearance of the individual when immersed in a flood of data, and also the masks behind which human beings sometimes tend to hide themselves.

Year of production: 2018

Présentation vidéo de photographies de Jeanne Chevalier sur une musique de Christian Giger interprétée par Anton Koudriavtsev. Montage Yvan Kohler.
« Almeria Bayyana » reflète une relation intime établie entre deux mondes. Celui du souvenir de l‘enfance et celui d’un paysage andalou, très éloigné des êtres qui lui sont chers et dans lequel la photographe a décidé de vivre. La période éclair des vacances lui permet de réunir ces deux mondes. Mélange de grâce et d’éternité. Comme l’écrit si bien Bernard Plossu à propos de ces images :
« (C’est) photographier le journal quotidien de la vie, sans circonstances exceptionnelles, sans faire du ‚reportage‘… Pas à pas, photo après photo, année après année… ». Projection d’images qui, lentement apparaissent, s’enchaînent, se mélangent les unes aux autres dévoilant des territoires nouveaux à travers leur transparence. Les photographies semblent portées par le son d’une guitare, mouvement musical lent et répétitif. Des enfants grandissent, le temps passe et retient l’extraordinaire présence d’un paysage qui, lui, apparemment ne sent pas le temps passer. « Apparemment », car aujourd’hui, bien que cette région soit déclarée parc naturel, elle est sauvagement menacée par des projets touristiques de plus en plus voraces et par les cultures sous plastique qui l’encerclent chaque jour davantage. « Pour que la forêt ne meure pas, il faut commencer par aimer un arbre », dit le dicton chinois.
Par ces images, la photographe veut rappeler la force du lien qui existe entre la physionomie d’un paysage et celle de l’être humain.

Réalisé au Japon, ce projet photographique est né d’une irrésistible envie de spontanéité et de transgression dans un pays où tout est codifié et où l’hermétisme règne en maître.

La rue tokyoïte se révèle être le théâtre des recherches de Daniel Stucki, mais aussi le décor le plus puissant et le plus libre de ses envies. Posté pendant plusieurs jours à un seul et même feu rouge (sur la Meiji-Dori avenue, l’une des plus grandes artères de Tokyo), il a au mépris de toute pudeur (nippone ou occidentale) choisi d’accrocher et de solliciter les regards des motocyclistes pour dérober ou recevoir, sans fards ni mise en scène, leurs portraits.Coincés dans une attente patiente ou impatiente, sans aucune possibilité de fuite, ces modèles n’avaient pour seul choix que de lui signifier leur refus, de détourner leurs regards ou, plus rarement, de s’offrir à son objectif. Tantôt timides, sérieux, rieurs, agacés ou complices, ils se sont dévoilés l’espace d’un instant. Daniel Stucki a appris à les apprivoiser, à jouer du flux perpétuel de leur défilement – par cycles de trente secondes toutes les deux minutes trente environ – et à partager cette confrontation dans laquelle les modèles se surprenaient à être des objets de convoitise.

Ce travail s’offre donc comme le miroir séquentiel de très brèves rencontres, toutes vécues dans une durée similaire et dans un univers fait de bruits, d’agitation et d’agressions urbaines. Daniel Stucki tente d’extraire d’un monde compact et hermétique – le trafic – un individu, pour le regarder, le dessiner et l’explorer.

TTL = terme usuel de photographie. Désigne la mesure de l’intensité lumineuse d’un éclair à travers l’objectif de l’appareil.

La route est habituellement considérée comme une voie de communication qui relie le point A au point B: déjà mon grand-père s’y était consacré. Assez tôt il avait possédé une voiture. Son enthousiasme ne provenait pas tant du véhicule que de la mobilité qui lui était associée. Mais il n’était pas rare que le chemin ou la route fussent un élément important de ses photographies de paysage. Mon père s’est intéressé depuis sa petite enfance non à la route, mais aux véhicules. Sa fascination ne valait pas seulement pour les voitures, qu’il conduisait lui-même, mais surtout pour les pilotes célèbres de l’après-guerre. Il a photographié des voitures dans toutes les « situations de vie » : la fabrication, le mouvement, les accidents, ou l’usage sportif. En 1949 déjà, il s’était rendu à Berne pour le Grand Prix de Suisse. Plus tard, cet enthousiasme est devenu une partie de son activité professionnelle: il photographia régulièrement les courses de Formule 1 à Monaco, Monza, Reims ou Hockenheim. Son activité principale comme photoreporter régional le conduisit aussi souvent sur la route. D’abord au volant d’une « Goggomobil », plus tard avec une Coccinelle, il se rendit jour et nuit, hiver comme été, à tous les événements et manifestations de Suisse centrale. Comme il fixa presque chaque accident de voiture, incendie ou accident d’avion, et qu’il était souvent sur place même avant la police ou les pompiers, on lui donna le surnom de « Katastrophen-Sepp ».Au jardin d’enfants, je ne dessinais qu’au crayon noir, la plupart du temps des courses automobiles pleines d’accidents, ce qui me conduisit chez le psychiatre à l’âge de six ans, car la jardinière d’enfants croyait que quelque chose n’allait pas chez moi. Après que le grand rêve de devenir pilote de course échoua en raison de nos possibilités financières, ma carrière de photographe commença automatiquement le long des circuits. Non seulement Monaco et Monza, non, le monde entier m’était ouvert. Depuis 1979 je me tiens, week-end après week-end, dans tous les virages qui portent des noms qui sonnent bien, comme « Parabolica», « Lesmo », « Sachs », « Mirabeau », « Eau Rouge » ou « La Source ».

Sur les trois générations se rassemblèrent avec les années d’innombrables images sur le thème de la route, du trafic et du sport automobile. Malheureusement, une partie de nos archives fut détruite par une inondation le 15 août 1997. Cette circonstance a modifié notre rapport avec les archives: nous avons pris conscience de leur valeur et des moyens de conservation à mettre en œuvre en lien avec elles.

Daniel Reinhard

“Targeting for a safer America” is the slogan of Law Enforcement Targets, Inc., a business based in Minnesota that supplies training targets of all kinds, including those of the Type A collective. These two artists like to test the limits of what is “artistically correct.” The various alarming scenarios that the Type A collective has concocted – from armed hold-ups to zombie attacks – catalogue the risks and fears, both real and fictional, of contemporary America. Law Enforcement Targets, Inc. has played a crucial role in the conception of the series, since they determine the production and distribution of the photographs: the criteria for selection are the wishes of their customers, cultural relevance, and realism (the height of the figures, the choice of weapon, etc.). With 400,000 Type A targets sold so far, the collective pursues its socio-artistic project by investigating not just the American culture of fear, but also who makes art.

Year of production: 2011

Le jour qui précède l’opération passe lentement. Si tout se passe bien, une nouvelle vie commencera pour Leonie Zeller, onze ans. Depuis sa naissance, Leonie souffre d’une insuffisance rénale. La fonction de ses reins diminue constamment et s’abaisse vers la limite de 10%. Chaque nuit, des toxines s’accumulent dans son corps. Le matin, elle se sent mal et vomit souvent. Pendant des années, elle a dû être nourrie artificiellement par une sonde nasale.

Marilyn Zeller ne se permettra pas de faire une pause pour souffler. Elle s’occupera comme toujours de Leonie, jusqu’à ce qu’elle soit elle-même sous narcose le matin suivant à 7h41 précises. Afin que sa fille puisse retrouver la santé, Marilyn Zeller s’est décidée il y a déjà longtemps, de lui donner un rein. Elle n’a encore guère eu l’occasion de réfléchir à ce que signifiait cette intervention pour son intégrité psychique et physique.Dans le monde entier, on manque d’organes. La conséquence en est l’augmentation du trafic illégal d’organes humains. La misère économique conduit de plus en plus de personnes à vendre leurs organes. Dans quelques années, il devrait être possible d’implanter à l’homme des organes de porc génétiquement modifiés. Mais il subsiste de grands risques, et les questions éthiques, morales et juridiques ne sont pas élucidées. Afin de raccourcir le temps d’attente, de plus en plus de parents de malades qui pourraient être aidés par une transplantation se décident pour un don de leur vivant.

La transplantation d’un rein d’une personne en vie est presque devenue une opération de routine à l’Hôpital universitaire de Zurich et est réalisée plusieurs fois par semaine. Chaque intervention médicale comporte cependant un risque. L’Office fédéral des assurances sociales estime qu’en Suisse 2000 à 3000 personnes meurent annuellement des suites d’une erreur médicale – plus que dans les accidents de la circulation. Mais l’opération se passe comme prévu dans le calme.

Les suites de l’opération causeront encore un certain temps du souci à Marilyn Zeller. Elle a cependant bon espoir que le rein qui lui reste restera sain : selon les médecins, elle peut atteindre 90 ans sans problème avec un seul rein.

Leonie va rapidement mieux. Deux jours déjà après l’opération, elle a envie de manger chaud. Pour la première fois de sa vie elle ose manger ce qui lui fait envie. Les chances sont bonnes que les déficits corporels et mentaux se remettent et qu’elle puisse mener une vie indépendante et sans handicap.

Daniel Rihs

Conceived especially for the festival, the collection of images presented by Thomas Maisonnasse in the form of an installation was drawn from a black-and-white series that he has been assembling for several years. Rather than writing with light, his images wrest from the photograph its layer of shadow: out of everything that is captured by the camera, it is only what is in shadow that is preserved. Rather that revealing to us “the visible,” the foliage scenes photographed by Maisonnasse confront us with a universe that is mysterious and impenetrable.

Year of production: 2020

Thomas Zollinger interroge depuis longtemps les différentes formes que peuvent prendre les déplacements. Alors que certains sont attirés par la vitesse ou les horizons lointains, il met en scène l’instant présent et décortique les ralentis. Le déplacement en soi, mais aussi la position spatio-temporelle ainsi que l’ancrage conceptuel font pour lui l’objet d’incessantes recherches.

Les travaux de Thomas Zollinger oscillent entre deux pôles. D’un côté, l’aventure libre et mouvementée d’autrefois, le stress temporaire des pendulaires d’aujourd’hui, et de l’autre, la station assise, immobile et relaxante, pour le corps comme pour l’esprit. Entre les deux, la marche considérée comme le déplacement naturel du corps.En 1997, Thomas Zollinger donne corps à son oeuvre lors d’une marche ininterrompue de 12 heures à travers des magasins vides, la ville de Bienne et le Seeland en compagnie de 29 autres personnes et sous l’œil interrogateur de la population.

L’exposition de cette année met un terme au cycle d’expositions «weiter gehen» qui a débuté en 2000 à la Gewölbe Galerie. Au centre de la rétrospective: cinq immenses panneaux présentant des photographies d’arrêts sur image vidéo.

Ce faisant, Thomas Zollinger accorde une attention toute particulière à la manière de documenter ses projets. Sa réflexion accompagne le visiteur à travers l’exposition et lui donne ainsi l’occasion de découvrir la photographie non seulement au contact d’autres médias, mais aussi à travers un concept artistique.

A video installation about the widespread internet phenomenon of self-portraits taken in a mirror.

An exhibition of PhotoforumPasquArt, coproduced with Biel/Bienne Festival of Photogaphy.

Year of production: 2011

THE SINGLED PERSON (MICHAEL ACKERMAN, MORTEN ANDERSEN, THORSTEN KIRCHHOFF, PEER KUGLER, ANDRÉ LÜTZEN, HISASHI MURAYAMA, FILIPPO ROMANO)

Sept photographes pour sept projections simultanées : le projet «The Singled Person» propose une lecture subjective du rapport de l’individu à son environnement. Présenté notamment au New York Photo Festival 2008, ce projet réunit des photographes de différents horizons qui partagent une manière subtile et impressionniste d’aborder le réel. «The Singled Person» est conçu comme une installation de sept projecteurs de diapositives non-synchronisés dont l’aménagement s’adapte en fonction des lieux d’exposition. Michael Ackerman (*1967, USA), Morten Andersen (*1965, NO), Thorsten Kirchhoff (*1973, DE), Peer Kugler (*1966, DE), André Lützen (*1963, DE), Hisashi Murayama (*1973, JP) et Filippo Romano (*1968, IT) favorisent une écriture personnelle qui s’épanouit sous la forme d’instantanés. Ils privilégient la représentation nocturne de la ville, parfois à la limite du visible et de l’abstraction. L’individu y apparaît souvent flou et mystérieux, silhouette solitaire qui renvoie à la nécessité rassurante de la communauté.Dans son travail «Departure», qui rassemble des photographies prises en Pologne entre 1999 et 2009, Michael Ackerman questionne le temps et la mort en adoptant une approche radicale. Rompant avec toutes tentatives descriptives, il crée en noir et blanc des visions énigmatiques et trouve dans le monde qu’il traverse l’image de son propre malaise, de ses doutes personnels. Les images de Morten Andersen parlent de l’inattendu et traduisent ses rencontres ainsi que son expérience de la rue. «Fast / Days» constitue une manière de plaidoyer pour une pratique instinctive de la photographie envisagée comme un révélateur de soi. Avec «Alibi», Thorsten Kirchhoff explore la notion « d’entre-deux », ses images donnant le sentiment de précéder ou de suivre un événement. Abolissant toute référence au lieu ou à l’histoire, elles fonctionnent comme un support à l’imaginaire. Peer Kugler refuse tout concept dans sa série intitulée «Nothing at all». Ses photographies prennent naissance dans les circonstances de l’instant et questionnent l’idée de solitude. «Hole in the head» est une fiction qui illustre les défaillances de la mémoire. André Lützen y réarrange des lieux et des situations observées dans différents pays afin de faire naître un sentiment de doute et d’ambiguïté. Dans «Radiance» Hisashi Murayama pratique un monologue intérieur sur l’immobilité, le hasard, l’ombre et la lumière. Il aborde son travail sous un angle quasi mystique. Filippo Romano s’intéresse à la condition humaine dans la Chine contemporaine. «Off : China» met en évidence les laissés pour compte de la révolution capitaliste chinoise. En reporter engagé, Filippo Romano leur porte un regard plein d’empathie. (Daniel Mueller)

For fashion magazines, the most important issue of the year, in terms of pages, readership and revenue, comes out in September. Dorade, an art and photography journal that examines codes of representation (especially in fashion), has been invited by the Biel/Bienne Festival of Photography to present its installation, “The September Issue.” This sculptural flatplan of an ideal issue casts a new light on the editorial work of Dorade by recombining and accentuating its content, forming a monstrous caricature of a magazine and its customs. The work thus suggests that the importance of the photographic writing that is typical of the format should be reevaluated, and leads the viewer to reflect on the marketing power of these images that aspire to perfection.

The magazine

Dorade, revue galante photographie et formes critiques is a journal of art and criticism launched in 2009 by Dorade Editions and based in Lausanne and Paris. Dorade is conceived as an exhibition space in printed form, where the editors function as curators, commissioning and selecting contemporary and historical works of text and image, and setting up a dialogue among them. There have been five issues so far.

Year of production: 2021-

To create these collages, Tornero used a glitch in a software that was not programmed to sew together apparently unrelated images. Ignorant of the parameters of cutting and pasting that the program was going to follow, he let the unexpected take the lead and mark the rhythm of the series. In the book, this attitude expands and intensifies: The texts have been translated again and again using the Google translator, the page layout has also been done randomly and, before being bound, the sections were shuffled again, so that we might speak of a deconstructed book, each copy of which is practically unique.

Year of production: 2014

“The Price of Vanity” is a long-term project created to tell the sacrifice hidden behind the ruthless values expressed by high fashion and its cultural trend dominated by remorseless standards of beauty. The business that revolves around this trade amounts to several million euros per year and condemns millions of animals to intensive farming for the production of clothes with fur, feathers and leather. The estimate for which was rated the animal skins sector totaled $ 40 million and the massive growth in the number of intensive farms around the world.

Year of production: 2012-2016

En 1970, Caroline Hunter découvre des preuves que son employeur, l’entreprise Polaroid, soutient indirectement l’apartheid en produisant des appareils photo ID-2 mis à disposition de l’État d’Afrique du Sud. L’appareil photo était doté d’un flash renforcé pour photographier la peau noire et de deux lentilles qui permettaient d’exposer le portrait et l’image de profil sur la même feuille de papier photographique. Le groupe formé par Caroline Hunter, «the Polaroid Workers Revolutionary Movement», fit alors campagne pour un appel au boycott. Adam Broomberg & Oliver Chanarin ont réalisé ce travail en Afrique du Sud avec un appareil photo Polaroid ID-2 récupéré. Ils y questionnent l’idée que des préjugés peuvent être inhérents à la photographie elle-même.

Année de production : 2013

Tahrir Square, June 24, 2012. Egypt is celebrating the results of the first democratic election in its history. Banners with the image of the elected candidate, Mohamed Morsi, cover the square in the Egytian capital. On one of these, as a result of being pulled in different directions, the face of the president is distorted. Without any deliberate intention on the part of his supporters, his image becomes disproportioned, falsified, and changeable. Mohamed Morsi, the man of many faces.Tahrir Square, June 30, 2013. One year later, Egypt is divided in two. One part of the population, supported by the army, calls for the president’s resignation. A deadline of July 3 is given for him to resign, but in vain: the Egyptian army overthrows the government of Mohamed Morsi and suspends the constitution. An interim president is named, while the supporters of the deposed president call for yet another coup d’état.

Year of production: 2012

“The String of Pearls” is based on the remarkable recent infrastructure projects in the Sri Lankan fishing town Hambantota. Here, Chinese capital and labour has been ploughed into the construction of what might become the largest port in South Asia. As China re-emerges as a superpower and Western hegemony wanes, the Indian Ocean has become a geopolitical nexus. In the centre of this new map lies Hambantota that seems to fit perfectly into what American and Indian military strategists refer to as the “String of Pearls”: a plot of vital infrastructure developments along the rim of the Indian Ocean. (KH)

Year of production: 2013

Photographers photographed from above seem like pawns seeking their place in the chessboard of the terrain.

Year of production: 2007-2008

Eight days after he was born, Gao Shan was adopted by a “new” mother. In a quest for identity, he photographed his adoptive mother for several years, mainly in the 70 m2 apartment where they live, in order to explore the connections that have been woven with this new maternal figure, as well as the gaps that separate them. His images are very raw, and alternate between wide shots and close-ups. They reflect the merging and the physical closeness of a mother and son, as well as the coldness, the distance, and occasionally the repulsion of a child towards the parental figure. The book published by the artist won the First Book Award at Paris Photo in 2019.

Year of production: 2013-2016

The twelve separate images that make up the series The Day Before_Star System are views of the night sky, as reconstructed by computer, on the eve of deliberate military bombardments on civilian populations. Using maps of the sky in the format of the IGN (Institut national de l’information géographique, France), Renaud Auguste-Dormeuil echoes ancient oracular practice and other widespread “astrological” phenomena in endeavouring to produce images that bring together the construction of territory, the obsession with security, fate, media memory, and historical reality.
The title of each work indicates the location, the year, the day, and the last minute before the date that entered into history.
All these images imply war without ever showing it.

Year of production: 2014

Year of production: 2012-

“The Column came out of a story I heard from a friend of mine, a restorer, who needed a new marble sculpture for a castle he was restoring. Somebody told him that it could be done in China, because they have good marble, good craftsmen, cheap labour, and they can be quick because they can actually do the work while the marble is being transported by boat. I found it terrific. It sounded so weird, simultaneously sick and fabulous, something mythological and at the same time in keeping with the capitalistic logic of profit—merging the time of production with the time of transport. […] There is in this project a coexistence of something conflictual and something fabulous, something real and something fictional. […] There is a storytelling structure, and the chronicle of real facts mixes with legend and fairytale. Of course, one of the elements that I found stimulating with The Column was the production of a classical Western column model by a group of Asian workers on a voyage towards Europe. As you said, it is in a sense, for the column, a kind of ‘homecoming’.”

Year of production: 2013

In 2006 the United Arab Emirates decided to begin the project of building an entire city in the middle of the desert. Masdar City which is designated a “green city”, has as its first goal to reach zero CO2 emissions. This project comes at a time of a growing ecological preoccupation with energy consumption and pollution. Masdar is a good example of city planning that joins architecture with environmental technology in anticipation of the “post-petroleum” era.

Year of production: 2015

For her project The Bliss of Conformity, Yingguang Guo went to a corner of People’s Park in Shanghai. There one can find all the mothers who come to put their single children up for sale. With the help of small posters like the ones used to advertise an apartment or a car for sale, they tout the merits of their offspring: age, height, salary, education, etc. In this video work, which begins by immersing us in the peaceful atmosphere of a park, Guo examines arranged marriages and the place of women in society, and raises questions about social belonging and discrimination.

Year of production: 2015-2017

A la fin de la guerre civile en 1992, Sérgio Santimano a pu explorer librement et pour la première fois son immense pays, au bord de l’Océan Indien. Fasciné par sa diversité culturelle, il y poursuit depuis lors son voyage d’exploration.

Les êtres humains sont au centre de ses travaux. Il désire documenter leur réalité aux multiples facettes, sources d‘histoires inépuisables. Il interroge simultanément son identité personnelle et cherche à comprendre ce qui le lie à ses compatriotes.

Les images révèlent, à partir d’une perspective intérieure, des mondes jusqu‘ici inconnus dans un pays africain. D’un point de vue formel, leur langage visuel complexe et poétique possède une validité universelle.

Les séries sur Niassa et Ilha montrent des individus habitant au nord du Mozambique, à deux endroits opposés : l’un est retiré à l’intérieur du pays, l’autre se trouve sur une île située le long de la côte mozambicaine. Niassa est considérée aujourd’hui encore comme une « terra incognita ». La série de photographies constitue un travail de pionnier. Ilha a acquis une importance historique mondiale en tant que première base portugaise de l’Afrique de l’Est. Elle appartient aujourd’hui au patrimoine culturel mondial de l’UNESCO. Le regard de Sérgio Santimano n’est pas touristique. Il va en profondeur.

Bruno Z’Graggen, curateur indépendant

Installation photographique et sonore composée de cinq sténopés panoramiques de 38 x 450 cm

Les photographies d’Anna Katharina Scheidegger représentent des panoramiques d’usines en friche et de quartiers inhabités avec leurs fenêtres aveugles et leurs portes murées. Par leur esthétique, elles tentent de retranscrire un sentiment d’abandon mêlé à une beauté organique. A travers le geste cinématographique propre au sténopé, qui crée de fait une image en mouvement continue, ce travail interroge la suspension du temps et sa transformation.La totalité des sons de la composition dérive par ailleurs d’une seule et même source sonore. La chanteuse Eugénie Levèbre se base sur une partition composée de phrases musicales et d’interjections enregistrées dans une usine en friche. De fait, l’environnement sonore de ce lieu considéré a priori comme parasite devient un élément intrinsèque de la composition. Aucune manipulation électronique tels que ajout de filtres, transformation de vitesse ou encore changement de fréquence n’a été utilisée. Il s’agit avant tout de musique concrète.

Le défi consistait à traverser à la fois l’univers photographique d’Anna Katharina Scheidegger et à proposer une autre forme d’accès à son travail.

Sidney Corbett

L’ensemble de la composition est diffusé en stéréophonie désynchronisée. L’installation est accompagnée d’un livre documentant la beauté étrange des fragments (in)habités, résultat(s) de la destruction.

In 2016 the Biel/Bienne Festival of Photography and the Bilingualism Forum are both celebrating their twentieth anniversaries. To mark the occasion, the American photographer Jon Naiman, a resident of Biel/Bienne, was commissioned to document one activity in particular of the Bilingualism Forum: the linguistic « Tandems ». The Tandems bring together two people who want to improve their competence in the language of their partner through conversation, and thus to actively contribute to building their lives. The photographs bear witness to animated and lively discussions taking place in Biel/Bienne, the city of bilingualism. Often a central element of the composition metaphorically evokes a « language barrier », which the Tandems help to break down.

Year of production: 2015-2016

Stephen Gill likes to test the limits that photography imposes on him. As a conceptual artist – and also a bit of a sociologist and poet – he experiments with various unusual techniques in his documentation of the district of Hackney in East London. For his series “Talking to Ants”, he creates a confusion of scale by putting ants and other objects directly into the camera, resulting in a different kind of documentary photography, in which coincidence and human intervention create a new visual language.

These 16 images extracted from the serie “Talking to Ants” appear in a book published in 2014 by Nobody Books.

Year of production: 2009-2013

The full series of “Sunburns” depicts neither real nor tangible objects but rather traces left by the destructiveprocesses of sunlight. Claus Stolz is experimenting with a unique and radical procedure using film photography. He does not focus his camera on objects illuminated by sunlight; instead, heconcentrates on the source of light itself. Over the course of this process, which involves exposure times varying from a few seconds to several hours, the sun’s rays attack the photosensitive film andpartially destroy it. The intensity of the solar radiation and the traces of burning continue across the film, left by the regular movement of the sun, and appear in his works like clouds that have beenthinned or sliced into several parts. The final result derives from the technique employed, which varies with the type of camera used, the objective (certain lenses can measure up to a metre in diameter!),the installation of the material, the sensitivity of the film and the technique used to develop it. After exposure, some films will in part be directly enlarged without any preliminary chemical treatment. Theshots taken using large format cameras or with photographic tools he designed himself do not have the “distanciation” one gets from digital pictures. To a certain extent, the sun also has a creative rolein this process, in the same way as the artist does, for it provides the ultimate parameters for the conception of the work. The destructive force of sunlight is also able to create something new: highlypersonal cosmoses of different colour palettes, various structures and finely concentrated details are born from the bursting, weakening and crystallising of the layers of film. Traces of time and energyare captured in this way, merged onto the photosensitive paper to become astonishingly visible and palpable.

Year of production: 1996-

Les photographies décrivent et documentent le girl show que j’ai eu l’occasion de voir en Nouvelle-Angleterre durant les étés 1973, 1974 et 1975. Les femmes que j’ai rencontrées sont âgées de 17 à 35 ans. Désireuses de voir du pays, la plupart ont quitté leurs petites villes d’origine à la recherche d’argent, d’horizons lointains ou d’une existence différente de celle qui leur avait été prescrite ou proscrite jusque-là. La fête foraine leur a permis d’abandonner leur «ancienne vie». Ce sont des exilées, des copines de forains et de danseurs de cabaret. Elles travaillent ici et là, sans jamais bénéficier d’un emploi fixe, mais toujours de manière professionnelle. Elles sont rétribuées en liquide, 15 à 50 dollars par nuit, déduction faite de leurs frais.Ces femmes se produisaient dans un espace mobile, un camion qui se déployait pour former deux scènes, l’une accessible au «grand public», placée bien en évidence et servant de guichet, l’autre cachée sous une tente et réservée à une «audience privée». Un vestiaire séparait les deux endroits. Sans interruption, de jour comme de nuit, les strip-teaseuses faisaient la navette entre l’avant-scène, avec son battage – le baratin du présentateur qui attirait la foule d’un endroit à l’autre – à l’arrière-scène, où elles se déshabillaient le temps d’un 45 tours. Le public était entièrement masculin. Toutes les couches sociales étaient représentées, du fermier au banquier. Les pères assistaient au spectacle avec leurs fils; jamais les femmes et les enfants n’étaient présents («no ladies and no babies»). Chaque année, les forains restaient entre trois et cinq jours au même endroit, puis les flonflons de la fête s’éteignaient, on chargeait les camions et la caravane des strip-teaseuses reprenait son chemin jusqu’à la prochaine halte. La vie sur la route se passait autour de repas, dans des bars et chambres de motels. Elle était faite d’attentes interminables, de lessives, de jeux de cartes, de télévision et de discussions.
Le girl show est un business, le travail des strip-teaseuses de fête foraine est saisonnier et soumis à une rude concurrence. Les femmes qui font carrière dans la profession travaillent l’hiver dans le circuit parallèle – go-go bars, clubs de strip-tease, soirées entre hommes et prostitution occasionnelle. Mais pour la plupart des femmes, la fête foraine est une parenthèse dans leur existence de serveuses, de secrétaires ou de femmes au foyer. Découvrir (ou inventer) ce monde ne signifie pas encore en connaître l’existence. Mon but était de dresser un inventaire de la situation, de documenter ce que j’ai vu et de montrer comment ces femmes ressentent leur travail.

Je suis d’une génération qui n’a pas connu les corps transgressifs, militants, critiques, engagés des mouvements féministes ou des artistes des années 1960, 1970 ou 1980. Le corps que je connais est un corps codifié à l’extrême, que ce soit dans son apparence, sa sexualité, sa santé ou sa jeunesse. Il me semble que nous n’avons plus les mêmes moyens ni les mêmes stratégies de réactions, de critiques, voire de défense que les générations précédentes face à la violence entraînée par ces codes aux impératifs souvent contradictoires et aux pratiques parfois très invasives qui permettent de s’y conformer. L’engagement et la résistance laissent parfois place, peu à peu, à des stratégies de retrait.

C’est cette cassure qui m’intéresse, ce moment de lâcher prise et de repli protecteur. Un état fait à la fois de relâchement, de tension perceptible et d’inconfort, entre absence et expectative… L’autre est maintenu au loin, en dehors de toute intrusion, indésirable, profondément inaccessible. Des corps fragilisés par leur surexposition se replient dans une intimité enveloppante et friable.

Chaque personne est photographiée de façon à la geler et à lui donner un aspect sculptural, renforçant le corps comme frontière entre soi et l’autre, alors que sa peau devient une pellicule fragile et marquée. L’image entretient un rapport au spectateur fait de ces ambiguïtés, entre l’attraction des corps exposés, d’une image brillante et glacée, et l’impossibilité de s’y projeter.

The project State of Shameis a collection of found images taken at trials in law courts, showing suspects whose guilt is not yet proven. By collecting these pictures published in the media and isolating the shapes of the suspects, the artist addresses the relationship among the accused, the photographer and the mass audience and questions the impact of images on our social identity.

Year of production: 2017

Soleil Noir is a photographic investigation created mainly along the border of Luxembourg and inspired by historical public studies. Using a filming apparatus similar to a scanner, the artist records the space and recreates it in clouds of linear points, a technique that blurs codes of representation. The landscape is no longer limited by the horizon or by the frame, but extends in a circle around the camera and fades out according to how far it is from the lens, leaving an empty circle in its place. The universe thus obtained seems to emanate from a black hole. While in the real world the sun shines on what is visible, here it is the instrument that filters reality and lets us see a world that appears to us as distorted or fantastical, one that alluded to both German Romantic painting and video games.

Year of production: 2019

Les images font partie d’une série résultant d’un travail personnel mené en 2005 à l’occasion d’une session de jeux en réseau. Durant l’un de mes trajets quotidiens, j’avais remarqué un groupe de jeunes qui paraissaient désorientés. Je les avais suivis et avais abouti, étonné, dans une grande halle sombre remplie d’écrans d’ordinateur.

A 16 ans, je m’intéressais aux vélomoteurs, rêvais d’un « Maxi Puch » et de jeunes filles. Mais qu’est-ce qui motive actuellement des centaines de jeunes gens à s’enfermer durant quatre jours et trois nuits dans une immense halle, à rester assis devant des ordinateurs branchés en réseau et à jouer presque sans dormir dans une atmosphère étouffante, avec pour toute subsistance leur nourriture de fast-food favorite ? A peine une jeune fille aux alentours… Ce qui est nécessaire comme équipement est livré par les parents et à nouveau rassemblé après quatre jours: écrans, terminaux d’ordinateur modifiés et refroidis par eau, jusqu’au sac de couchage et au mini-frigo – cet attirail ne tiendrait pas vraiment sur un vélomoteur.

Les portraits ont été pris à l’issue de la cérémonie de remise des prix, lorsque les fans de jeux, fatigués d’avoir tant veillé, prenaient le chemin du retour. J’ai décidé de faire ces portraits devant une lourde tenture noire qui avait séparé le monde virtuel de l’extérieur pendant quatre jours et trois nuits.

Though research aims at a better understanding of the world around us, the images that result from it often seem unreal, and create an astonishingly varied visual language: a laboratory tool is transformed into a monolith; an artificial wave oscillates between the real and the virtual; a scientist appears to vanish in a puff of smoke; and an experiment becomes an artistic performance. The Biel/Bienne Festival of Photography is exhibiting the prize-winning photographs and video from the first Scientific Image Competition of the Swiss National Science Foundation (SNSF), selected by the judges from among almost five hundred images. (Pascal Hufschmid and Daniel Saraga)

Noise-reduction walls are an ambiguous element of the landscape. They interest Gregory Collavini as a means of illustrating his own vision of the territory of Switzerland. A student of Nicolas Faure, Collavini has since 2012 been documenting these structures with the help of the Swiss Federal Roads Office and Google Earth. Ranging from work by Mario Botta to more ordinary structures, Gregory Collavini presents these noise barriers from a particular point of view and at a particular moment, emphasizing the perverse ways in which they affect how we use and inhabit the land.

Year of production: 2012-

Uli et Thomas de Baden-Württemberg mènent une vie tout ce qu’il y a de plus normale. Comme tant d’autres, ils travaillent tous deux dans un bureau. A côté de ça, Uli met sur pied un centre de conseils en alimentation. Elle espère pouvoir en vivre un jour. Tous deux souhaiteraient avoir un jour des enfants. Uli et Thomas sont de petite taille. Des nains ou des lilliputiens, comme on les appelait autrefois. Comme ils ne supportaient plus la solitude, ils ont tous deux adhéré à l’Association des personnes de petite taille en Allemagne. C’est là qu’ils se sont connus : ils forment un couple depuis 1997 et se sont mariés en été 2002.

Le concept de ce reportage a été de documenter le couple au quotidien, au travail et à la maison. Montrer comment ils se comportaient dans le « monde des grands » était important pour moi. Avec bien sûr la noce, où tous leurs rêves sont devenus réalité. De nombreuses personnes de petite taille étaient invitées pour fêter le couple avec les « grands ».Je documente depuis 1994, à intervalles réguliers, la vie des personnes de petite taille en Europe. J’ai fait la connaissance de Uli et Thomas lors des championnats du monde à Peterborough (GB) en 1997. C’est à peu près à ce moment-là qu’ils ont découvert qu’ils s’aimaient. L’idée était initialement de rendre plus proche la vie des personnes de petite taille à nous les «grands» par le biais d’un reportage sur le mariage. Durant mon travail avec eux, cet objectif se confirma: en montrant leur vie sous tous ses facettes, un tel reportage permet de mieux comprendre les « short people ».

Markus Bühler

Morgane Denzler’s installations integrate the photographic image into a whole, translating her experience of places she has visited and attentively observed, in order to tell a story. In the rural area of Arques, she first became interested in the land registry. From one tree to the next, from fence to hedge, she has represented the landscape fragmented into piec-es by humans, showing the properties made visible by enclosures and barriers. She then represented physically the relationship between the shepherd, the herd and the landscape by means of a printed sheepskin. By subtly assembling images and shapes, Denzler examines the interdependence of landscape, human beings and animals, as well as the human desire to master nature at any cost.

Year of production: 2018

Using the landscape, nature and history as sources of inspiration, Constanza Piaggio’s photo series Sharp Memories experiments with the physical properties of the photograph. The images on display are landscapes, fragmented and sometimes blurred, made with a film camera. Parts of the photos are manually torn or damaged, so that a new surface appears where the subject has been effaced, creating a new landscape that suggests a disappearance. The manipulation of the formal elements of the image thus sets up a balancing act with the personal and intimate tone of its imagery and proposes a poetic investigation of the alteration of nature by human gesture.

Year of production: 2019-2020

Vanja Bucan’s work is halfway between documentary photography and stagecraft. For the series Sequences of Truth and Deception, Bucan shoots parts of the human body in front of, or as part of, photographic backdrops in which nature is shown intact. Bucan questions in her art the tension between idealization and dominance. Her images are carefully staged. She adds to the original picture by including human gestures and poses in order to create a fiction that conveys her attitude towards anthropocentrism. Humanity is seen apparently interacting with nature, yet always cut off from it.

Year of production: 2015-

The artist Nora Papp creates pictures without any shooting. She uses individual filters of Instagram in order to dissect the structures of digital images and collect “aesthetic data,” which are then entered into an Excel table and vectorized in Illustrator. Out of these there then emerge visual compositions which the human eye associates with objects, calling into question the materiality and the status of images in contemporary digital culture.

Year of production: 2018-2019

This artistic duo try to see themselves from the perspective of others by drawing on studio photographs and police radar.

Year of production: since 1998-

“Segmentation.Network“ plays back over 600.000 segmentations manually created by crowd workers for Microsoft’s COCO image recognition dataset. This dataset is based on photos from Flickr and is used in machine learning for training and testing. The piece makes visible the hidden manual labor that goes into building neural networks and artificial intelligence. Furthermore, “Segmentation.Network” addresses machine vision as an act of conscious selection: what can and should be seen by machines and what will remain unrecognized or deemed irrelevant is separated by distinct lines.

Year of production: 2016

On the wall of our homes, on the screens of our phones or inside our wallets, we all keep precious images linked to happiness, which we like to contemplate and even carry on us. The reflex of photographing our loved ones and the blissful moments of our lives runs deep and the relations between photography, memory and happiness are as deep as they are complex. The Photoforum explores them through the testimonies and reflections of the elderly residents of the nursing homes Redernweg and Ried in Biel. Born in the first half of the 20th century, they have accumulated memories and images over numerous decades, which they share with the public. The images and interviews were produced with the support of the homes’ therapeutic recreation teams.

Year of production: 2018

Depuis les attentats du 11 septembre 2001, la sécurité est devenue un thème politique incontournable et une préoccupation majeure pour beaucoup d’individus. A New York, les mesures de sécurité récemment prises (contrôle renforcé des cartes d’identité à l’entrée des bâtiments, fouille des sacs dans les musées et les bibliothèques) sont faites surtout pour rassurer la population, lui montrer que des mesures concrètes sont prises pour sa sécurité. Dans des lieux hautement symboliques comme Time Square ou Liberty Island, la sécurité est également renforcée, elle est devenue le plus visible possible. Il est impressionnant de voir le nombre de gardes qui « protègent » une statue sur un petit îlot ! Ces mesures sécuritaires, réponse à une menace terroriste, semblent des mesures plus psychologiques et parfois symboliques qu’efficaces.Un débat sur les mesures sécuritaires et leur efficacité reste difficile aux Etats-Unis, vu la charge émotionnelle que ce thème continue à véhiculer trois ans après les attaques du 11 septembre. Beaucoup de gens se sentent rassurés par cette visibilité sécuritaire, mais, à l’inverse, plusieurs personnes rencontrées réagissent négativement en voyant cette présence comme un constat d’échec devant des menaces dépassant largement les mesures de sécurité prises. Cette exhibition sécuritaire ne serait-elle pas là pour justifier certains objectifs de la politique extérieure américaine ? Alibi politique ou réponse efficace à une menace, l’attitude des hommes qui font aujourd’hui la sécurité à New York et leur façon de s’approprier leur espace de travail en dit long sur cette question et ce qu’ils pensent de leur propre rôle dans la sécurité.

Ce reportage réalisé à New York est la première partie d’un projet sur le rôle de la sécurité, son évolution, sa visibilité et sa signification. La seconde partie est actuellement en cours de réalisation en Suisse.

Marc Renaud

En décembre 2000, une attaque cérébrale arrache Vreni à sa vie active. Dommages irréversibles, hémiplégie, destruction de l’aire de la parole, oedème potentiellement mortel – les médecins laissent peu d’espoir. Malgré tous les diagnostics, Vreni survit et, grâce à une volonté de fer, elle commence lentement à réapprendre ses fonctions vitales.

« Se sche was » sont les seuls mots que Vreni était capable de prononcer. « Se sche was? » Vreni a essayé de m’atteindre par téléphone, j’entends sa voix sur le répondeur, elle a l’air de bonne humeur. Je rappelle. « Se sche was? » « Je viens après le repas ». Vreni raccroche. Je pense qu’elle a compris.Après six mois de clinique, Vreni revient à la maison, soutenue par ses enfants, son mari et l’aide de Spitex. Elle ne peut plus travailler, mais elle semble ne pas s’en préoccuper beaucoup. Vreni a travaillé des années comme journaliste à la DRS. Questionnée sur sa période à la télévision, Vreni ne répond que « schaffe…wääh…äxgüsi! », et rigole.

Vreni sur la terrasse – Vreni au jardin – Vreni à la physiothérapie. Notre projet s’étend sur le long terme. Nous avons commencé en novembre 2001. Vreni suit son chemin, je l’accompagne.

En août 1984, toutes deux enceintes, nous avions scellé notre amitié au Storchenbar à Zurich autour d’une bouteille de champagne. Aujourd’hui, en 2004, nous sommes attablées à la terrasse de Vreni avec un verre de vin et trinquons à notre projet commun. Vreni me regarde et rit. Je pense qu’elle m’aime. Je l’aime aussi, beaucoup même.

Judith Schlosser

Par le biais de l’action «se marier à Bienne», les Journées photographiques 2004 associent la population locale à l’événement. Une centaine de photos d’habitants de Bienne et des environs sont ainsi projetées dans le cadre de l’exposition thématique consacrée au mariage. Ces diapositives censées immortaliser «le plus beau jour de la vie d’un couple» fourmillent d’anecdotes et de souvenirs : du choix de la robe au port des escarpins en passant par la couleur du nœud papillon. Les Journées photographiques de Bienne déroulent pour vous l’album de famille. Avec son cortège de personnages d’hier et d’aujourd’hui. Ses modes d’ici ou d’ailleurs. Ses coutumes à la fois proches et lointaines.

Through his installations, which confront the viewer with physical and visual resistance, Florian Bach questions the domination of human beings over their environment. In 2003, Bach went to Sangatte, the site of the Accomodationand Humanitarian Emergency Reception Centre (CHAUH), which had recently been destroyed by the French authorities. There he created a series of silent and repetitive images that reveal the traces left by the temporary occupation of the place. His series of images, taken in fog, speaks of loss, of the rejection of people and of uneasiness in the face of an issue that our society is constantly confronted with: exile. His work is presented in the form of an installation that surrounds the viewers.

With the support of : Ted Support / Canton de Genève / Ville de Genève

Year of production: 2003-2023

Sandra, the subject of this photoreportage series, has fought forcefully in her quest for identity and the acceptance of who she is. Sandra was raised in a specialized institution and suffers from a heart problem, but she has also faced many other challenges. She grew up as a male, but was operated on six years ago to become entirely a woman. The photographer shows Sandra to us through both the attributes of her femininity and her personal interests, among them a passion for meteorology. Pictures of the sky in motion thus serve to complete the series by inviting us to adopt the point of view of its subject and to think about the path through life, sometimes not easy, that joins the body to the soul. (Catherine Kohler)

Three young Swiss photographers (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) have each been commissioned by the LIVES Swiss National Centre of Competence in Research and the Biel/Bienne Festival of Photography to create a work on the NCCR LIVES themes of “vulnerability and resilence”.

Year of production: 2015

Même chemise, même cravate, même mallette. Une centaine de milliers d’individus. Huit heures du matin. Ils montent dans le train bondé de dizaines d’employés (salarymen), arrivent à leur bureau dans un bâtiment luxueux au centre de Tokyo, s’asseyent à leur place, sans partager leurs idées propres, sans remettre en question l’avis de leur chef. Ils acceptent des jobs ennuyeux sans poser de questions. Le style de vie des salarymen tourne uniquement autour du travail au bureau. Personne ne conteste le système, et le système assure les besoins de tous. Si un de tes supérieurs hiérarchiques (sen pai) veut aller boire après le travail, tu y vas. Tu traînes la nuit avec des collègues et des clients dans des bars à ciel ouvert de Shimbashi. Un karaoké à Shinjuku, des cigarettes, du saké ou du shochu à profusion. C’est déjà minuit et les salarymen n’ont même pas encore pensé au dernier train. Epuisés, proches du coma éthylique, ils s’effondrent après une nuit passée à boire. Certains d’entre eux se trouvent une chambre dans un hôtel capsule s’ils en connaissent un, d’autres choisissent le taxi, et d’autres encore tentent de se mettre à l’aise où ils se sont écroulés. Au Japon, l’ivresse est bien acceptée et sert parfois de catharsis pour le dur travail des salarymen. Ils ne s’inquiètent pas vraiment de savoir si leur mallette ou leur téléphone portable a été volé ou non. Ça c’est le Japon. Et, alors qu’il semble facile de leur piquer leur mallette, les salarymen ivres font partie du paysage urbain, sont respectés par tous. A mille lieues de l’Occident, où les jeunes se soûlent et dépassent les limites – une folie acceptée durant la jeunesse – mais où pour les pères de famille respectables, il est honteux d’être surpris complètement soûl par son voisin. (Fernando Alvarez Busca)

Année de production : 2008-2009

My project “Salar” is about a gigantic salt flat in the Bolivian Andes which contains the world’s largest amount of lithium. This precious metal has not been extracted yet, but could bring economic prosperity to the area as a state run company is about to extract lithium and other deposits soon. Nevertheless, critics warn that a growing chemical industry will cause environmental problems and heavily affect this unique and surreal landscape that attracts thousands of tourists from all over the world every year.

Year of production: 2011

«Par-dessus l’épaule de Théodore» est un projet photographique sériel sur l’Afrique, qui se base sur une multitude de choses entrevues. Il consiste en un puzzle avec 100 à 200 photographies mises l’une à côté de l’autre, sans aucun ordre précis, tel un long travelling cinématographique.

Jean-Luc Cramatte s’intéresse avant tout à l’infini détail (en cela il rejoint le travail d’inventaire de «Policliniques Series») et sa vision de l’Afrique est forcément un peu décalée. Le photographe s’interroge: comment aborder l’Afrique? Jean-Luc Cramatte observe les ambiguïtés du paysage ainsi que des regards de ces hommes qui passent devant la fenêtre de son taxi. Dans un premier temps, le thème de l’Afrique apparaît comme secondaire. Il pourrait tout aussi bien s’agir d’un projet sur le design, le graphisme ou l’architecture (un mur entraperçu par la fenêtre du taxi devient un monument).

Dans ce projet, l’histoire prend une nouvelle dimension (pas nécessairement voulue par le photographe) si l’on sait que le pays traversé est le Rwanda. Dès lors, les rumeurs du génocide de 1994 (un million de morts) remontent à la mémoire de chaque spectateur. Au Rwanda, les traces du génocide sont d’autant plus troublantes qu’elles sont discrètes et diffuses.

There are sparsely populated regions in which the traces of human beings can be interpreted as signs of their absence. These signs are what interest Ester Vonplon in the series Ruinaulta.
In her portraits, she shows this absence by rephotographing and through long exposures, reducing human beings to eery apparitions. At the same time, she leads us into atmospheric landscapes and makes us linger between poetry and reality. The viewer is challenged to imagine the stories that might lie there.The series Ruinaulta came into being in the early morning hours and crisp cold of the Rheinschlucht gorge, with an old Polaroid camera that was pushed to the limits of its capacities; so chance also played an important role in the creation of these images, which are covered with a grey haze that gives them a mystical air.

Year of production: 2012

How computers see our streets, our cities and us, and how they organize our world.

Year of production: 2012

A page from a magazine is repeatedly folded and unfolded; the image begins to disappear from view as the ink gets on the hands, which alternately hide and reveal the vanishing image. The transfer of ink dissolves the idealized faces and bodies shown in these advertising images, reducing them to dust and imprinting them on the fingers, while the sheet of paper itself turns into skin, into organic tissue.

Year of production: 2016

At the center of Matthias Gabi’s work are images that have an illustrative purpose. These can be advertisements, photojournalism or product photos, such as appear everywhere in our everyday lives, now often in digital form. Following his personal preferences, he selects, from various kinds of printed materials, individual pages which he finds interesting for both their content and their form, and which seem to him representative of each type of publication. He reproduces the selected pages by means of a complex process similar to the ones used in archives for the digitisation of cultural artefacts. The photos are then produced in material form: the documents become images. For his exhibition in the Gewölbe Gallery, Gabi has collaborated with the gallery owner Martin Jegge to create a site-specific installation in which he has put his images into interaction with the furniture of the gallery. In this way he questions the relationship between images and reality.

Year of production: 2019

J’ai, depuis le 19 mai 1995, rendez-vous une fois par mois avec des morceaux de moi.
D’abord ce fut avec mon ventre, qui s’arrondissait sans fin autour du nombril.
Ce sont aujourd’hui Merlin et Basil, morceaux de moi de sexe masculin, qui n’en finissent pas de se déployer dans et hors l’image.
Le cadre de la rencontre est simple: un carré blanc de six centimètres de côté et l’envie de jouer le jeu le temps de douze poses.
La « photo du mois » est devenue notre work in progress intime (la «photo du toi», comme disait un temps le plus jeune de ses participants), une sorte de journal de bord physionomique.
Tout avait commencé sous forme d’exercice de style explorant l’arrondi de la chair. Mais bien vite les images se sont emboîtées pour raconter l’histoire largement plus complexe de l’être en devenir, jonglant avec ses identités, la représentation d’idéaux réels et fictifs ainsi qu’avec l’actualité des accessoires mis en scène. Ainsi l’embryon invisible ne mute pas seulement de l’état de bébé à celui d’enfant, dont les traits laissent peu à peu deviner l’adolescent. Libre à lui aussi de s’inventer créature de conte, héros de science-fiction ou personnage de bande dessinée. Laissant deviner non seulement la complexité de son imaginaire, mais aussi les écueils quotidiens de la configuration familiale et du jeu de rôles qui la sous-tend.

The filmed performance “Religious Aerobics” is a response to the rise of religious fundamentalism in Georgia since the fall of the Soviet regime. Disguised as an aerobics class, Bouillon Group go to a public space and perform the ritual motions of the three main religions in Georgia (Christianity, Judaism, and Islam). The performance calls into question the meaning of these gestures, which were originally of spiritual significance but now are done automatically, like an exercise routine.

Year of production: 2013

Year of production: 2020-2021

Year of production: 2019

“Is it radical to seek justice? Is it radical to be rescued by love? Is it subversive to be sweet? Is it radical to be true to yourself?”Radical Love is an homage and exploration of gender identity stereotypes in forensic DNA phenotyping. The portrait was developed in collaboration with Paper Magazine in response to whistleblower Chelsea Manning’s inability to be photographed while incarcerated as a political prisoner.

Year of production: 2015

The project Racines du Ciel ⵣ is a work that Cedric Bregnard has been on a journey with since his 2010 retrospective exhibition i-Grow in Japan. Thousand-year-old trees around the world are first seen through the eye of the photographer, and then their trace lives again in ink and the line of the brush, in participatory performances that Bregnard presents publicly using a selected image as starting point. Bregnard is beginning a new chapter in this project, taking as its topic the biodiversity of a forest. For three days over the opening weekend of the festival, the visitors are invited to reveal through the act of painting a monumental photographic image of a forest, a representation which was constructed during two workshops. Created in collaboration with the participants in the effe programme, who included their personal stories of migration, the image of the forest, printed in outline on cloth, will gradually be revealed by the actions of the public as the performance progresses. Sound realized in collaboration with the musician Jef Calmard.

This research, which follows those that have already taken place in some thirty locations, including the Église de la Madeleine in Paris, with 480 participants from 40 countries, is offered to us in this variation in the unique space of the hall of the Maison Farel.

In collaboration with: effe
With the support of: Canton de Vaud, Ville d’Yverdon-les-Bains, Pentel, Posca

Year of production: 2022

Au travers de manipulations de réalités ou de véritables fictions, le travail de Jérémie Gindre s’oriente volontiers vers la démonstration d’un quotidien qui ne demande qu’à déborder dans le spectaculaire. Attiré par les vastes promesses de la fabulation, il tente de créer des personnages, des actions, des situations, bref des ersatz de films, témoignages d’un univers marqué par le charme de la bêtise, l’ironie du sort et l’indubitable fantaisie du banal. Ses intrigues résolument improbables entreprennent de faire parler le récit stéréotypé à travers l’enchâssement de ses variantes, et de réunir ainsi des formes culturellement très éloignées. Au-delà de la parodie, ses romans-photos investissent ce medium habituellement contre-exploité de manière à ce que le récit appliqué à cette forme clairement référencée s‘en approche et s‘en éloigne subrepticement. Absurdes ou ironiques, ces récits ne sont jamais tout à fait solidifiés en histoires, et invitent le lecteur à se plonger dans ces métaphores infimes.

CS.

In “Purity” I portray young girls and their fathers who have participated in Purity Balls ceremonies in the United States, where the girls promise to stay abstinent from sex until marriage while their fathers pledge to protect them in their choices. To challenge my own prejudices and to explore how we are shaped by our experiences in our interpretation of what we encounter, I wanted to photograph portraits so beautiful that the girls and their fathers could be proud of the pictures, while someone from a different background might see an entirely different story in the exact same photographs.
“Purity” is intended to make us reflect on how we are shaped by our society and how we interact with world through the values we embrace as our own. (DM)

Year of production: 2014

Le thème de la mobilité se prête particulièrement bien à l’utilisation de l’espace extérieur comme lieu d’exposition. A côté des expositions dans les musées et les galeries de la Vieille Ville de Bienne, la Place de la Gare accueille ainsi l’installation photographique de Daniel Zimmermann et la Promenade de la Suze invite les visiteurs à une balade visuelle.

La «Promenade visuelle» se propose d’aborder les multiples aspects liés à la mobilité en présentant une série d’agrandissements (recto/verso) des photos qui se donnent à voir au sein des différentes expositions. Tous les photographes invités dans le cadre des Journées 2005 y sont représenté(e)s par l’une de leurs positions.Ces photos grands formats (200 cm x 200 cm) offrent au visiteur la possibilité d’expérimenter la photographie dans un contexte inhabituel. Suspendues au-dessus de la rivière et par conséquent toujours en mouvement, elles lui permettent une autre approche de l’image.

La «Promenade visuelle» présente non seulement une nouvelle forme de mise en image, mais elle est accessible à la population de jour comme de nuit. Ce faisant, elle s’inscrit dans l’esprit du festival qui choisit durant les Journées photographiques de faire vivre toute une ville, Bienne, au rythme de la photographie.

Dans la province andalouse d’Almeria au coeur d’une mer de plastique de plus de 30’000 hectares croissent nos légumes hivernaux et vivent plus de 100’000 migrants, nouveaux forçats des temps modernes. Les questions de migration et d’agriculture me préoccupent depuis plusieurs années. Je décide, dès lors, de plonger dans cette mer et d’y consacrer mon attention et mon énergie photographique. Le besoin d’explorer cette réalité en profondeur et de la comprendre de l’intérieur m’amène à y effectuer plusieurs séjours. A travers cette sélection d’images aux cadrages clos, je souhaite souligner l’enfermement et le double isolement de ces hommes logeant à l’écart des centres urbains, au coeur des serres de plastique. Eloignés de leurs terres, de leur famille, ils vivent dans une société andalouse conservatrice où le racisme et la ségrégation demeurent fréquents. L’étrangeté visuelle de ces scènes, pourtant situées dans l’Europe d’aujourd’hui, met à mal nos repères et nos codes d’identification. Elle nous renvoie à l’étrangeté des conditions imposées à ces hommes, maintenus dans des lieux de nulle part, habitants d’une terre privée de sens. En ces temps de crise, j’ai voulu retrouver avec ce reportage contemporain couleur moyen format, l’émotion que j’ai pu ressentir en découvrant les images noir-blanc de la grande dépression étasunienne de l’entre-deux- guerres. Imprégné tout au long de ce reportage par des oeuvres telles que «Let Us Now Praise Famous Men» du photographe Walker Evans ou « Les Raisins de la Colère » de John Steinbeck, j’ai centré mon travail sur le vécu humain et social des migrants. (Christophe Chammartin)

Année de production : 2006–2007

Queens and knights in white porcelain, kung-fu warrior and ballerina figurines, glass vases holdingvarious types of flowers… no object is safe from the destructive spirit of Martin Klimas’s camera. Yet the dominant idea in these photographs is not that of destruction but rather of transformation.Made of fragile materials, these objects invariably shatter upon impact with the ground and are caught by the photographer at their precise moment of disintegration: a fleeting moment of absolutesilence that the human eye is unable to grasp in real time. A specialist in High Speed Photography – a descendant of chronophotography – Martin Klimasuses neutral, monochrome backgrounds and an environment controlled to within a millimetre in order to capture these objects at the very moment they smash into a thousand pieces. The soundproduced by the vases and figurines upon hitting the ground triggers the camera, which then reveals the suspended moment, the transitional space that lies between object and non-object. Thistechnique inspires the perception of new objects, of “temporary sculptures” created by the photographer, which succeed one another and last only a fraction of a second. From among all the shotstaken of each object, he selects only one, that which most aptly expresses its mutation. Between elegance and violence, rest and motion, the photographs of Martin Klimas reveal thebeauty and poetry of a transformative moment and the silence preceding total destruction.

Year of production: 2004-2007 / 2007-2010

“Polygon” is a series of photographs shot at the Semipalatinsk nuclear test site in Kazakhstan. The photographs are made on analogue medium format flm, and submited to radiation before their development. Charrière’s journey to the Polygon was inspired by J.G. Ballard’s short story “The Terminal Beach”. It oscillates between art, science and fiction and brings us to one of the most remote and inaccessible of places – to the beginning of the nuclear age. It is a mystic place – a nuclear space – antithetic to human life, and showing the dystopic aesthetics of a future archaeology.

Year of production: 2014

In March 2020, because of pandemic restrictions, Pascal Greco had to cancel a planned trip to Iceland to continue a photographic project. Confined to his own home, he began to make daily explorations of the digital landscapes in the Death Stranding game on his Playstation 4. During the hours he spent playing in this digital environment, he gradually realized that the virtual landscapes of the game bore an astonishing resemblance to the landscapes of Iceland that he had planned to photograph. He began to zoom in on the screen, studying the details of the constructed environments, and created shots within the game using its photo mode, both in close-ups and in wide shots.

The series Place(s), presented as an installation, explores the practice of “in-game photography” as a form of “post-photography.” His disturbingly realistic images focus on “natural” and “existing” landscapes, and question how we perceive and construct reality in the digital age. New images were produced for the festival, as the artist returned to “Iceland” with a more powerful camera, the Playstation 5. He then used an artificial intelligence program to enable large format prints.

With the support of: Photorotation

Year of production: 2020-2023

The photographic installation Piegeception is a reflection on documenting a space but also on losing control of images in a system of production which today we cannot fully grasp. Throughout the event, two cameras controlled by a timer will take photographs at regular intervals. Here the exhibition space is thought of as a territory with its own rhythms and cycles of activity. The capture of images is conceived as a process that preserves or loses real-life information, thus creating a tension between loss and memory. The visitors and participants who come into the space end up becoming both the agents and the subjects of the installation.

Year of production: 2019

Exposition de photographies et portraits filmés de 28 photographes suisses
CentrePasquArt, Biel/Bienne, 2.9 – 29.10.2006

La Fondation suisse pour la culture et le CentrePasquArt présentent PHOTOsuisse dans le cadre des 10e Journées photographiques de Bienne. PHOTOsuisse réunit 28 artistes contemporains de la photographie provenant de toutes les régions de Suisse. Parmi eux, des jeunes photographes très en vue, mais également des artistes confirmés qui ont marqué l’évolution des tendances au cours de ces trente dernières années. Cette sélection présente les domaines de la documentation, du reportage photographique et de la photographie artistique. L’exposition est articulée en trois groupes, MEDIA, MATRIX et MILIEU, de manière à illustrer les différentes positions et stratégies qui caractérisent les oeuvres de ces photographes.
L’exposition a été présentée pour la première fois en automne 2005 à Rome, lors de l’inauguration de l’Istituto Svizzero di Roma. A cette occasion, les trois thèmes ont été montrés successivement dans le temps. Lors du passage de l’exposition au Tessin d’avril à juin 2006, MEDIA a été présentée à Ascona au Museo Comunale d’Arte Moderne alors que MATRIX et MILIEU étaient exposées à la Pinacoteca Comunale CASA Rusca. A Bienne, les trois thèmes de l’exposition sont à découvrir ensemble au CentrePasquArt.
L’exposition est accompagnée de 28 portraits filmés qui font pénétrer les visiteurs dans les ateliers des artistes. Ce sont les photographes eux-mêmes qui présentent leurs oeuvres et nous permettent ainsi de nous confronter de manière approfondie à leur travail. Ces portraits nous font également découvrir les photos exposées sous un autre jour. Des moniteurs offrent au visiteur la possibilité de visionner en quatre langues (français, allemand, italien et anglais) les portraits des artistes qui l’intéressent le plus.
MEDIA La relation aux images: Olaf Breuning, Olivier Christinat, Christian Coigny, Katrin Freisager, Peter Knapp, Urs Lüthi, Gérald Minkoff / Muriel Olesen, Reto Rigassi, Alberto Venzago
MATRIX L’examen de la surface: Stefania Beretta, Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Nicolas Faure, Alberto Flammer, Thomas Flechtner, Georg Gerster, Alain de Kalbermatten, Luciano Rigolini, Gaudenz Signorell
MILIEU L’espace social: Manuel Bauer, Luc Chessex, Michael von Graffenried, Monique Jacot, Gian Paolo Minelli, Jean Mohr, Annelies Štrba, Beat Streuli, Christian Vogt
Initiée et financée par la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia, l’exposition PHOTOsuisse a été réalisée par les curateurs Andreas Hertach et Hilar Stadler. La Fondation Stanley Thomas Johnson contribue à la réalisation de la tournée suisse de l’exposition.

Il était une fois une ruelle dite «des Photographes». Elle débutait ou bien encore se terminait au sud-ouest de la Place Centrale de Bienne. Elle n’appartenait ni à la Rue de la Gare, ni au Quai du Bas, mais se trouvait tout simplement au beau milieu. Elle conduisait vers une arrière-cour, où elle finissait par perdre son nom. Survivre sans plus avoir de nom! Voilà qui est bien étrange pour une rue, même si on la dit de peu d’importance. Bien curieux aussi ce nom qui semble disparu! Les registres du Cadastre de la Suisse ne mentionnent qu’une «Rue des Photographes» à Genève. De «Ruelle des Photographes», vous n’en trouverez nulle part, à moins d’aller bien loin!Voilà qui justifie bien de redonner vie à cette ruelle des Photographes de la Bienne d’autrefois et de lui rendre, mais oui, son ancien nom! Mais l’ancien nom est-il ou était-il adéquat? Quel lien existait-il entre ce passage étroit, insignifiant, situé entre deux rangées de maisons, et les perspectives offertes par la photographie? En voici l’explication: celui qui quitte la Ruelle des Photographes – comme il y est venu, car le passage d’autrefois vers la Rue de la Gare n’est plus accessible de nos jours – et regarde en direction du Canal de la Suze, vers le pied du Jura, tombe sur l’emplacement exact du magasin «Photo Bandi», qui est resté ouvert à la clientèle durant 70 ans. C’est dans ce magasin, qui servait aussi d’atelier photo, que Fritz Bandi et la collaboratrice qui lui succèda, Ruth Patzer, ont mis leur passion et leur savoir-faire à fixer sur la pellicule les visages, jeunes et vieux, des Biennois et des gens des environs.

L’arrivée des automates à photos, des caméras digitales et du traitement photographique par ordinateur, a étouffé le métier traditionnel des photographes-portraitistes. Les photos, elles, sont restées: dans le cas du magasin «Photo Bandi», ce sont environ 50.000 négatifs en noir et blanc. Ces portraits, remontant à 40 ans, viennent d’être sauvés de la destruction grâce à la «Mémoire régionale» – un projet de W. Gassmann S.A., qui s’occupe de rassembler des photos et des films sur l’histoire de la région. Pour la première fois, une sélection de ces archives Bandi est présentée au public.

Manuela Di Franco

Exposition du Collège du Châtelet à Bienne
12 élèves de 13 à 16 ans, sous la conduite de Francis Boillat, proposent une exposition surprise sur le mouvement et la mobilité. Leurs travaux ont été réalisés au cours d’une semaine hors-cadre fin juin 2005.

Le cube camera obscura (1er projet)
Dans un premier temps, les élèves ont été invités à construire leur petite camera obscura de format cubique 9 x 9 cm. En parallèle, ils devaient découvrir la mobilité du point de vue en photographiant dans les six directions correspondant à chaque face du cube posé à même le sol. Ils ont produit ainsi 6 négatifs sur papier de format 9 x 9 cm qu’ils ont ensuite scannés, inversés et redressés à l’aide d’un traitement d’image. Cette étape a permis de les initier au laboratoire numérique sans passer par une caméra photographique traditionnelle. Les cubes sont exposés suspendus dans une installation avec les tirages positifs agrandis.
La mobilité comme objet d’abstraction (2e projet)
Equipés d’appareils de photo numériques, les élèves sont partis à la découverte de l’abstraction en photographiant des détails d’objets liés à la mobilité et capturés dans l’environnement immédiat de l’école. Ils devaient ensuite sélectionner 6 images qu’ils ont optimisées en vue de l’exposition.

Exposition de l’Ecole secondaire du Bas-Vallon à Corgémont
12 élèves de 15 à 16 ans, sous la conduite de Christian Rossé, ont travaillé seuls ou en petits groupes sur différents projets liés à la mobilité.

Ils se sont mis en scène dans différents environnements allant de la ville à la campagne en passant par le studio pour exprimer leur univers fait de cinéma, de sport et de joie de vivre.

Les sujets traités vont du portrait («mon œil!») à la passion surf («moi et ma planche à roulettes»), en passant par le lèche-vitrines («je ne prends pas le temps de m’arrêter!»), la Place de la Gare («un espace en mouvement») et le phénomène de l’apesanteur («duo fluo»).

Le résultat est coloré et explosif!

Customers at an electronics store unwittingly document their own consumer behaviour.

Year of production: 2011 / 2009-2011

Prenant appui sur la thématique de la physionomie de cette édition des Journées photographiques de Bienne, l’exposition «Photo Panini» se veut à la fois rétrospective, documentaire et interactive. Il s’agit d’interroger notre rapport aux figurines Panini selon ces trois axes. Tout d’abord, un extrait des archives, prêté par la maison Panini de Modène (Italie), donne à voir quelques pièces déjà historiques et fort rares, prémices d’un succès populaire planétaire. Présentées dans des vitrines de musée, ces archives nous relient à une mémoire immédiate, plus familiale que publique, plus intime que collective. Elles drainent tout un corpus de souvenirs, faits d’attachement à la constitution d’une collection personnelle, le cas échéant, de détachement par rapport à un phénomène d’édition qui ne nous touche guère, ou alors, dès que la collection est terminée, par rapport à son devenir… Puis une série de documents imprimés montrent les figurines Panini de la Coupe du Monde 2006 avant leur découpe, dans une cohérence fixe, qui préexiste à celle de leur distribution par petits paquets aux quatre coins de la planète. Là encore, le regard est invité à se perdre dans la masse, avant d’être saisi par un réflexe aiguisé de sélectionneur. Enfin, l’exposition «Photo Panini» prend fait et cause pour les figurines Panini orphelines. Celles qui n’ont trouvé ni preneur ni demeure ont été recueillies par les Journées photographiques de Bienne 2006. Durant le festival, elles seront restituées au public avec un certificat d’adoption, contre une garantie de bons soins.

The jellyfish Turritopsis Dohrnii has been described by biologists as practically immortal: it can regenerate its DNA up to fourteen times, and thus is technically able to be reborn. In the video Perpetual Operator, Dominique Koch juxtaposes the fate of this species with reflections by the sociologist Maurizio Lazzarato and by Franco “Bifo” Berardi. The jellyfish functions as a character within a complex arragement that comments on the state of a capitalist system on the verge of collapse, and compares it to the contemporary art paradigm. (Nadine Wietlisbach)

An exhibition of Photoforum Pasquart.
With kind support from: Fachausschuss Audiovision und Multimedia der Kantone Basel-Stadt und Basel-Landschaft.
Futurum Stiftung Basel.

Year of production: 2016

Through the medium of photography, Bertrand Cavalier explores the interactions between people and the modern urban environments in which they live and grow. He created Permanent Concern, the series of images he is presenting, using a smartphone during his walks through various towns in the Netherlands. The subjects of his images are brick, concrete, plastic, traces, motifs and fragments of urban architecture. The things on which his gaze falls might seem banal, yet they reveal the individual and social practices that can be seen every day in public spaces.

By sometimes zooming to the maximum, by framing his subjects in ways that creates a sense of being off balance, and by playing with the repetition of certain themes and subjects, Cavalier evokes in the viewer a feeling of déjà vu. As well, the depiction of three-dimensional space on the two-dimensional surface of an image questions the connections of human beings with their environment and representations of it. Printed in monochrome with a laser printer, his installation creates a poetic dialogue between light and shadow, between object and emptiness, between absence and presence, between past and present.

With the support of: Wallonie Bruxelles International / Fédération Wallonie-Bruxelles

Year of production: 2021-2022

What are tourists looking for on a remote tropical island? In 1985, Thomas Egli’s parents spent their honeymoon on Gili Trawangan, a small island near Lombok, in the Indonesian archipelago. In their memories, it is one of the most beautiful places on earth. Today, 30 years later, Gili Trawangan has been transformed from an untouched lagoon isle into a churning tourist destination. Thomas Egli tells shattering stories mirroring, and at the same time challenging, the indifferent visuals and languages used by the tourism industry.

Year of production: 2015

In 2007, Sébastien Cuvelier received from his mother the diary of his uncle, who had gone to explore Iran in the 1970s before the Shah was deposed. Carried along by this piece of family history, Cuvelier himself went several times to Iran in order to construct his own representation of the country as it is now. His photographs, juxtaposed with extracts from his uncle’s diary, question the idea of heritage and the search for a change that is both personal and societal. They reveal the flaws that can emerge at the heart of a religious and totalitarian “paradise”.

Year of production: 2017-2018

«Je fais des images du monde tel que je le vois, et je le vois de cette manière parce que je fais des images.»

S’asseoir sous les palmiers de Miami, admirer l’architecture moscovite, venir à bout du québécois et contempler la Mongolie depuis la Grande Muraille de Chine. Prendre un petit déjeuner à Prague et dîner à Izmir. Chambre d’hôtel, salutation personnelle, dear Mister Swissair, lit de deux mètres, vue sur Midtown Manhattan, piscine à Athènes, Munich, saucisses et bretzel à 5 h du matin, eat as much as you can. Arabie Saoudite, recouverte d’une habaya par 40°. Voir, expérimenter, se hâter, Hong-Kong en 24 heures, consommer, s’arrêter, ne rien oublier, photographier. Constamment en chemin. Des villes, des gens, la mer, partout. Mal du pays, lieux habituels à l’étranger, St-Laurent à Montréal, le Colonial à New York, Welcome back, et pourtant à chaque fois une autre rue pour retourner à l’hôtel. Toujours tout découvrir à nouveau. OUT OF TOWN – tout est différent et pareil à la fois.Entre 2000 et 2004, Sabine Troendle, hôtesse de l’air chez Swiss(air), a parcouru le monde de long en large. A des fins d’orientation, elle a photographié systématiquement tout ce qu’elle a vécu en s’intéressant en particulier à l’interaction entre photos souvenir et images artistiques. Les images de Sabine Troendle témoignent d’une vision de l’étranger qui s’est révélée au moment même de sa présence sur place. Il y est question de vitesse et de superficialité, d’aventure et de répétition, d’interchangeabilité, d’échange et de mélange – mais aussi de beauté et de fascination de l’instant.

“Options for Walls” is an appropriation of space using photographic image. A photo of a wall (Exhibition “Transform”, 2013) was enlarged to the same size as the very surface that appears in the photograph, and was then mounted on that same surface as a series of black-and-white A4 laserprints. The displayed image is thus a copy and a documentation of itself. Transported from its original setting into a new exhibition space, the wall, considered now as an installation, is in its new institutional context. At each location, it is photographed again, and the new picture is again mounted on the wooden surface, which is transported to yet another new location. Each time it is placed in a new setting, the image becomes more complex, bringing with it its own exhibition history. (MG)

Year of production: 2013-

The landscape around us is constantly changing. The skyline is getting busier, and even then there never seems to be enough space. In all this, where will children play? Will there be place enough for their playgrounds?This is the story of a fantasy world, where children still have the space to play. The place will soon be transformed into a construction site within a few days. For now this is the only remaining playground for the local children.

For the twentieth anniversary of the Biel/Bienne Festival of Photography, three young festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) have been invited to participate in our programming.

In collaboration with Goa Photo (IN).

Year of production: 2014

Luzia Hürzeler’s in situ installation examines the relationship between image and object and between an object and its double, and also plays on the internal and the external. This work, which was created especially for the festival questions the porosity between oneself and the other, and between illusion and reality. The Juraplatz art space is set in relation to its “double” at the Brühlplatz and offers viewers an exhibition dispositive that mixes photography and architecture.

Year of production: 2019

With Megan Cump, Tim Davis, Jade Doskow, Matthew Gamber, Sam Jury, Kalle Kataila, Jason Lazarus, Oliver Wasow

The photographers taking part in the “One Hour Photo” project make an unusual commitment: to neither reproduce nor sell the selected photograph beyond the exhibition. Indeed, the concept involves the projection of photographs,one after another and each for one hour, before subsequently being destroyed. Showing images over a limited period of time allows the “One Hour Photo”project to generate a series of reflections on our perception of photography and the photographer’s work. Let’s consider some of these here. Through this approach, each image ceases to be an object and instead becomes an experience, a process with a beginning and an end. The spectator becomes the camera that captures the image; memory becomes its material support and all that will henceforth remain of it. Thus “One Hour Photo” returnsthe experience of art to the moment of its perception, eliminating the peripheral activities with which an exhibition visit is increasingly associated: acquiringan artwork, purchasing derivative products or reviewing it in the press or across social networks. By having the images vanish after displaying them for an hour, “One Hour Photo” highlights the fragile and ephemeral nature of photography, and ofdigital photography in particular. Contrary to the qualities usually attributed to it – a permanent and infallible record of a passing moment – a photograph, like any other object, has a limited lifespan. “One Hour Photo” revitalises the connection between photography and time. In a world where images become trivialised by their constant flow and almost unlimited accessibility, “One Hour Photo” confers on a photograph thequalities of a rare and unique object, whose fleeting presence is a precious moment.

Year of production: 2011

Emma, Anne, Anne-Marie and Bernadette were diagnosed by a team led by Professor Belpomme in Paris with electromagnetic hypersensitivity. This means that they cannot tolerate having either electricity or high-frequency electromagnetic radiation such as cellular and Wi-Fi signals in their homes. For years, they have looked for “white zones”, that is, radio-free areas without electromagnetic fields. In the department of Drôme in France, they have found such a zone where they can sleep undisturbed. The symptoms of electromagnetic hypersensitivity have been recognized by the WTO; France has paid disability pensions since 2013, but it does not recognize the illness. According to a Swedish study, an estimated three percent of the population has electromagnetic hypersensitivity.

Year of production: 2014

The tourism industry now offers organized tours in “conflict zones.” Gabriela Löffel’s video triptych “Offscreen” recounts the voyage of a young man who, having completed his studies, leaves for Iran and Afghanistan. Though the voyage was real, the scenes of the video were shot at the Babelsberg film studios in Potsdam. The artificial backdrops, the voiceover, and the use of stuntmen make the film oscillate between fiction and reality, like a staging of authenticity to talk about war that becomes a question of consumerism.

Year of production: 2012-2013

Le ciel est strié de fils hérissés de piquants – qu’on associe automatiquement aux fils barbelés, à la prison, aux camps de concentration. Pourtant, ce que Tiziana De Silvestro présente n’a rien à voir avec une barrière, une frontière, un obstacle. Ces supports lumineux qui reviennent à intervalles réguliers nous sont familiers: il s’agit des éclairages de Noël d’une grande ville. Et la barrière hérissée de piquants est celle qui existe dans nos têtes. Tiziana De Silvestro capte dans son objectif les obstacles que nous rencontrons à chaque pas: limitations dues aux chantiers, feux de signalisation, murs, rambardes. Parfois, les photographies ne font que les esquisser; souvent, ils apparaissent au premier plan. Mais nous n’avons pas besoin de les percevoir plus distinctement – nous savons ce dont il s’agit. Cela fait bien longtemps que nos yeux et notre âme se sont accommodés des restrictions. Lorsque nous butons contre une barrière, nous nous arrêtons ou nous changeons de direction, même si l’obstacle est facilement surmontable. Pourquoi dans le fond? C’est la question soulevée par Tiziana De Silvestro. Elle tente de mettre en images nos limites mentales. Les murs, les barrières et les fils de fer de ses photos sont autant de signes de nos manières d’agir et de penser. Autant d’objets certes statiques, mais qui ont le pouvoir d’empêcher, de déranger, de freiner, de détourner. Le fait que les images aient été prises à Hongkong ne jouent qu’un rôle mineur. Les barrières sont les mêmes partout. La question est bien plutôt de savoir ce qu’elles sont capables d’empêcher.

Lilo Weber, journaliste culturelle

How do we approach a society we don’t know? How is our culture shaping our point of view? Observing the Unknown is a project about missing information in a world overloaded with imagery and data and how we deal with it. On North Sentinel Island, in the Indian Ocean, lives an Indigenous tribe, who rejects every contact to other people and remain untouched by the modern world. It has become an object for western projection, imagination, political ideas and radical theories. Through the combination of stock footage from latest advertisement clips, it creates a criticism of the idealized and stereotyped image of the western world and asks questions about principles, norms and desires.

Year of production: 2016

Controversial for many citizens, Google Street View is the basic tool in the work of Edgar Leciejewski. He takes images from it and reworks them to paint the portrait of the population of the 21st century.

Year of production: 2011

Winner Rado Star Prize Switzerland 2013 @ Biel/Bienne Festival of Photography

The images of this series show an interweaving of people and urban elements resulting in a meticulous choice by the photographer. The positioning of the image was created in two intervals: the first from a distance for the shots of Japan and then with a more detailed shot which brings to attention a latent subject which went unnoticed. This method gives the series a fascinating effect which is reinforced on a closer inspection of the images. The jury not only praised the excellent experimental quality of the winning work, but also the original treatment of the photographed subjects, far from the usual shots of Japan, a country which is often photographed.Organised by the Biel/Bienne Festival of Photography and Rado Watch Co. Ltd. this international photography award offers the winner a chance to exhibit their work during the next Biel/Bienne Festival of Photography and the production cost of the winning project up to CHF 10’000, as well as a one-month artistic work experience placement in China.

The winning photographs were selected from among 200 applications from 15 European countries. The jury was Dr Simon Baker (president); curator of the Photography and International Art department at the Tate Modern in London; Mirjam Fischer, independent editor of art, photography and design books in Zurich; Gerardo Mosquera, independent art critic, curator, historian and artistic director of PHotoEspaña in Madrid ; and Hélène Joye-Cagnard, co-director of the Biel/Bienne Festival of Photography and independent curator, and Philippe Walther, Brand Manager of the Swiss Market for Rado Watch Co. Ltd (consultation roles).

Year of production: 2010-2013

L’argent est un passeport pour la réalisation de nos voeux. Mais tout a son prix – chaque promesse, chaque service.

Beaucoup de parties du corps sont aussi connotées par l’argent: « Kopfgeld » (impôt prélevé par tête), « Fersengeld geben» (lever le pied), « Sch.. » (m…)

En anglais, on engage quelqu’un à dire la vérité en lui disant: « Met ton argent où est ta bouche ». Souvent, nous sommes forcés de nous « épargner de dire quelque chose ». Parfois l’on doit changer nos capacités pour « y trouver son compte » ou être « solvable ».

Si nous ne fixions pas le prix des choses, beaucoup de choses auraient leur vraie valeur.

Daniel Schwartz, mai 2004

Nothing Personal is an ongoing project about war business. The opposite of a battlefield, the war business is a huge playground for adults with wine, finger food and shiny weapons. Dead bodies here are mannequins or pixels on screens of a huge number of simulators. Real bazookas and machine guns are plugged into flatscreens. Arms fairs are usually closed for public events with some exceptions. The pictures have been taken in Kielce (Poland), Minsk (Belarus) and Seoul (South Korea) between 2016 and 2017.

Year of production: 2016-2017 (ongoing)

“Notes sur H2” takes place in a deserted and partially destroyed city (Hebron). The narrator goes in search of the last man inhabiting the city, alone and abandoned by everyone. The film establishes its own fiction of a post-apocalyptic tale, in order to refer to the entirely different genre of documentary reportage. Shot in the H2 militarized zone, the film aims at analyzing a single way of seeing according to its possibilities: on the one hand, domination, control, and appropriation; on the other, compassion, celebration, and respect.

Year of production: 2014

The myth of the power to see everything in real time sometimes falls short.

Year of production: work in progress

For his photographic report No Blackout, Marc Renaud took on the challenge of making images of something invisible: electricity. Renaud brings the flow of electricity back to its sources: water, wind, the sun and fossil fuels. In the course of the images, the matter of electricity is revealed in the architecture of concrete structures, in monumental construction projects in the mountains, as drawn from the wind by huge windmills, or made into light in the white rooms of micro-engineering labs. Following the electrical wire back also gives an image to the fragility of our resources and opens the door to a questioning of our energy consumption.

Year of production: 2017-2019

Kiruna, a small city north of the Arctic Circle in Sweden, faces an uncertain future: it is in danger of being swallowed by a giant iron ore mine. The city developed over the last century in direct response to iron ore mining. Now the mining is causing the city’s collapse. Iron is extracted via underground explosions that cause the earth to tremor every night. Each blast results in cracks in the landscape, with the impact moving slowly but steadily towards the city. Yet I encountered people stoically facing their precarious fate. I capture a place where normal life continues on unsteady ground, both literally and figuratively.

Year of production: 2015

To create his photo series New Dutch Views, Marwan Bassiouni visited more than 70 mosques in the Netherlands between January 2018 and February 2019. His frontal, vertical pictures taken inside these mosques act as windows onto the outside world, creating a kind of dialogue between the two spaces. Rigorously constructed, his images evoke both the oppositions and the connections between different representations – religious and cultural, Eastern and Western.

Year of production: 2018-2019

For “New Artificiality”, Catherine Leutenegger visited a Chinese construction company that makes buildings using gigantic 3D printers. Will these fabrications, using layer after layer of cement, created in record time and at a record-low cost, come to dominate as a new construction method, marking the end of standardization? 3D printing here represents an unprecedented fusion of architecture and representation, and is changing our experience of reality. Tailored to the size of the exhibition venue, Leutenegger’s large-scale photographs produce confusion in our understanding of the new coordinates of a three-dimensional image that can be inhabited.

Year of production: 2016

At the beginning of the third millenium, the rise of digital technologies has opened unprecedented new avenues of experimentation. One of these new technologies is 3D printing. With its increasing democratization and its ever-growing possibilities, I am fascinated by its possible future developments, which even now are revolutionizing a number of business sectors. Its potential seem to be practically endless, but what are its limits? To what degree of precision can it replicate reality? And what happens when the computer or copying machine fails, or when a glitch in the 3D digital model is materialized as a physical object in space? (CL)

Year of production: 2015-

“Neuseenland” is a topographic study that shows the evolution of a region in Eastern Germany where one of the biggest landscape changes is currently happening in Europe. Coal mining had been the most important economy sector in the GDR. In the area around Leipzig, two big districts are still exploited continuously while the inactive mines have been flooded in the past years with the aim to market them as local recreation areas. The temporal and physical distance to my home region allowed me to go back there with a different perspective and to rediscover this unique piece of land in transition. (SG)

Year of production: 2014

Through the past century of Iranian political history, the national anthem of the country has been changed 3 times: each time suiting the oppressive regimes that have come into power. In my photographs, cultural signifiers are used to create collisions in regards to my position of viewing the Middle East from an outside lens. By focusing on the dissemination of societal occurrences, I source images from media leaks and adapt them to exist within new spaces. Each piece addresses an event in Iranian history, while alluding to how both the East and West have responded to societal occurrences. (SS)

Year of production: 2014-2015

The photographs in the series Munduswere taken in various caves in Italy and Switzerland during a year of residency at the Swiss Institute in Rome. Each image is a photographic diptych which shows cave mouths that look like eye cavities, or shining retinal surfaces. Marion Tampon-Lajarriette sees physical and symbolic places as breaches that open to the world, but also as abysses that can plunge viewers into their internal mental cave. With this series, Tampon-Lajarriette offers us an experience of the boundaries between the internal and the external, the visible and the invisible, the real and the virtual.

Year of production: 2017

In his series “Moi avec des filles”, Romain Mader again makes a humorous inquiry into his relationship with women. At the Geneva Motor Show, he poses proudly in front of the voluptuous hostesses and the cars they’re presenting, as if to provide evidence of his ephemeral conquests. Dressed in a kitschy yellow shirt and posing for a selfie, Romain Mader puts himself into the scene in order to document his eternal quest for happiness and to relieve his romantic solitude.

Year of production: 2009

The city is a controlled space in which nature is shaped and structured by the humans who have claimed the landscape.

Year of production: 2010

Biss’s passion for nature and photography have come together to create “Microsculpture”. This series of portraits in very large format captures the microscopic form of insects in striking high-resolution detail and provides an unique opportunity to study and appreciate this hidden world. Each specimen (from the Oxford University Museum of National History) was mounted on an adapted microscope stage, allowing close control over the position of the specimen in front of the camera lens. Most insects were photographed in about thirty sections, each section lit differently with strobe lights to accentuate the microsculpture of that particular area of the body. Each insect portrait is created from over 8000 separate images.

An exhibition of the NMB Nouveau Musée Bienne/Neues Museum Biel.

Year of production: 2016

I made this project after finding a suitcase lying on the street for five days. I began meticulously documenting each item individually and soon realized what it was I was looking at. Through my window, about fifty meters away, is a parking lot, where I have seen young women hiding between cars, changing clothes and putting on lipstick. They had these bags with them and they would climb into cars that passed by, leaving their bags hidden in bushes or under some branches. I gave her the name Magdalene and imagined what had happened to her, and soon I began somehow responding to her belongings with my own. (ME)

For the twentieth anniversary of the Biel/Bienne Festival of Photography, three young festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) have been invited to participate in our programming.

In collaboration with Fotopub (SI).

Year of production: 2014

Can we send funny animal pictures to space for aliens to discover the Earth’s ecosystem? Our enormous access to animal pictures on the Internet tramples our awareness that only humans possess self-awareness, language, culture, land and customs. But when does a lion stop being a lion? How are the typical categories of nature photography, designed by the hands of science, being replaced by the images of amateurs who document the disappearing environments of wildlife by ever-expanding urbanization? As a result, do we need completely revised scientific categories for these images?

Year of production: 2015

With prototype space suits and diets consisting only of freeze-dried food, people from around the globe are dedicating weeks to months of their lives simulating the Mars environment to further the study of leaving Earth behind. To most of these pioneers, their wish is to be a small part of the space exploration research that will propel us to the cosmos. Simulation sites such as HI-SEAS, HERA, and MDRS create a simulated experience that blurs the line between reality and fantasy; a realm where the air is unbreathable, contact with loved ones is limited, and the dependence and cooperation of your crewmembers becomes center focus.

Year of production: 2015

En flânant dans le Petit-Bâle, devant les vitrines des photographes turcs, j’ai découvert des photographies qui m’ont paru différentes : elles témoignaient d’une manière colorée de fêtes que nous connaissons mais que nous célébrons autrement. A côté de portraits d’anniversaires et de représentations de couchers de soleil, les photographies de mariage ont attiré mon attention par leur composition et leur témoignage.Ces images se distinguent des photographies de mariage que je connais par leur langage et par leur émotion particulière: le désir de faire un bon mariage est mis en scène de façon imagée. L’instant solennel est représenté par une grande joie. On voit souvent sur ces photographies une famille nombreuse qui témoigne ainsi de l’importance du moment. En revanche, le contexte culturel, la tradition et les attentes du couple se retrouvent difficilement dans ces documents.

Le choix de l’arrière-plan est inhabituel pour notre goût, pour nos yeux. Mais c’est justement par cela qu’est manifesté un autre usage de la photographie: elle n’a pas la prétention de représenter une réalité, elle veut illustrer un rêve romantique et sentimental.

Pour découvrir le monde de ces images, j’ai accompagné pour une courte période le travail du photographe Özlem dans le Petit-Bâle. Ce travail est né durant les séances de pose des mariés et de leurs invités au studio.

Tanja Schmidlin

Je suis de l’avis que chaque couple qui se marie a droit à de bonnes photos de reportage. Pour moi, les mariages sont une bonne opportunité de perfectionner l’œil. Ici, je ne peux pas mettre en scène mais je dois réagir. J’accompagne le couple et ses convives pendant toute la journée. Particulièrement captivant : la nervosité le matin, au moment de l’habillement, pendant la coiffure, ensuite les petits moments d’intimité entre les grands moments et ce qui se passe dans les coulisses.Le jour du mariage est de grande importance pour beaucoup de personnes. Pour la première, et parfois l’unique fois de leur vie, elles sont le centre d’intérêt. Un mariage est aussi un événement particulier au sein de l’histoire familiale. Une fois, j’ai lue une histoire qui montre combien il est important de fixer les mariages par l’image. Sur le chemin du retour d’une noce, les deux frères de la mariée se sont tués dans un accident ; les photos qui avaient été prises la veille avaient tout à coup une tout autre signification. Je trouve beau quand un couple réalise son rêve de mariage. Pour l’exposition, j’ai choisi deux reportages. Barbara Göldi et Jan Martell se sont mariés en été 2002 à Saint-Gall, en Suisse. L’été suivant, le frère de la mariée, Andreas Göldi, et Bettina Hein se sont mariés en France. Barbara Göldi et Jan Martell ont fait documenter leur mariage de façon systématique. Le jour, fut photographié, filmé, et même décrit par un auteur. Les invités furent dessinés par un artiste. Bettina Hein et Andreas Göldi avaient organisé leur mariage dans un château dans le Beaujolais. Là-bas, ils firent la fête pendant trois jours. Les hôtes ne furent pas seulement gâtés sur le plan culinaire, on s’occupa aussi d’eux de manière remarquable. On pouvait se faire masser maquiller on coiffer. Les amis du marié, les « grooms » et les amies de la mariée, les « brides » portaient les mêmes habits. Le couple réalisa avec ce mariage de rêve un souhait de longue date pour lequel il avait expressément épargné.

Stöh Grünig

Après plusieurs années, on me demanda à nouveau de faire les photographies d’un mariage, en Suisse. La première et dernière fois que je l’avais fait, c’était en Croatie à la fin des années 80. Peu après que j’eus décidé que la photographie serait mon occupation professionnelle, mon père m’avait trouvé un petit boulot d’une journée : l’un de ses amis se mariait. Au début, tout le monde était beau et sympathique, mais au fur et à mesure que la soirée se déroulait, les gens se laissaient aller et ne me respectaient plus du tout. Je ne contrôlais plus ce qui se passait devant mon objectif.En 2003, un ami d’un ami se mariait et j’acceptai le défi de documenter l’événement d’une manière non conventionnelle : ni instantanés des participants ni images-familiales-par-petits-groupes-debout-en-face-de-l’appareil. Toute la prise de vue fut prévue d’avance et tous les participants en furent informés dès l’apéritif. Il fallut trois minutes par image de petit groupe et deux heures pour l’ensemble. Il fut extraordinaire d’avoir l’attention de chacun pour un moment et de créer ensuite une image de groupe de tous les invités, une sorte de panorama du mariage.

Goran Potkonjac

Extrait d’une lettre de Werner Bischof à Robert Capa à Paris, février 1951: Famine dans la province du Bihar
« Après avoir étudié la situation au Bihar, je pense représenter le problème de la faim dans une trilogie :
1. la faim au Bihar
2. de l’acier pour l’industrie
3. rentabilisation des barrages
Cela me donnerait la possibilité d’intégrer les projets de construction de Damodar Valley et de Jamshedpur et de montrer comment les hommes essaient ici aussi de faire quelque chose contre les catastrophes naturelles. »
L’Inde d’autrefois
En août 1947, l’Inde acquiert son indépendance, mais elle n’aura une constitution qu’en janvier 1950. Le pays compte alors 350 millions d’habitants. L’Inde est une grande puissance. En tant que seule démocratie d’Asie, elle a réussi à mener une politique indépendante entre les deux blocs, les Etats-Unis et l’Union soviétique. L’Inde nouvelle était pacifique et, pour cette raison, pour de nombreux artistes et intellectuels, synonyme d’espoir.
Citation de Werner Bischof, Inde, 1951
« Encore une demi-heure jusqu’à Bombay. Tout est si particulier. On perd la notion d’échelle en avion. Je n’ai jamais l’impression d’être si loin. » (Journal, février 1951)Arrivée
Il écrit ses premières impressions d’Inde à sa femme Rosellina : « Je me suis fait à la pauvreté qu’on trouve partout, mais ce qu’on rencontre comme masures et comme saleté le long des routes est indescriptible, et l’odeur qui nous parvient donne la nausée. Je devrai me dominer beaucoup pour bien travailler.
Histoire de famine
Lundi je commence avec une histoire de famine. Pas un travail facile, car le gouvernement n’aime pas qu’on documente cette matière. Je ne crois pas que quelqu’un puisse se détourner de ces images de famine. Non, certainement pas, même si chaque fois on n’en garde que peu de chose, une base se crée avec le temps, qui aide à distinguer ce qui est bien de ce qui est condamnable. »
« Je me rendis avec un envoyé du gouvernement dans les villages. On apporta des rations de céréales, mais que peut faire une Jeep pour 5‘000 km2! Puis j’ai vu ces femmes affamées à travers le miroir du Rolleiflex, et c’est la première fois que j’employais mon appareil sans appréhension. Le caractère dramatique de cet instant était fort. Il n’est pas difficile de faire de telles images si on a un tant soit peu de sens pour la composition. »
Réaction de Werner Bischof à la publication
« La parution de Food Story dans Life fut réjouissante, de même qu’une lettre d’Edward Steichen du Museum of Modern Art, dans laquelle il parle avec enthousiasme des images fortes du Bihar et me fait part de toute sa reconnaissance. Il croit que si les sénateurs américains voient ces images, ils ne discuteront pas longtemps pour livrer de la nourriture. Maintenant, il est vrai que la première page est vraiment forte, mais j’aurais organisé les quatre autres autrement. Mais, humainement, il me semble que cette petite contribution fait vraiment de l’effet. »

(Tiré de : © Werner Bischof, Estate)

Deux êtres sont de passage. Ils ne savent ni d’où ils viennent ni où ils vont.
Ont-ils quelque chose à faire l’un avec l’autre ?
Ont-ils jamais été heureux ?
Un guide fait défaut.

Rien ne va plus. Les relations avec les parents deviennent difficiles, les frères et soeurs sont insupportables, le corps évolue tout comme les sentiments d’appartenance. Et pourtant, tout était si simple jusqu’ici, les bons d’un côté et les méchants de l’autre, l’intérieur et l’extérieur, l’étranger et le familier. A présent, la puberté chasse l’enfance. Et il n’y a plus qu’une personne qui puisse nous comprendre. Une seule et unique personne qui sait tout, à qui on peut tout dire, sa meilleure amie. C’est avec elle qu’on passe ses après-midis de congé, qu’on partage ses colères et ses chagrins d’amour, qu’on essaie ses fringues. Une meilleure amie est toujours là pour vous prêter une oreille attentive, elle sait garder un secret ou vous conseiller pour une nouvelle coiffure. On partage volontiers sa couette avec elle et ses téléphones sont toujours les bienvenus. C’est elle la meilleure, elle est superbe, forte, jolie, compréhensive, tout en étant elle-même fragile et incertaine. Mais cette ressemblance a quelque chose de rassurant.

Dans sa série « Ma meilleure amie », Judith Stadler dresse le portrait de jeunes filles qui sont amies dans la vie. Elle s’inspire des récents développements techniques pour pousser plus loin le portrait photographique. Le traitement digital de l’image lui permet d’accentuer encore la valeur des liens d’amitié. En remplaçant le visage d’une des jeunes filles par celui de l’autre, Judith Stadler place le spectateur face à une énigme, l’empêchant ainsi de dire à qui appartient le visage dédoublé. Au-delà de toute supercherie technique, ces portraits de jeunes filles témoignent de la quête à la fois déroutante et fascinante de l’identité. Plus que de simples portraits, c’est de l’intimité et de la fragilité de ces amitiés adolescentes dont il est question ici.

Fanni Fetzer, Zurich

La beauté joue un rôle primordial, même dans un des pays les plus pauvres du monde, le Mali, où ce marché est en plein essor. Avant des fêtes importantes comme le Ramadan, le jour de l’an, les mariages, les femmes attachent une importance toute particulière à changer de coiffure, à soigner leurs mains ou à acheter un nouvel habit. Elles y consacrent un temps infini.

La variété et la créativité des coiffures est immense. La mode va et vient comme chez nous. On se demande aussi au Mali si les jeunes filles qui portent un string et des pantalons taille basse sont trop aguicheuses. Dans ce pays, beaucoup de femmes s’éclaircissent la peau car un teint clair est considéré comme noble et distingué. Chez nous, en Europe, c’est en revanche le bronzage « sain » qui est à la mode. Là-bas, les cheveux sont tirés et on leur applique des postiches lisses. Ici, les cheveux sont coupés, et même permanentés.

Les mêmes actes procèdent d’autres références culturelles. Ils poursuivent d’autres idéaux. J’ai pourtant l’impression qu’ils sont comparables.

In 1517 Martin Luther shook the Catholic Church to its foundations with his 95 theses, triggering fundamental changes in the Christian faith. The Reformation involved not just the coexistence of different church communities but also has affected everyday life in many parts of Germany, Europe and the world. In his search for the effects of Protestantism Jörg Gläscher encountered people and landscapes in which the ideas of Luther are still alive. His photographic project invites us to reflect on the religious roots of the central values that are at the roots of our society.

Year of production: 2016

Losing Ground is the story of lost land, memory and identity when the South African government built the Spring Grove Dam in 2013. Simultaneously the documentation of the construction of the dam marks the deletion of childhood-travelled roads, known spaces and keen memories for Kay. His documentation of place, family and friends from this area is an attempt to understand how images can hold place for that what it does not represent, in such that photography is elusive to capture the past and the present. (John Fleetwood)

For the twentieth anniversary of the Biel/Bienne Festival of Photography, three young festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) have been invited to participate in our programming.

In collaboration with Joburg Photo (ZA).

Year of production: 2012-2014

Pour Ingrid Wildi, la vidéo est un médium immédiat qui lui permet d’adopter le regard anthropologique et le format documentaire qui caractérisent son travail depuis plusieurs années. La série “ Los Invisibles” donne la parole à cinq immigrants colombiens, vivant clandestinement en Suisse depuis plusieurs années. Ils répondent aux questions d’Ingrid Wildi et évoquent ainsi les raisons de leur émigration et les conditions dans lesquelles ils vivent. A travers un montage dialectique, l’artiste montre la réalité des sans-papiers et élargit la portée de leurs témoignages. Comme pour préserver leur anonymat, le cadrage est centré sur le torse des sujets et omet leur visage. En réalité, cette fragmentation du corps évoque à la fois l’existence, puisque l’artiste montre les personnes qu’elle interroge, et une forme d’absence puisque privés de leur visage, ils sont privés de leur identité. Le titre délivre tout son paradoxe dans ce processus. En filmant ses sujets sans les identifier, elle montre l’invisible et souligne ainsi la contradiction dans laquelle vivent les clandestins : ils existent mais nous ne les voyons pas, ils vivent parmi nous mais n’ont pas droit à une identité sociale. L’omission des visages amène également le spectateur à se concentrer sur les voix et le langage corporel. Les gestes, les intonations et les détails que relèvent ces immigrants disent non seulement la réalité de leur situation, mais suggèrent aussi l’anxiété, l’impuissance et la fragilité face à leur condition. “ Est-ce que vous reconnaissez un immigrant dans la rue ?” Les réponses à cette question montrent la conscience aigüe qu’ont les clandestins de ne pas correspondre à la norme de leur pays d’accueil, de sortir de l’ordinaire, et, paradoxalement, d’être visibles. La couleur de leur peau, leur façon de parler et même de marcher semblent les trahir et exprimer leur identité malgré eux. A la fragmentation du corps répond le fractionnement des témoignages : un montage subtil, pensé à l’avance, fait s’enchaîner les enregistrements, et les voix semblent se répondre, s’interrompre et se compléter. Un discours apparaît alors au fil des interventions, qui met en évidence les thèmes marquants et récurrents dans l’expérience de la clandestinité. La dialectique de fragmentation opère ainsi une transformation qui résulte en un témoignage collectif et universel emblématique, de la condition des clandestins en Suisse comme dans le reste du monde. (Anne Froidevaux)

Année de production : 2007

Le regard que Britta Rindelaub porte sur les êtres, les choses et les événements s’attache aux réalités les plus banales.
Elle en dénude cependant l’apparence jusqu’à la ressaisir dans une image où ce que nous reconnaissons dans un premier mouvement d’identification nous échappe tout aussitôt. Ce que la photographie donne, cette empreinte lumineuse du monde, est représentée dans l’esthétique d’une image qui excède sa valeur de témoignage. Certes, elle témoigne, mais pour elle-même autant que pour ce qui en elle se reflète. Si bien que l’essence de la réalité est fictionnée alors que l’artifice de la fiction n’a d’autre aliment que le réel. L’un et l’autre indissociablement mêlés. La photographie est la surface où s’inscrivent événement et mise en scène, chronique et narration, autobiographie et fiction, chaque terme de l’alternative n’étant jamais que le substrat de l’autre.

Hervé Laurent

Liquid Panic is a nod to Der Lauf der Dinge (The Course of Things) by the artistic duo Fischli/Weiss, but it is also a remake of Pulp Fiction. Created in the Swiss countryside and almost exclusively with water, the video, presented in a new installation, plunges us into the mysterious world of Augustin Rebetez. The liquid here is the engine, which splashes everywhere, creating noisy lo-fi rhythms. Dizzying, funny and overflowing, this video has nothing to do with environmental questions or the ecological disaster in progress, but it evokes destructive impulses, mental suffering, and a certain kind of obsessiveness to which human beings are susceptible.

Year of production: 2018

Iren Stehli a documenté pendant 27 ans l’existence de Libuna et de sa famille tzigane à Prague.

La photographe débute lorsque Libuna Sivakova devient à la fois son amie et son modèle. Dans une sorte de curiosité retenue, Iren Stehli observe les particularités de cette existence hors du commun. Son admiration transparaît dans la force de conviction des sentiments documentés à travers ses photos, certes complexes mais jamais déroutantes : chaleur, tendresse, soif de survie, besoin de beauté, érotisme, lutte, espièglerie, solidarité. Au fil du temps, le travail de description se transforme imperceptiblement en une quête existentielle : la recherche de l’essence de la vie.

La photographie d’Iren Stehli ne donne jamais dans le pathétique : c’est ce qui en fait l’originalité. Même lorsqu’elle aborde le monde des émotions, les sentiments à l’origine des grandes valeurs humaines la foi, l’amour, l’espoir.

Cette façon de faire sous-tend tous les essais photographiques d’Iren Stehli. Nulle trace de vanité d’auteur dans ses photos. Au contraire : c’est consciemment que l’artiste maîtrise son empathie, son humour et sa faculté visuelle dans le but de ne pas compromettre la proximité de l’instant qui s’offre à elle. De là naît cette impression d’immédiateté, à la fois hasardeuse et évidente. Qu’on ne s’y trompe pas : elle n’est autre que le résultat d’une démarche photographique et artistique.

Martin Heller, extrait de « Libuna – Das Leben einer Zigeunerin in Prag », Scalo Verlag, Zurich, 2005

In the 60s and 70s, Switzerland experienced an episode of internal unrest: the fight for independence in the canton of Jura. During this period, the country suffered several “terrorist” attacks, committed by the Bélier, a separatist group militating with actions that were comical, absurd and almost always non-violent.This work explores the oppressive, almost warlike territory of the Jura in search of traces of this struggle, and re-enacts some of the Bélier’s most striking actions. These restagings, performed by their original participants, are conceived as a tribute to the Bélier’s humorous and zany brand of political activism.

Year of production: 2012-ongoing

Rebekka Friedli creates performances in which she works with her own body. The festival is presenting two of her audiovisual works. The videowork, entitled Leveza, presented in projection, shows a sitting nude body looking down to the sea. Curled up like a rock integrated into the landscape, Friedli’s back slowly straightens and little by little reveals its living, feminine, human nature. Filmed at sunset in a foggy atmosphere and in pastel colours, the “body-sculpture” that results enters into an intimate dialogue with the surrounding landscape, accompanied by the movement of waves – a poetic dialogue between the inner and outer worlds, between the body and matter, between the animate and the inanimate. Friedli’s other video work, Touching Myself, presented on screen, deals with the relationship of the human being with her body and her image. Facing the camera and filmed in closeup, Friedli slowly touches her face with her own hands, which move like a foreign body. In a society of images, her work examines the relationship between the self and its representation.

With the support of: Burgergemeinde Bern / Stadt Bern

Year of production: 2021 & 2017

Year of production: 2021

“Letters from Utopia” is a documentary photographic research that studies groups who wish to extend the human life span extremely or even aim to become immortal. For this project Daan Paans visited five different movements and their key players who have a shot at an utopian world order. Since time immemorial humans have been fascinated by the idea of an infinite life, with the ultimate goal of overcoming (one’s own) mortality. As a leitmotiv Paans has been lead by the question that he and those he portrayed ceaselessly pose: long live immortality?!

Year of production: 2012

In 1991, after the end of the Cold War and the dissolution of the Soviet Union, Ukraine finally became independent. In 2014, the Ukrainian revolution led to Russia’s annexation of Crimea and the on-going war in the Donbas. Let Us Not Fall Asleep While Walking depicts the psychological state of a country trying to build its future while it remains haunted by its past and by its collective memory. The images are metaphorical representations of everyday life in which time seems frozen but dreams of hope persist.

Year of production: 2017

Le travail de Marc Latzel retrace la formidable aventure des femmes volantes de Téhéran. Celles qui n’ont pas le droit d’entrer dans un stade de football. Pas le droit de faire de la moto en ville, de danser dans la pièce des hommes lors des mariages, de garder les enfants après le divorce. Mais qui, voici trois ans, ont obtenu le droit de voler. Celles qui ont osé se lancer dans les airs ne peuvent plus s’en passer, à l’image de Nasim Lotfi, 19 ans, victorieuse du premier concours de parapente de Téhéran en 2001.

La capitale iranienne, métropole de 12 millions d’habitants, compte actuellement une soixantaine de femmes volantes. La plupart ont été les élèves d’Azar Farahani, seule instructrice officielle en Iran. Cette pionnière, réputée pour le soin qu’elle apporte à la sécurité de ses élèves, s’est lancée en 1993 avec son mari, un ancien pilote de chasse, à une époque où le parapente n’était pas encore sur la liste des sports autorisés pour les femmes. «J’ai reçu tellement d’appels après mes premiers vols que j’ai décidé de demander l’autorisation officielle», dit-elle. La procédure va prendre six ans. A plusieurs reprises, Azar Farahani doit envoyer des cassettes vidéo à des comités religieux afin de prouver que le vent ne soulève pas le manteau islamique des femmes volantes. «En théorie, il s’agissait de savoir si l’Islam autorisait les femmes à voler, ajoute l’instructrice. Mais en pratique, les autorités voulaient vraiment être sûres que nous étions bien couvertes.»

Et elles le sont. Le harnais du parapente par-dessus le manteau islamique ne laisse aucune chance à un strip-tease aérien. Le foulard, lui, est solidement recouvert d’un casque. Et les mains gantées, sauf pour la lecture du Coran juste avant le décollage.

Serge Michel

This series is an analysis, via a structural and analytical approach, of the representation of the landscape and its relation to the actual territory. It offers a sidelong vision, shifted by a series of hybridizations and mutations. Using shifts and tangents, the “hall of mirrors” effect of the photographic mise en abîme is used for a new purpose. Through a dysfunctional collision with the brute matter of reality, the ambition is to go beyond any immediate contemplation or dizzying virtuosity. From images of images and representations of representations, there arises a free-floating dialectic between the intensification of the subject and its erasure.

Year of production: 2012-

The villagers from Fiesch valley, Switzerland, dependent on nature and tourism, make arrangements with God, with the spirits and with scientific projects. Each plays an essential part in order to maintain the basis of their community in terms of identity as well as economy, the heart of their existence: the Aletsch glacier.In this valley at the end of the world, between myths and sciences, ecology and tradition coalesce into one relentless motion towards the future. (AKS)

Year of production: 2015

Nowadays, the practice of reading is in competition with various digital, social and cultural platforms, whose goal is to monopolize our attention. Reading has become more and more dematerialized and fragmented in both time and space. In his series of photographs entitled Lectures, Olivier Suter shows children absorbed in books that have marked human history, works that even when they first came out were interrogating our connection with the world and with others. Through his images Suter considers the influence that writers, thinkers and philosophers might have today on our society. Thanks to a collaboration with the Public Library, the photographic portraits are accompanied by audio content offering excerpts and a brief context of the books appearing in the images.

With the support of: Canton de Fribourg / Forum du bilinguisme / Collaud & Criblet

In collaboration with Public Library.

Year of production: 2020-2023

Ils existent encore, ces petits skilifts de village. L’un d’entre eux se situe à Schüpfheim dans l’Entlebuch. Derrière l’église et le cimetière il y a encore un champ, puis vient un petit cabanon – c’est la station du bas. Des rideaux à carreaux rouges et blancs ornent les fenêtres du restaurant des pistes. Une ardoise vante l’Ovo et les saucisses de Vienne chaudes – avec du pain, pas avec des frites ! Depuis le bas, la remontée mécanique monte sur 300, 400 mètres peut-être, jusqu’au sommet de la colline. C’est tout. Nombreux sont ceux qui ont appris auprès de telles installations le virage en stemm. Départs fulgurants, sauts audacieux, chutes spectaculaires forment les souvenirs d’enfance.Cette idylle est pourtant menacée – à Schüpfheim et ailleurs. Les remontées sont pour la plupart installées à moins de 1000 mètres d’altitude et ne peuvent plus compter que sur peu ou pas de neige. Ainsi par exemple à Schüpfheim, on a pu skier 15 jours seulement en 1999, et en 2000 pas un seul. Le changement climatique va encore accentuer cette tendance. En plus du climat, il y a la concurrence des grands domaines skiables et les exigences croissantes des snowboardeurs et des skieurs. Dans un monde fait de business plans, de courbes de croissance et de mesures d’économie, un skilift de village n’a pas de place.

Ou peut-être que si ? Dans les skilifts de village, beaucoup de cœur et d’engagement personnel sont investis, ce dont les entreprises commerciales rêvent d’ailleurs. Le service est assuré principalement par les paysans qui travaillent contre une maigre rétribution et exécutent les réparations nécessaires et l’entretien avec un budget réduit. Le travail manuel et l’investissement personnel sont requis – et beaucoup de bénévolat. Pour tendre les câbles, accrocher les perches, préparer les pistes. Dès qu’il neige, les clients ne se font pas attendre. Lors des belles journées enneigées, les classes du village viennent spontanément faire les cours sur les pistes. Qui a congé est forcément au téléski. Et où y a-t-il encore aujourd’hui des cartes journalières pour cinq francs ?!

Marion Nitsch

Mon travail, à chaque portrait, est de faire en sorte que la personne s’affirme dans son épanouissement.
Le portrait photographique est l’enregistrement d’un rapport humain entre deux personnes.
Mon cadrage de prise de vue témoigne de ma volonté d’aller à l’essentiel. Je veux représenter l’être humain dans la trinité de son visage afin d’éviter tout signe distinctif d’ordre social.
Le regard se situe au-dessus du centre du carré (format du négatif 6 x 6 cm), dans l’axe de l’optique, afin de conserver le rapport de force pour la personne qui va parler avec ses yeux.
Je me suis fixé des règles formelles pour permettre à la personne de s’affirmer en toute quiétude, dans le et respect de son unicité.
Le portrait photographique est le constat d’un moment donné dans l’histoire de la vie d’une personne.
Conscience de l’autre, de son exception. Sa lumière m’interroge.
C’est la personne qui fait son propre portrait, l’appareil photographique est un miroir sans tain.

Voici quelques dizaines d’années, le port de Bâle constituait non seulement un nœud commercial, mais aussi un point de rencontre pour tout un quartier de la ville. Les hommes y trouvaient un travail bien rémunéré en tant que dockers et faisaient la fierté de leurs familles. Les matelots apportaient l’air du large dans notre petit pays. Bien des choses ont changé avec la rationalisation du travail et l’introduction du système des containers. De nombreux travailleurs ont perdu leur emploi au cours des années. Un nombre restreint d’employés parvient aujourd’hui à embarquer une quantité de marchandises autrement plus importante qu’autrefois. L’image du port de Bâle se caractérise aujourd’hui par de grands terminaux de containers. Et il suffit aux grutiers d’une simple manette pour déplacer des milliers de tonnes.

« Ils étaient des centaines de milliers. Ils venaient du Sud profond, de Sicile, d’Apulie, de Basilicate et de Calabre. Ils venaient du centre de la Péninsule et beaucoup d’entre eux du Frioul ou du Veneto. Le Nord représentait du travail et des revenus, c’était une promesse. Ce qu’ils vécurent fut très souvent la privation, toujours de mauvaises surprises. Il ne devait y avoir au début que des hommes et des femmes aptes à travailler qui avaient l’autorisation de se rendre là-bas; le pays d’accueil, la Suisse, voulait des forces de travail, pas des concitoyens étrangers. »« Il lungo addio » montre un aspect important de l’histoire de l’Italie et de la Suisse. L’émigration des travailleuses et travailleurs italiens en Suisse entre 1950 et la fin du siècle forme une partie des grands flux d’émigration qui menèrent depuis le 19ème siècle d’Italie dans l’Europe entière et ensuite en particulier en Amérique du Nord et du Sud.

Ce n’est pas un hasard si dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, on montre une exposition qui traite de cette thématique. Son contenu entretient une relation étroite avec l’histoire de la ville de Bienne : dans les années 50 et 60, beaucoup d’émigrés italiens trouvèrent du travail dans l’industrie horlogère alors en plein essor. Bienne représenta longtemps la ville ouvrière typique et possède encore aujourd’hui de nombreuses communautés allophones. Bienne, la ville bilingue, tire une partie de son identité de la cohabitation de diverses langues et cultures.

L’exposition a également un lien direct avec le thème du festival de cette année, la photographie de reportage. Une fois de plus, le médium photographique justifie son caractère documentaire : témoigner, raconter des histoires. Selon la célèbre formule de Max Frisch selon laquelle on appela des travailleurs et où «ce furent des hommes qui arrivèrent», l’exposition documente des destins individuels, retient des moments, des hommes dans leur voyage entre leur provenance et leur destination. Chaque image est un témoignage et raconte sa propre histoire – emblématique de l’histoire de centaines de milliers, en tout de millions, d’émigrantes et d’émigrants.

Différents thèmes sont ainsi abordés : les conditions précédant l’émigration, le départ, la traversée de la frontière – l’arrivée, les premiers contacts, les places de travail – le travail, le logement et les quartiers d’habitation – les loisirs, les jours fériés et les fêtes : beaucoup d’ennui, souvent la nostalgie du pays, et parfois la tentative de rentrer.

L’exposition n’est pas une monographie sur le thème de l’émigration des travailleurs italiens en Suisse. Celle-ci a été décrite ailleurs avec les moyens de la science, de l’écriture de l’histoire et de la sociologie. Ce que nous avons réuni peut être une sorte d’épopée photographique – comme le titre italien «Il lungo addio» y fait penser – un chant, une ballade ou, si l’on veut, plus simplement une histoire en images.

Une grande analyse photographique sur ce sujet n’a jamais été établie jusqu’à présent. Sa réalisation ne représente pas seulement une nécessité historique et médiatique, mais aussi une dette qui témoigne de notre gratitude pour l’enrichissement culturel et social de la patrie d’accueil.

Extraits de « Il lungo addio. Le long adieu », édité par Dieter Bachmann , Limmat Verlag, Zürich 2003

42 cm2 de peau, une région du corps qui n’est pas cachée mais à laquelle on fait à peine attention. Elle est dessinée, modelée et marquée par la vie. Le coude, l’endroit où la partie supérieure du bras et l’avant-bras se rejoignent. Il est exceptionnel et unique chez chaque individu.

The images of Marlous van der Sloot invite the viewer to enter immaterial worlds of feelings and emotions. They search the human soul as if modern society, with its exacerbated rationalization, had engendered a rupture with the immediacy of the real, disconnected us from our core, and as if it were her role to reconnect us with our lost sense of metaphor and poetry.Marlous Van der Sloot crafts graceful metaphors, using poetry as a powerful tool to transport us to an universe made of refined images whose ingredients collide to resonate within us as primitive and primal images. Photographing her models in incongruous poses she generates uncanny atmospheres.

Year of production: 2008-2012

Personnage tout à fait hors du commun, Justo Gallego Martinez était moine trappiste jusqu’à l’âge de quarante ans. Devenu homme constructeur, il poursuit seul depuis bientôt quarante ans un grand œuvre exceptionnel. Il s’agit ni plus ni moins d’une cathédrale, dans la banlieue de Madrid : cinquante-cinq mètres de longueur pour vingt-cinq de largeur et cinquante en son point culminant.Pour mener à bien la construction de cet édifice, il recourt, grâce aux dons d’entreprises de la banlieue, à des matériaux de récupération qu’il achemine et dresse pour, dit-il, se rapprocher de Dieu. La foi l’habite et il ignore le découragement : il travaille sans cesse, six jours par semaine, dix à douze heures par jour, alimenté par un bref repas le soir. C’est, selon lui, à ces strictes conditions qu’un homme peut parvenir à l’achèvement d’un tel ouvrage. Tout au plus craint-il de n’avoir bientôt plus la force physique de terminer ce qui a été, dans un premier temps, l’objet de moqueries et de désaccords entre les habitants de la banlieue et qui force désormais leur admiration.

Le rêve un peu fou de Gallego est maintenant sous toit et sous coupole. Bientôt, ce sera peut-être un but touristique et, pourquoi pas, un pèlerinage. A moins que le monde de l’économie n’en décide autrement. Il est en effet possible que l’édifice soit détruit. Pour l’instant, le pari de l’impossible finit par s’imposer et consacre l’énergie et la foi du plus humble. C’est toujours au pluriel qu’on a exalté les constructeurs de cathédrales. Il faut, cette fois-ci, rendre hommage au singulier.

Pierre Montavon

Le réseau de relations entre l’homme et l’animal est complexe. Etonnée par le fait qu’on dépense plus d’argent pour la nourriture des animaux que pour celle des bébés, j’ai cherché à comprendre ce phénomène par le moyen d’une recherche visuelle.

Pendant mon travail, j’ai observé différents types de relation entre le chien et l’homme. On se rend avec «son trésor» à des compétitions de chiens pour s’amuser. On habille le petit animal d’un imperméable semblable au sien pour faire équipe.

Le chien accompagne l’homme partout si bien qu’arrivés au soir on a vécu des tas de choses ensemble. L’animal se montre à l’écoute avec une patience infinie. Il a lui-même peu de problèmes et beaucoup de temps. Il est toujours là, disponible pour ses propriétaires. On prend parfois soin de lui avec beaucoup d’amour et on l’amène même chez le coiffeur. Viendrait-il remplacer un manque d’enfant ?Une nouvelle tendance a vu le jour : des vacances Wellness pensées pour le chien et son maître. Pendant qu’on masse les pieds de la maîtresse, une spécialiste s’occupe des pattes du «trésor». Qui ne veut pas séjourner dans un hôtel Wellness peut laisser son plus fidèle compagnon dans un hôtel pour chiens. Ces résidences proposent des hébergements normaux mais également des chambres spéciales avec chauffage au sol, télévision, lustre et murs carrelés. Respectant des horaires précis, l’hôtel cuisine pour le chien, comme il est usuel de le faire pour les hôtes. Les nettoyages ont lieu chaque jour. Les propriétaires peuvent s’assurer de la propreté de l’endroit grâce à la Webcam dont est équipée chaque chambre. A tout moment, le maître peut ainsi voir son « trésor », si l’ennui devient trop grand.

Nos quotidiens font depuis peu paraître des avis mortuaires pour chien et chat. Il y a trois ans, un premier cimetière pour animaux a été ouvert en Suisse, à Läufelfingen près de Wiesenberg. La demande pour l’attribution d’un lieu commémoratif va croissante.

Grâce à mes observations, je sais aujourd’hui qu’un chien n’est pas égal à un chien.

Franca Pedrazzetti

The Long Watch

What is he looking at?
Who is watching you?
The telescope embodies the dual lens of this fable of desire and contemplation.

Using different strategies and approaches, including documentary, performance art, object creation and narration, Camille Aleña creates links between multiple domains (music, visual arts, translation, ethnology, etc.) and different practices. For the 25th edition of the festival, the artist and Sylvain Menétrey will carry out the second part of a performance piece which was created for the previous edition of the festival, in May 2021. A flautist lying in front of a computer screen calls out with a crafted whistle to the corn bunting, a rare and now almost extinct bird, in one of its last bastions in the canton of Vaud, the Champ Courbe. A live video filmed of the Champ Courbe is transmitted directly into the Lokal-int, letting viewers of the piece lie in wait for the rare bird.

Year of production: 2021-2022

En Suisse, on sourit ordinairement de ce personnage symbolique qu’est le cow-boy américain, quand on ne le déteste pas. Les publicitaires savent pourtant qu’ils peuvent compter sur le pouvoir suggestif du «Marlboro-Man», et de son aura empreinte de liberté et de romantisme, pour toucher les couches sociales les plus larges. McDonald’s fait également l’objet de critiques, mais le fast-food ne fait pas moins partie de notre quotidien. L’industrie automobile américaine a beau s’essouffler en Europe, on demeure sensible à l’idée d’un mariage ou d’un samedi soir en limousine. Nous n’y échappons pas, l’influence de l’Amérique s’exerce dans de multiples domaines: mobilité, aménagement du territoire, habillement, nourriture, économie, publicité, film, télévision, musique, littérature, langue. L’Amérique habite nos esprits, nous intéresse, nous fascine, nous irrite et nous provoque à la fois. Bref, elle ne nous est pas indifférente.C’est cette rencontre de deux mondes qui a aiguisé l’intérêt photographique de Geri Stocker. Depuis 2001, il documente la présence visuelle de l’Amérique en Suisse en mettant le doigt sur les contrastes les plus surprenants. Plus les américanismes sont stéréotypés, plus ils fascinent et irritent: le cow-boy à côté du Journal officiel, le Grand Canyon à Pratteln, la Statue de la Liberté à Winterthour, le «Wild West» dans la Suisse profonde, des taxis new-yorkais à Oerlikon. Les exemples foisonnent: l’attrait du lointain coexiste avec la fibre patriotique.

Le Musée Schwab se transforme en caméra. Des lentilles, miroirs et diaphragmes projettent des images fugitives de la ville à l’intérieur du bâtiment. Il en résulte une sorte de Roadmovie à la fois statique et en mouvement, et qui évolue au fil de la journée et de la météo.

Dans un dialogue spacio-imagé, walter-feger-spehr développent des projets qui vont au-delà des formats médiatiques industriels, à la recherche du point où perception et construction mentale se rejoignent.

Car derrière l’oeil se déroule le paysage invisible du regard. Quand les neurones du cerveau s’enflamment, réalité et souvenir, expérience et vécu s’unissent pour ne former plus qu’un.

Pour les personnes âgées du home médicalisé du Pasquart, 2008 marquera le début d’une nouvelle vie : ils quitteront l’aile ouest du complexe de bâtiments muséaux pour s’installer dans de nouveaux locaux. Le reportage d’Alfred Samuel Maurer documente la période précédant le déménagement et la manière dont les personnes âgées la vivent. En montrant des situations de la vie de tous les jours au Pasquart, ses photos révèlent les attitudes, les désirs, les limites, les domaines d’intérêt ainsi que les penchants des habitants du home.
« J’ai rendu visite à plusieurs reprises aux pensionnaires afin de me pénétrer petit à petit de leur rythme de vie, de leurs habitudes et de leurs particularités. Lors de ces rencontres, il m’importait de leur témoigner beaucoup de respect et de ne pas heurter leur dignité. Je me suis concentré sur le rapport entre les corps et leur environnement et sur l’expression de ce rapport.
Ces portraits ont été conçus de telle manière que les spectateurs ont l’impression de vivre au quotidien avec les sujets représentés. »

Dans le cadre des 10e Journées photographiques de Bienne, les photos d’Alfred Samuel Maurer nagent dans les eaux basses du lit de la petite Suze au faubourg du Lac. Cette exposition au fil de l’eau renforce encore l’idée du parcours de vie des habitants du lieu, en particulier de cette tranche de vie.

For several years, the work of Guadalupe Ruiz has taken the form of an inventory of images assembled as encyclopedias, a structure that she developed as a way of analysing the world and the society around her. In 2015, she published the Kleine Fotoenzyklopädie, a work gathering 645 colour and black-and-white images collected from daily life and organized into 37 different chapters: dogs, vases, varieties of pastry, a revolutionary manifesto, portraits of her cousin, objects photographed in her parents’ house, etc. To create her installation in the Juraplatz art space, Guadalupe Ruiz has continued to build the inventory of images that she began in her parents’ apartment as an attempt to reproduce and recapture what might be lost with the passage of time.

Year of production: 2018-2019

Plaines désertes, paysages baignés dans la brume et bâtisses abandonnées, uniques traces de présence humaine… Maria Trofimova place le décor et nous plonge dans un climat post-apocalyptique à la manière des films du genre ou de jeux vidéo. Avec sa série “La Horde”, réalisée en 2007, elle nous offre la vision d’un monde dans lequel n’auraient survécu que des chiens. Leurs silhouettes se détachent, comme des apparitions, de la lumière émergente. A travers ses compositions, notre attention passe de vues de nature sans véritable horizon et dont les éléments à peine perceptibles nous rappellent des représentations oniriques, à des plans plus rapprochés de ces mystérieux protagonistes. Maria Trofimova semble suivre les bêtes dans leur errance, passant d’une ruine à l’autre en s’appropriant les lieux délaissés. Elle confère ainsi à sa série son unité d’ensemble. La meute devient à la fois sujet et vecteur du regard de la photographe, comme pour nous montrer une réalité autre, une réalité choisie par ses soins. Avec “La Horde”, elle introduit les bases d’un travail plus général lui permettant d’accéder aux limites fragiles de la photographie entre fiction et réalité ou, comme elle le dit, entre « faux documentaire et fiction involontaire ». Ce qui l’intéresse : brouiller les pistes, ne délivrer aucun repère spatio-temporel. Elle amène le spectateur à emprunter les chemins de traverse et le confronte à son imagination ou à ses rêves. À lui de trouver le fin mot de l’histoire.

Année de production : 2007

The “Diagonale Aride” is a geographical region in France that stretches from the Ardennes to the department of Cantal at the foot of the Massif Central. The expression was inspired by the geographer Roger Béteille, who used the phrase “la Diagonale du Vide” in his book “La France du Vide” to refer to a group of regions that have been strongly affected by rural desertification.My work in the territory of the “Diagonale Aride” has been guided by the need to verify that the term refers to a real phenomenon. I have chosen to focus on certain historic and geographic sites that are evocative of the region. In experiencing this journey, I have come to understand the distinctiveness of this “dry zone” as compared with the rest of France. (BS)

Year of production: 2013-2014

Occurrences such as solar winds and asteroid showers regularly disrupt the protective efficacy of the Earth’s magnetic field, and affect technological systems, the climate and the movements of migratory animals. La dérive des pôles is a project that explores the role of the Earth’s magnetic field in changes to the landscape. For this art project, Vanessa Gandar relies on navigational data gathered by sailors in 1650, the work of the naturalist and scientist Alexander von Humboldt, and other more recent discoveries.

She also visited meteor craters around the world in order to find traces that might reveal the effects of these magnetic phenomena. Each of these undertakings gave rise to new sets of results: an atlas of multiple forms of documentation, photographic works and graphic experiments that render in technical, visual, perceptible form the traces of these phenomena at the levels of geology, culture and society. Her installation, created especially for the festival, examines the connections between human beings and the natural world, the Earth and the cosmos.

With the support of: DRAC Grand Est / Région Grand Est

Year of production: 2018-2023

En Roumanie, la Dacia ne passe pas inaperçue pour le visiteur étranger. C’est la version locale de l’ancienne Renault 12, dont les premiers modèles sont sortis en 1969 de l’usine de Mioveni, près de Pitesti, suite à la vente de la licence par la France à Nicolae Ceaucescu. Depuis lors, 2.300.000 véhicules ont été fabriqués. Vendue à prix modeste (environ 4000 Euros), la Dacia reste aujourd’hui encore la voiture la plus accessible pour la population et enregistre près de 50% des immatriculations du parc automobile. Mais sa production va bientôt s’arrêter.Malgré cela, la Dacia suscite toujours la plus grande fierté du Roumain. Son heureux propriétaire vous expliquera par exemple qu’elle date de 1982, que c’est une 1310cm³, qu’elle consomme maximum 8 litres au cent, qu’elle a 167.000 km au compteur, qu’elle est très solide et surtout qu’elle «passe partout» malgré les aspérités de la route! La Dacia se décline en autant de modèles: berline, break, commerciale, pick-up, elle est à l’aise en ville comme à la campagne, transformable aussi bien pour le pic-nic qu’en taxi improvisé… De leurs côtés, ses détracteurs, qui regardent vers l’Ouest, vous diront qu’elle est tellement mal conçue que chaque modèle est unique et qu’elle tombe souvent en panne… C’est compter sans l’entraide des propriétaires de Dacias: il n’est pas rare en effet de voir un conducteur porter secours à un camarade en train d’agiter une pièce défectueuse le long d’une route nationale…

« Dans le mouvement des interdits, l‘homme se séparait de l‘animal. Il tentait d‘échapper au jeu excessif de la mort et de la reproduction (de la violence), dans le pouvoir duquel l‘animal est sans réserve. Mais dans le mouvement secondaire de la transgression, l‘homme se rapprocha de l‘animal. Il vit dans l‘animal ce qui échappe à la règle de l‘interdit, ce qui demeure ouvert à la violence (à l‘excès), qui commande le monde de la mort et de la reproduction. »
Georges Bataille, L‘Erotisme

La corrida réalise l‘union de l‘éros et de la mort d‘une manière incomparable, en un seul lieu : la Plaza de Toros. Nous participons en tant que spectateur à cet événement à couper le souffle, auquel nous sommes véritablement soumis depuis la naissance. Il nous fascine au même degré qu‘il nous bouleverse.Le point de départ, initialement moral, de mon approche photographique de ce rituel de sacrifice inégalable et radical m‘a emmené dans un monde inattendu et contradictoire, dans un microcosme de passion et de mort. Les jours de fête que l‘Espagne et le sud de la France consacrent à la corrida m‘ont captivé au point que l‘intérêt a progressivement pris le dessus sur la morale.

On peut voir la corrida comme une contemplation de la mort, égale à une fête rituelle. Le Matador et les Toreros, les Picadores et Banderilleros sont comme des grands prêtres. Face à eux, le Toro, animal sauvage fort de ses cinq cent kilos qui, de par sa nature, est supérieur à l‘homme : tout est centré sur lui et presque tout dépend de lui. Notre société fixée sur les médias ne peut plus se passer de regarder cette mort. Et même si les émissions espagnoles de corridas diffusées en direct ne peuvent pas être captées hors des frontières nationales en raison du codage européen, nous prenons part chaque jour à des rituels d‘éros et de mort à travers nos propres chaînes de télévision. Elles mettent en scène des hommes et des femmes, des enfants, des soldats, des civils, des affamés, des perdants, des avilis et des victimes.

Les habitants d‘Europe centrale se plaignent de la cruauté de la corrida envers les animaux. Consommant de la viande de veau, de boeuf et de porc, ils ne s‘intéressent guère à l‘élevage animalier de nos ressources de viande nationales et internationales. Ils en savent aussi peu que sur la corrida, à laquelle ils s‘opposent pourtant avec préjugés et d‘une façon émotionnellement indifférenciée.

Mon travail ne peut pas éliminer l‘effroi de la mort. La corrida à la Plaza de Toros reste une métaphore du triomphe de l‘esprit sur la force qui nous est apparemment étrangère.

Giorgio von Arb

Un camion sillonne à toute vitesse la campagne vallonnée de Pennsylvanie. Sa cargaison recouverte d’une énorme bâche noire ressemble à la caisse d’un magicien itinérant. Au volant, David Hackenberg est à la poursuite du printemps, pour la troisième fois depuis le début de l’année. La première fois, c’était en Floride, la seconde fois en Pennsylvanie et à New York. A présent, il veut capturer le printemps dans le Maine, tout au Nord, à la frontière avec le Canada. Il lui reste, ainsi qu’à ses abeilles, 1200 kilomètres à parcourir. A l’arrière du camion, 356 colonies, 356 boîtes empilées sur deux grands rectangles. A l’intérieur, la faim gronde et l’instinct de rassemblement augmente. Le pied de David Hackenberg repose telle une masse de plomb sur la pédale des gaz, 440 chevaux, dix vitesses, voie de gauche. «Il faut récolter le foin dès le lever du soleil», se répète-t-il.En compagnie de leurs abeilles, «l’animal utilitaire» n° 3 après le bœuf et le porc, quelques centaines d’apiculteurs en gros arpentent les côtes des Etats-Unis de haut en bas, d’Ouest en Est, des périphéries urbaines à l’intérieur des terres et retour – des bosquets d’orangers aux amandiers, des fleurs de cerisiers aux airelles, des courges aux melons en passant par les arbres à poivre, les avocats, les concombres, les noix… Chaque année, les abeilles génèrent plusieurs milliards de dollars – moins en tant que récolteuses de miel que comme transporteuses de pollen. Sans elles, l’offre serait moins diversifiée et plus chère. Les abeilles se situent au début d’une gigantesque chaîne de production alimentaire qui se termine dans les cerises des yogourts et les anneaux de pommes séchées du géant américain de la distribution Wal-Mart ou encore de la Migros, dans les muffins aux myrtilles du Coffeeshop, dans les éclats d’amandes des glaces Mövenpick ou dans les petites rondelles de concombre des McDonalds. Même le steak du restaurant et la brique de lait en font partie car le marché des aliments pour animaux se développe en partie grâce aux abeilles. Bees for rent, anywhere, any crop – Abeilles à louer, partout, pour toutes sortes de fruits. C’est ainsi que les apiculteurs itinérants recrutent en début de saison.

Stefan Scheytt, journaliste indépendant, Neue Zürcher Zeitung, «Zeitbilder», 03.09.2005

Year of production: 2021

The countless portraits of the Syrian president Bashar al-Assad in the middle of an election campaign.

Year of production: 2007

Date: le 5 septembre 2003 à 18h00
Durée du défilé : environ une demi-heure
Lieu : temple allemand, place du Ring
Nombre approximatif de places : 500
En collaboration avec :
Martina Schwarz, Andreas et Raphael Urweider : textes / Daniel Glaus : musique / les chanteuses et chanteurs du Théâtre de Bienne-Soleure: modèles

A l’occasion de son 25e anniversaire de création, Christa de Carouge organise à Bienne une performance pour le vernissage des Journées photographiques de Bienne où elle présentera sa nouvelle collection, avant de prolonger la fête cet automne à Zurich. L’esthétique de la styliste zurico-genevoise étant emprunte de spiritualité, quel endroit mieux que le Temple allemand pouvait servir d’écrin à ses créations ?Une trentaine de personnes, des modèles non professionnels du théâtre Bienne-Soleure, donneront vie aux habits, en les présentant sur une musique originale composée spécialement pour cette présentation par Daniel Glaus et jouée en direct sur l’orgue de l’église. La coupe des habits, le choix des tissus, en pure soie, et leur texture, ou encore la couleur utilisée peuvent évoquer le bouddhisme, avec lequel Christa de Carouge s’est familiarisée lors des voyages au Tibet et au Japon. L’amplitude de ses vêtements aux allures de tuniques unisexes privilégie le bien-être et la simplicité des formes. Le plus souvent découpés dans des étoffes, ses tenues s’illuminent parfois d’un rouge incandescent, une nouvelle couleur qui vient s’ajouter à sa collection. La créatrice, avec un langage créatif qui tend à l’épuration, va à l’encontre du superflu, essayant de tendre à l’essentiel, à une réduction minimale, dense et intense.

Depuis 1986, je vis et travaille dans le Niederdorf, dans la vieille ville de Zurich, comme restaurateur de meubles indépendant. Mais à côté de cette activité, j’ai toujours pratiqué la photographie. En 1994 environ, j’ai eu l’idée de documenter par la photographie mon environnement proche.

Au cours des années, j’ai appris à connaître chaque ruelle et chaque coin, les bistrots et les bars de mon quartier, mais aussi observé ses habitants, les oiseaux de nuit comme ceux qui passaient là par hasard. Cette variété de choses connues, beaucoup vues et confidentielles, de même que l’inattendu, l’unique, la rencontre d’amis dans différentes situations, ce théâtre du monde qui se joue devant mes yeux, voilà ce que j’ai essayé de documenter dans ce travail.

Christian Schwarz

« Le photographe, né en 1955, est dans les situations de tous les jours et de toutes les nuits constamment une part de la réalité qu’il saisit avec son appareil. On voit des gens de tous âges qui se donnent la liberté de vivre de ce côté-ci des règles habituelles. Christian Schwarz n’exploite pas son environnement de manière voyeuriste, mais se tourne vers lui presque tendrement – ses meilleures images de ce Zurich inconnu rappelant le Paris nocturne de Brassaï. »

Wolfgang Jean Stock, Süddeutsche Zeitung

The portraits of Joël Tettamanti’s study entitled “Kobo, Lesotho” focus on the covers (kobo) worn by the Basotho people, the majority community of Lesotho (independent kingdom and enclave within South Africa). Much more than a simple protection, these covers serve also as gifts during key rituals. They are thus social markers. This distinctive trait of the community introduced by the colonisers during the 19th century, in exchange of animal skins, is now disappearing. In 2013 Tettamanti decided therefore to document them. As a likely result of globalisation, what was once a national dress is now worn only in rural and mountainous areas, and it will soon pass into folklore. (HJC)

Year of production: 2013

“Kamagasaki,” the title of this series of photographs by Eduardo Cebollero, is also the name of a district in the Japanese city of Osaka. Once seen as the embodiment of prosperity and Western glamour, Kamagasaki is today trapped in its past and in total decay. Since the economic decline of Japan, the district has become centre to the largest concentration of homeless and unemployed people in the country. The employment office is like a theatre for scenes of people waiting in vain for work and pursuing their empty activities.

Year of production: 2013

Huntsville, Texas. Un village de province endormi qui ne se distingue guère des autres localités texanes, sans centre ni charme, qui parsèment le paysage. Mais alors qu’on longe la onzième rue, on remarque que cette ville est étrange. De puissants murs rouges se découpent sur le ciel : « L’unité des murs », la prison centrale – une machine de mort. 321 exécutions capitales ont eu lieu ici depuis la réintroduction de la peine de mort au Texas en 1976. 451 personnes, dont 9 femmes, attendent en ce moment leur exécution.

James Coburn a été exécuté le 26 mars 2003 par injection létale dans l’Etat du Texas. Il avait tué en 1994 une femme de 55 ans, Peggy Murphy, dans sa ville natale de Conroe. L’appel à représailles est un argument courant pour justifier l’exécution de meurtriers – la famille de la victime doit trouver la paix. « Œil pour œil », voilà le slogan de ce type de justice.Tina Morris a aimé son frère James jusqu’à son dernier jour. Celui-ci a été déclaré schizophrène par une expertise indépendante. Pendant qu’à la prison centrale de Huntsville le poison mortel coule dans les veines de son frère, Tina lui lance un « I love you, James ! » à travers la vitre qui sépare les spectateurs. Comme souvenir de leur enfance commune, il lui reste une photo prise il y a 36 ans.

L’exécution ne figure pas dans la série de photographies; il s’agit de la tragédie personnelle de Tina : nous sommes là lorsqu’elle téléphone une dernière fois à son frère une heure avant l’exécution, ou lorsqu’elle ose le toucher pour la première fois depuis dix ans – à peine une heure après sa mort. Le contact corporel direct avec leurs proches est en effet interdit aux visiteurs dans le couloir de la mort texan.

Le « Journal d’une exécution » montre comment l’argument « œil pour œil, dent pour dent » crée une deuxième famille de victimes. Nous reconnaissons qu’il n’est guère possible de distinguer le bien du mal : il y a des victimes et des coupables – mais les coupables peuvent devenir victimes et réciproquement.

Fabian Biasio

In the digital era, those who have passed away remain omnipresent in our day-to-day life due to their digital footprint, altering our relationship to mourning and remembrance. The rituals surrounding the death of a loved one used to be carried out within a close circle, but have now expanded to social networks. Je vivrai pour toi puts in the form of images the growing phenomenon we are all facing:  virtual eternity. Calypso Mahieu explores ghost profiles that continue to be tagged, poked and notified in the online world. Like digital mausoleums, the accounts of deceased people become spaces for gathering and for communicating with the other world, with people sharing memories, images and sorrows.

For the second stage of this project (the first was presented as part of the festival in 2018) Mahieu has adopted the imagery of mourning and spirituality, such as floral compositions and the use of candles and incense, in order to reproduce virtual altars in hybrid form. These new greeting spaces are rendered physical in a series of still-life images that are printed and exhibited in large format, and are now opened up and freed of their spatial and temporal limits.

With the support of: Pro Helvetia / Ville de Lausanne

Year of production: 2020

According to studies, by 2065 Facebook will have become a digital cemetery with more of its members dead than alive. Je vivrai pour toi explores these ghost profiles of the deceased, who continue to be tagged, poked and notified. Like digital mausoleums, these profiles of the deceased seem to become spaces for recollection and communication with the rest of the world, where memories, images and epitaphs are shared. Like an allegory of the afterlife, the internet is intangible and immaterial. It is an unlimited space, making everyone immortal.

Year of production: 2017

This long-term project consists in seeking out hermits and getting close to them and to their way of life. Nelly Rodriguez often finds them in remote areas of the Swiss countryside. The images that she brings back depict a reality that is little known, while also addressing various issues such as solitude, one’s choice of lifestyle, the encounter with others, and the relationship between society and nature.This series in progress, exhibited for the first time at the Biel/Bienne Festival of Photography, alternates between portraits of people and the spaces, both built and natural, in which they live their lives.

Year of production: since 2010

The exotic, the foreign, the unexplored: aesthetic strategies to create a parallel between the nineteenth century and today, driven by a desire to address a situation of the present as the direct result of the past. Starting from elements that centre on my own life, I come to the much more global notion of neocolonialism. I start from my personal history, but move towards the global problem of power relations between the north and south and to a reflection on capitalism. My day-to-day life is governed by a multitude of transactions, exchanges, and connections at a planetary level. I would not be who I am without the phenomenon of globalization. (YH)

Year of production: 2013

Once upon a time, science and exploration were the stuff of the obsessive amateur, thinkering in his private laboratory. Amateur rocketeers are ordinary, everyday people, with a thirst for adventure and exploration who are quietly continuing this tradition. International Rocket Week is an event which takes place near Glasgow Scotland and attracts rocket enthusiasts from the UK, Europe and the US. Participants spend the week camping outside an old scout hut whilst building their own rockets and then launching on a nearby moor. Rockets cost between five pounds and three thousand pounds. They are built to be retrieved and re-used but things do not always work out this way- many rockets being launched and never seen again.

Year of production: 2014

Le bonheur n’est pas un état, c’est un moment furtif. Penser au bonheur revient inévitablement à évoquer les souvenirs.

Dominic Büttner propose des portraits d’inconnus ou d’amis se remémorant leurs instants de bonheur au singulier ou au pluriel. Ces hommes et ces femmes d’origines et d’âges divers ont deux traits en commun : leur patience mais aussi leur aptitude à se dévoiler face à l’appareil photo.

Les circonstances qui entourent la prise de vue s’avèrent être particulières. Car ces courts instants de bonheur – qu’ils soient enfouis dans le passé ou vécus au quotidien – naissent d’un état de contemplation. Ils sont conditionnés par un certain éclairage, par l’utilisation d’un appareil grand format et par la discrétion de l’entourage. Ils sont la manifestation d’une force intérieure émanant des protagonistes

L’expression du bonheur dépasse le simple sourire. Il prend naissance en dehors du réseau obligé de nos relations, va au-delà d’une simple réaction face au vécu. Le bonheur prend ses racines en lui-même, comme une trace de vie, une aspiration. De façon à permettre à ses modèles de l’atteindre, le photographe respecte un certain silence, sans toutefois se taire complètement. Car c’est dans l’échange suggestif et ouvert que naît cet état de grâce susceptible de déboucher sur un instant de bonheur. Le bonheur n’est pas ici synonyme d’euphorie, encore moins de curiosité et surtout pas de copinage. Il n’est rien d’autre que la faculté de laisser transparaître sa beauté intérieure face à l’appareil photo.

Photographer Pierfrancesco Celada lived for eight years in Hong Kong. From 2016 to 2021, he took pictures every day of a public cargo pier on the west side of the island, a place much prized by Instagrammers, photographers and others for making selfies and images in which they put themselves in scene, using the port as background. As he took his photos, Celada gradually began to notice the repetitions in his own images and in those of others, as well as in the compositions created using this unusual background. The pier functioned as a meeting point between the real world and the virtual world. People often returned there several times to create and recreate images similar to ones they’d already seen and posted online, in order to make memes.

Celada created an exhibition of his images on Instagram. In March 2021, his project was brought to an end when the authorities closed the pier to the public. He then created a port online so as to offer a new space of expression in the virtual world. In Biel/Bienne, his project which questions the power of digital media in contexts where public freedoms are being challenged, is accompanied by an interactive exhibit by the lakeshore: #instagrampierbiel.

Take a picture and post it with the #instagrampierbiel:

• Pilier de l’amour – Liebessäule Nidau (Schlossstrasse 25, 2560 Nidau) : 47°07’47.9″N 7°13’51.5″E
• Rue du Débarcadère – Ländtestrasse (chemin le long du lac) : 47°07’59.9″N 7°13’56.0″E

With the support of: Jura Trois-Lacs, Tourisme Bienne Seeland

Year of production: 2016-2021

Vue d’avion, Tokyo se présente comme un océan sans fin de maisons, dont seuls les hauts édifices des quartiers d’affaires se dressent, telles des îles. La métropole ressemble à un assemblage fortuit d’agglomérations, grandes et petites, reliées entre elles par des lignes de chemin de fer. Les gares forment leur centre. Contrairement aux villes occidentales qui dessinent un plan précis de rues, de places et d’axes importants, Tokyo ne dispose pas d’une organisation facilement perceptible du point de vue de l’urbanisme. Un règlement peu contraignant, des parcelles de petites tailles et une volonté radicale de renouvellement débouchent sur une diversité de constructions qui nuit à l’homogénéité de la ville.
En raison des incendies dévastateurs dus au séisme de 1923, des bombardements de 1945 ainsi que de l’essor économique, rares sont aujourd’hui les maisons de plus de 60 ans. C’est pourquoi l’histoire de Tokyo se raconte non par le biais de ses bâtiments, mais par les rivières et les canaux encore existants. Depuis 1964, on travaille à l’édification du réseau «Tokyo Metropolitan Highway». Par manque de place, cette autoroute urbaine est érigée sur des piliers, principalement au-dessus des anciennes voies d’eau. Sa hauteur et sa longueur de 220 km la rendent omniprésente.
Tout comme la structure de la ville, les bâtiments – excepté les tours les plus récentes – ne sont pas non plus conçus dans un esprit de représentation. C’est principalement l’intérieur des maisons, le privé, qui mérite l’attention des habitants. On se préoccupe peu de l’aspect extérieur des immeubles. Ainsi, la position et la taille des fenêtres dépendent souvent des besoins intérieurs. Aux façades sont encore fixés, très pragmatiquement, les appareils de climatisation, les tuyaux et les canalisations.

Since 2019, artists Giorgia Piffaretti and Sophie Wright have been working together by collecting fragments – pictures, notes, personal archive material – and experimenting with the multiple possibilities, experiences and narrative configurations that can emerge from these starting points. Their research takes on many different shapes, from lecture performances to multimedia installations, to speculate on the volatile lives of a single image. Starting with the discovery of a family photo taken on the summit of Mont Blanc, the work In Vetta triggers an avalanche of fragments and associations from our collective imagination. What does the top of the mountain represent? In this ongoing project, Europe’s highest mountain becomes a metaphor for our contemporary obsession with capturing time. Approaching the glacier as a “natural archive”, In Vetta poses questions relating to the past, nostalgia, loss and preservation that allow us to re-examine the relationship between man, image and nature from different angles.

A project porposed by Espace libre.

Year of production: 2019-

Camille Scherrer’s “In the Woods” is an interactive installation that leads us into an imaginary forest. When visitors cross a beam of light, their shadows get combined with silhouettes of animals and plants, in shapes inspired by cutouts from the Pays-d’Enhaut, Scherrer’s birthplace in the Vaudois Alps. This stroll through the forest, on which one can lose oneself within the confines of a gallery, is for city people who may be in need of nature and adventure.

Year of production: 2012

Isabelle Steiner, jeune artiste établie à Bâle, joue sur les notions d’habillement et de déshabillement dans ce travail intitulé « in et out ». Les sous-vêtements, par un mouvement d’inversion, habillent les différents modèles qui posent pour elle, se superposant aux habits courants. Le dessous se métamorphose en une enveloppe extérieure. Dans une succession d’images qui nous fait voir l’intime, elle met en scène un processus de dévoilement, néanmoins toujours avec pudeur. Sans donner l’impression d’être une voyeuse, elle traite bien plus le thème du sous-vêtement dans une optique sociologique, tentant de mettre en évidence les différentes relations existantes entre l’habit de ville, celui de notre intimité et notre personnalité.Isabelle Steiner ne s’attache pas au vêtement qui enveloppe et cache, mais au contraire à celui qui révèle, non pas le corps, mais un peu du caractère des modèles. Non sans ironie, hommes ou femmes se laissent alors appréhender de manière nouvelle, nous exposant une part de leur intériorité et établissant ainsi une nouvelle présence à l’autre, qui va au-delà de la surface. Alors que l’être humain peut se cacher derrière une façade vestimentaire, Isabelle Steiner dévoile ses modèles et rend visible ce qui est le plus souvent soustrait au regard. Au moyen de cette réflexion sur l’intérieur et l’extérieur, l’intime et le visible, elle cristallise la question du vêtement en tant que deuxième peau.

A useful guide to the properties in the refugee camp in Calais. The “Jungle” is a large residential area in the outskirts of Calais, France, surrounded by a metallic fence and equipped with running water and lights. More than 6,000 refugees used to live in the conditions shown here. Now the camp has been demolished. Here we imagine how it would have been to find a home in the camp. Behind this project there was a photographic project of nearly two years. We chose irony because we were tired of the way traditional media, as well as many photographers, talk about this topic, and we believe there is a need for alternative points of view and narratives.

Year of production: 2016

Sandra Mehl met Ilona and Maddelena in a working-class district of Montpellier in 2015. Aged 12 and 11, they live in the small apartment they share with their parents, Maddelena’s godfather, five dogs, four cats and a multitude of objects depicting American Indians and Johnny Hallyday. The photographer followed them closely for two years, to capture those moments when they transcend their daily life during their adolescence, a time of self-construction.

Year of production: 2016

Images from Libya taken on an iPhone. This iphotojournalism has a different aesthetic that leads us to reconsider the content of the images.

Year of production: 2011

In March 2016, the European Commission closed the “Balkan route.” Even so, on the afternoon of Monday, March 14, several hundred of the 15,000 refugees stuck at Idomeni made their way through fields and were able to get around the barbed-wire fence and arrive at the village of Moin. They were arrested by the Macedonian army and sent back to Greece. Despite their failure, this shared journey remains a last gesture of emancipation and a demand for freedom of movement into a Europe that is building walls. The video bears witness to this clandestine movement doomed to failure.

Year of production: 2016

Jenny Rova spies on her ex-boyfriend and his new girlfriend; she follows them on Facebook and downloads pictures that they’ve taken of themselves and of each other. Jenny Rova puts herself into the place of the new girlfriend. She imitates her poses, her expressions, and her outfits, and photographs herself in the same light as in the pictures of the couple; then she cuts out a picture of herself and pastes it onto the original picture, covering up the new girlfriend. In this way, Jenny Rova builds her own dreamworld on top of that of the couple.
Through this process of posing, Jenny Rova briefly becomes once more a part of her former boyfriend’s life, and can imagine what it would be like to be in the new girlfriend’s place.

Year of production: 2010

These images, taken from photographs in newspapers and magazines, are reworked to narrow our gaze so that we seem to be looking through a telescope or a keyhole.

Year of production: 2011

Pylône électrique abandonné dans un désert qu’une route balafre, cimetière d’automobiles se déployant dans des enchevêtrements végétaux, barres de résineux enveloppées d’une vapeur irréelle. Entre les mains de Nicolas Denis, le paysage se détache de son support – le monde – pour devenir une image.

Le photographe propose des énigmes visuelles à partir de ce qu’il voit réellement. Ses photos pourraient être extraites d’un magazine de géographie au papier luxueusement glacé. Les reliefs disparaissent au profit de lignes, de plans qui se succèdent – rappel direct des premiers collages panoramico-photographiques de Nicolas Denis.Et pourtant, ces paysages, aussi artificiels soient-ils – car le paysage est une invention – expriment également une appétence photographique pour les contrées que Nicolas Denis traverse. Le mythe du voyageur dix-huitiémiste n’est pas loin: tout en expérimentant la virtualité narrative de paysages pris en flagrant état de nature, le photographe lève le voile sur des coins de monde insoupçonnés.

Florence Grivel, historienne de l’art

Year of production: 2020

At the age of just 22, without any experience neither sponsorship, Stephen Dock went to cover the conflicts in the Middle East and their consequences. Ten years later, he is undertaking a rereading and reinterpretation of his photographic record of Syria. Be establishing a temporal and factual distance from this archive, he radically reappropriates his own documentation through experimentation and alteration, unencumbered by the codes of photojournalism. He thus arrives at an investigation into the organic material of both the analogue and digital image. Between images of destruction and destruction of the image, this series involves a deep questioning of the role of the image and the photographic vocabulary of war. The project Human Interest Stories interrogates the function of photography in a broad sense and considers the status of the author. 

In collaboration with curator Audrey Hoareau.

Year of production: 2011-2021

Il n’y a rien de plus contraignant qu’un tatouage. Tu peux te séparer de tout, tu peux tout perdre, le tatouage reste tien pour ta vie entière, pour autant que tu ne l’effaces pas en recourant à une coûteuse opération au laser. Et pourtant, les gens viennent souvent à l’atelier en voulant ce que les autres ont. N’importe quel motif facile, pourvu qu’il soit « in ». Ou alors ils disent : « Fais simplement quelque chose, tu fais ça bien ». La tatoueuse appelle cela « absence de responsabilité » , lorsque quelqu’un veut laisser décider la mode ou la tatoueuse de ce qu’il portera sur sa peau pour toujours. Irréfléchi et irrespectueux. Le motif devrait avoir un rapport avec la personnalité, la conscience de soi, le parcours autobiographique. Il n’est pas nécessaire de devenir un album de souvenirs multicolore comme ces galeries de peinture ambulantes qui ont un jour commencé petit et n’ont plus cessé ensuite de collectionner des images, jusqu’à investir chaque parcelle de leur peau, de façon à ce que le manteau protecteur soit parfait et qu’elles ne doivent plus jamais se sentir aussi nues que lors de l’expulsion du paradis. Celui qui au contraire débute avec un motif occupant une grande surface s’est plus intensément préoccupé du comment, pourquoi, d’où, où. Et il ne se laisse pas non plus nécessairement séduire par l’esthétique décorative d’un tatouage noir, tel un bijou à exhiber. Il préfère même plutôt le faire appliquer à un endroit où normalement les vêtements le dissimulent ; il le porte ainsi sur lui tel un trésor caché. Car sa signification va bien au-delà de la simple parure. En tant que message codé remontant aux origines de l’humanité, il relie l’être qui le porte aux mondes lointains où les tatouages étaient et sont toujours d’authentiques rites d’initiation.

Margret Mellert, tiré du reportage sur le travail de la tatoueuse Jacqueline Spoerle, Neue Zürcher Zeitung, 25/26.5.2002

Mary Maggic’s video is a fictional TV show in which the two trans-femme hosts, Maria and Maria, teach the viewers how to make their own hormones in the kitchen. With a lot of irony, this video, reminiscent of Martha Rosler’s Semiotics of the Kitchen, examines the representation of sexuality in the media and the norms that define sexual identities in our society, and interrogates the pressures on individuals to submit to hormone treatment. Choosing the kitchen as a battleground, Mary Maggic speculates about a world with less discrimination and greater autonomy for everyone.

Year of production: 2017

L’hôtel Viktor est un bâtiment de 12 étages situé dans la ville de Most au nord de la Bohême. Les chambres des 4ème, 5ème et 6ème étages sont destinées à des personnes qui, pour une raison ou une autre, se retrouvent sans logement pour une durée indéterminée.

En 2001, durant un séjour à Most, Vanessa Püntener loge comme cliente régulière dans cet hôtel. Elle y fait la connaissance de retraités, chômeurs, pères de familles divorcés, voire de familles entières vivant dans des chambres de 16 m2.Son attention se porte sur le comportement d’individus appelés à vivre dans un cadre uniformisé. Au départ, les pièces mises à disposition par l’hôtel Viktor sont toutes identiques. Mais la présence de ces clients particuliers fait qu’elles acquièrent une touche singulière et personnelle.

Une chambre à coucher relève de la sphère privée, tout comme un journal intime. La manière de la décorer reflète-t-elle la personnalité des gens qui l’habitent? La façon qu’on a d’y ordonner ses affaires a valeur de portrait. Le lieu devient portrait.

“Hoselupf” is a vernacular word meaning “to lift up by the pants.” Sabina Bösch’s project examines the women’s division of Schwingen, or Swiss wrestling, the most traditional sport in Switzerland. This sport, which women did not win the right to participate in at a professional level until 1982, remains essentially masculine. Armed with her camera, Bösch accompanied women and girls during a season of five tournaments in the summer of 2019 that took place at various locations across Switzerland. The series of colour and black-and-white images assembles shots in which the gender of the wrestlers is not always easily discernible.

Sometimes presented in diptychs to create a dialogue between two images or two bodies, simultaneously sensual and brutal, her photographs give a contemporary female perspective on a combat sport, and bring their protagonists out of the shadows to which even today they are still often relegated.

Year of production: 2021

Cela fait dix ans que Markus Bühler-Rasom parcourt le Groenland: le pays et ses habitants sont devenus avec le temps sa deuxième patrie. C’est là qu’il a appris à connaître les inuits, du nom des esquimaux des terres arctiques.

Les inuits du nord du Groenland ont depuis longtemps cessé de vivre dans des igloos. Leurs maisons sont équipées du chauffage, de la télévision et du téléphone. Si la vie des villes et des villages du Groenland s’apparente à quelques exceptions près à celle en Europe, elle demeure conditionnée par le climat arctique. Les phoques et les poissons constituent les produits alimentaires de base des esquimaux. Mis à part les animaux indigènes, le Groenland n’offre pas d’autre forme de subsistance: tout autre produit doit être importé. Durant les longs mois d’hiver, il est souvent très difficile de se ravitailler. Les tempêtes interminables empêchent pratiquement tout avion de voler. Les localités ne sont reliées entre elles par aucune route. Aujourd’hui encore, les principaux moyens de transports sont le bateau en été et les traîneaux en hiver. Pour assurer leur subsistance, les inuits sont obligés de chasser. Ce n’est pas de leur plein gré qu’ils continuent à honorer les traditions séculaires et à se procurer ainsi leur nourriture. Ce sont les conditions climatiques qui les y obligent. Certes, une société moderne se développe en parallèle. Elle soumet notamment les jeunes inuits à rude épreuve, ainsi qu’en atteste leur forte consommation d’alcool. Mais ce n’est pas demain la veille que le peuple de l’Arctique cessera d’être exposé à la rudesse du climat. Or la perte des traditions signifierait inévitablement la fin de leur culture.

Nina Berman photographie dans le monde entier, en prêtant toutefois un intérêt particulier au paysage social et politique des Etats-Unis : “La plus grande partie de ma vie, je l’ai passée à parcourir les Etats-Unis, afin de comprendre ce qu’est l’American Way of Life”. Elle se consacre aux traces visibles engendrées par les idéologies dans le monde. Dans sa série Homeland, Berman rend compte de la militarisation du quotidien américain, après le 11 septembre 2001. Le titre de son travail fait référence au « Department of Homeland Security », créé par George W. Bush afin de protéger les Etats-Unis d’attaques terroristes. La photographe observe les agissements de ses compatriotes avec un regard acéré. Bien que le soleil brille la plupart du temps, le monde reste empreint d’une profonde tristesse. Les sujets paraissent être prisonniers d’un monde de rêves, hermétique et surréel. La société des loisirs américaine se mêle aux exercices d’urgence. Les gens sur la plage portent leur regard haut dans le ciel sur la silhouette d’un bombardier de type B-2 Stealth – un trou dentelé dans le ciel, censé les protéger. En arrière-fond on peut lire “Paintball with Live Targets”. La peur fait partie du quotidien. Le niveau de menace du moment est communiqué par drapeaux de couleur, de façon à aider les habitants. Que dire du drapeau jaune sur lequel on peut lire “significant risk” ? La peur génère l’identité. Nina Berman nous montre à répétition des enfants et adolescents – dont les souvenirs les plus marquants consisteront en des jeux de guerre, dans une forêt inondée de soleil. La vie en état d’urgence sera pour eux la normalité, sans qu’elle soit questionnée (ni questionnable) : cette normalité s’appelle “Homeland”. (Simon Stähli)

Année de production : 2008

The process of manufacturing Aleppo soap was developed in antiquity in the Levant, where Aleppo was in that era one of the main cities. Emmanuel Tussore makes sculptures out of this malleable and fragile material and then photographs them. Thanks to this production method, Aleppo soap becomes the symbol of a rough destructive force. The resulting ruins tell a story of absence, loss and exil, and call into question humanistic values. Drawing from history to depict present-day problems, Tussore offers a vision of the world in which the idea of disappearance dominates.

Year of production: 2017

The Photoforum Pasquart proposes for this edition of the Biel/Bienne Festival of Photography, entitled Flood, a carte blanche to the artist Myriam Ziehli, taking as a starting point the recurring historical motifs of the deluge and the catastrophe.

„This starts from a very simple intuition; that the conservation in the zoological structure is reminiscent of two biblical parables: that of Noah’s Ark and before it, of Genesis. Indeed, the zoo represents a closed conservation structure, and thus constitutes a form of ark. The emergency of the apocalyptic situation in the parable evokes contemporary ecological problems, in particular the worrying loss of biodiversity characterised by the sixth mass extinction. Noah’s patriarchal and hierarchical authority on the animals he chose and ‘saved’ recalls the Western insolence, on the one hand, in defining a prioritisation in conservation actions and, on the other hand, in the way animals are defined as representing their species within the zoological park.

Finally, the ‚naturalistic’ perception (according to the four ontologies defined by Philippe Descola), separating the ambient world (environment) of humanity is found at the beginning of the Bible, in Genesis 1.26, we find this verse: ‚Then God said, Let us make mankind in our image, in our likeness, so that they may rule over the fish in the sea and the birds in the sky, over the livestock and all the wild animals, and over all the creatures that move along the ground.’

Would these visions of ‚nature’ under the domination of ‚man’, which today seem absurd, allow us to review our culturally constructed–and deeply rooted–relationship of ‚sovereign over nature’?“

Likes, retweets, followers and friends are building a system of values based on popularity. Constant Dullaart investigates this phenomenon in High Retention, Slow Delivery. He noticed that many social media profiles are entirely machine-generated, consisting of random photos and names found online. He bought large numbers of these fake Instagram users, which he then assigned and spread evenly to various people on the platform, making it impossible to tell if one person is more popular than another.

Year of production: 2017

A l’âge d’un mois, Carmela Harshani Odoni est adoptée par ses parents au Sri Lanka et débarque en Suisse. Deux ans plus tard, une sœur, également originaire du Sri Lanka, vient la rejoindre. Toutes deux grandissent bien entourées à Rothenburg (LU), avec la conscience d’être différentes.

Jusqu’alors, Carmela Harshani Odoni ne s’était pas intéressée à son adoption ni à ses parents biologiques. Elle voulait vivre comme les autres. Mais avec l’âge, et en se découvrant petit à petit, surgirent également les questions: qui étaient son père et sa mère? Pourquoi l’avaient-ils donnée à adopter? Comment les gens de là-bas vivent-ils? Elle se rend alors à l’ambassade du Sri Lanka à Genève pour s’informer des différents moyens de recherche. Sur ses papiers, on découvre au verso d’un document une adresse à Colombo.En octobre 2004, Carmela Harshani Odoni retourne pour la première fois depuis 24 ans pour une semaine dans sa patrie. Dans ses bagages, son passeport cinghalais (sri lankais), son certificat de naissance et cette adresse.

Au début, tout va bien. Elle établit des contacts avec des familles sur place et apprend à connaître leur quotidien. Les gens font preuve de sollicitude à son égard. Les Cinghalais et les Tamouls vivent en paix avec les bouddhistes, les musulmans, les hindous et les chrétiens. La rencontre à l’adresse mentionnée donne aussi bon espoir à Carmela. Une femme du nom de Galappathi lui promet de l’aider dans ses recherches.

Lors du deuxième voyage, les événements se précipitent. Le Tsunami déferle sur le Sri Lanka au moment où Carmela Harshani Odoni débarque. Peu après son arrivée, Madame Galappathi lui annonce qu’elle a probablement retrouvé sa mère… Mais c’est la dernière fois qu’elle reverra cette femme. Pour Carmela Harshani Odoni, les moments de joie extrême font place à des périodes d’amère déconvenue. Cette femme voulait-elle la lancer sur une fausse piste? En savait-elle plus sur sa mère biologique qu’elle ne voulait l’avouer? Ou s’agissait-il même de l’une de ses filles? Autant de questions qui demeurent sans réponse.

For one year, day after day and month after month, Ang Song Nian documented the pollution level in the city of Singapore and its region. During this time, an increase of forest fires on palm plantations devoted to palm oil production had an impact on the concentration of fine particulates in the air. He meticulously transcribed the air pollution index as measured by Singapore’s National Environment Agency into levels of grey on photosensitive sheets. Composed of images that have been exposed to light according to the level of pollution of the day and arranged into twelve blocks (each representing a month in the calendar), his installation metaphorically alludes to the impossibility for individuals to visualize the daily impact that their overexploitation of nature has on the environment, but also the daily passivity of humans when confronted with the climate problems that they themselves create.

Year of production: 2016

Playing with perspective and relations of scale, Eva Maria Gisler’s photograph Hang seems at first like an abstract painting, but then plunges the gaze of the viewer into the subject of the image: heaps of garbage. By digitizing and enlarging a film photo representing abandoned waste, Gisler confronts us with a visual reality that reminds us of our overconsumption and questions the impact, conscious or not, of human beings on the environment.

Year of production: 2018

Nous n’attendons pas des vieilles personnes qu’elles travaillent encore. Elles doivent, dans la mesure de leurs possibilités, jouir de la vie. Madame Kawai de la province de Chiba, qui est à la bordure est de Tokyo, est âgée. Elle a 84 ans. Et elle est une « Gyosho ». Les deux caractères japonais pour « Gyosho » signifient « aller/conduire » et « faire du commerce/marchander ». On pourrait donc traduire « Gyosho » par « colporteuse ».

Chaque semaine, du lundi au vendredi, Madame Kawai amène son lourd ballot de 60 kilos de légumes, fruits et produits à base de riz à Tokyo pour les vendre. Et ceci depuis plus de 60 ans. On pourrait penser que ce dur labeur l’aurait aigrie et ravagée. Pas du tout : Madame Kawai est une femme forte, heureuse, rayonnante et faisant preuve d’assurance. Comme la plupart des colporteuses que j’ai rencontrée.Lorsque j’ai vu pour la première fois des Gyoshos à Tokyo, j’ai tout de suite été frappé par leur apparence. Ces vieilles petites femmes courbées dans leurs habits paysans et avec leur gros ballot de légumes sur le dos détonnaient au milieu de l’agitation trépidante et affairée de la grande ville moderne. Elles me paraissaient des messagères d’un autre Japon, plus ancien.

En 1949, près de 3000 Gyoshos arrivaient chaque jour de Chiba à Tokyo. Aujourd’hui, l‘« Association de la ligne de Keisei » ne se compose plus que d’environ 120 femmes. Comme les jeunes femmes ne veulent plus travailler comme Gyoshos et que l’âge moyen des Gyoshos actives est d’environ 70 ans, leur nombre diminue rapidement.

Les images montrées ici sont le résultat de deux bonnes années de travail. Avant de vraiment pouvoir prendre les premières photographies, j’ai dû établir un contact avec ces femmes. Comme leur association est très fermée et hiérarchisée, cela ne fut pas si simple. Il a fallu beaucoup de patience et de compréhension de part et d’autre. Mais après, elles m’ont permis de prendre des images, ce qu’aucun autre photographe avant moi n’avait encore pu faire.

Dans une dizaine d’années, il n’y aura plus de Gyoshos. Mais je continuerai d’essayer de témoigner de leur héritage par le moyen de la photographie; parce que je recours à l’une des propriétés élémentaires de la photographie: capturer le temps.

Andreas Seibert

En 2001, Barbara Davatz a fait le protrait de 12 familles de la région de l’Oberland zurichois ; 93 femmes, hommes, jeunes et enfants sont représentés sur 77 photographies couleur de 35 x 50 cm, et rangés par familles de 2 à 13 images.
« Gsüün » désigne selon le « Schweizerischem Idiotikon » (dictionnaire des dialectes) un type précis de peuple ou de famille, mais signifie également face, visage, ou expression du visage. Ce mot s’entend encore de temps en temps.
Un travail de recherche visuelle a été réalisé, qui traite de similitudes familiales, de parentés, de la transmission de caractéristiques physionomiques et de particularités physiques à l’intérieur d’un arbre généalogique. Une autre thématique, qui ne saute peut-être pas immédiatement aux yeux, sous-tend ce travail plus en profondeur : le passage des générations, le cours de la vie.
Les personnes ont été photographiées de manière strictement frontale, devant un fond gris clair, en studio, « extraites »
de leur environnement, afin que plus rien ne distraie de la silhouette et de ses significations. Les figures apparaissent ainsi en toute clarté et netteté. La réalité objectivement représentée peut ainsi exercer intensément sa pleine fascination : la sobriété de la prise
de vue permet aux personnes de se « représenter » elles-mêmes.
Cette présentation centrée sur l’essentiel permet l’« étude morphologique » d’une collection scientifique unitaire, l’observation curieuse et précise des silhouettes avec leurs références.

Jumeaux, une lubie de la nature
La photographe traite de la question de l’unicité de l’individu dans cette série de 1982 comprenant 52 paires de jumeaux.
Elle y prend pour exemple des couples d’humains nés avec un « code de vie » absolument identique. Au cours du travail, la photographe a pu observer que ces « êtres doubles » ont véritablement un « alter ego » en chair et en os comme compagnon de vie, et que cette très forte, profonde et durable relation les empêche probablement de se sentir « seuls » au monde ou « abandonnés », en tant qu’individus dans la masse, comme nous, les non-jumeaux.

Si l’on tient compte, en arrière-plan, des plus récentes recherches en génie génétique qui tentent de décoder les « derniers secrets » de la vie humaine, ces deux travaux de photographie sont tout à fait d’actualité.

« Gsüün » et « Jumeaux, une lubie de la nature » suivent d’autres séries conceptuelles de portraits de la photographe Barbara Davatz, portées par une curiosité quasi scientifique, par la confiance en l’élémentaire force d’expression du représenté traité de manière encyclopédique, par un amour du visible, une fascination pour la manifestation physique, et un intérêt pour les questions touchant à l’identité ainsi qu’à l’appartenance à d’autres individus et au groupe.

“Grosse kleine Welt”, which takes its title from a novel by Robert Walser, turns its gaze on a region and a town that Walser often observed and contemplated. “Grosse kleine Welt” presents a portrait of the author through present-day walks among the images and landscapes found in this part of the world. The images from this journey are accompanied by two short texts by Walser, “Die Vaterstadt” and “Der Mond”.“Interférences et variations” calls into question our ways of seeing and listening; the image and its transmission are examined in a dialogue that is sometimes absurd, sometimes melancholy, sometimes aggressive.

“Grosse kleine Welt”, French version: 12h I 14h I 16h – German version: 11h I 13h I 15h I 17h.
“Interférences et variations”, (French only) follows the projection „Grosse kleine Welt“.

Year of production: 2013 | 2011

How to orient ourselves within complex political and historical situations? What are causal networks and their repercussions, where do different narratives lead us, and what is my particular perspective on a thing among others? How can dust and shade be witnesses, how is the gap speaking? Abächerli’s solo exhibition at espace libre explores multiple perspectives of political and historical narratives. She presents a video installation in which stop motion techniques are used to layer documentary material with animated drawing, creating a situation of constant interruption.

Year of production: 2022

J’ai suivi Giulia entre décembre 2005 et août 2006. A cette époque, elle se battait contre la maladie : un cancer du sein.
Ce que mon objectif a capturé est moins la représentation d’une maladie que celle de la perte de la féminité. Et qu’est-ce qui au fond constitue cette féminité ? Derrière cela se cache une peur, celle de ne plus être une femme, de ne plus être considérée comme telle. Ce sont des peurs primitives qui se dissimulent en nous, amplifiées de nos jours par d’inaccessibles images idéales véhiculées par le show business et la publicité.

Les cheveux de Giulia symbolisent une nouvelle perception de sa féminité. La manière dont la finesse, la douceur et la féminité réapparaissent témoigne d’un processus qui est non seulement externe mais aussi interne.

Between 2006 and 2013, Lucas Foglia travelled through Idaho, Montana, Nevada, New Mexico, Texas, and Wyoming, some of the most sparsely populated regions of the US. “Frontcountry”, published by Nazraeli Press, begins with images of cowboys and gradually shows the encroachment of the mining companies: gold, oil, natural gas, copper, coal. In the American West, ranching and mining have two parallel histories. Cowboys and ranching culture are the identity, printed on license plates and tourist souvenirs. But if Nevada, for instance, was a country, it would be the fourth largest gold producer in the world. Companies are digging bigger holes to find smaller things, leaving pits where there were mountains. “Frontcountry” is a portrait of the people who live in the contemporary, rural American West, and the ways they share and depend on a landscape that still feels wild. (LF)

Year of production: 2006-2013

For this project, Ekaterina Sevrouk photographed male refugees from Africa in natural environments and alpine regions of Austria. The artistic intent of the photographer is interlaced with the self-image of the refugees and their self-perception. The title draws on Franz Schubert’s romantic lieder cycle Winterreise set to poems by Wilhelm Müller. The songs were composed in 1827 and describe the Passion-like journey of a wanderer between exuberant joy and hopeless despair. Where Schubert used the piano to express the stranger’s melancholy and soul-state, Ekaterina Sevrouk uses the resources of photography to create a mood and atmosphere of otherness and alienation.

Year of production: 2017

Real space, images and reflections mingle together and disorient our gaze.

Year of production: 2012

Like a cellular organism growing and developing according to its genetic code, a crowd structures itself spontaneously. Emotions get manifested in an amplified, and even violent way. There is a moment of excitation when individuals melt together into a homogeneous human mass. Individual personalities become parts of a complex body that takes on the rhythms of spectacle. This mass begins to move, and comes to life in a kind of slow undulation. These vibrations form a wave made up of signs and sounds.

Year of production: since 2011

Year of production: 2018

Since childhood, Tymon Markowski has lived in Bydgoszcz where the Brda River ends. To get to know it, he went on the road. For a year, he explored places along the river, looking for surprising and unusual scenes. His trip took a whimsical turn when he discovered a second village named Bydgoszcz at the source of the river. The distance between the two Bydgoszczs is 106 kilometres in a straight line. It’s an unusual space that Tymon dove into.

Year of production: 2016

After photographing various private collections of contemporary art in Europe, Nicolas Delaroche turned to China, the world’s leading art market. First Seen explores thirty private art collections in China and Hong Kong, using the same approach to produce a dialogue between the artworks and their surroundings. In this series, Delaroche uses a new compositional aesthetic that responds to the Chinese context, as well as an engagement inspired by the art collections that he visited.

Year of production: 2017

Esther Hovers’ installation False Positives questions the reliability of the surveillance systems used in public spaces. Hovers turned her attention to surveillance cameras in the business district of Brussels that are programmed to detect “deviant” behaviour. Such behaviour, which is considered suspicious because it is potentially criminal, is identified according to a pre-programmed set of eight anomalies that were defined by experts in surveillance systems, with whom Hovers has collaborated. These anomalies are incorporated into photographic montages and sketches to examine the notions of normality and deviance in systems of surveillance.

Year of production: 2015-2016

The video “Face Swap (present)” has been filmed recently in Bluffdale, Utah, US, precisely in front of the NSA Data Center. Since Edward Snowden’s breakdown leaks about USA mass surveillance, this center is supposed to store information about people without their consent. The video, which is more likely a living picture, refers to recent application on smartphones that can permute two people’s faces. Here, the face ends being trapped in the screen, while the face becomes a dark hole. This work talks about online identity and the confusion between the machine-object and the human being.

Realized with the assistance of Dash and Hunter Longe.

Year of production: 2017

Depuis 1950, les mineurs du Bas-Rhin ont «dévoré» 25’000 hectares de forêts, prairies et terrains d’habitation. La plus grande roue excavatrice du monde ronge la terre de l’exploitation minière de Garzweiler sur une longueur de 240 mètres et une profondeur de 100 mètres. Capacité de production du site : 240’000 m3 par jour. La mine à ciel ouvert est à l’origine du départ de dizaines de milliers de personnes. Garzweiler fait partie des villages miniers de la région. Or les gisements houillers de Garzweiler I sont sur le point d’être épuisés. Malgré l’opposition des défenseurs de l’environnement et de la population locale, le site de Garzweiler II a reçu l’autorisation d’être exploité.Chaque jour qui passe rend le trou béant plus proche. 7’600 personnes supplémentaires ainsi que 18 villages seront sacrifiés au nom de Garzweiler II. Quatre cents mètres séparent encore Otzenrath de la mine. Ce village sera parmi les premiers à être engloutis par Garzweiler II d’ici trois à quatre ans. L’exode des habitants a déjà commencé.

De nouvelles localités voient le jour : Neu-Otzenrath n’est situé qu’à quelques kilomètres du village d’origine. Les anciennes localités telles Altdorf, Inden et Etzweiler ressemblent à des villages fantômes. Les maisons abandonnées sont visitées par les pillards. Les derniers habitants des fermes vivent au milieu de demeures délabrées. Bientôt, ils devront à leur tour quitter les lieux et laisser derrière eux tout ce qui leur est cher. Leur nouvelle patrie factice les obligera à recommencer une nouvelle vie.

Travail photographique réalisé en 2002.

Jordis Antonia Schlösser

As a woman brought up in China, Pixy Liao used to think she could only love someone older and more mature than herself, who could protect her and be her mentor. When she met her current boyfriend, Moro, who is five years younger than she is, her conception of relationships changed completely. In 2007, she started to experiment physically and visually with him, setting up in front of the camera all kinds of situations for her and Moro to perform. Her subtle photographic serie examines the question of power in a relationship, and the possibility of exchanging power in the private sphere.

Year of production: 2007-

Patrick Pfeiffer fait de la photographie de théâtre depuis sept ans. Les photographies qu’il montre aux Journées photographiques de Bienne ont toutes été prises lors des deux dernières saisons du Stadttheater de Constance, sous la direction de Dagmar Schlingmann, et du théâtre Bienne-Soleure, dirigé par Hans J Ammann.

Ces photographies documentent d’une part l’apparition de l’image digitale dans le domaine de la photographie de théâtre, jusqu’ici associée au noir-blanc. Elles sont empreintes d’une sensualité plutôt non documentaire, ce qui rapproche stylistiquement ce travail d’une photographie publicitaire et de mode contemporaine.

Les exigences du monde théâtral et des rédactions de journaux se recoupent cependant rarement avec une conception de l’image affranchie et détachée du contexte de la commande. Ainsi, ce sont des travaux jusqu’ici pour la plupart non publiés qui sont montrés à Bienne. Les images ont toutes cette légèreté un peu audacieuse qui nous donne l’impression que le mouvement n’est pas figé dans la prise de vue, mais déborde bien plus la photographie, au-delà de l’instant photographié.

Que savons-nous du Parlement européen, de ce qui s’y passe, de ses ambiances et des gens qui le fréquentent ? Quelles images nous faisons-nous de cet endroit caché, dont la façade de verre rappelle que l’on peut jouer de l’idée de transparence ? Que pensons-nous connaître de ce monde, dont les médias se font les rapporteurs privilégiés ? De cet univers institutionnel et formalisé à souhait, Martin Kollar rend compte de façon singulière dans la série “European Parliament”. Loin de l’iconographie officielle qui nous est habituellement présentée, Kollar immortalise ces hommes et ces femmes de pouvoir dans des situations inattendues, à la frontière de l’absurde et de l’ironie. Cet univers-là est pourtant le leur, celui du Parlement européen, où se jouent des scènes ordinaires entre gens ordinaires – libérés qu’ils sont de leurs responsabilités professionnelles. Il ressort de cette série, et du travail de Kollar en général, une étonnante capacité à faire ressortir cette banalité, un côté “nothing special” que seule une prise de distance parfaitement maîtrisée permet de révéler. (Géraldine Delley)

Année de production : 2007-2008

In “Eukalyptus & Vegas,” two photographers bring together two different projects on identity. For Michal Florence Schorro, “Eukalyptus” refers to the search for her roots and for her “Heimat”: an ever-changing place from which she gathers objects, landscapes, and the distinctive gestures that come to the surface. For Prune Simon-Vermot, the word “Vegas” recalls her newly discovered Spanish origins, and drives her to investigate herself and the culture of her new country.

Year of production: 2013

L’Union Soviétique existe encore, le mur aussi. Mais les dissidents commencent à prendre la parole. Une exposition d’art en plein air, rasée par des machines de chantier, va entrer dans l’histoire sous le nom d’« exposition bulldozer ». C’est à ce momentlà que naît l’intérêt de Sergei Borissow pour l’art dissident. De cette époque datent ses premières photographies d’atelier et ses portraits d’artistes. Il crée aussi des affiches et des pochettes de disques pour des groupes de musique de Moscou et de Léningrad.

Borissow pratique très jeune la photographie, à la maison des pionniers. Il découvre tôt l’Union Soviétique, en particulier l’Asie Centrale et la Sibérie, alors qu’il travaille dans les cuisines des wagons-restaurants. Professionnellement, il se présente comme photographe publicitaire et de mode, des métiers inhabituels pour ce temps-là. En effet, la mode est restée longtemps un mot appartenant au vocabulaire décadent de la bourgeoisie occidentale.Les mannequins ne lui servent cependant pas uniquement pour des photographies de mode. Il les utilise comme acteurs pour ce qu’il appelle des « photos-théâtre ». Il les revêt d’insignes idéologiques ou patriotiques, et les photographie devant des monuments ou des lieux représentatifs de la Russie, de façon caricaturale et ironique. Résultat : des images mises en scène.

Cet intérêt pour la mise en scène le conduit tout naturellement à s’intéresser aux arts de la scène. A partir de 1986 déjà il recourt également à la vidéo. Sergei Borissow peint aussi, et ce depuis toujours.

Borissow appartient à la scène, cela vaut autant pour ses images arrangées que pour les groupes sociaux qu’il photographie : la scène, qui se met elle-même en scène.

I am fascinated by the diversity and variety that can be found in online repositories of “alternative” images. Google and Instagram, as well as auction sites like Ricardo and eBay, represent an almost inexhaustible source for my work. By recontextualizing the online flood of digital images, my work gives rise to exciting new perspectives and visual commentaries. Using Google’s Reverse Image Search tool, I produce spatial portraits in which my own original images enter into a dialogue with related images from Google. In this way, I make use of the system’s blindness to content, which continually produces surprising and unusual results. The participatory algorithm on display also raises the question: How relevant are works of photography in the post-photography era? (TJ)

This exhibit has been created especially for the Biel/Bienne Festival of Photography.

Year of production: 2015

The photographer slips without notice (but through meticulous work) into the skin of iconic celebrities.

Year of production: 2010

The series of images presented by Catherine Leutenegger are the result of her stay as an artist in residence in the megalopolis of Chennai, India. There she photographed the second life of the canvas posters, placards and murals that are created and presented in public places: posters of celebrities like actors and politicians, of unknown people for their birthdays, memorials and publicity campaigns. These images can later be found at the seaside, being used to cover fishing equipment or vendors’ stalls, producing a visual chaos in which different worlds come together and intermingle. When reused for different purposes, the previously two-dimensional images turn into three-dimensional sculptural mounds, distorting the faces depicted on them. Gradually they get torn up, then fade and disappear, in a kind of metaphor for the fragility of the image and the individual in present-day society.

Year of production: 2020

Winner of the first Geneva photographic survey in 2016, Elisa Larvego has created a photo reportage on the sports world in Geneva from a societal perspective. She spent six months in the city’s sports venues and clubs with the aim of capturing the ephemeral post-game moments among people in the 18-30 age group. Her authorial perspective on humanity presents about twenty kinds of sporting activites, putting them into dialogue with the environment in which they are done. The result is a mosaic of portraits of young athletes, confidently looking at the camera, an eloquent testimony to sports among the young people of today.

Year of production: 2016

Photographic documentation commissions have a long and rich history, in Switzerland and abroad. This new exhibition traces a history of photography commissions in the French-speaking region of Switzerland from 1989 to the present. It gathers images drawn from four photography commissions in French-speaking Switzerland that are still ongoing: those of the cantons of Fribourg, Geneva, Neuchâtel and Valais. Such commissions are a way of supporting photography, but are also an essential tool for the preservation of heritage by way of images. Their organization and mode of operation are very different from region to region. The goal of this exhibition is to highlight the richness and variety of the results of this support for regional photography, and to show the particular characteristics of each commission, which are determined by the needs and expectations in each place; it will also allow the public to appreciate the diversity of gazes among the creators.

This contribution to documentary photography will be discussed by photographers and image specialists in a round table moderated by journalist Florence Grivel on Saturday, May 18, from 2 to 5 pm.

In her work, Silvia Rosi re-enacts moments inspired by her family history drawing on her Togolese heritage and those migratory paths that led her to be born in Italy. Operating in a personal way on the artistic strategies developed by the tradition of West African “studio portraits”, Rosi places at the center of her practice the visualisation of Italian Afro-descendence and the constant work of identity negotiation asked of those Italian subjectivities that carry within themselves a diasporic history. Her images evoke topics of tradition brought to the present, and the effects of migration upon them. The tradition of head carrying is one of the central aspects she analyses in her work. In Encounter, the artist highlights the complexity of family relations and the (self)representation of family ties as a place of emergence of structural social issues and celebration of subjectivities hidden in the mainstream.

Year of production: 2019

Je ne suis pas dupe de l’illusion de tranquillité qui protège ce monde. Les paysages me parlent des intrigues, des réflexions et des vies intérieures de ces personnages. Et je suis conscient des conversations qui se créent entre eux deux. Je veux frapper violemment sur cette vitrine d’illusions, et je demande à ce qu’on m’y laisse entrer. Mais j’ai peur. J’apprécie la paix et la beauté de ces images et ne veux pas y découvrir un monde de violence, de destruction et de colère. Un monde qui pourrait, ou non, exister.

Ainsi je me protège en fermant les yeux et imagine ce que ces personnages pensent et ressentent. Je conçois leurs pensées pures, sensuelles et innocentes. Et puisque c’est cela que je veux, c’est cela que je vois.

Jacques Henri Couvillon

Located in the far north of France, the region of Nord-Pas-de-Calais was the cradle of a huge industrial expansion that started in the nineteenth century and was based on coal mining. By the time that mining operations were abandoned at the end of the 1980s, 852 pits had been constructed, 326 slag heaps had accumulated, and more than 100,000 kilometres of tunnels had been dug. These have had a permanent effect on the topographical, urban and demographic landscape of the region.Adopting a social documentary approach, Antoine Bruy travelled the various towns of Nord-Pas-de-Calais and met with their residents in search of this “golden age.” His photographs testify to the slow and difficult process of renewal that was begun almost thirty years ago, and express the feeling of an eternal new beginning.

Year of production: from 2011

Planted in the ground, under loving trees, Embracet is a performance that seeks stability in the heights. At their feet: pointed and dangerous shoes. As in de-skilling, they create an impracticality that forces them to find new ways to move. Melt into each other, go through evolutions. And in the end, what does it take to move forward?
For the exhibition at espace libre, presented as part of the Biel/Bienne Festival of Photography, Bertuchoz collaborates with the artist and photographer Ricardo Caldas to build a new installation from the traces and documentation of the original performance.

In collaboration with Yadin Bernauer, Giuliana Gjorgjevski, Sven Gex, Thilda Bourquie, XV06-Y.

Curators: Beth Dillon & Vera Trachsel

Year of production: 2022-2023

The phonographic project Elements is the second stage of a project conceived by photographer Sarah Carp and musician Priscille Oehninger. Together they have conceived a presentation that takes as its basis the four elements that were first defined by the Greek philosophers and were employed from antiquity onward to describe the matter that makes up the universe: earth, water, air and fire. According to this theory, all the matter in the universe is made up of these four elements.

The project first presents an identification and treatment of each element. Sonic textures enter into dialogue with the abstract visual compositions in motion. The elements are then juxtaposed and intermingled, to be expressed simultaneously in a visual and auditory whirl, resulting in a fifth element, evoking the torment our planet is now in.

Live music: Priscille Oehninger (viola) and Christophe Calpini (electro drums)
Images: Sarah Carp
Montage: Aurélien Garzarolli (atelier Actinic)

Performance : 14.5., 4-5pm (Maison Farel)

Year of production: 2022

Satellite images from Google Earth that have been censored by military or government authorities.

L’oeuvre photographique d’Elina Brotherus se compose essentiellement d’autoportraits et de paysages. Si les photographies de ses débuts sont empreintes des émotions que lui ont procurées les événements de sa vie intime ou la contemplation de la nature, celles de la récente série « The New Painting » (2000-2004) sont davantage le fruit d’une recherche formelle.

En 2000, Elina Brotherus commence une série qu‘elle intitulera « The New Painting » (2000-2004). Partant de l’idée que la photographie est une nouvelle forme de peinture, l’artiste soulève les mêmes problèmes que les peintres classiques, mais avec des moyens contemporains, en l‘occurrence son appareil photographique. Dans ses autoportraits, ce qui change par rapport aux séries précédentes, c’est qu‘elle ne s‘inspire plus de son expérience personnelle pour mettre le sujet en scène : elle se considère dorénavant comme un modèle, une figure située dans un espace donné, et dont elle fait un objet de recherche formelle.

Andrea Holzherr, commissaire d’exposition, extrait du livre « Elina Brotherus : The New Painting », Thames & Hudson, 2005

An inflatable mattress, a brush and a tube of ketchup do not have a logical or natural relation to each other. Although we all have them lying around at home, few people besides MacGyver would attempt to combine them. But it is the people who would combine them who are addressed in the 1938 study “Homo Ludens”. As Johan Huizinga describes, play is one of the main conditions necessary for the production of culture. Domestic goods, often considered virtually worthless, possess qualities easily overlooked. But when used in large amounts, these trivial objects suddenly seem to pay tribute to imagination. (Bas Hendrikx)

Year of production: 2010

“DIY” can be described as a movement within skateboarding which operates outside civic and societal norms. Through the utilisation of skater-constructed spaces which are ordinarily an adaptation of often abandoned terrain in both urban and rural settings, the modern skateboarder transcends the need to exist within a more conventional environment. Utilising found materials, these illegal constructions have fascinated photographer Richard Gilligan, who spent four years tracking down these ephemeral spaces throughout Europe and the US. His pictures show how skaters and “DIY” builders free themselves from the constraints of societal rules, creating their own domain in which to practice this peripheral pursuit. (RG)

Year of production: 2008-2012

In a society in which individuals are constantly confronted with their own appearance, the act of eating is simultaneously a source of pleasure and a way of connecting with others. On the other side, it is also a way to soothe one’s emotions and a powerful tool of mastery over one’s own body. As part of a week-long immersive workshop with a class of students at the French Gymnasium of Biel/Bienne, Katherine Longly proposed to the students that they tackle these issues about the body and food, from their own perspective as a generation gripped by questions that are specific to their current stage of life but also to the era in which they are growing up. Generation Z grew up with social networks, Instagrammable food, influencers and sponsored content, and unabashed cosmetic surgery. It is also a generation that is conscious of the artificiality of images and has started movements of reappropriation like body positivity.How does the personal relationship of adolescents with food get constructed? How do they experience the rules imposed on their bodies and how do they deconstruct them? What are their strategies of resistance? The artist gathered the students’ accounts and led them in a series of investigations and explorations into these questions so that they could reappropriate their own self-image.

In collaboration with the Gymnase français de Bienne.

Year of production: 2021-2022

En novembre 2001, j’ai déménagé avec deux de mes amis dans une maison individuelle sur les hauts de Lausanne. A cette époque, tous trois ne souhaitions pas encore vivre sous le même toit avec nos amies respectives. Elles seraient nos invitées…, c’était aussi l’une des conditions adoptées pour nous lancer dans cette aventure.

Pendant environ une année, nous avons vécu cette colocation en parfaite harmonie. Nous avions le sentiment d’avoir trouvé un mode de fonctionnement adéquat pour chacun d’entre nous. Un savant équilibre entre les moments passés tous les trois et ceux partagés avec la présence de nos amies.

Cet équilibre fut profondément bouleversé lorsque l’un de mes amis nous laissa deviner que la présence de son amie serait désormais définitive. Nous fûmes mis devant le fait accompli.Ainsi, bien vite, cette dynamique de couple fut incompatible avec l’esprit de notre colocation. Inévitablement, ce changement allait, de manière prématurée, mettre fin à notre aventure. Pendant les six derniers mois qui précédèrent notre rupture, le climat était devenu extrêmement tendu, laissant place à la déception, l’incompréhension, et finalement au mutisme, forme dans laquelle nous avions tous trouvé provisoirement refuge. Puis vint la décision de nous séparer.

Le besoin de documenter les 30 derniers jours de ma présence au sein de cette colocation est né de manière très impulsive. Une sorte de journal de bord intimement événementiel.

Du 1er au 30 avril 2003, à un rythme un peu obsessionnel, tous les matins et tous les soirs en rentrant, j’effectuais un état des lieux. Au fil des jours, je pouvais remarquer à quel point ces murs, ces objets du quotidien, à force de m’y attarder, l’esprit confus, prenaient un sens grandissant.

Profondément touché par l’issue de notre colocation, ces images ont remplacé les mots qui manquaient. Ce que ce travail allait devenir, je ne le savais pas encore, certes le témoignage d’un incident de parcours.

Les images ont été réalisées sur négatif avec une caméra technique 4×5 inches.

Cédric Widmer

Through her photographic enquiry, Laurence Rasti attempts to give a voice to people with a migration background living in Geneva. These men and women who have the status of irregular “without documents” contribute to the very identity of the city. Yet thousands of them are stigmatized, considered unwelcome, sometimes even criminalized, and some- times find themselves deprived of their fundamental rights. One part of this documentary work focuses on the individuals through colour portraits created in various urban contexts. The other part focuses on the institutions and associations that host them and whose admission and management procedures are sometimes inconsistent. Paradoxically, the institutions that support them are also the ones who enclose them, distance them, and sometimes even deport them. The festival presents a selection of urban portraits outdoors.

Enquête photographique 2019, city of Geneva

Year of production: 2019

“My work has focused, in recent years, on oil and water as the two primordial liquids that form the undercurrents of all narrations as they activate profound changes in the planetary ecology. In Deep Weather, I draw the connection between the relentless reach for fossil resources with their toxic impact on the climate, and the consequences this has for indigenous populations in remote parts of the world. The first part of the video comments on the huge open pit extraction zone for tar sands in the midst of the vast boreal forests of Northern Canada. The second part then turns to the consequences of the melting Himalayan ice fields, rising planetary sea levels, geo-thermal disasters and extreme weather events that increasingly define the living condition in Bangladesh and documents the gigantic community effort in building protective mud embankments.”
(Ursula Biemann, Deep Weather, presentation at the Economy exhibition CCA, Glasgow, January 2013, extracts)

Year of production: 2013

As part of the festival Photoforum Pasquart invites the artist Salvatore Vitale. His digital installation Decompressed Prism presents a combination of fictional and documentary elements, video archives, text, sound designs and real data creates an uncertain and mischievous space. Conceived as an experience for the visitor, the work evolves in a playful space and touches on subjects of reflection important to the artist, such as surveillance, empathy, space and body. Decompressed Prism reveals the paradoxes behind the systemic logic of ubiquitous surveillance through automated security tools.

Exploring different uses of control technologies in Poland, Slovakia, Switzerland and Italy, the artist questions how these technologies shape our relationship to the world and to ourselves as human beings. Salvatore Vitale explores the notion of the body evolving between digitalisation and reality, and the transformation of the latter into a product controlled by technology. Drawing on contemporary philosophical and sociological texts, the artist imagines a different reality in which the public is invited to question the possibility of counter-narratives.

Curator: Jana Johanna Haeckel

Year of production: 2022

Sara-Lena Maierhofer takes on the role of a detective to profile the extraordinary life of Clark Rockefeller, a.k.a. Christian Karl Gerhartsreiter, and to construct the story of his work. In “Dear Clark,” a work that is part fiction and part documentary, she examines from a distance this con-man who took delight in moving among his different identities. The photographs, collages, found documents, and videos retrace her investigation, the goal of which was to capture the identity of someone who is constantly changing.

Year of production: 2011

For four years, Will Steacy tracked the Philadelphia Inquirer. His goal was to record the stages in the history of the newspaper in order to create a portrait in a broader context of the development of the American newspaper industry. Will Steacy is interested in the extent to which shifts in technology and the distribution of information over the Internet have affected not just the newspaper business (as Deadline illustrates) but also American society as a whole. In the loss of newspapers, he sees as well the loss of reporting, of society and of the self.

Year of production: 2009-2013

Lucas Dubuis’s images examine our connection with the representation of the living and the dead, addressing the practical aspects of the handling of the deceased in our society and the symbolic meaning of funeral rites in the context of a village permeated by Catholicism. To create this work (which he has gathered in a publication), Dubuis followed for several months Dominique Theurillat, a farmer and undertaker in Les Breuleux in the Swiss Jura. The collection of images, exhibited publicly for the first time, show the daily life of a man who divides his time between the responsibilities of family farm and care for the deceased of the region.

Dubuis shows side by side the world of the farm and of the morgue, the world of the living and of the dead – worlds that stand in contrast to each other, resemble each other and complement one another. A metaphor for the human condition, in which the warmth of the stable is not that far from the antiseptic chill of a morgue illuminated by neon lights. De la terre à la terre also alludes to the verse of Genesis in which disobedient humanity is condemned to work and to death: “In the sweat of your face you shall eat bread till you return to the ground, for out of it you were taken; for dust you are, and to dust you shall return.”

Year of production: 2019-2023

Ever since the Cold War, every first Monday of the month (“eerste maandag van de maand”) an alarm sounds in the Netherlands for testing purposes. A sound that is supposed to warn us for approaching danger, takes over the environment for 1 minute and 26 seconds. In 2020 the siren will ring for the last time. Thomas Kuijpers started filming the sound and its environment in 2014, and noticed the act of recording these moments gives quite an absurdist look at the connection between this sound and the environment it manifests itself in.

Year of production: 2015

Year of production: 2020

The documentary series Dans les plis de la ville is the result of a search for traces in the urban fabric of the outskirts of Paris, which Emmanuelle Bayart systematically walked by foot. Made up of views of the city in which the body occupies space in such a way that it is sometimes difficult to distinguish inside and outside, or the nature of the place, Bayart shows us the “uninhabitable”. Meticulously composed and oscillating between distress and enchantment, her photographs interrogate our democratic values and community life in present-day societies.

Year of production: 2012-2018

Agricultural subsidies, increased milk production for falling prices, combined with free-trade agreements in agriculture and food production between the EU and Switzerland – all of these burdens undermine the economic survival of Swiss farmers. More and more, small businesses are disappearing, and an increased incidence of suicide has been recorded. While some agricultural businesses seek recourse in industrialization, others venture into market niches: water buffalo, zebus, bison, kangaroos, ostriches, silk worms, shrimp, cashmere goats, llamas and camels. Some farmers have already established themselves in this market, while others are venturing into these alternatives. Along with the economic state of affairs, the love for the animals is a central concern.

Year of production: 2016

The interactive installation Cursor, Caressor, Eraser explores the erotic potential of a touch-sensitive interface. A surface translates the user’s stroking motions into projected images that have the appearance of photographs of the surface of a body. Layer by layer, these images are gradually superimposed, and then erased. Through this sequence, the tension between touch and physical contact is used to address themes of forgetting and remembering, of recognition and being a stranger. A simple gesture produces a sequence of rich variations.

Year of production: 2010

The Photoforum Pasquart proposes for this edition of the Biel/Bienne Festival of Photography, entitled Cracks, a carte blache to the artist Małgorzata Stankiewicz.

For centuries and against all odds, Polandʼs Białowieża Forest has withstood the barbarian human behaviour within its grounds. Yet back in 2016, under the pretence of protecting it, the new Polish Environment Minister Jan Szyszko approved large-scale logging in areas in which all human intervention had until then been barred.

When so much is being said in recent years about the environment, and our pressing and much-overdue need to protect it, Europe’s last primeval forest was being slain for two years, on the directive of those who should have been protecting it. cry of an echo is a protest, the artist’s personal voice of opposition; the images a metaphor for the impending doom of irreversible destruction.

The project was shot on film during a month-long residency as a volunteer at the Białowieża National Park in spring 2016. It comprises a total of 46 images that were intentionally mistreated by masking, chemical contamination, uneven development, bleaching and retouching. Originally conceived as a handmade artist book, cry of an echo won the Unseen Dummy Award in 2017 , and the book was published by the Dutch publisher Lecturis in September 2018.

Year of production: 2016

Thierry Fontaine addresses the relationship between North and South (specifically, between Réunion and major cities) in the context of postcolonialism. As well, an essential element of his work is the question of identity and self-awareness. Thierry Fontaine covers up his face with various different materials that stifle the senses; with these materials he puts a shroud over the question of skin colour, and thus simultaneously brings discrimination into the light and covers it up. Thierry Fontaine tries with his photographs to deconstruct clichés.

Year of production: since 1996

Ein Projekt der Kunstvermittlung der Bieler Fototage unter der künstlerischen Leitung von Claudia Breitschmid, in Zusammenarbeit mit dem Regionalgefängnis Biel.Fotografische Bilder sind in unserem digitalen Zeitalter omnipräsent, doch existieren Orte wie das Gefängnis, wo Bilder nur bedingt zugänglich sind. Das Projekt “Création d’espaces photographiques“ widmet sich dem Dialog (und damit verbundenen Widerständen) zwischen Gefängnis und Festival mittels dem Medium Fotografie.

Die ausgestellten Arbeiten wurden im Rahmen der  Workshops von Insassen des Regionalgefängnis Biel geschaffen. Räume erfahrbar sowie Standpunkte und Sichtweisen,die nicht für alle Beteiligten zugänglich sind, sichtbar machend, ermöglicht dieses Projekt eine reale Reflektion über die Fototgrafie als Ausdruck und künstlerisches Medium.

Dans la salle supérieure de l’Ancienne Couronne seront présentées des photographies expérimentales sur le thème des accessoires de mode, réalisées par des élèves des collèges du Châtelet à Bienne et de Corgémont, au moyen d’une camera obscura créée par leurs soins. Ce projet, intitulé « Coup d’oeil d’adolescents sur la mode », est dirigé par Francis Boillat.

Inspired by notions of surveillance and the excessive prevalence of beauty treatments, the photographic series Cosmic Surgery is imagined as a medical procedure that the public will be able to undergo in the future. Combining photography with intricate origami techniques, Haser’s work seeks to expand on traditional portraiture and reflects on the concerns of future generations. Facial features are multiplied and distorted, calling to mind cubist and surrealist imagery. Each work becomes a kaleidoscope of curious shapes that is unsettling yet compelling in its intricate construction. Haser’s portraits hint at hidden narratives while giving free rein to the viewer’s imagination.

Year of production: 2016

Copyride is a series comprising sixty images. With her playful use of a colour laser printer, Aline Zeltner deprives the machine of its real purpose (that is, to produce exact copies), and produces an original. In the short, unstable moment of printing (movement, displacement of the sheet) in which these originals are produced, the printer is diverted from its real purpose. Copyride exhibits a brightly coloured visual language and a sense of ease, but with a critical gaze and a questioning of the world.

Year of production: 2011

“Coming Soon” Natan Dvir’s series of photographs taken in New York City, is a critique of the era of omnipresent advertising in which we live. In the background, gigantic temporary posters in loud colours announce the opening of a new shop, while the pedestrians and street vendors in the foreground become passive spectators to their own city, subjected to its advertising. The images have a flamboyant aesthetic, and become dynamic thanks to the artist’s subtle framing and juxtaposition of elements.

Year of production: 2008-2014

Les Américains regardent la couleur de la peau plutôt que l’individu. La plupart d’entre eux attachent une importance significative à la race. Nous avons appris que la race ainsi que l’histoire personnelle jouent un rôle majeur dans la constitution de l’identité.
La race est comme une médaille d’honneur ou quelque chose qui nous lie à nos communautés. Mais, plus souvent, elle est source de tensions sociales ou une case cochée sur une formule officielle, ce qui peut procurer des avantages variés ou engendrer des jugements divers. Cette différence crée une hiérarchie de valeurs raciales et contribue ainsi aux tensions entre les races.
Elle est à l’origine de la ségrégation des communautés et des stéréotypes raciaux. A une époque où la crainte du terrorisme est à son apogée, les Américains considèrent la guerre du terrorisme menée par leur gouvernement comme étant une manière légitime de classifier les races au nom de la protection des citoyens américains.

Ce projet parle du besoin des Américains de catégoriser les gens selon la couleur de leur peau et identifie nos préjugés ainsi que la manière dont nous définissons les valeurs, la menace ou la beauté. Pour ces portraits, j’ai relié la couleur de la peau de chaque individu à une couleur Pantone. J’ai utilisé le système de correspondance des couleurs Pantone car c’est un système de couleur standardisé qui ne varie pas d’un pays à l’autre. Chaque portrait mentionne la couleur de peau de l’individu, son nom, et à partir de cela, le spectateur catégorise, définit et attribue une valeur.

La salle de bains est le lieu de la rencontre avec Claude. La baignoire celui d’un rituel quotidien. La froideur des carreaux blancs, de l’acier chromé, et les blessures du corps épuisé. Au premier regard, l’observateur est placé dans une position d’abus. Claude semble se cacher dans l’eau, vouloir se blottir dans la propreté, comme d’autres sous une couverture chaude. Les doux contours du corps se résignent à la symbiose dans la symétrie de la pièce et forment à l’aide de symboles émergents une composition esthétique. Avec un soin méticuleux, le protagoniste se nettoie, de la racine des cheveux jusqu’à l’interstice entre le quatrième et le petit orteil. Il se parle sur un ton calme; un monologue qui résonne comme une demande de réconciliation. Claude accepte sa dépendance. Un voyage qui a commencé il y a trente ans pour l‘éducateur spécialisé. Avec le temps, le monologue cède le pas à une chansonnette presque joyeuse. L’observateur pourrait penser à de la séduction. Et se cache. Apparemment.

Le photographe biennois Enrique Muñoz García s’est concentré, pour réaliser son travail, uniquement sur les trois pièces de l’appartement de Claude.
Le bruitage des mineurs de son Christian Müller et Gaudenz Badrutt du groupe <strøm>crée l’événement musical.
L’exposition « Claude » est constituée d’un documentaire de 45 minutes à l’état brut, d’un reportage photographique, d’une animation vidéo et de musique.

Simone Lippuner, journaliste

“Cíclope” depicts the motion of a hand placing images in a bowl filled with swirling water, in which they begin to dissolve. The images are gradually erased, until the swirl of water becomes just a big black disc: the eye of the cyclops. At the heart of this video are concepts that are dear to Oscar Muñoz: memory, forgetting, and the ephemeral character of memories and of life itself.

Year of production: 2011

“China Western” is a reflection on the current political situation of mixing and ambivalence in the province of Xinjiang in the far west of China. Xinjiang is rich in oil and gas, and since it is on the route taken by Chinese oil tanks to Kazakhstan, it is strategically important. The indigenous Uighurs, a Muslim people of Turkic origin who are in danger of losing their culture, demand independence for what they are calling eastern Turkestan. They live alongside workers of the Han Chinese majority, who have come to work and to bring progress and education.

Year of production: 2006-2008

Through her photography and writing, Hazuki Natuno is able to express the boundaries between life and death. The series Change of Life is bound up with the conflicts and reproduction that take place within the history of a family, as well as with the struggle against mental illness. About photography as a medium for giving expression to one’s feelings, she says, “The camera is mysterious. If you move one finger, photographs can be taken on the hospital bed, even in the ambulance, you can document your life and mind.”

Year of production: 2010

Until 1994, Akmola (literally, the “White Tomb”) was just an unassuming provincial city in Kazakhstan. That was before; now renamed Astana, it is a capital endowed with megalomaniacal architecture, a city of fantasy imagined and built from scratch by order of president Nazarbayev. Like a Las Vegas on the steppes, Astana is nothing less than an urban planning disaster. The artificiality of the design seems meant to sweep away all traces of a distant past: for the city must henceforth play the role of a great capital. And yet time seems suspended there, just like its inhabitants…

Year of production: 2012

In this work entitled “Candela”, the camera itself is used as a negative, or rather, as a mould: it is used as a container into which molten lead is poured. With their lenses removed, cameras are placed under an upright cardboard tube. When the hot lead has cooled and hardened, it reproduces the bumps and details on the interior of the camera that are normally invisible. Once removed, these casts (which resemble sceptres) reveal and reproduce the space in which photograph images are created.

Year of production: 2016

A lighthole opposite a photosensitive surface placed inside a black box: Maxime Genoud is fascinating by the simplicity of the pinhole camera. He makes his cameras himself from the detritus of our consumer society. For the exhibition, he asked the students of the Madrestch primary school to do the same by putting together their own refuse, cans and Tetra Paks. In this project, Genoud expresses his desire to get at what is essential, at simplicity and matter, and sketches out paths of resistance to efficiency, normativity and productivity. In front of the lens of a camera, all movement becomes invisible. Deprived of details, the blurred and hazy images that result from the shot retain only what is essential; it is up to the viewer to complete them.

Year of production: 2019

Saskia Groneberg wanted to document a certain kind of intimate relationship that can last several years, one that requires attention but also some patience: the relationship between office workers and their plants. An office plant seems to speak volumes about its owner: it grows unhindered, and gradually changes to become a hint of breaking the rules and a reminder of life outside the office, where work and productivity are no longer the guiding principles.

Year of production: 2012

This ambiguous title of the long-term photographic project by Dimitris Michalakis is an allusion to the current condition of total economic and emotional exhaustion in his homeland. But the exhibition’s title can also be taken literally. It signifies fires in the streets of Athens. The anger of the Indignados, the destitute demonstrators, who regulary vent their spleen by throwing Molotov cocktails, burning barricades and fighting in the streets. […] The photographer has zoomed in briefly and casually on all of this in his pictures. A lack of emotional detachment and atmospheric intensity are his trademark features. The strained, gloomy and brooding atmospheric accentuates his diagnosis of a society on the edge.

Year of production: since 2010

Between tradition and modernity, Mikail Koçak unceasingly interrogates the persistence of cultural inheritances and the multiple identities that are created by exile. The exercises of reappropriation that he sets up give rise to installations that awaken narrative possibilities and weave connections between his two cultures, Eastern and Western. The “kiosque,” originally from the Middle East and introduced to the West in the 17th century, is an architectural form intended for pleasure that takes the form of a belvedere or a small garden pavilion open on all sides with an overhanging roof. Though the word is derived from the Persian Kūšk (palace) and the Turkish Köşk (lodge or chateau), the different forms that the term has been applied to over time have not ceased to evolve. Mikail Koçak has eagerly seized on this changeable word in his mother tongue (Turkish), and in his national language (French) to take hold of the Juraplatz art space. By superimposing the banks of the Bosphorus over the streets of Biel/Bienne, fictionally combining two continents and two cultures, Koçak aims to create a chameleon place.

Year of production: 2022

Homme ou femme ? Ici, les apparences sont trompeuses. Le « troisième sexe » brouille les pistes et rend difficile l’identification des genres. Icônes fantasmatiques et stéréotypées, tribu complexe et soudée en marge d’une société figée dans ses tabous… Pendant un an et demi, Julian Salinas a posé son regard sur ce phénomène qui dérange.

Fidèle à sa démarche, en observateur libre, sans autre programme que celui d’évoquer autrement – ou de saisir ce qui se passe derrière la façade – il s’est promené dans les coulisses du décor. De sa plongée dans cet univers parisien festif et nocturne, déjà infiniment photographié, il a ramené des portraits directs, pris de face sur fond uni. Une forme de répétition simple et calme qui permet de révéler cette dualité hybride sans pour autant la stigmatiser.

Julian Salinas avance sur ce chemin peu praticable et l’on sent vite que ce n’est pas le spectaculaire qui l’attire, encore moins l’idée de montrer des objets de désirs sexuels. Bien au contraire, il cherche ce qui est le moins visible. Il joue de la confusion pour aller du côté de l’évidence des êtres. De ce groupe social en marge, il retient la quête d’identité et cette difficulté sociale qu’ils ont de trouver une image qui leur ressemble au-delà des apparences.

Le travail regroupe environ 70 photographies prises pour la plupart dans le XVIIIe arrondissement à Paris (2004 et 2005) et plus particulièrement aux Folies Pigalle, un haut lieu des nuits parisiennes, qui fait office une fois par semaine de quartier général pour les travestis et les transsexuels.

Aude Boissaye, journaliste, Paris

For PhotoforumPasquArt’s exhibit at this year’s Biel/Bienne Festival of Photography, Penelope Umbrico has developed a multidimensional installation made up of (among other things) photographs of broken LCD monitors. These images, which she found on eBay and Craigslist, are combined with other pictures (provided by the sellers themselves) that capture reflections of the camera flash. Umbrico uses images from barter and consumer websites, and the abundant material to be found on these sites constitutes her domain of research. The collective image memory of the twenty-first century determines her mode of work, which moves between the individual and collective perception of an image and the image’s particular characteristics as determined by the technology used and the mode of production. (Nadine Wietlisbach)

An exhibition of PhotoforumPasquArt.

Year of production: 2008-

For the German artist Henning Rogge, taking pictures of the craters left by bombs is a way of confronting the recent history of his country. In the spirit of Romantic painting, his images depict forest landscapes in which the round shapes of impact craters appear at low angles, often filled with water. These locations are not associated with any particular event of the Second World War, and seem suspended between memory and forgetting. These images express the ambiguity of a landscape marked by the violence of destruction, but also endowed with vitality; for these holes left by bombs have often become a refuge for species threatened with extinction. (DM)

An exhibition of PhotoforumPasquArt.

Year of production: 2008-

Standing in contrast to the satellite community of Le Lignon of the city of Vernier in the canton of Geneva, the simple wooden houses originally built in the 1960s as lodging for the hundreds of Italian workers who came to work on the construction of Le Lignon serve as the backdrop for this photographic investigation by Delphine Schacher. The 10 m2 bedrooms have continued to house succeeding generations of seasonal workers, along with other tenants. Portraits of the residents are interspersed with views of the interiors and exteriors of the houses, creating multiple perspectives that reveal the socioeconomic conditions of the residents. Migration, unemployment, and divorce redefine the boundaries of privacy and of a closeness that can produce both social tension and cohesion. (Catherine Kohler)

Three young Swiss photographers (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) have each been commissioned by the LIVES Swiss National Centre of Competence in Research and the Biel/Bienne Festival of Photography to create a work on the NCCR LIVES themes of “vulnerability and resilence”.

Year of production: 2015

The chador here veils a man in the form of a bird of good or evil omen. These black birds investigate what is hidden as much as what is visible.

Year of production: 2011

These pictures of swimming pools at mountain hotels invite the viewer to come on a trip to Switzerland. The construction of hotel swimming pools in Switzerland developed in the 1920s, at first to address the crisis, and later as a counterbalance to the popularity of winter tourism. At first they were functional and geared to sports, but during the 1950s they became smaller and were built in various shapes. Beginning in the 1960s, it was technically and financially feasible to build covered swimming pools, which compensated for seasonal variations in usage. The designs follow the typical style of the Brügger firm. Their retro charm is further accentuated by the changes in colour they have undergone over the years.

From the 1950s to the 1970s, the old city police department of Biel/Bienne had a “photo beat,” to which just one officer was attached. Accompanied by their Mamiya camera, the photographers mainly recorded traffic violations, police interventions, major restoration and demolition activities, as well as emergencies.In collaboration with the municipal archives of Biel/Bienne, the Festival of Photography is presenting a selection of images from the collection of the city police department that depict the daily life of Biel/Bienne: the ordinary, the extraordinary, sometimes the illegal. From the several hundred negatives that are in the collection, forty photos have been selected for their aesthetic value, all the more pronounced for being in black and white. This is a rare look at historical records that are being displayed publicly for the first time. With occasional moments of humour, they cast a light on the present by throwing into relief the changes in lifestyle and in the shape of the city of Biel/Bienne. For some, they might also bring back old memories…

The title of this audiovisual work by Emma Bedos, Between Chair And Keyboard, alludes to the mistakes brought about in a virtual system by the human error that occur “between the chair and the keyboard.” For this work, created in the midst of the pandemic, Bedos photographed and recorded conversations with her grandparents, both suffering from Alzheimer’s and living in a care home. Thanks to photogrammetry, a technique she used to reproduce her images in a 3D environment, Bedos immerses the viewers in a universe where the subjects being filmed are reproduced in the form of small dots.

In its fragmented form, the cloud of points highlights emptinesses, and brings to mind the weakening of their bodies and their fading memory. These digital representations illustrate the contrast between a virtual system free of defects and the fragility of the human condition. Her audiovisual work, oscillating humorously and poetically between reality and fiction, examines the place of life, of memory and of the attenuated connection of individuals with their environment.

Year of production: 2021

Par l’intermédiaire de deux éléments mis en rapport – un lieu, un objet ou une photographie et leur image modifiée vue à travers un stéréoscope, Daniel Zimmermann compose habituellement dans ses travaux artistiques avec les décalages, temporels, spatiaux, en y intégrant souvent une composante ludique. Alors que le lieu, l’objet ou la photographie varient, le stéréoscope est la constante de ces couples inséparables. Fixé sur un pied, à une hauteur bien précise, il évoque une paire de jumelles et sa fonction ordinaire: permettre une vue plus distincte. En fait, les fausses jumelles de l’artiste proposent une image modifiée, inattendue, à laquelle la stéréoscopie confère une proximité saisissante, et qui nous transporte dans une autre réalité, porteuse d’une signification différente.

Ce projet est une étude, documentation, construction de la culture de la mode urbaine à Johannesburg (Afrique du Sud).
La mode urbaine est un domaine relativement peu documenté comparé à la photographie de mode commerciale dans le peu de médias accessibles aux Africains.
Ce projet a été réalisé à travers ma propre mémoire : des gens de mon entourage pendant ma jeunesse. Je m’interroge sur une autre Afrique du Sud que celle de l’idée stéréotypée construite par les médias occidentaux à travers les années, juxtaposant la fierté et l’affirmation de la population sud-africaine.
Les personnes photographiées sont des personnes que j’ai rencontrées par hasard dans les rues : confiants, héroïques ; et je me suis identifiée à eux. Ce sont les chefs de leur propre milieu et ils exigent un certain respect.
La jeunesse sud-africaine utilise le vêtement en tant que forme d’expression de soi, pour exprimer la liberté, l’identité, le statut social : un désir de richesse, de s’acheter des choses, d’avoir l’air décontracté sans essayer de leur correspondre. L’identité est plus complexe que ce qu’on voit à l’oeil nu.

Scientific endeavour patiently keeps adding to the growing body of knowledge. At the same time, science is a social practice performed by diverse individuals, each with their own unique perspective. What meaning can we ascribe to the beauty found in their work?

Every year, an international jury answers this question anew when it appraises the hundreds of works submitted to the SNSF Scientific Image Competition. The curated selection offers a visual cross-section of contemporary scientific practices, questioning our perception of science and beauty.

The competition categories
1. Object of study
2. Women and men of science
3. Locations and instruments
4. Videos

The 2023 jury

President
Mónica Bello, director of Arts at Cern (Switzerland)

Members
Tanja Gesell, biologist and artist, University of Vienna (Austria)
Emmanuelle Giacometti, director of L’Espace des Inventions (Switzerland)
Lars Lindemann, head of photography at GEO (Germany)
Alexander Sauer, photographer (Switzerland)

In collaboration with the Swiss National Science Foundation (SNSF).

Award ceremony of the SNSF Competition : 11.5., 4pm (NMB)
Guided tour of the exhibition by Alexander Sauer, photographer, Scanderbeg Sauer (Zurich) : 27.5., 11.30am to 12.30pm (d/e) (NMB)

Thanks to a collaboration with the Ports Francs et Entrepôts de Genève SA, the SNSF Competition exhibition will be presented in their walls from 21.9 to 10.11.23.
Opening hours: Mon-Fri from 7.45-11.45am and from 1-5pm,
Route du Grand-Lancy 6a, 1227 Les Acacias.

© Francesca Angiolani Larrea, Maria Francesca Petrucci, Rafael Barmak, Jens Ingensand, Concours FNS d’images scientifiques | SNF-Wettbewerb für wissenschaftliche Bilder

JocJonJosch explores the idea of collective labour, what it means, and how it is conceived artistically. The “Beast Mutation” videos show the trio naked and with their bodies bound together in delicate but disturbing ways, giving rise to the “beasts” from which they develop their reflection on the nature of collaboration. The intimate working relationship of these three artists is sometimes uncomfortable and unpleasant, even debilitating, but it is an essential element in the creative spirit that pushes them forward.

Year of production: 2010

The photo series Banana Republic is Shinji Nagabe’s response to a state of political disillusionment and social disenchantment, in which violence and religious extremism reign and individual freedom is in retreat. In the fiction created by Nagabe, the state finds itself under the yoke of a cruel populist dictator; bananas are used to obscure and censor, while resistance groups use them to make weapons and bombs. This surrealistic photo series, both bitter and sardonic, plunges us into a fictional republic, ironically sending us to the same level of fantasy as some present-day discourses and questioning the role of the individual within a community.

Year of production: 2018-2019

Les premiers « autoportraits » de Xavier Perrenoud étaient des mosaïques photographiques qui reprenaient en gros plan des détails de son corps multipliés à l’envi, devenant comme des pixels où une humanité de clones se rencontrait.
En considérant à nouveau sa récente série comme des autoportraits, l’artiste l’inscrit dans la continuité d’une réflexion qu’il poursuit. Cette fois, c’est à travers les visages de nos jouets d’enfance que la série « I’m Big Jim (Big Jack, etc) » interroge notre identité.
Sommes-nous devenus ce que nous rêvions d’être ? En choisissant de faire le portrait des héros qui ont peuplé ses jeux de petit garçon, Xavier Perrenoud adresse un clin d’oeil amusé aux rêves qui l’habitaient alors, lorsque son imagination lui permettait d’emprunter successivement les masques et la vie de chacun de ces personnages.
Cependant, l’adulte peut mesurer aujourd’hui avec nostalgie combien ces figurines nous parlent d’une époque révolue, plus artisanale, alors que celles qui les ont remplacées sont devenues beaucoup plus symétriques, et que leurs traits n’ont plus ce modelé qui rendait leurs ancêtres quasi vivants. Dans son travail, l’artiste joue sur cette ambiguïté, qui attire et repousse tout à la fois. Technologie, clonage, chirurgie esthétique, tout tend actuellement à effacer la différence à laquelle ces portraits renvoient, et l’humanité dont se paraient paradoxalement ces super-héros, qui ne s’avèrent pas si parfaits que cela. Comme nous.

Christian Sester

Une ferme à Gösgen. Celui qui passe par-là avec le train et regarde au bon moment par la fenêtre verra apparaître à l’arrière-plan la tour de refroidissement d’une centrale nucléaire. A ce moment précis, la ferme et la tour de béton sont en parfaite harmonie avec le paysage. On ressent partout les traces de l’Homme. Pourtant il n’y a personne en vue.

Daniel Rihs a toujours profité de ses voyages en train pour photographier. Avec minutie, mais sans but précis. C’est seulement en passant et en repassant au même endroit que son attention s’est fixée sur ce 250e de seconde à mi-chemin entre Berne et Zurich.Il n’y a pas si longtemps de cela, on aurait considéré cette image de la ferme dominée par la centrale nucléaire comme un symbole de l’opposition entre tradition et modernité. Entre-temps, l’atome est passé de mode et n’aura probablement plus aucun avenir en Suisse. En 2038 au plus tard, lorsque l’usine de Gösgen sera retirée du réseau, la ferme ne se retrouvera plus qu’à l’ombre d’un grand mémorial industriel radioactif.

Au cœur de la ville de Bienne
Exposition No 1, classe secondaire de 9ème année de Corgémont, Christian Rossé, maître secondaire
16 élèves du Collège secondaire de la communauté du Bas-Vallon de St-Imier situé à Corgémont parcourent et photographient la ville de Bienne à l’aide de « camera obscura » panoramiques de format 40x15cm le temps d’une journée.

Leur reportage ressemble à une pêche extraordinaire : jeux d’ombres et de lumières, de lignes, de formes et de structures.

Les élèves ont développé sur place les négatifs dans un petit laboratoire situé dans la « Boîte à Images ».MMS à l’école et chez moi

Exposition No 2, classe secondaire de 9ème année de Corgémont, Christian Rossé, maître secondaire
16 élèves du Collège secondaire de la communauté du Bas-Vallon de St-Imier situé à Corgémont parcourent et photographient leur école (reportage) et chez eux (recherche de couleurs) à l’aide de téléphones portables mis à leur disposition.

Une façon de prendre congé de la vie d’école et d’adolescents.

Devine
Exposition No 3, classe primaire de 6ème année de Bienne, Marché-Neuf, François Flückiger, instituteur
Et si les images, comme les mots, étaient composées de plusieurs parties ?
Et si on vous montrait des photos dont une zone est cachée ?
Sauriez-vous reconnaître votre ville ?
Découvririez-vous facilement ses faces obscures ?
23 élèves de 12 ans de l’Ecole du Marché-Neuf ont pris des photos en ville de Bienne. Ils ont recadré et parfois truqué leurs clichés à l’ordinateur. Leur prof les a alors intégrées à un petit jeu interactif dans lequel les photos sont à moitié cachées. A vous d’imaginer cette partie, avant de confronter votre image mentale avec la réalité biennoise.

Une merveilleuse aventure dans notre imaginaire avec une souris comme seul outil.

Cette exposition sera présentée sous forme de borne interactive.

Les centres d’accueil pour demandeurs d’asile sont des lieux de transit. Ce sont des salles d’attente entre passé et futur, entre lieu d’origine et de destination. Les demandeurs d’asile craignent la décision des autorités qui contrôlent leur identité, la déconstruisent, la reconnaissent et la méconnaissent. L’incertitude qui plane sur leur vie future conditionne leur quotidien et conduit à un profond conflit identitaire.
Durant six mois, les photographes sont allées voir à plusieurs reprises des centres d’accueil de la région de Berne. Leur travail est né d’une observation approfondie de cet aspect de la problématique identitaire.
Le statut juridique des demandeurs d’asile apparaît clairement dans les pièces d’identité. Au-delà de l’identité formelle que ces documents leur attribuent, les photographes voulaient donner à chaque personne la liberté de se présenter à travers la réalisation de leurs portraits. Ces photos personnelles sont porteuses de souvenirs qui jettent des ponts symboliques entre différents univers de vie.

A man – seen from behind – is running as fast as possible, and as far as possible,along a path that disappears into a distant, hidden and unknown horizon; he is constantly pushing against boundaries, his boundaries.Through these photographs, John Divola reveals the unfurling of a moment, impressing his images with the mark of eternity and, by doing so, registeringthem in space-time. On a more personal level, the photographer created these images in the lead-up to his fiftieth year, a time when life ceases to appearinfinite and unchangeable. His work is therefore associated with a notion of fleeting mortality; it alludes to a point of no return, at which the man no longerhas any choice other than to press onwards. As for John Divola, he continues his route along life’s path, without equivocation. To create these photographs,the artist used a grainy 35-millimetre film. As such, his figure almost appears to be absorbed in the image itself. Recently, John Divola has begun using Giga-Pan technology – panoramic images taken in very high resolution – which allows him to explore his pictures across time, to move among the innumerable detailsthat constitute them as though being placed inside a moment that memory has brought back to life. Time and space are two key elements towards understandingthis work. And by distancing himself as quickly as he can from the camera, John Divola leaves us, the spectator, face to face with our own existenceand the questions it raises.

Year of production: 2009–2010

The series Arkanum focuses on todays metropolis and describes man’s relationship to its urban environment and architecture. In a similar way like Godard’s movie Alphaville, a logic city built and controlled by the Alpha 60 computer, this work is about an artificially constructed city of the future that stands in stark contrast to nature. The cores of different major cities in Germany built the stage for this work. But also places like trade fairs, outlet center, shopping malls and airports.
The motifs in part refer to real places, but they primarily serve to inspire fictitious, inner images. (AG)

Year of production: 2013-2014

In the early days of photography, in order to compensate for the effects of the long exposure time that was needed for taking a portrait, the person being photographed could be kept still with the help of headrests, special chairs, and other contraptions. Trmasan Bruialesi and Rudolf Steiner reflect in their work on this curious part of the history of photography; they then go in the opposite direction by “fixing” the body of the photographer in a particular posture using their “appareils de pose.” One’s bodily posture might well be the reflection of a mental posture.

Year of production: 1998-2016

Europe 1999-2004
Ingouchie – Grozny – Moscou – Ukraine – Fuerteventura – Suisse – Milan – Bradford

Réfugiés de guerre, réfugiés économiques, émigrants, immigrants, personnes déplacées, demandeurs d’asile: la multiplicité des expressions utilisées ne fournit qu’une image incomplète des raisons à l’origine de l’exil. Ici et là, on s’interroge sur le bien-fondé des motivations qui poussent certains à endosser le statut de réfugié. Quels que soient leurs destins, tous ces gens ont quelque chose en commun: ils ont perdu leur patrie et sont dans l’attente d’un avenir meilleur. Cette perte est une expérience décisive et souvent traumatisante. La plupart des apatrides passent d’une situation provisoire à une autre.Toutes sortes d’endroits leur servent de chez-soi: tentes, prisons démantelées, baraquements, appartements faits d’une seule pièce bondée, anciennes installations militaires, fabriques désertées. Au prix d’une incroyable débauche d’énergie, ces «non lieux» revêtent un semblant de sphère privée. Chaque angle, chaque objet y concourent. En témoignent la prière silencieuse dans cet appartement exigu, cette corde à linge dans l’ancienne fabrique de ciment ou encore ce jeu avec le tuyau d’arrosage abandonné. Et puis toujours cette attente, cette condamnation à l’inactivité, à garder l’espoir, avant de sombrer à nouveau dans le désenchantement. Beaucoup de logements sont consciemment mal entretenus, car ils ne doivent en aucun cas inviter à l’enracinement. Les gens qui les habitent sont des personnes censées repartir aussi vite qu’elles sont arrivées. Seules les statistiques de l’asile doivent conserver une trace de leur passage.

Les apatrides sont les témoins de la guerre, de la misère, bref d’une situation insoutenable. Or qui voudrait se souvenir de cela?

In the Las Vegas that appears on Google Street View, the Sphinx has had its flamboyant Tutankhamen mask replaced by the eroded face of its original in Egypt. “If one of our images contains an identifiable face […] our technology automatically blurs certain elements to prevent that person from being identified.” All faces are alike when they have been blurred by Google. In this way, these huge statues, be they religious or commercial, are hidden from the viewers gazing at them from their couch at home.

Year of production: 2014

Twenty years after the genocide in Rwanda, the perpetrators and their victims are again living in relative peace. With this project, Lana Mesić gives them a possibility to tell their story. She approached couples and asked them to recreate the moments of forgiveness. Survivor and aggressor face-to-face, hold hands, kiss or fall. How much have they forgiven? How much have they forgiven themselves? Lana Mesić tenderly investigates the multiple faces of forgiveness.

Year of production: 2014

The long-term project Amicezia relates both Jaromir Kreiliger’s geographical homeland and artistic origins.This body of work presents his immediate surrounding and also aspects of the soul’s interior, addressing these places through a mixture of moments seen and felt. The word Amicezia originates from the Rhaeto-Romanic language. It stands for friendship and love.

Year of production: 2016

A rigid and direct gaze, a stiff upper body, crossed hands; what on first glance is reminiscent of a classical portrait soon looks very odd. Grégoire Cheneau’s portraits are not mere snapshots, but carefully planned compositions, in which skilful manipulation of his subject’s gestures is used to suggest the complexity of an individual. Grégoire Cheneau photographs his models over several hours from as many different angles as possible, and afterwards recomposes separate elements from the images into unsettling portraits. Imperfection finds its way into the photographic portrait. By striving in Altered States to reach the essence of the person depicted, Grégoire Cheneau comes up to the boundary between reality and fiction.

Year of production: 2012

In 2020, the photographer Beat Schweizer moved with his family to the US. A few months later, he found himself confined to a small apartment in the center of New York City. He began to observe up close his family apartment and the everyday activities that took place within it. He then created a blog, which he filled with the images he was creating. His photo series All Things Considered is made up of poetic and intimate scenes taken within his family apartment, from the living room to the bedroom. In these images composed in clear tones, daylight flows in, and as in certain Dutch paintings there is a particular atmosphere of time being suspended.

His series is complemented by documentary shots taken in the deserted city, referring obliquely to the political context, to the pandemic and to the passage of time. A gentle and powerful photographic testimony.

With the support of: Pro Helvetia / Kultur Stadt Bern / Burgergemeinde Bern / Nigg Ziegelmüller Bilderrahmen

Year of production : 2020-2021

Marta Zgierska’s photographs have a gentle and clean look, both appealing and profoundly personal. To create her images, Zgierska’s point of departure and main source material is her own body and the memories of traumatic experiences it has undergone. Her performances, captured in photographs, take their inspiration from the codes of the cosmetics industry, and question the demands imposed on the female body in our society.

To create the self-portraits making up Afterbeauty, Zgierska put a series of beauty masks on her face. Each mask then became a cast of the shape of her face, which she photographed like abstract sculptures, or bodies emptied of their content. For the Votive Figure series, she first applied cosmetics to her body, and then covered it in wax, a material that evokes cosmetic products, but also purity and virginity. The photographs in pastel tones that result from this performance, in the course of which the wax solidified on her body like a corset, examine the paradoxical beauty of representations of the female body, a body often constrained or controlled.

Year of production: 2018 & 2019

In collaboration with Gowen Contemporary.

In the photo-reportage of Simone Haug, the fantastical universe of the circus is the backdrop for a social reality: the emotional, physical, and economic vulnerability of retired acrobats. Though they can no longer practise their craft – either because of diminished physical ability or because age has forced them to quit – these artists display an unfailing optimism, resourcefulness, and an attitude towards life that remains unchanged. From the world of the circus, Simone Haug draws out a simplification of form that leads towards what is essential: the capacity to maintain balance in a world where limits are constantly being surpassed. (Catherine Kohler)Three young Swiss photographers (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) have each been commissioned by the LIVES Swiss National Centre of Competence in Research and the Biel/Bienne Festival of Photography to create a work on the NCCR LIVES themes of “vulnerability and resilence”.

Year of production: 2015

Hidden on the English east coast is a piece of magic: windswept white gold under limitless sky, lit up at night by shooting stars. But you won’t find it: it’s a secret utopia for locals and visiting seals. After WW2, it was a campsite for mothers and children; then a hippie hideout until the 90s, when ravers with sound systems had stumbled on a new lush scene to free party. For 20 years, these friends have returned for 6 summer weeks of dance, trance and spirituality, taking their kids and fragments of home – armchairs; a mantelpiece – to set up a brief escape from the binds of millennial hell.

Year of production: 2017

A Plastic Tool was developed on the basis of Maya Rochat’s personal research into images of all kinds. The resulting collage is made up of images that stand out in their materiality, their structural density, their relevance, and their critical stance. The tranformation of the images into a collage reveals their falsity and superficiality. A Plastic Tool is thus a critical reflection on the production and the reception of images in our society.
This installation was conceived for the Biel/Bienne Festival of Photography.

Year of production: 2013

SNSF Scientific Image Competition

A new look at science
The scientific news that makes the headlines does not convey the breadth of people, crafts and shifting perspectives at the core of scientific research. This never-ending endeavour is less a matter of cold numbers than of doubt and failures, human dedication and curiosity. The 14 works awarded a prize or distinction in the 2022 SNSF Scientific Image Competition present rarely seen images from the world of science as it is conducted today.

The Competition Categories
1. Object of Study
2. Women and Men of Science
3. Places and Tools
4. Videos

The Jury 2022

President
Lars Lindemann, head of photography at GEO (Germany)

Members
Emmanuel Ferrand, mathematician, Sorbonne University (France)
Emmanuelle Giacometti, director of L’Espace des Inventions (Switzerland)
Cécile Lestienne, editorial director of Pour la Science and Cerveau & Psycho (France)
Alexander Sauer, photographer (Switzerland)

In collaboration with the Swiss National Science Foundation (SNSF).

The first set of images in A Man In Public Space, created in Lausanne, were presented as part of the festival in 2021; for this second stage of the project, Karla Hiraldo Voleau has repeated the experiment, this time in Paris. Inspired by the rise in feminist demonstrations and woman artists such as Adrian Piper and Katarzyna Kozyra, she has created a photographic performance about transgressing genders and the codes associated with them. With the help of the SFX artist Mélanie Vargas, she once again slips into the skin of her male alter ego in order to study questions of masculinity in public space.

Presented on notice boards lining a promenade, her exploration consists of two kinds of image: self-portraits and documentary photos. She presents to viewers and passers-by an examination of the impact of gender identity on issues of power, as it relates to one’s sense of safety and the dangers one might feel or undergo in public places.

With the support of: Ville de Lausanne

Year of production: 2022 –

For one week, Karla Hiraldo Voleau slipped into the skin of her “masculine alter ego” in order to study the changes in attitudes towards her, and to observe how her own behaviour changed. Her exploration takes the form of self-portraits, texts, snapshots and video stills. She immerses the viewer in her unique, terrifying, funny and exciting experience. Her installation questions the influence of gender identity on our actions and in public spaces.

Year of production: 2020

In Romania, 30% of the population still cultivates the land. But for quite a while now, the country’s fertile but cheap land has been under invasion by industrial agriculture enterprises from the West. Because they benefit significantly from expedited access to European agricultural subsidies, these foreign enterprises are changing the situation in Romania, and changing even more the daily life of Romanian farmers.From the village of Zagon at the foot of the Carpathian mountains to the city of Sibiu, Christophe Chammartin has travelled the roads of Transylvania since September 2010 and has photographed the various realities of Romanian agriculture. In this work of socio-poetical reporting, the artist gives us an account of something that everyone has at least heard about, but the stakes of which are still seldom discussed.

Year of production: 2010-2013

To speed up the process of becoming an independent self-employed artist and to end her dependence on Hartz 4 unemployment state benefit, Stephanie Schroeder had to participate in a program of business optimization. Her proposal to make a film documentation of the process was denied. She transformed recordings of conversations, handouts, and correspondence into a scenario about her “project on the artistic business personality,” in which the role of artist, entrepreneur and welfare recipient, all represented by herself, confront and collide.

Year of production: (Work in progress)

34°8’8.59”N | 118°20’48.61”O is a long take video made using Google Earth. The place depicted is the set built at Universal Studios in Los Angeles for Steven Spielberg’s 2005 film “War of the Worlds.” By making a long take of this location, I am trying to induce a feeling of confusion in the viewer. In fact the set can still be visited today, and its reproduction on Google Earth gives it a certain air of reality: is it a real plane crash that is depicted or just a fake? A set within a set, the “fictionalization” of fiction.

Year of production: 2013

The second-year students in the graphic design program at the Ecole d’Arts Visuel Berne et Bienne/Schule für Gestaltung Bern und Biel, supervised by their instructor Alexander Jaquemet, have produced a set of works responding to the theme of this year’s festival. For the 26th edition, the projects of which a part has been realized in collaboration with residents are presented at the Residenz au Lac.

Year of production: 2023

The second-year students in the graphic design programme at the Ecole d’Arts Visuel Berne et Bienne/Schule für Gestaltung Bern und Biel, supervised by their instructors Dominik Müller and Alexandre Jaquemet, have produced a set of works responding to the theme of this year’s festival. The creations are being presented in the exhibition space at the school.

Year of production: 2022

The second-year students in the graphic design programme at the Ecole d’Arts Visuel Berne et Bienne/Schule für Gestaltung Bern und Biel, supervised by their instructors Dominik Müller, Roland Aellig and Alexandre Jaquemet, have produced a set of works responding to the themes of this year’s festival. The creations of two classes (2019-2020 and 2020-2021) are being presented in the exhibition space at the school.

Year of production: 2019 – 2021

In An Answer to Women with Binoculars, students in the second year of the graphic design program at the Schule für Gestaltung Bern und Biel/École d’Arts Visuels Berne et Bienne respond to the images collected by Enrique Muñoz García. Each student, under the guidance of their teachers, Dominik Müller and Roland Aellig, created a work that responds to one of the images. Their creations are presented in the exhibition space of the Schule für Gestaltung/École d’Arts Visuels.

2nd year graphic design class.
Semester works on this years theme “Happy”.

2nd year graphic design class.
Semester works on this years theme “Extrême”.

2nd year graphic design class.
Semester works on this years theme “Permis de construire”.

Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, classe professionnelle de graphisme 2e année.

Semester works on this years theme.

Semester works on this years theme

The 16 students worked during one semester on the theme “Voir et être vu”.

Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne, classe professionnelle de graphisme 2e année

Le thème collatéral a été l’occasion pour les élèves de Roland Aellig de recherches sur la perception et la vision de choses qui peuvent être conjointes, semblables, tirées du dedans vers le dehors, dissimulées, derrière, reflétées ou simultanées.

Les étudiants de deuxième année de la classe professionnelle de graphisme de l’Ecole d’Arts Visuels Berne et Bienne développent une démarche photographique très personnelle. Au moyen de techniques et de mises en perspective très variées, ils documentent leur propre environnement et s’intéressent aux thèmes de société à leur manière. Les plus souvent, les photographies sont réalisées au moyen d’appareils analogiques ou numériques.

Manuela Cannizo s’est servie d’un Holga pour mettre en images ses meubles, qui finalement rappellent les objets d’exposition montrés en grande surface.
Anaïs Corti a intitulé sa série « rendre beau ». Elle cherche à montrer ce qui différencie les pierres tombales entre elles, les décorations, les fleurs et les plantes dans un cimetière. Et ce que ces éléments peuvent nous révéler au sujet du défunt. L’appareil photo de Nadine Furer fouine au « Passpartout ». C’est ici que se rencontrent des jeunes d’origines géographiques et sociales très bigarrées. Parfois, la pression sur le déclencheur passe inaperçue – les regards se perdent dans le vide. Janaïs Gerber explore les valeurs de la télévision : l’importance de la télévision chez les individus, sa présence dominante et l’influence qu’elle porte sur eux, sur ce qui les entoure. Photos surexposées de téléviseurs dans différents appartements. Mathieu Grosjean documente le « Vestibule » : Un lieu intime et personnel au milieu d’un environnement public, qui marque un changement, un passage. Milena Gsteiger a accompagné Sabine et Nik. Elle met en lumière le couple, les espaces intérieurs et la soirée grillade à la lueur du flash. L’environnement s’obscurcit rapidement et plonge ainsi dans l’arrière-plan. Manon Gygax utilise un vieux Polaroïd. Par les teintes typiques de cette technique, des jeunes d’aujourd’hui prennent une coloration ancienne. Le « teenage », cette période entre 10 et 19 ans est une étape importante de notre vie où l’on aime se démarquer des autres et s’affirmer en tant qu’individu dans la société. Le style vestimentaire joue un rôle important d’identification. Le besoin d’appartenir à un groupe pousse les adolescents à se comparer et s’influencer les uns les autres. Marc-Andrea Huber montre des pièces abandonnées dans des locatifs en déliquescence. Les murs s’effondrent, un chat traverse l’immobilité de l’image. Au moyen de son écharpe jaune et noire, Simon Kiener se transforme en fan de Young Boys et plonge dans la masse populaire des fous du foot. Le dimanche, les différentes origines sociales et les classes d’âge ne jouent plus aucun rôle. Tous s’animent pour le jaune et le noir. Ils fêtent ensemble, ils vibrent ensemble. Patrick Kuhn met en perspective les objets jetés. Peut-on analyser les personnes par rapport à ce qu’elles jettent ? Cette série fait parfois penser à des archives policières. Simon Mick photographie une place où les gens s’arrêtent pour se reposer. Quelques tables et quelques chaises suffisent. Les personnes de passage viennent et s’en vont, la lumière du jour change. Les images semblent tirées d’une caméra de surveillance. Tanja Roux a intitulé le résultat de son travail « Mes machins favoris». Des amies posent dans leur appartement avec leurs accessoires préférés.
Tamara Rufener Kunz photographie des cabanes de chantiers avec un appareil analogique à grand angle. Elle interroge ces petits abris qui servent de refuge. D’habitude fermés, elle les met visuellement en lien avec le monde extérieur. David Ryf se sent à l’aise dans le monde des tatoueurs. Sa série est composée d’une bonne quinzaine d’images très picturales, prises sur un fond sombre. Une fois accrochés, les différents formats forment un ensemble cohérent. Judith Schmid, à 3471 mètres au-dessus de la mer. La visibilité est réduite. Des grappes de touristes se forment dans la neige, finissant par ressembler à des îlots. Qui vient donc visiter le Jungfraujoch ? À quoi ressemblent-ils ? Que peut-on bien voir dans un tel brouillard ? Michael Wenk nous montre l’environnement des hôtes qui cherchent toujours à montrer le meilleur d’euxmêmes. (Projet sous la direction de Roland Aellig)

In one hour, the Earth moves 107’218 kilometres along its orbit around the sun. In one hour, the Earthspins – from one point on the equator – 1,670 kilometres upon its axis. One hour is the time in which Hans-Christian Schink exposes his film and makes “the linear intersection” of this path visible. Hepoints his camera at the sun and makes use of the chemical effects of solarization, in which the darkening of the negative is inversed: by intense overexposure, the sun appears black rather than whiteupon the print. Between 2003 and 2010, Hans Christian Schink took photographs in 24 locations in which thesun’s course is very different around the world – some near the poles, others near the tropics and the equator. Conducted in the manner of a scientific experiment, he is seeking an image of realitywhich, in this case, can only be revealed through the technique of film photography, and without which the human eye would not be able to perceive it. The line drawn by the sun in these photos representsboth light and the passage of time. These vast landscapes and urban spaces produce a surreal impression. The line of “black light”hovering in the sky dominates the space; it delimits it and opens it out at the same time. Its angle of inclination changes according to the season and the latitude at which the camera is located. Thelocations form a backdrop. Hans Christian Schink describes them in terms of the precise definition of the line depicted by the sun – its geographic coordinates and the time of exposure.As well as a meticulously produced document, the photos of Hans-Christian Schink are also an exhibition of the sun and a particular reminder of its permanent existence. They bring to mind the previouslyunknown images found in nineteenth-century travel photography.

Year of production: 2003-2010

Multiple images of a performance about the various behaviours that are provoked by being observed through image capture devices.

Year of production: 2008-2012

Images which were taken over a long period of time from the same window of a New York apartment and can be read as a storyboard.

Year of production: 2010

Year of production: 2020

Mathieu Merlet Briand takes statistical data and thousands of photos from a web search as his raw material, which he then reworks with image manipulation algorithms that he has developed. The installation #Blue-Screen Templeis reminiscent of the blue screen that serves to indicate a crash in a computer system. By entering into the installation, the structure of which is analogous to the forms of a classical temple, we enter into an abstract reality, an immersive visual “crash” that questions our beliefs in the era of new technologies.

Year of production: 2019

The disappearance of faces because of overexposure suggests the impossibility of capturing the human by means of a portrait.

La zurichoise Ruth Erdt a le sens de l’ambivalence et de l’ambiguïté. Les images de son « work in progress » ne sont pas ordonnées selon la chronologie, ni selon le contexte d’élaboration. Elles forment bien plus un ensemble hybride, un puzzle, au confluent des genres. Dans un esprit fragmentaire, Ruth Erdt photographie tour à tour ses enfants, ses amants, ses amis, mais aussi des modèles professionnels, sans distinction, à la manière d’instantanés qui racontent une histoire, la sienne, celle des autres, la nôtre également, en tant qu’elle nous renvoie à nos sensations et à notre sens imaginatif.

Qu’en est-il de la composante documentaire de ce travail ? La photographe donne-t-elle à voir un témoignage partiel de son existence et de ses expériences humaines ou, au contraire, une fiction, à laquelle notre imaginaire est convoqué ? Ces photographies ont-elles été prises spontanément ou résultent-elles d’une mise en scène ? Ruth Erdt laisse planer les doutes à envi, ce qui confère une originalité à son travail.Si la série est fragmentaire dans son contenu, elle tisse un lien cohérent dans son rendu. Ruth Erdt accorde en effet une attention toute particulière à la matière et à la lumière, faisant du rendu de la peau et des ses différentes carnations un thème central. Du blanc au violacé, en passant par des tons orangés et rougeâtres, elle explore ses diverses valeurs, autant que sa composante sensuelle, dans des tons le plus souvent crus et blafards. Ses enfants, les différents protagonistes et les mannequins professionnels, avec lesquels elle a établit une relation de confiance et qu’elle photographie depuis plus d’une quinzaine d’années, exhalent un parfum de sensualité, constamment présent. Ces images mettent aussi l’accent sur l’émotion qu’elles peuvent procurer au spectateur, en tant que Ruth Erdt nous invite à un processus d’identification par le familier.

A l’opposé d’une conception lisse et nette de la mode qui privilégie souvent le glamour, la zurichoise laisse apparaître les défauts de l’enveloppe corporelle. Par cet apparence un peu fragile, qui contraste avec l’habituelle impression de masque, ces portrais sont aussi perméables aux différentes émotions qui habitent les modèles. Qui plus est, les mannequins ne se distinguent en rien de celles et ceux qui font partie de son monde intime. A contre-courant, imprégnées d’un esprit libertaire par rapport aux canons habituels, ses photographies n’en constituent pas moins une forme de photographie de mode, mettant en scène le corps en tant qu’élément déterminant autour duquel s’articule la prise de vue. Une série de photographies de Ruth Erdt qui met en valeur les vêtements de Christa de Carouge est présentée aux Journées photographiques de Bienne et réalisée spécialement pour l’événement.

Photographe de mariage…« Ah, tu fais aussi des photos de mariages », me dit-on parfois, l’air un peu surpris et presque compatissant. C’est que la photographie de mariage n’a pas toujours bonne presse, elle est considérée comme un travail peu intéressant, conventionnel et à la portée du premier photographe venu. Cela tient probablement au fait que la photographie, dès son apparition, s’est inscrite dans le rituel du mariage, comme un passage obligé, et que la forme photographique se dégageant de cette pratique s’est rapidement figée dans une image exaltant les signes convenus du bonheur et du romantisme.Il est clair que je me situe à l’opposé de cette esthétique et que j’essaie au contraire de rester en contact avec la manière dont les acteurs vivent cet événement. Au lieu de «ritualiser le rituel», comme le fait la photographie de mariage classique, j’essaie au contraire d’en extraire la vie, celle qui s’insinue partout, même dans les moments les plus calculés et les plus prévisibles.

Dans un mariage, le photographe est un observateur accepté, ce qui donne une liberté de mouvement et de choix de sujets que j’apprécie. J’essaie de trouver un compromis entre la nécessité de couvrir l’événement et ses moments phares et la volonté de les montrer de manière subjective. Au final, même si certaines images sortent du lot, je ne considère pas qu’elles constituent un travail artistique. La photographie de mariage reste pour moi un travail artisanal, un moyen de faire mes gammes, de gagner ma vie, de trouver quelques bonheurs d’images en donnant une certaine image du bonheur.

L’ensemble sera complété par une salle d’écoute, mise sur pied en collaboration avec Canal 3, dans laquelle les visiteurs pourront prendre connaissance de divers avis et réflexions sur les thèmes de la mode, du style et de l’identité, recueillis auprès de la population biennoise, cela afin de pouvoir se focaliser non pas sur une représentation visuelle, mais sur une image mentale. Cette démarche participe ainsi d’une vision complémentaire du sujet.

Installation en collaboration avec visarte. 660 images dans 420 cadres.

Le point de départ de mon exposition a été le thème des Journées Photographiques de Bienne de cette année : «de la vie à la mort – de la mort à la vie». Pour moi, c’était clair, je voulais faire une installation qui intègre l’espace. Tout le reste était encore ouvert début juin. J’ai alors fouillé parmi mes négatifs – les boîtes avec les photos que je ne range jamais…

J’ai trouvé de nombreuses photographies: les photos passeport que j’ai faites au long des années à chaque fois dans les automates les moins chers, d’innombrables polaroïds de moi! Tout à coup j’ai eu un grand plaisir à regarder et à rassembler toutes ces photographies où je suis seule représentée.Je me suis faite un pari à moi-même: «Toutes les photos que je trouve, je les scanne sans les censurer. Cela sera la base de l’exposition.» Mais plus tard vint souvent le doute, était-ce vraiment ça que je voulais faire ? Le flot de photos a réveillé de nombreux souvenirs et des questions : la confrontation avec ma vie et la question du sens de ce travail. Malgré tout j’ai toujours tenue pour juste ma décision de faire l’installation de cette façon.

Durant la réalisation de l’installation, c’était très intéressant de voir comment une photographie se modifie, selon le cadre dans laquelle je la plaçais.

C’est seulement le lundi avant l’ouverture de l’exposition que j’ai pu reconnaître que l’installation terminée correspondait effectivement à l’image, à l’idée que j’avais originellement en tête. L’image seule est finalement peu importante dans l’installation. Mais toutes les images ensemble permettent un regard dans une vie et dans son passé.

Carla Etter

Début avril 2005, la HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich) a publié son rapport annuel 2004. Le graphisme de la publication était signé Franziska Burkhardt et Barbara Wiskemann. En collaboration avec les graphistes, vingt-cinq «photos de classe» ont été réalisées entre avril et juillet 2004. Les étudiants de chaque branche ont été photographiés dans l’un de leurs espaces de travail. Les portraits de groupe ont été pris par une caméra grand format, la lumière d’un flash venant s’ajouter à l’éclairage existant.

Les photographes voulaient observer l’effet que les espaces d’enseignement exercent sur les personnes qui les occupent, et aussi les interventions que les étudiants effectuent dans ces espaces. Malgré le, ou plutôt à cause du genre classique et conventionnel de la photographie de groupe, l’intérêt du projet résidait dans la forte concentration d’individus et la présence d’une certaine créativité, rendant ainsi visibles aussi bien les caractéristiques des sujets photographiés que leur appartenance à un groupe spécifique.

Dans « Blast », un visage caché derrière un ballon rouge apparaît au fur et à mesure que la baudruche se gonfle, d’abord les yeux, deux taches sombres, puis l’ensemble des traits un peu flous. Le ballon grossit et devient fragile, la couleur perd de sa densité et laisse voir en transparence. Un halo rouge encadre le visage devenu net, à peine coloré de rose. L’artiste continue à gonfler, jusqu’à l’éclatement en lambeaux. Le bruit est sec et lui fait peur. Elle regarde le spectateur puis ferme les yeux.
Pour faire pendant à cet autoportrait, où le visage apparaît, Luzia Hürzeler a moulé son buste pour en tirer une épreuve en pâtée pour chat. Le titre « Selbstporträt für die Katz » prend d’ailleurs une dimension ironique en allemand.
Cette érosion sans brutalité est lente et douce. Posée sur un socle, l’effigie habituellement faite pour durer est appelée à se défaire sous la langue râpeuse d’un chat.

Ces deux autoportraits, comme « Derrière le rideau » ou « Perturbations », traitent du corps, de sa présence réelle ou juste induite par le son, visible ou dissimulée. Le chat qui mange le buste fait penser aux oiseaux qui détruisent un pain de graines dans « Vogelhaus ».
Comme pour ses autres vidéos, Luzia Hürzeler construit des situations simples à partir de dispositifs complexes. L’action réduite à des bribes de narration, sans réel développement, traite avant tout du temps, du point de vue, des effets visuels et sonores. Ces fables, dont Luzia Hürzeler ne livre pas la morale, nous interrogent en fait sur la construction des images en mouvement et sur notre perception.

Claude-Hubert Tatot