Durch die Hügellandschaft Pennsylvaniens rast ein Lastwagen, die schwarz verhüllte Fracht auf seiner Pritsche sieht aus wie die überdimensionalen Zauberkisten eines reisenden Magiers. Am Steuer sitzt David Hackenberg. Er jagt den Frühling, schon zum dritten Mal in diesem Jahr. Den ersten erwischte er in Florida, den zweiten in Pennsylvania und New York, jetzt will er auch den in Maine, ganz oben im Norden an der Grenze zu Kanada, 1200 Kilometer liegen vor ihm und seinen Bienen auf der Ladefläche, 356 Völker, 356 Kästen, gestapelt zu zwei grossen Quadern, in denen der Hunger wächst und sich der Sammeltrieb staut. Hackenbergs Fuss liegt wie ein Stück Blei auf dem Pedal, 440 PS, zehn Gänge, linke Spur, er sagt du musst das Heu einholen, wenn die Sonne scheint.Mit ihren Bienen, dem Nutztier Nummer drei nach Rind und Schwein, ziehen in den USA einige hundert Gross- und Wanderimker die Küsten hinauf und hinunter, von West nach Ost, von den Rändern ins Innere und wieder zurück – von den Orangenhainen zu den Mandelbäumen, von den Kirschblüten zu den Preiselbeeren, von den Kürbissen zu den Melonen zu den Pfefferbäumen, Avocados, Gurken, Nüssen… Jährlich erwirtschaften die Bienen viele Milliarden Dollar – aber nicht als Honigsammler, sondern durch ihre Arbeit als Bestäuber. Ohne sie, wäre das Nahrungsangebot ärmer und teurer, Honigbienen sind der Anfang einer gigantischen Wertschöpfungskette, deren Ende die Kirschen im Yoghurt und die getrockneten Apfelringe bei Wal-Mart und Migros sind, die Blaubeermuffins im Coffeeshop, die Mandelsplitter auf dem Mövenpick-Eis, die Gurkenrädchen bei McDonalds, selbst das Steak im Restaurant und die Milch in der Tüte, weil auch Futtermittel vor allem dank der Bienen massenhaft gedeihen. Bees for rent, anywhere, any crop – Bienen zu vermieten, überall, für alle Feldfrüchte. So werben die Wanderimker, wenn die Saison beginnt.

Stefan Scheytt, freier Journalist, Auszug aus: Neue Zürcher Zeitung, «Zeitbilder», 03.09.2005

Hier ist alles unwiderruflich Eis, und man stellt sich die Frage, was diese Extreme beim Menschen auslösen können. Die 270’000 Einwohner von Jakutsk in Nordsibirien müssen im Winter Temperaturen zwischen -40 und -50°C aushalten, denen sich sonst nur Bergsteiger am Mt. Everest aussetzen müssen, dazu kommen Eis, Nebel und flüchtige Schatten. Im Rahmen einer Weltreise besucht Steeve Iuncker Städte der Extreme (von der tiefstgelegenen Stadt über die bevölkerungsreichste Stadt bis zur mit Schadstoffen am stärksten belasteten Stadt). Von der Weltbevölkerung lebt die Hälfte in Städten. Jakutsk, die kälteste aller Städte, bildet den Auftakt zu diesem neuen Projekt.

Herstellungsjahr: 2013

Die Zürcherin Ruth Erdt hat eine feines Gespür für das Ambivalente und Mehrdeutige. Ihre «Work-in-progress»-Bilder sind weder chronologisch geordnet noch entsprechend dem Kontext, in dem sie entstanden sind. Vielmehr bilden sie ein hybrides Ganzes, ein Puzzle, in dem sich verschiedene Einflüsse und Strömungen brechen. Ruth Erdt geht «fragmentarisch» vor, sie fotografiert abwechslungsweise und ohne Veränderung des Dispositivs mal ihre Kinder, mal ihre Geliebten und Freunde, aber auch Profimodelle. Die Bilder zeigen Momentaufnahmen, die eine Geschichte erzählen: die der Fotografin, jene der Fotografierten, aber auch unsere, indem sie unsere Empfindungen und unser Vorstellungsvermögen in Bewegung setzt.

Haben die Bilder einen dokumentarischen Wert? Erlaubt uns die Fotografin einen (Teil-)Einblick in ihr Leben und ihre persönlichen Erfahrungen oder baut sie eine fiktive Welt auf, die sich in und mit unsere Vorstellungen mischt? Wurden die Bilder spontan aufgenommen oder sind sie das Resultat einer Inszenierung? Ruth Erdt lässt die Betrachter darüber im Unklaren – und genau das ist es, was zur Originalität ihres Werks entscheidend beiträgt. Die Bilderserie mag zwar inhaltlich fragmentarisch wirken, ist aber in ihrer Aussage und von der Arbeitsweise her kohärent. Ruth Erdt richtet ein besonderes Augenmerk auf Materie und Licht und macht aus den verschiedenen Teints und Texturen der Haut ein zentrales Thema. Die Farbtöne changieren von Weiss zu Bläulich mit orangen und rötlichen Zwischentönen, die Fotografin zeichnet die verschiedenen Hauttöne, aber auch die sinnliche «Qualität» der Oberfläche nach, die Haut selbst wirkt dabei meistens bleich und ungeschminkt. Zu ihren «Sujets», also ihren Kindern, Geliebten und Freunden, aber auch zu den Profimodels hat Ruth Erdt über 15 Jahre hinweg, gleichsam durch die Linse hindurch, eine persönliche Beziehung aufgebaut. Sie alle verströmen einen sinnlichen Duft, den man fast vermeint riechen zu können. Ein weiteres Merkmal der Bilder ist deren starke emotionale Ausstrahlung, die sich auf die Betrachter überträgt: Ruth Erdt lädt ein, sich mit den auf den Bildern aufgenommenen Personen zu identifizieren – als Betrachter hat man den Eindruck, man kenne diese Personen, man sei mit ihnen vertraut.

Ruth Erdt steht im Gegensatz zur glatten und aufgemachten Modewelt, in der oft nur der Glamour zählt, sie arbeitet die Unebenheiten und Unzulänglichkeiten der Körper und der Haut richtiggehend heraus. Dadurch bekommen die abgebildeten Modelle etwas Fragiles, als stünden sie ungeschminkt und ohne Maske da – die verschiedenen Gefühlslagen der Modelle dringen voll an die Oberfläche. Die Profi-Mannequins bilden hier keine Ausnahme: Sie unterscheiden sich überhaupt nicht von den Modellen aus dem näheren Umfeld der Fotografin. Obwohl die Bilder von Ruth Erdt dem üblichen Kanon nicht entsprechen und gegen den herkömmlichen (Bilder-)Strom schwimmen, sind sie doch der Modefotografie zuzurechnen, stellen sie doch den Körper ins Zentrum, um den herum das Bild aufgebaut wird. Die Bieler Fototage zeigen zudem eine Bilderserie von Ruth Erdt, welche – fotografisch – um die Kleider von Christa de Carouge kreist resp. diese fokussiert. Die Bilderserie wurde eigens für die Bieler Fototage kreiert.

Wolfgang Ernst Pauli, einer der Begründer der Quantenphysik, hat den Beinamen «Gewissen der Physik» erhalten. Der Legende nach misslang jedes Experiment, sobald Pauli zugegen war. Seine humorvollen Kollegen gaben diesem Phänomen den Namen «Pauli-Effekt». Pauli ist in den Archiven des CERN immer noch präsent. Damit beginnt die «Geschichte eines wissenschaftlichen Phantoms». Kunst, Fotografie, Geschichte und Wissenschaft prallen aufeinander und verwischen die Grenzen zwischen faktischer und fiktionaler Wissenschaft. Einige Bilder wurden vom Künstler manipuliert, während andere so belassen wurden, wie sie sind.

Manipulationen durch den Künstler 2015-2016
Bilder aus den Archiven des CERN 1960-1985

Herstellungsjahr: 2015-2016

Geld ist unser Ticket zur Erfüllung sämtlicher Wünsche. Denn alles hat seinen Preis – jedes Versprechen, jede Leistung.

Manch ein Körperteil hat Konnotationen zum Geld: Kopfgeld, Fersengeld, Sch…

Im Englischen wird einer mit den Worten «put your money where your mouth is» aufgefordert, die Wahrheit zu sagen.
Und oft sind wir gezwungen, uns etwas «vom Mund abzusparen». Manchmal müssen wir unsere Fähigkeiten «ummünzen»,
um «auf die Rechnung zu kommen» oder «kreditwürdig» zu sein.

Würden wir nicht den Preis der Dinge festlegen, dann hätte vieles seinen wirklichen Wert.

Daniel Schwartz

While Dreaming ist ein laufendes Projekt, das 2011 begonnen hat. Damit steht es im Kontrast zu den zeitlich beschränkten Formen der Serienproduktion, die den Künstlern oft auferlegt werden. Die in einer massgeschneiderten Box gezeigte Serie unternimmt den Versuch, Träume in Bilder zu fassen. Das Publikum wird dazu eingeladen, die Bilder, die auf der Grundlage von persönlich erlebten oder erzählten Träumen entstanden sind, in seinem eigenen Rhythmus zu betrachten. Die Fotos haben einen Druckprozess durchlaufen, der die Eindeutigkeit der zur Verfügung gestellten Informationen unterläuft. Die Blaudruck-Abzüge verstärken den evokativen Charakter der Bilder und beanspruchen das Gedächtnis der BetrachterInnen.

Herstellungsjahr: 2011-

Künstliche Intelligenz und Informatikalgorithmen ermöglichen es Trading Unternehmen heute, Transaktionen schneller auszuführen, als dass ein Mensch ihnen folgen könnte. Die im Video von Eline Benjaminsen festgehaltenen Orte werden nicht ohne Weiteres mit der Finanzwelt in Verbindung gebracht und doch werden heute genau da die grössten Gewinne erzielt. In ihrer Arbeit dokumentiert die Künstlerin die Landschaft eines immateriellen Marktes und hinterfragt die Grenzen eines Systems, das in einer für das menschliche Hirn nicht mehr nachvollziehbaren Geschwindigkeit Profite und Wert generiert.

Herstellungsjahr: 2017

Eine humorvolle Erforschung der visuellen Codes, die bei Massen-Freizeitvergnügen in der westlichen Welt gelten.

Herstellungsjahr: 2010

Wentworth ist in Kanada situiert, wo Lucas Olivet als Kind seine Sommerferien verbracht hat. Die Geschichten, Spiele, Charaktere und die Mythologie seiner Kindheitserfahrungen werden wieder erschaffen durch die Fotografien und durch das gezeigte kanadische Video, welches diesen Sommer durch das Kollektiv Cowboy Noir entstanden ist. Das Projekt Wentworth wird an den Bieler Fototagen zum ersten Mal gezeigt.
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: 2013

Eine Arbeit, in der das Aussparen und Entrümpeln im Vordergrund steht. Ausgangsmaterial sind Bilder aus alten Fotoalben, resp. die leeren Seiten in diesen Alben.

Herstellungsjahr: 2011-2012

Thomas Zollinger beschäftigt sich seit langem mit verschiedenen Formen des inszenierten Gehens. Wo andere im Unterwegssein die Ferne und die Geschwindigkeit suchen, interessiert er sich für das Hiersein und die Verlangsamung. Das Gehen an sich, aber auch die örtliche und zeitliche Plazierung sowie die konzeptionelle Verankerung bergen ein unerschöpfliches Feld der Untersuchung.

Zollingers Arbeiten situieren sich zwischen zwei extremen Polen. Dort, früher, das ungehemmte und unruhige Umherreisen und heute die als gehetzt empfundene zeitweilige Pendlermobilität, da die Körper und Geist beruhigende Immobilität des Sitzens wie im Zen. Dazwischen das konkrete Gehen als ein in der Essenz zentriertes Vorwärtsschieben des ganzen Körpers.1997 unternahm Thomas Zollinger die künstlerische Umsetzung in einem 12 Stunden dauernden Gehen durch leere Geschäftslokale, den Stadtraum, das Seeland, zusammen mit 29 anderen Personen, unter Anteilnahme der irritierten Öffentlichkeit.

Die diesjährige Ausstellung schliesst den auf die Gewölbe Galerie bezogenen, im Jahr 2000 als «Konzept-Ausstellung» begonnen Zyklus «weiter gehen» ab. Im Mittelpunkt des Rückblicks stehen fünf grossflächige Anordnungen von fotografierten Videostandbildern.

Seine Auseinandersetzung mit dem für ein bestimmtes Projekt adäquaten Dokumentationsmittel begleitet die Besucher durch die ganze Ausstellung. Insofern ist es interessant, die Fotografie im konkreten Kontext anderer Medien und vor allem im Kontext eines übergeordneten Kunstkonzepts zu sehen.

In New York, Zürich und Paris fuhr er mit dem Auto auf mehrspurigen Strassen von Ampel zu Ampel. In den wenigen Sekunden, in der die Fahrzeuge still standen, fotografierte er die Leute in den Autos neben ihm. Dabei beobachtete er mit der Kamera die Personen, ihr oft abwesender, auf etwas ausserhalb des Bildrahmens gerichteter Blick.

Der Rhythmus der Verkehrssignale schafft und beseitigt einmalige Begegnungen und Einblicke in viele, kleine, in der Stadt herumfahrende Wohnzimmer mit Gesichtern hinter getöntem Glas. Die kurze, von der Ampel aufgezwungene Pause im Auto wird zu einem intimen Moment im öffentlichen Raum.Von Auto zu Auto entstanden Bilder flüchtiger, zufälliger und einsamer Begegnungen – von vornherein zeitlich determiniert nie wiederkehrend und nur schwer zu verlängern.

3 Serien:
1. New York 1997, 70/105 cm, C-Prints auf Alu
2. Paris 1998, 90/135 cm, C-Prints auf Alu
3. Zürich 1998, 40/60 cm, C-Prints auf Alu

Von der 2. zur 3. Serie findet ein radikaler Wechsel der Position des Fotografen statt. Während die New York- und die Paris-Serien aus der Position des leicht distanzierten Beobachtens aufgenommen sind, hat er die Autofahrer in Zürich bei Nacht mit Blitz und Teleobjektiv fotografiert. Die Position ist nun die des agressiven Paparazzi. Ziel des Wechsels ist die Thematisierung des Mediums, der Kamera.

Die Ausstellung We Call It Home zeigt die Ergebnisse des zweiten Teils eines Vermittlungsprojektes, welches in 2018 von Patricia Huijnen und Manuela Heé im Rahmen von Femmes-Tische Biel (Programm unter der Verantwortung von effe) initiiert wurde.

Eine Gruppe von 11 Moderatorinnen unterschiedlicher Herkunft (Afghanistan, Brasilien, Eritrea, Irak, Kongo, Libanon, Mexiko, Sudan, Türkei, Togo und Tschad) hat an Weiterbildungen zur Fotografie teilgenommen und Tischrunden mit Frauen aus ihren Herkunftsländern rund um die Themen «Glück», «Zeit» und «Wohnen» durchgeführt, um über psychische Gesundheit, Kultur und eigenes kreatives Tun zu diskutieren.

Begleitet von der Fotografin Solène Gün, haben die Moderatorinnen ihre Überlegungen in Bildform weitergeführt. Die gezeigte Auswahl an Fotografien lädt uns ein, in den Alltag der Frauen einzutauchen.

We are all going home ist eine immersive Installation, welche die Künstlerin im Auftrag der Tessiner Grenzstadt Chiasso umgesetzt hat. Im Rahmen des Projektes sollte Aline d’Auria einen neuen Blick auf die aus Osteuropa immigrierten BewohnerInnen richten. Der erste Teil der Arbeit zeigt verschiedene Fotos der am Projekt beteiligten Personen. Im zweiten Teil, einer Videoinstallation, sind Personen zu sehen, die sich unablässig zu verschiedenen Zeiten in verschiedene Richtungen bewegen und damit mit bestimmten Vorstellungen über Migration brechen. Im dritten Teil werden die BetrachterInnen eingeladen, Wiegenliedern aus Osteuropa zu lauschen. Um sich noch besser auf die Lieder einlassen zu können, liegen die BesucherInnen in einem abgedunkelten Saal, der eine traumhafte Atmosphäre aufweist. Mittels der verschiedenen zusammengetragenen Elemente stellt die Installation We are all going home Fragen zum körperlichen und seelischen Zugehörigkeitsgefühl und sie ermöglicht eine neue Sichtweise auf den Begriff von «zu Hause».

Herstellungsjahr: 2019

Videokameras werden zu Motiven auf einer grossen Leinwand, die einem Angst machen kann.

Herstellungsjahr: 2006-2011

Wie Søren Kierkegaard ist auch Fabian Unternährer der Überzeugung, dass sich das Banale hinter dem Aussergewöhnlichen verbergen kann, und umgekehrt. Er versucht, das Ungewohnte im Alltag aufzuspüren, das angeblich Unsichtbare, als möchte er in einer an sich bekannten Situation eine schwindelerregende Erfahrungen machen. So kratzt seine Serie „Vertigo“ an der Oberfläche der Cliches, um unsere Erfahrung der Wirklichkeit zu verändern; das Ganze wird noch verstärkt durch die Grautöne, das Spiel mit dem Licht und die gekonnte Vermischung von Bekanntem mit Unbekanntem.

Herstellungsjahr: 2012-2013

Als ich 2011 die Website von Getty Images durchstöberte, stellte ich fest, dass ich einige historische Fotos von Ghana, für die Getty Images die Bildrechte beansprucht, bereits in den Archiven des ghanaischen Ministeriums für Information gesehen hatte. Als ich der Sache nachging, stiess ich auf eine Reihe von Ungereimtheiten (falsche Daten, falsche Bildlegenden und auf manipulierte Originalfotos. Einige Eingriffe wirkten eher unbeabsichtigt, hinter anderen schien Kalkül zu stecken. Getty vs. Ghana zeigt «übereinstimmende» Bilder aus beiden Bilddatenbanken und vergleicht diese, um auf Fragen zu zeitgenössischen Problemen wie Copyright, Digitalisierung und nationales Erbe in fremdem Besitz aufmerksam zu machen. Corbis vs. Mozambique, Getty vs. Kenya vs. Corbis und Musée royal de l’Afrique centrale vs. Getty vs. DR Congo verfolgen denselben Ansatz. (MJ)

Herstellungsjahr: 2012-2015

Eine Studie über das städtische Umland und dessen Bewohner, die einerseits dem Blick entzogen sind und andererseits scharf überwacht werden.

Lisette Appeldorn hat eine Obsession für Masken, die aus allerlei Materialien hergestellt werden. Die Porträtserie Untitled ist formal gekennzeichnet durch Verhüllungen, satte Farben und originelle Posen der Models, die sie fotografiert. Die Serie von anonymen Personen mit verhüllten Gesichtern, die keine Emotionen zeigen, ist ein «work in progress», das bei dem-der BetrachterIn Unbehagen hervorruft. Über die Aufnahme reduziert die Künstlerin den Körper auf eine Skulptur, ein Objekt oder fremdartige Formen. Im Zeitalter der Selfies und der Gesichtserkennungstechnologien ergründen diese Bilder die Stellung der Emotion in unserer Gesellschaft, die Auflösung des Individuums im Datenfluss, aber auch die Masken, hinter denen sich Menschen manchmal gerne verstecken.

Herstellungsjahr: 2018

Ich erliege nicht der Illusion einer die Welt schützenden Stille. Die Landschaften sprechen, sie erzählen mir von den Machenschaften, den Überlegungen und dem Innenleben der Menschen. Ich bin mir der Zwiegespräche zwischen Menschen und Landschaften bewusst. Ich will an dieses Illusionsfenster klopfen und Eintritt begehren. Aber ich habe Angst. Ich geniesse den Frieden und die Schönheit, die diese Bilder verströmen. Ich will nicht auf eine gewalttätige, zerstörerische und verängstigte Welt stossen. Eine Welt, die es vielleicht gibt, vielleicht aber auch nicht.

So schütze ich mich selbst, indem ich die Augen schliesse und mir vorstelle, was diese Personen wohl denken und fühlen mögen.
Ich will, dass ihre Gedanken rein, sinnlich und unschuldig sind. Und weil es das ist, was ich will, ist es auch das, was ich sehe.

Jacques Henri Couvillon

Jeanne Chevalier zeigt Fotos in einem Videofilm.
Mit Musik von Christian Giger, gespielt von Anton Koudriavtsev.
Schnitt Yvan Kohler.
“Almera Bayyana” reflektiert eine intime Beziehung zwischen zwei Welten, jene der Kindheit und der damit verbundenen Erinnerungen und jene der andalusischen Landschaft, die sehr weit entfernt ist von den Freunden und Verwandten und in der zu leben sich die Fotografin entschlossen hat. Die sporadischen Ferien ermöglichen es ihr, die beiden Welten zusammenzubringen.
Eine Mischung aus Gnade und Ewigkeit. Bernard Plossu merkt zu den Bildern von Jeanne Chevalier treffend an: “…den Lebensalltag festhalten, ohne aussergewöhnlichen Ereignisse, ohne eine ‹Reportage daraus zu machen› … Schritt für Schritt, Bild für Bild, Jahr für Jahr…”. Projektion von Bildern, die sich langsam zusammensetzen, aneinanderreihen, ineinandermischen und dabei mittels ihrer Transparenz den Blick öffnen auf und in neue Welten. Die Fotos scheinen wie getragen vom Klang einer Gitarre, die Musik ist langsam, die Töne wiederholen sich. Kinder wachsen auf, Zeit verstreicht – zurück bleibt die ausserordentlich starke Präsenz einer Landschaft, an der die Zeit spurlos vorüberzugehen scheint. Die Fotografin insistiert, offensichtlich, offen sichtlich, und mit gutem Grund: Auch wenn die Region heute ein offizieller Naturpark ist, so ist sie doch stark bedroht durch sich immer gefrässiger gebärdende Tourismusprojekte und durch die Plastikabdeckungen für Gemüsekulturen, die immer weiter auswuchern. Ein chinesisches Sprichwort sagt: “Wenn Du nicht willst, dass der ganze Wald stirbt, dann liebe einen einzelnen Baum”.
Mit ihren Bildern belegt Jeanne Chevalier das enge Verhältnis, das zwischen der Physionomie einer Landschaft und der Existenz von Menschen herrscht.

Im November 2001 zog ich zusammen mit zwei Freunden in ein freistehendes Haus ob Lausanne. Damals wollten wir noch nicht mit unseren Freundinnen Bett und vor allem Tisch teilen. Sie sollten jeweils unsere Gäste sein…, das war auch eine der Bedingungen für unser Zusammenziehen. Während ungefähr einem Jahr war alles Friede, Freude, Eierkuchen. Wir glaubten, wir hätten jeder einzelne für sich die passende Form des Zusammenlebens gefunden: Ein geschickt ausbalanciertes Gleichgewicht zwischen den Momenten, in denen wir unter uns waren und jenen, die wir gemeinsam mit den Freundinnen verbrachten. Dieses Gleichgewicht geriet eines Tages bös ins Wanken: Einer der Freunde liess uns wissen, dass seine Freundin künftig permanent und definitiv anwesend sein werde. Wir wurden vor ein Fait accompli gestellt.Und so kam es, wie es kommen musste: Die Paardynamik erwies sich als unvereinbar mit unserer Form des Zusammenlebens. Die Veränderung setzte unweigerlich einen Schlusspunkt hinter unser Abenteuer. In den sechs Monaten vor dem endgültigen Bruch war die Stimmung extrem angespannt. Schliesslich breitete sich Schweigen aus. Das Schweigen wurde zu einem provisorischen Fluchtpunkt für uns alle. Dann entschieden wir, uns zu trennen.

Projektbeschreibung
Der Entscheid, die letzten 30 Tage meines Aufenthalts in der Wohngemeinschaft zu dokumentieren, fiel ziemlich impulsiv. Es entstand ein Art Logbuch, das die Ereignisse auf intime Weise nachzeichnet. Vom 1. bis zum 30. April 2003 wurde – wohl in einem etwas obsessiven Rhythmus – jedes Mal am Morgen beim Weggehen und am Abend bei meiner Heimkehr eine Bestandesaufnahme vorgenommen. Mit der Zeit stellte ich fest, wie stark diese Mauern und die Alltagsgegenstände an Bedeutung gewannen, je länger ich mich mit ihnen auseinandersetzten. Tief betroffen vom Ausgang unseres gemeinsamen Wohnabenteuers fand ich in den Bildern ein Mittel, die Worte zu ersetzen, die uns fehlten. Was die Arbeit letztlich bedeuten sollte, wusste ich damals noch nicht – sicher aber würde sie einmal Zeugnis ablegen von einem Lebensabschnitt.

Cédric Widmer

Das fotografische Werk von Elina Brotherus besteht im Wesentlichen aus Selbstporträts und Landschaften. Waren die Fotos zu Beginn ihrer Karriere noch geprägt von den Emotionen, die sie entweder in ihrem Privatleben oder bei der Betrachtung von Landschaften empfand, so sind die Bilder aus der neuen Serie “The New Painting” (2000-2004) stärker von formalen Fragen bestimmt.

Der Bildserie liegt die Überzeugung zugrunde, die Fotografie sei eine neue Form der Malerei. Die Fotografen sehen sich mit den selben Problemen konfrontiert wie die klassischen Maler. Ihnen stehen allerdings zeitgenössische Mittel zur Verfügung, in erster Linie technisch ausgereifte Fotoapparate. Im Gegensatz zu den früheren Selbstporträts verzichtet Elina Brotherus in ihren heutigen auf den Einbezug der persönlichen Erfahrung, um sich in Szene zu setzen. Sie sieht und versteht sich nun als Model(l), als eine bestimmte Figur in einer bestimmten Umgebung, und mit dieser Figur werden formale Fragen bearbeitet und beantwortet.

Andrea Holzherr, Ausstellungskommissärin, Auszug aus dem Buch “Elina Brotherus: The New Painting”, Thames & Hudson, 2005

Beim Flanieren in Kleinbasel, vor den Schaufenstern der türkischen Fotogeschäfte, entdeckte ich Fotografien, die mir anders erschienen: Sie legten auf eine farbige Weise Zeugnis von Festen ab, die wir zwar kennen, aber doch so anders begehen. Neben Geburtstagsporträts und Darstellungen von Sonnenuntergängen sind mir die Hochzeitsbilder durch ihre Gestaltung und Aussage aufgefallen.

Diese Bilder unterscheiden sich von den Hochzeitsbildern, die mir bekannt sind, in ihrer Bildsprache und durch ihre besondere Emotionalität: Die Wünsche einer guten Ehe werden bildhaft inszeniert. Der feierliche Moment wird mit grosser Freude dargestellt. Häufi g ist eine grosse Familie auf dem Bild zu sehen, um die Wichtigkeit des Moments zu manifestieren. Unklar bleibt dabei, wie kultureller Kontext, Tradition und Sehnsüchte des Paares in diesen Bilddokumenten zusammenfinden.Die Wahl des Hintergrundes ist für unseren Geschmack, für unser Auge ungewohnt. Aber gerade darin stellt sich auch ein anderer Gebrauch der Fotografie dar: Sie hat nicht den Anspruch, eine Wirklichkeit abzubilden, sondern soll einen Wunsch romantisch und gefühlvoll bebildern.

Um die Welt dieser Bilder zu entdecken, begleitete ich kurze Zeit die Arbeit des Hochzeitsfotografen Özlem in Kleinbasel. Während den Studioterminen der verschiedenen Hochzeitsgesellschaften entstand diese Arbeit.

Tanja Schmidlin

Dieses in Japan realisierte Fotoprojekt entstand aus der unwiderstehlichen Sehnsucht nach Spontanität und Aufmüpfigkeit in einem Land, in dem alles kodifiziert ist und in vorgeschriebenen Bahnen abläuft.

Die Strassen Tokios geben die Kulisse ab für die Reportagen von Daniel Stucki, sie dienen aber auch als augenfälligstes und am freisten gestaltetes Dekor für seine Sehnsüchte. Während mehrerer Tage postierte sich der Fotograf an ein und demselben Rotlicht auf der Meiji-Dori-Avenue, einer der Hauptverkehrsachsen Tokios. Ungeachtet aller möglichen Scham¬gefühle (japanischen geradeso gut wie westlichen) suchte er den Kontakt und den Blick mit den Verkehrsteilnehmern, um so ein Portrait «rauben» oder auch einfach nur erhalten zu können, gleichsam ungeschminkt und ohne Inszenierung.Je nachdem in einer geduldigen oder ungeduldigen Haltung, immer aber ohne jegliche Fluchtmöglichkeit, blieb den «Modellen» des Fotografen gar keine andere Möglichkeit, als ihm ihr Nichteinverständnis zu zeigen und den Blick wegzudrehen oder eben – seltener – ihr Einverständnis. Für einen ganz kurzen Moment haben sie, manchmal schüchtern, manchmal ernst, aber auch verärgert oder lächelnd oder komplizenhaft, ihre Maske abgenommen. Daniel Stucki hat mit der Zeit gelernt, sich ihnen zu nähern und mit dem ewigen Fluss der vorbeidefilierenden Verkehrsteilnehmer – alle zweieinhalb Minuten stand die Ampel für 30 Sekunden auf Rot – zu spielen und die doch heftige Konfrontation mit ihnen zu teilen – und ihr Erstauntsein darüber, Objekt der Begierden eines Fotografen zu werden.

Die fotografische Arbeit Stuckis ist so etwas wie ein sequenzieller Spiegel von ganz kurzen Begegnungen, die alle exakt dieselbe Dauer aufweisen und in einer urbanen Umgebung stattfinden, die angefüllt ist mit Lärm, Hektik und Aggression. Aus einer kompakten und hermetisch in sich geschlossenen Welt – dem Verkehr – werden Individuen herausgefiltert, angeschaut, dargestellt und erforscht.

TTL = in der Fotografie gebräuchlicher Begriff. Bezeichnet die Messung der Lichtintensität eines Blitzgerätes durch das Fotoobjektiv.

«Zielen für ein sichereres Amerika» lautet der Slogan von Law Enforcement Targets Inc., einem in Minnesota beheimateten Unternehmen, das allerlei Trainingszielscheiben herstellt, darunter auch jene des Type A Kollektivs. Die beiden Künstler lieben es, an Grenzen zu gehen auszutesten, was «künstlerisch korrekt» ist. Die verschiedenen Alarmierungs-Szenarios, welche das Type A Kollektiv ausgeheckt hat – von bewaffneten Überfällen bis zu Zombie-Attacken – ergeben einen Katalog der sowohl realen als auch fiktionalen Risiken und Ängste, die im heutigen Amerika vorhanden sind. Law Enforcement Targets Inc. spielte bei der Konzeption der Serie eine zentrale Rolle, ist es doch dieses Unternehmen, das über Produktion und Distribution der Bilder entscheidet: Auswahlkriterien sind Kundenwünsche, kulturelle Bedeutung und die realistische Darstellung (Höhe der Figuren, Wahl der Waffenart etc.). Bislang wurden 400’000 Type A-Zielscheiben verkauft, das Kollektiv baut sein sozialkünstlerisches Werk weiter aus, indem es nicht nur die amerikanische Angstkultur untersucht, sondern auch danach fragt, wer Kunst macht.

Herstellungsjahr: 2011

Ich bin der Meinung, jedes Paar, das heiratet, hat das Recht auf gute Reportageaufnahmen. Für mich sind Hochzeiten eine gute Gelegenheit, das Auge zu schulen. Hier kann ich nicht inszenieren, sondern muss reagieren. Ich begleite das Paar und seine Hochzeitsgesellschaft durch den ganzen Tag. Besonders spannend: Die Nervosität am Morgen, beim Anziehen, beim Frisieren, dann die kleinen Momente von Intimität zwischen den grossen Momenten und das Geschehen auf den Nebenschauplätzen.Der Hochzeitstag ist für viele Menschen von grosser Bedeutung. Zum ersten – und manchmal zum einzigen – Mal in ihrem Leben stehen sie im Mittelpunkt. Eine Hochzeit ist auch ein besonderes Ereignis innerhalb einer Familiengeschichte. Wie wichtig es ist, die Hochzeitsgesellschaft fotografisch festzuhalten, zeigt eine Geschichte, die ich einmal gelesen habe: Auf dem Heimweg von der Hochzeit verunglückten die beiden Brüder der Braut auf dem Heimweg tödlich; die Aufnahmen vom Vortag hatten schlagartig eine ganz andere Bedeutung.

Ich finde es schön, wenn ein sich Paar seinen Traum von einer Hochzeit erfüllt. Für die Ausstellung habe ich zwei Reportagen ausgewählt : Barbara Göldi und Jan Martell, haben im Sommer 2002 in St. Gallen, Schweiz, geheiratet. Im Sommer darauf gaben sich ihr Bruder Andreas Göldi und Bettina Hein in Frankreich das Ja-Wort. Barbara Göldi und Jan Martell liessen ihre Hochzeit mehrfach dokumentieren: Der Tag wurde fotografiert, gefilmt und von einem Autor beschrieben, die Gäste von einem Künstler gezeichnet. Bettina Hein und Andreas Göldi luden zu ihrer Hochzeit in ein Schloss im Beaujolais. Hier wurde dann während drei Tagen gefeiert. Die Gäste wurde nicht nur kulinarisch verwöhnt, sondern auch hervorragend betreut: Man konnte sich massieren oder schminken und frisieren lassen. Freunde des Bräutigams, die «Grooms» und die Freundinnen der Braut, die «Brides», trugen einheitliche Kleidung. Das Paar verwirklichte sich mit dieser Traumhochzeit einen langersehnten Wunsch, für den es auch extra gespart hatte.

Stöh Grünig

Die eigens für das Festival konzipierte Bildmontage wird in Form einer Installation gezeigt. Die Bilder stammen aus einer Serie von Schwarz-Weiss Fotografien, die Thomas Maisonnasse seit mehreren Jahren sammelt. Entgegen einem «Schreiben mit dem Licht» entzieht der Künstler dem, was der Fotoapparat aufgenommen hat, das Licht, so dass nur die Teile im Schatten übrigbleiben. Anstatt uns das «Sichtbare» zu zeigen, versetzen uns die von Maisonnasse fotografierten Bäume mit ihrem Laubwerk in ein geheimnisvolles und undurchdringliches Universum.

Herstellungsjahr: 2020

Eine Videoinstallation zu einem Phänomen, das im Cyberspace um sich greift: Selbstportraits vor einem Spiegel.

Eine Ausstellung des PhotoforumPasquArt, koproduziert mit den Bieler Fototagen.

Herstellungsjahr: 2011

THE SINGLED PERSON (MICHAEL ACKERMAN, MORTEN ANDERSEN, THORSTEN KIRCHHOFF, PEER KUGLER, ANDRÉ LÜTZEN, HISASHI MURAYAMA, FILIPPO ROMANO)

Sieben Fotografen für sieben zeitgleiche Projektionen: das Projekt “The Singled Person “ bietet eine subjektive Lektüre des Verhältnisses des Individuums zu seiner Umwelt an. Das bereits am New York Photo Festival 2008 präsentierte Projekt vereint unterschiedliche Fotografen, die jedoch eine subtile und impressionistische Weise teilen, sich der Wirklichkeit zu nähern. “The Singled Person” ist als Installation von sieben nicht synchronisierten Diaprojektoren konzipiert, deren Einrichtung sich der Funktion des Ausstellungsortes anpasst. Michael Ackerman (*1967, USA), Morten Andersen (*1965, NO), Thorsten Kirchhoff (*1973, DE), Peer Kugler (*1966, DE), André Lützen (*1963, DE), Hisashi Murayama (*1973, JP) und Filippo Romano (*1968, IT) pflegen eine künstlerische Handschrift, die sich in Form von Momentaufnahmen entfaltet. Sie begünstigen die Darstellung nächtlicher Städte, manchmal an der Grenze zum Sichtbaren und zur Abstraktion. Das Individuum erscheint darin unscharf und mysteriös, eine einsame Silhouette, die auf die Notwendigkeit der versichernden Gesellschaft verweisen.Die Arbeit “Departure” von Michael Ackerman entstand zwischen 1999 und 2009 in Polen. Radikal hinterfragt der Fotograf darin die Zeit und den Tod. Indem er mit jeglichen deskriptiven Versuchen bricht, kreiert er rätselhafte Visionen in schwarz und weiss und findet dabei in der Welt, die er durchquert, das Bild seines eigenen Unwohlseins. Die Bilder von Morten Andersen sprechen vom Unerwarteten und übersetzen seine Begegnungen und Erfahrungen der Strasse. “Fast / Days” ist eine Art Plädoyer für eine instinktive Praxis der Fotografie, als Ausdruck des Eigenen verstanden. Mit “Alibi” erkundet Thorsten Kirchhoff den Begriff “Zwischenbereich “, indem seine Bilder unmittelbar vor oder nach einem Ereignis aufgenommen zu sein scheinen. Sie vernachlässigen jeglichen Bezug zum Ort oder zur Geschichte und funktionieren als Untergrund für das Imaginäre. Peer Kugler lehnt in seiner Serie “Nothing at all” jegliches Konzept ab. Seine Fotografien entstehen aus den Gelegenheiten des Augenblicks und ergründen die Idee der Einsamkeit. “Hole in the head” ist eine Fiktion, welche die Schwächen des Gedächtnisses veranschaulicht. André Lützen stellt darin in verschiedenen Ländern beobachtete Orte und Situationen neu zusammen, um ein Gefühl des Zweifels und der Mehrdeutigkeit entstehen zu lassen. In “Radiance” hält Hisashi Murayama einen inneren Monolog über Immobilität, Zufall, Schatten und Licht. Er geht seine Arbeit aus einem beinahe mystischen Blickwinkel an. Filippo Romano interessiert sich für das Menschsein im zeitgenössischen China. “Off : China” zeigt die Leidtragenden der kapitalistischen chinesischen Revolution. Als engagierter Berichterstatter richtet Filippo Romano einen Blick voller Empathie auf sie. (Daniel Mueller)

In der Welt der Modepresse erscheint im September die in Bezug auf Seiten, Leserschaft und Einkommen gewichtigste Publikation. Dorade, eine Kunst- und Fotografiezeitschrift, welche die Darstellungscodes – besonders in der Modewelt – hinterfragt, nutzt die Einladung der Bieler Fototage, um ihre Installation «The September Issue» vorzustellen. Die Druckvorlage für eine Idealnummer ermöglicht einen erhellenden Blick auf die herausgeberische Arbeit von Dorade, die Inhalte werden neu kombiniert und schärfer dargestellt. Die Ausstellung kommt als gigantische Karikatur einer Zeitschrift und ihrer Gewohnheiten daher, und sie regt dazu an, den Stellenwert des für dieses Format typischen Stils neu zu definieren und die Marktmacht dieser perfektionistischen Bilder zu hinterfragen.

Die Zeitschrift

Dorade, galante Zeitschrift, Fotografie und kritische Formen ist eine 2009 von Dorade Editions (Lausanne und Paris) ins Leben gerufene, künstlerische und kritische Zeitschrift. Dorade nutzt als Ausstellungsraum das Papierformat, auf und in dem die Herausgeber wie Kuratoren wirken, indem sie Arbeiten in Auftrag geben und auswählen und indem sie zeitgenössische und historische Text- und Bildproduk-tionen in einen Dialog treten lassen. Bis anhin sind fünf Nummer erschienen

Die Kuratorin Sorana Munsya (CD/BE) erhält vom Photoforum Pasquart eine Carte Blanche und präsentiert eine Einzelausstellung der Künstlerin Joud Toamah. Toamahs Ausstellung erforscht die Möglichkeiten der Heilung, die sich in der Praxis des Bearbeitens und Teilens von Bildern verbergen. Ihr Projekt verwendet digitalisierte Bilder aus Familienalben, welche die Künstlerin von Bekannten, Freunden und Familienmitgliedern aus Syrien und der syrischen Diaspora bezieht. Toamah sammelt diese Bilder, die in Archiven gescannt, hochgeladen, bearbeitet und weitergeleitet werden und schafft digitale Archive privater und intimer Kontexte. Durch die Verarbeitung und Verbreitung von Bildern schlägt die Künstlerin einen Weg zur Wiederherstellung von Beziehungen vor. «Auf seiner digitalen Reise der Neuverortung erwirbt das Bild verschiedene Formen des In-Kontakt-Tretens.» (Petra Van Brabandt). Auf diese Weise wird die fotografische Praxis zu einem Ort, an dem Beziehungen entstehen und ermöglicht werden.

Herstellungsjahr: 2021

Für seine Collagen benutzte Tornero ein fehlerhaftes Computerprogramm, das nicht dafür geeignet war, unzusammenhängende Bilder zusammenzufügen. Er kannte die Parameter nicht, nach denen das Programm die Bilder kopieren und einfügen würde, und liess dem Zufall freien Lauf, was einen eigenen Rhythmus in die Serie brachte. Im dazugehörigen Buchprojekt wird dieser Prozess sogar noch deutlicher: Die Texte wurden mit Google Translate unzählige Male übersetzt, auch das Layout wurde dem Zufall überlassen, genauso wie die verschiedenen Kapitel vor dem Binden jedes Mal umgestellt wurden. Man kann also von einem dekonstruierten Buch sprechen und davon ausgehen, dass jedes Exemplar ein Unikat ist.

Herstellungsjahr: 2014

«The Price of Vanity» (Der Preis der Eitelkeit) ist ein Langzeitprojekt, das lanciert wurde, um über die Opfer aufzuklären, die sich hinter den schonungslosen Werten verstecken, welche die High Fashion transportiert, und um die kulturelle Ausrichtung der Industrie, die von gnadenlosen Schönheitsidealen beherrscht wird, zu beleuchten. Das Geschäftsvolumen der Industrie beläuft sich auf mehrere Millionen Euro pro Jahr, und für die Produktion von Pelzen, Federn oder Leder müssen Millionen von Tieren in Intensivzuchtstationen ihr Leben lassen. Allein der Tierhaut-Sektor wird auf $ 40 Mio. jährlich veranschlagt, und es ist ein massiver Anstieg der Anzahl von Intensivzuchtfarmen in der ganzen Welt zu verzeichnen.

Herstellungsjahr: 2012-2016

Im Jahr 1970 stolperte Caroline Hunter über Beweise, dass die Polaroid Corporation indirekt die Apartheid mit dem ID-2-Kamera-System unterstützte, das für den südafrikanischen Staat zur Verfügung gestellt wurde. Die Kamera hatte einerseits ein verstärktes Blitzlicht für das Fotografieren dunkelhäutiger Menschen, andererseits ermöglichte sie die Erstellung eines Porträt- und Profilbildes auf dem gleichen Fotopapier. Hunters Gruppierung, « die Polaroid Workers Revolutionary Movement », setzte sich für einen Boykott dieser Kamera ein. Die Idee, dass möglicherweise Vorurteile dem Medium Fotografie selbst innewohnen wird von Adam Broomberg & Oliver Chanarin abgefragt, indem sie Aufnahmen aus Südafrika mit der Polaroid ID-2 zeigen.

Herstellungsjahr: 2013

Tahrir-Platz, 24. Juni 2012. Ägypten feiert den Ausgang der ersten demokratischen Wahlen seiner Geschichte. Der Platz in der ägyptischen Hauptstadt ist übersät mit Flaggen mit dem Konterfei des gewählten Mohammed Mursi. Durch das Ziehen und Zerren der Supporter an einer dieser Flaggen wird das Gesicht des Präsidenten deformiert: Dessen Gestalt wird, ohne dass dies die Anhänger beabsichtigt hätten, unproportioniert, verbogen und unbeständig. Und aus Mohammed Mursi wird ein Mann mit vielen Gesichtern.Tahrir-Platz, 30. Juni 2013. Ein Jahr später ist Ägypten in zwei Lager gespalten. Ein Teil der Bevölkerung –  von der Armee unterstützt – verlangt die Demission des Präsidenten. Es wird ihm ein Ultimatum gestellt: Er soll bis spätestens 3. Juli zurücktreten. Vergeblich. Die ägyptische Armee stürzt deshalb die Regierung von Mohammed Mursi und setzt die Verfas-sung ausser Kraft. Ein Interimspräsident wird eingesetzt, während die Anhänger des abgesetzten Präsidenten von einem Staatsstreich sprechen – und sich davon bis heute nicht abbringen lassen.

Herstellungsjahr: 2012

«The String of Pearls» bezieht sich auf die gross angelegten, neuen Infrastruktur-Projekte im srilankischen Fischerdorf Hambantota. Dort wird mit chinesischem Kapital und chinesischen Arbeitskräften ein Bauwerk hochgezogen, das dereinst zum grössten Hafen Südasiens werden soll. In einer Zeit, in der China zur Supermacht aufstrebt und die Hegemonie des Westens in Wanken gerät, wird der Indische Ozean zu einem geopolitisch wichtigen Gebiet. Im Zentrum der neuen Weltkarte liegt Hambantota. Das Dorf scheint den Begriff «String of Pearls», den US-amerikanische und indische Militärstrategen gebildet haben, perfekt zu illustrieren: Eine Kette von wichtigen Infrastrukturbauten entlang den Ufern des Indischen Ozeans. (KH)

Herstellungsjahr: 2013

Die von hoch oben fotografierten Fotografen sehen aus wie Bauernfiguren, die auf dem Schachbrett des Bodens ihre Position suchen.

Herstellungsjahr: 2007-2008

Acht Tage nach seiner Geburt wurde der Künstler Gao Shan von einer «neuen» Mutter adoptiert. Ganz im Sinne einer Identitätssuche hat er über mehrere Jahre hinweg seine Adoptivmutter fotografiert, meistens innerhalb der 70m2 grossen Wohnung, in der sie gemeinsam leben. Er ist den Verbindungen nachgegangen, die er mit der neuen Mutter geknüpft hat, aber auch den Rissen, die sich aufgetan haben. Die ungeschminkten Bilder – abwechselnd zwischen Weitwinkel- und Nahaufnahme – zeigen gleichzeitig das Zusammenwachsen, die körperliche Nähe eines Sohnes zu seiner Mutter, aber auch die Kälte, die Distanz und manchmal die Abneigung eines Kindes gegenüber der Elternfigur. Das vom Künstler publizierte gleichnamige Buch «The Eighth Day» wurde 2019 im Rahmen des First Book Award anlässlich von Paris Photo ausgezeichnet.

Herstellungsjahr: 2013-2016

Die zwölf voneinander unabhängigen Bilder der Serie The Day Before_Star System zeigen Ansichten des Himmelsgewölbes, die mithilfe eines Computers wiederhergestellt wurden und die Sternenkonstellationen am Vorabend eines Tages zeigen, an dem die Zivilbevölkerung durch das Militär bombardiert wurde. Mit diesen Himmelskarten im IGN-Format (Institut national de l’information géographique, Frankreich), mit Anleihen bei althergebrachten Weissagungspraktiken und weiteren populären «astrologischen» Phänomenen schafft Renaud Auguste-Dormeuil Bilder, welche Raumkonstruktion, Sicherheitsobsession, Fatum, Medienwirklichkeit und historische Wirklichkeit miteinander verbinden.
Die Titel zu den einzelnen Werken geben Ort, Jahr, Tag und die Minute an, bevor der Tag X in die Weltgeschichte Eingang fand.
Alle diese Bilder deuten den Krieg an, ohne ihn jemals direkt zu zeigen.

Herstellungsjahr: 2014

Herstellungsjahr: 2012-

«The Column entstand aus einer Geschichte heraus, die mir ein befreundeter Restaurator erzählt hatte. Er musste eine Marmorskulptur für das Schloss, das er gerade restaurierte, schaffen. Jemand sagte ihm, er solle sich in China umschauen, die hätten dort guten Marmor, gute Handwerker, billige Arbeitskräfte – und sie seien schnell, denn die Arbeit könne während des Transports auf dem Schiff vollbracht werden. Ich fand das grandios. Es klang so komisch, gleichzeitig verrückt und fabelhaft, eine Art Mythos und trotzdem im Einklang mit der kapitalistischen Logik des Profits: die Zusammenlegung von Produktionszeit und Transportzeit. […] Es gibt in diesem Projekt eine Koexistenz von Konflikt- und Märchenhaftigkeit, von Realität und Fiktion. […] Es existiert eine narrative Erzählstruktur, und die Chronik der realen Fakten vermischt sich mit Legenden- und Märchenhaftem. Natürlich war eines der Elemente, die mich besonders zu The Column angeregt hatten, die Tatsache, dass eine klassische westliche Säule von einer Gruppe asiatischer Arbeiter auf dem Weg nach Europa erschaffen wird. Wie du schon gesagt hast, in gewisser Weise ist das für die Säule eine Art ‹Heimkehr›.»

Herstellungsjahr: 2013

Im Jahr 2006 entschieden die Vereinigten Arabischen Emirate, ein Projekt zu starten, bei dem mitten in der Wüste eine Stadt entstehen soll. Das Hauptziel von Masdar City, der sogenannten Öko-Stadt, ist, keine CO2-Emissionen zu produzieren. Das Projekt startete zu einer Zeit, in der der Umweltschutz im Zusammenhang mit Energieverbrauch und Verschmutzung immer mehr Aufmerksamkeit erlangte. Masdar ist ein gutes Beispiel für Raumplanung, die im Hinblick auf die Zeit nach dem Erdöl Architektur und Umwelttechnologie verbindet.

Herstellungsjahr: 2015

Für ihr Projekt The Bliss of Conformity hat sich Yingguang Guo an einen bestimmten Ort im Volkspark in Shanghai begeben. Dort treffen sich alle Mütter, um ihre ledigen Kinder zum Verkauf anzubieten. Auf kleinen Plakaten, die normalerweise für den Verkauf von Autos oder Wohnungen zum Einsatz kommen, preisen sie die Vorzüge ihrer Nachkommen an: Alter, Grösse, Verdienst, Ausbildung usw. In der Videoarbeit, die uns auf den ersten Blick in die geruhsame Atmosphäre eines Parks mitnimmt, untersucht die Künstlerin die Stellung der Frau in der Gesellschaft und stellt Fragen zur sozialen Zugehörigkeit und Diskriminierung.

Herstellungsjahr: 2015-2017

Mit dem Bürgerkriegsende 1992 konnte Sérgio Santimano erstmals sein riesiges Land am indischen Ozean ungehindert erkunden. Fasziniert von der multikulturellen Vielfalt befindet er sich seither auf Entdeckungsreise.

Im Mittelpunkt seiner Arbeiten stehen die Menschen. Sein Anliegen ist es, über ihre facettenreichen Lebensrealitäten zu berichten und ihre unerschöpflichen Geschichten zu erzählen. Zugleich stellt er sich die Frage nach der eigenen Identität. Er will wissen, was ihn mit diesen Leuten verbindet.

Die Bilder vermitteln uns aus einer Innenperspektive unbekannte Lebenswelten in einem afrikanischen Land. Formal liegt ihnen eine vielschichtige und poetische Bildsprache zugrunde, die universale Gültigkeit besitzt.

Die Serien über Niassa und die Ilha zeigen Menschen an zwei gegensätzlichen Orten im Norden Moçambiques: im abgeschiedenen Landesinnern und auf der offenen Insel vor der Küste. Niassa gilt bis heute als «Terra incognita». Die Serie ist eine Pionierarbeit. Der Ilha haftet als erster Stützpunkt der Portugiesen in Ostafrika welthistorische Bedeutung an. Heute zählt sie zum Kulturwelterbe der UNESCO. Doch Santimanos Blick ist kein touristischer. Er geht tiefer.

Bruno Z’Graggen, freier Kurator

Foto- und Klanginstallation, bestehend aus fünf Panoramabildern von je 38 x 450 cm, die mit einer Lochkamera angefertigt wurden.

Auf den Bildern von Anna Katharina Scheidegger sind stillgelegte Fabriken und verlassene Wohngebiete mit blinden Fenstern und vermauerten Türen zu sehen. Die Bildästhetik versucht, ein Gefühl von Verlassenheit, vermischt mit organischer Schönheit zu vermitteln. Die Arbeit hinterfragt mit der filmischen Bildführung, die der Lochkamera (die ja ein kontinuierlich bewegtes Bild aufnimmt) eigen ist, die Aufhebung und Verwandlung der Zeit.Übrigens stammen sämtliche Töne der Musikkomposition aus ein und derselben Klangquelle. Die Sängerin Eugénie Levèbre singt in einer Partitur mit, die aus musikalischen Phrasen und Einwürfen besteht, die in einer stillgelegten Fabrik aufgenommen worden ist. Die akustische Untermalung, die a priori als störend wahrgenommen wird, wird zu einem organischen Element der Komposition. Für die Aufnahme wurde kein technischer Schnickschnack wie etwa Filter, Veränderung der Laufgeschwindigkeit oder Modulierung der Frequenz eingesetzt – hier geht es um «reine», konkrete Musik.

Die Herausforderung bestand darin, gleichzeitig das fotografische Universum von Anna Katharina Scheidegger zu durchmessen und einen anderen, neuen Zugang zum Werk zu finden.

Sidney Corbett

Die Komposition wird in desynchronisierter Stereophonie wiedergegeben und wird begleitet von einem Buch, welches die fremdartige Schönheit der (un-)bewohnten Stätten, die aus der Zerstörung herausgewachsen ist, dokumentiert.

2016 feiern sowohl die Bieler Fototage wie auch das Forum für die Zweisprachigkeit ihr zwanzigjähriges Bestehen. Aus diesem Anlass wurde der in Biel ansässige amerikanische Fotograf Jon Naiman damit beauftragt, ein Angebot des Forums für die Zweisprachigkeit zu dokumentieren: das Sprachtandem. Das Tandem führt zwei Menschen zusammen, die sich im Gespräch in der Sprache ihres jeweiligen Tandempartners verbessern und sich damit aktiv an der Konstruktion ihres Lebenswegs und ihrer Karriere beteiligen wollen. Die Fotografien erzählen von lebhaften und angeregten Diskussionen in Biel-Bienne, der Stadt der Zweisprachigkeit Auf vielen der Aufnahmen steht ein zentrales Element der Bildkomposition sinnbildlich für die Sprachbarriere, die mit dem Tandem überwunden wird. (Hélène Joye-Cagnard)

Herstellungsjahr: 2015-2016

Stephen Gill liebt es, die Grenzen auszuloten, die die Fotografie ihm setzt. Als Konzeptkünstler, auch ein wenig als Soziologe und Dichter, experimentiert er mit verschiedenen ungewöhnlichen Techniken, während er seinen Wohnort, den Londoner Vorort Hackney District dokumentiert. Für seine Serie „Talking to Ants“ hat er Ameisen und weitere Objekte direkt in seinem Fotoapparat untergebracht und ruft damit eine Massstab-Verwirrung hervor. Eine weitere Form der Dokumentarfotografie, in der der Zufall und die Einflussnahme des Menschen eine neue Bildsprache kreieren.

Diese 16 Bilder sind aus der Serie „Talking to Ants“ erscheinen in einem Buch, dass 2014 bei Nobody Books herausgegeben wurde.

Herstellungsjahr: 2009-2013

Huntsville, Texas. Ein verschlafenes Provinznest, das sich kaum unterscheidet von den unzähligen anderen, übers Land verstreuten texanischen Ortschaften ohne Stadtkern und Charme. Doch spätestens, wenn man der 11. Strasse entlang fährt, merkt man, dass diese Stadt merkwürdig ist. Mächtige rote Backsteinmauern ragen in den Himmel: «The Walls Unit», das Zentralgefängnis – eine Tötungsmaschine. 321 Hinrichtungen fanden hier seit der Wiedereinführung der Todesstrafe 1976 in Texas statt. 451 Menschen, darunter 9 Frauen, warten derzeit auf ihre Exekution.

James Colburn wurde am 26. März 2003 im US-Bundesstaat Texas mit der Giftspritze hingerichtet. Er tötete im Jahr 1994 die 55-jährige Peggy Murphy aus seiner Heimatstadt Conroe. Der Ruf nach Vergeltung ist ein gängiges Argument für die Exekution von Mördern — die Familie des Opfers soll Frieden fi nden können. «Auge um Auge» lautet die simple Formel dieser Art von Gerechtigkeit.Tina Morris liebte ihren Bruder James bis zu dessen letztem Tag. James wurde von unabhängigen Gutachtern für schizophren erklärt. Während im Zentralgefängnis von Huntsville das tödliche Gift in seine Venen floss, rief sie ihm durch die Glasscheibe des Zuschauerraums zu: «I love you, James!» Als Erinnerung an die gemeinsame Kindheit bleibt ihr ein Foto, aufgenommen vor 36 Jahren.

Die Exekution wird fotografisch ausgeklammert; es gezeigt wird die Geschichte der persönlichen Tragödie von Tina: Wir sind dabei, wenn sie eine Stunde vor der Exekution das letzte Mal mit ihrem Bruder telefoniert. Oder wenn sie ihn das erste Mal seit fast zehn Jahren berühren darf – eine knappe Stunde nach seinem Tod (Besuchern ist im Texanischen Todestrakt der direkte Körperkontakt zu ihren Angehörigen untersagt).

Die Geschichte «Tagebuch einer Exekution» zeigt, wie die Argumentation «Auge um Auge» eine zweite Opferfamilie schafft. Wir erkennen, dass es kaum möglich ist, zwischen Gut und Böse zu unterscheiden: Es gibt Opfer und Täter – doch die Täter können zu Opfern werden und umgekehrt.

Fabian Biasio

Seit 1950 haben Mineure am Unterrhein 25 000 Hektaren Wald, Wiesen, offenes Land und Dörfer «verschlungen». Der grösste Schaufelrad-Bagger der Welt frisst sich im Tagbau-Minendorf Garzweiler in die Erde: 240 Meter lang, 100 Meter hoch, mit einer Kapazität von 240’000 Kubikmetern pro Tag. Mehrere Zehntausend Menschen wurden für den Kohleabbau umgesiedelt. Garzweiler ist eines der Tagbau-Minendörfer in dieser Region. Die Kohlevorkommen in Garzweiler I sind unterdessen nahezu erschöpft. Gegen den Widerstand von Umweltschützern und lokaler Bevölkerung wurde die Bewilligung für die Nachfolge-Mine Garzweiler II erteilt.Die Leere wird jeden Tag stärker spürbar. Weitere 7 600 Menschen und 18 Dörfer werden Garzweiler II weichen müssen. Das Dorf Otzenrath liegt nur 400 Meter von der Mine entfernt. Es wird das erste Dorf sein, das in 3 bis 4 Jahren von Garzweiler II verschlungen werden wird. Mit der Umsiedelung der Bevölkerung wurde bereits begonnen.

Es wurden neue Dörfer errichtet: Neu-Otzenrath liegt nur ein paar Kilometer von der ursprünglichen Ortschaft entfernt. Die alten Dörfer wie Altdorf, Inden und Etzweiler gleichen Geisterstädten. Verlassene Häuser werden von Plünderern heimgesucht. Die übrigbleibenden Einwohner und deren Bauernhöfe sind umgeben von verfallenen Häusern. Bald werden auch sie weichen und alles zurücklassen müssen, was ihnen lieb war. Und sie werden ein neues Leben beginnen müssen in einer künstlichen neuen Heimat. Die Geschichte wurde 2002 fotografiert.

Jordis Antonia Schlösser

Die Fotos der umfassenden Werkserie «Sunburns» sind nicht Abbilder real existenter Objekte, sondern Spuren eines Zerstörungsprozesses durch die Sonne. Claus Stolz experimentiert dabei mit einer radikalen, eigenwilligen Form der analogen Fotografie. Er richtet seine Kamera nicht auf von der Sonne beschienene Gegenstände, sondern fokussiert die Lichtquelle selbst. Dabei fressen sich die Sonnenstrahlen durch Langzeitbelichtung (von wenigen Sekunden bis zu mehreren Stunden) in das empfindliche Filmmaterial ein und zerstören dieses partiell. Die Strahlungsintensität der Sonne und somit die auf Film gebannte Brandspur des Sonnenlaufes ist in manchen Werken überdies durch Bewölkung abgeschwächt oder mehrfach unterbrochen. Das dabei verwendete fototechnische Aufnahmegerät, das Objektiv (Sammellinsen von bis zu einem Meter Durchmesser!), die Kameraeinstellungen, die Filmmaterialien sowie die Technik der Filmentwicklung bestimmen jeweils das Ergebnis. Nach der Belichtung werden die Filme zum Teil direkt ohne Entwicklung oder Umkehrung vergrössert. Die meist mittels Grossformatkamera oder selbst konstruierten Aufnahmegeräten entstandenen Bilder erfahren dabei keine digitale Verfremdung, sodass die Sonne als Bildproduzent, neben dem Künstler, die letzten Parameter der Werkentstehung massgeblich bestimmt. Durch die zerstörerische Kraft des Lichtes wird gleichfalls Neues geschaffen; ureigene Kosmen unterschiedlicher Farbigkeit, vielfältigster Strukturen und feiner Binnenzeichnung entstehen in den geplatzten, geschmolzenen oder kristallisierten Filmschichten. Zeit und Energie hinterlassen als solche ihre Spuren, brennen sich in den Bildträger ein und werden auf ungesehene Weise sicht- und erfahrbar. (Rebekka Schraner)

Herstellungsjahr: 1996-

Ich stamme aus einer Generation, welche die grenzüberschreitenden, militanten, kritischen, engagierten “Körper” der Feministinnen oder Künstlerinnen/Künstler in den 60er-, 70er und 80er-Jahren nicht kennt. Der Körper, den ich kenne, ist bis zum Äussersten kodifiziert – sei es in seiner äusseren Erscheinung, seiner Sexualität, seiner Gesundheit oder seiner Jugendlichkeit. Mir scheint, wir verfügen gegenüber der Gewalt, welche diese Kodifizierung mit sich bringt (mit oft widersprüchlichen Auflagen und sehr aufsässigen Praktiken) nicht mehr über dieselben Mittel und Reaktions-Strategien, Kritik- und Verteidigungsmöglichkeiten wie die vorangegangenen Generationen, die noch besser damit umgehen und sich dagegen wehren konnten. Das Engagement und der Widerstand weichen, Schritt für Schritt, Rückzugsstrategien.

Es ist genau diese Bruchstelle, die mich interessiert, der Moment des Nachgebens, des Rückzugs zum Selbstschutz. Ein Zustand, in dem sich Entspannung, spürbare Anspannung und Unwohlsein überlagern, ein Etwas zwischen Abwesenheit und Erwartung… Der oder das andere wird auf Distanz gehalten, es gibt keinen Zugang, der oder das andere ist unerwünscht und in keiner Weise erreichbar. Zerbrechliche Körper – zerbrechlich wegen der Überbelichtung. Die Körper zerfallen in der sie umfassenden, bröckligen Intimität.

Sämtliche Personen werden abgebildet, als wären sie gefroren. Sie sehen aus, als wären sie mit dem Meissel geschaffen.
Das unterstreicht und verstärkt die Funktion des Körpers als Grenze zwischen dem Ich und dem anderen. Die Haut wird zu einem dünnen, fragilen und von Malen gekennzeichneten Überzug. Das Bild tritt in eine Beziehung zum Betrachter, zu dessen unentschiedenen, unentscheidbaren Gefühlen, die schwanken zwischen der Anziehungskraft, welche die ausgestellten Körper in diesem glänzenden, “gefrorenen” Bild ausstrahlen, und der Unmöglichkeit, sich in sie hineinzuversetzen.

Das Projekt State of Shameist eine Sammlung von gefundenen Bildern, die in Gerichtssälen aufgenommen wurden. Sie zeigen Angeklagte, die sich im Prozess befinden und deren Schuld noch nicht bewiesen ist. Indem die Künstlerin die in Medien veröffentlichten Bilder sammelt und die Umrisse der Angeklagten herauslöst, beleuchtet sie die Beziehung zwischen dem Angeklagten, dem Fotografen und dem Publikum und untersucht die Auswirkung des Bildes auf unsere gesellschaftliche Identität.

Herstellungsjahr: 2017

Soleil Noir ist eine fotografische Recherche, die grösstenteils entlang der Luxemburger Grenze entstand und von historischen öffentlichen Aufträgen inspiriert wurde. Mit seinem Scanner ähnlichen Aufnahmegerät erfasst der Künstler den Raum und setzt ihn anschliessend in Form von Ansammlungen linear angeordneter Punkte neu zusammen – eine Technik, welche die gewohnten Darstellungscodes aufhebt: Die Landschaft wird nicht mehr durch den Horizont oder den Bildrahmen begrenzt, sondern erstreckt sich rund um den Apparat und wird, je weiter weg sie vom Apparat entfernt ist, immer verschwommener, bis an ihrer Stelle nur noch ein blinder Fleck zu sehen ist. Die so generierte Welt scheint aus dem Inneren eines schwarzen Lochs herauszuströmen. Während die Sonne in Wirklichkeit die sichtbaren Dinge erhellt, ist es hier das Instrument, das die Realität filtert und uns eine Welt zeigt, die verzerrt oder der Fantasie entsprungen erscheint und die sowohl an romantische deutsche Malerei als auch an Videospiele erinnert.

Herstellungsjahr: 2019

Die Forschung unternimmt den Versuch, die Welt, die uns umgibt, besser zu verstehen. Die Bilder, die dabei entstehen, sind oft irreal und kreieren eine Bildsprache von erstaunlicher Vielfalt: ein Laborwerkzeug wird zu einem Monolithen, eine künstliche Welle oszilliert zwischen real und virtuell, ein Wissenschaftler scheint sich in Rauch aufzulösen, und ein Experiment wird zu einer künstlerischen Performance. Die Bieler Fototage stellen die preisgekrönten Bilder und das ausgezeichnete Video des ersten Wettbewerbs für wissenschaftliche Bilder des Schweizerischen Nationalfonds (SNF) aus, welche die Jury aus über 500 Einsendungen ausgewählt hat. (Pascal Hufschmid und Daniel Saraga)

Den Fotografen Gregory Collavini interessieren Lärmschutzwände. Als vieldeutige Landschaftselemente sind sie ihm Anlass, seine eigene Sicht der Schweizer Landschaft darzulegen. Seit 2012 erfasst dieser Schüler von Nicolas Faure seine Objekte mithilfe des Bundesamtes für Strassen und Google Earth. Vom Mario-Botta-Bau bis hin zu ganz gewöhnlichen Gebäuden zeigt Gregory Collavini die Lärmschutzwände aus einem besonderen Blickwinkel und zu einem besonderen Zeitpunkt und betont damit deren perverse Auswirkungen auf unsere Umweltgestaltung.

Herstellungsjahr: 2012-

Uli und Thomas aus Baden-Württemberg führen ein ganz normales Leben. Wie so viele arbeiten beide in einem Büro. Nebenbei baut sich Uli eine Ernährungsberatung auf. Sie hofft, einmal davon leben zu können. Beide wünschen sich irgendwann einmal Kinder. Uli und Thomas sind beide kleinwüchsig. «Liliputaner», wurden sie früher genannt. Das Alleinsein hatten beide satt und traten dem Verein kleinwüchsiger Menschen in Deutschland bei. Dort lernten sie sich kennen und sind seit 1997 ein Paar. Im Sommer 2002 haben sie geheiratet.

Das Konzept der Reportage ist, das Paar im Alltag, bei seiner Arbeit und Zuhause zu dokumentieren. Aufzuzeigen, wie es sich in der «Welt der Grossen» bewegt ist mir wichtig. Und natürlich das Hochzeitsfest, wo all seine Träume wahr wurden.Viele kleinwüchsige Menschen waren eingeladen, um zusammen mit den Grossgewachsenen das Paar zu feiern.In regelmässigen Abständen dokumentiere ich seit 1994 das Leben von kleinwüchsigen Menschen in Europa. Bei der Weltmeisterschaft in Peterborough (GB) 1997 lernte ich Uli und Thomas kennen. Gerade in dieser Zeit entdeckten beide ihre Liebe zueinander. Am Anfang stand die Idee, das Leben von Kleinwüchsigen anhand einer Hochzeitsreportage uns gross Gewachsenen näher zu bringen. Während meiner Arbeit mit ihnen bestätigte sich die erste Vermutung: Nämlich dass ihr Leben in all seinen Facetten für uns mittels einer solchen Reportage am verständlichsten wird.

Markus Bühler

Die Installationen von Morgane Denzler stellen das fotografische Bild in einem grossen Ganzen dar, das ihre Erfahrung mit Orten aufnimmt, die sie aufmerksam untersucht und begutachtet hat, um eine Geschichte zu erzählen. In der ländlichen Gegend der Ortschaft Les Arques interessierte sie sich insbesondere für das Kataster. Von einem Baum zum anderen, von Zaun zu Hecke hat sie die vom Menschen in Parzellen aufgebrochene Landschaft untersucht und die Besitzverteilung dargestellt, die sich an den Zäunen und Schranken ablesen lässt. Die Beziehung zwischen dem Schafzüchter, der Herde und der Landschaft wird durch bedrucktes Schaffell physisch sichtbar gemacht. Mit ihren subtilen Kompositionen aus Bildern und Formen hinterfragt die Künstlerin die gegenseitige Abhängigkeit zwischen Landschaft, Mensch und Tier, aber auch den Wunsch des Menschen, die Natur um jeden Preis zu beherrschen.

Herstellungsjahr: 2018

In der Fotoserie Sharp Memories von Constanza Piaggio dienen Landschaft, Natur und Geschichte als Inspirationsquellen. Die Künstlerin lotet dabei die plastischen Möglichkeiten der Fotografie aus. Auf den Fotos sind Fragmente von manchmal unscharf gezeichneten Landschaften zu sehen, die mit einem analogen Fotoapparat realisiert wurden. Teile der Bilder wurden manuell beschädigt, zerrissen und bringen dadurch eine Oberfläche zum Vorschein, auf der sich das Motiv auslöscht und eine neue Landschaft hervorbringt, die auf das Verschwinden verweist. Die Manipulation der formellen Elemente des Bildes balanciert den persönlichen und intimen Ton der Bildgebung aus und hinterfragt auf poetische Weise die Beeinträchtigung der Natur durch den Menschen.

Herstellungsjahr: 2019-2020

Die Arbeit von Vanja Bucan bewegt sich zwischen Dokumentarfotografie und Inszenierung. Für ihre Serie Sequences of Truth and Deception inszeniert Bucan Körperteile vor oder als Bestandteil von fotografischen Hintergründen, welche die intakte Natur darstellen. Mit ihrer künstlerischen Arbeit stellt die Künstlerin Fragen zum Spannungsfeld zwischen Idealisierung und Dominanz. Sie ergänzt das Originalbild, indem sie menschliche Gesten und Posen in das Bild integriert. Damit erschafft sie eine Fiktion, die ihre Haltung gegenüber dem Anthropozentrismus abbildet: In Ihren Bildern interagiert die Menschheit zwar mit der Natur, bleibt aber gleichzeitig stets von ihr abgeschnitten.

Herstellungsjahr: 2015-

Die Künstlerin Nora Papp realisiert Bilder ohne eigentliche Aufnahme. Sie nutzt einzelne Filter von Instagram, um die Strukturen von digitalen Bildern zu dekonstruieren und «ästhetische Daten» zu sammeln. Diese Daten werden dann in einer Excel-Tabelle erfasst und anschliessend mit Illustrator vektorisiert. Daraus entstehen visuelle Kompositionen, die das menschliche Auge mit Objekten assoziiert und welche die Materialität und die aktuelle Stellung von Bildern in der heutigen digitalen Kultur hinterfragt.

Herstellungsjahr: 2018-2019

Die ersten «Selbstportraits» von Xavier Perrenoud waren Mosaike, die beliebig vervielfachte Details von seinem Körper in Nahaufnahme darstellten. Die Mosaike wurden zu Pixelansammlungen, zu einem Heer von Pixeln, wo jeder «Soldat» an jedem Ort gleich aussieht wie der andere «Soldat» am anderen Ort.
Für seine neue Bilderserie wählte Xavier Perrenoud denselben Titel. Er schafft damit so etwas wie eine Reflexions-Kontinuität, er kreist ein und dasselbe Thema immer enger ein. In der Serie «I’m Big Jim (Big Jack, etc.)» sind es diesmal unsere Kinderspielzeuge, anhand derer unsere gegenwärtige Identität hinterfragt wird. Sind wir das geworden, was wir uns erträumt haben zu werden? Xavier Perrenoud macht Portraits von den «Helden», die uns als kleine Knaben beim Spielen begleitet haben. Er zwinkert sich gleichsam über die Jahre hinweg zu oder zurück, und er wirft einen nach-sichtigen Blick auf die Träume, die damals, als seine Vorstellungskraft in der Lage war, nach und nach hinter die Masken zu sehen und sich in das Leben dieser Kinderspielzeugmenschen hineinzuversetzen, in ihm wohnten.
Der oder das Erwachsene im Fotograf kann heute nicht ohne gewisse Nostalgie nachvoll¬ziehen, dass die Spielzeuge aus einer längst vergangenen Zeit stammen, die noch viel stärker vom Kunsthandwerk geprägt war. Die neuen Spielzeuge, welche heute auf dem Markt sind und die «alten» verdrängt haben, sind viel symmetrischer gebaut. Ihnen fehlen die ausgearbeiteten Züge, die den «alten» Spielzeugen so viel Leben verliehen haben. Bei seiner Arbeit spielt (spielt!) der Fotograf mit dieser Ambiguität, die sowohl anziehend wie auch abstossend wirkt.
Technologie, Klonen, Schönheitschirurgie – alles tendiert zur Zeit dazu, die Differenzen, welche diese Portraits noch kennzeichnen, auszuebnen und zum Verschwinden zu bringen. Auch den Menschen, dem diese Spielzeuge paradoxerweise glichen. Die Spielzeuge sind, wie wir, alles andere als vollkommen.

Christian Sester

Das Künstlerpaar startet den Versuch, sich durch fremde Augen zu sehen und greift dabei zurück auf Studiofotografen, ja sogar auf Polizeiradar.

Herstellungsjahr: seit 1998-

«Segmentation.Network» spielt über 600.000 Objekte ab, die von Crowd-Workern zuhanden der Bilderkennungs-Datenbank COCO von Microsoft manuell umrandet wurden. Das Datenset basiert auf Fotos aus Flickr und wird zu Trainings- und Übungszwecken für das Maschinenlernen verwendet.Das Werk macht die versteckte manuelle Arbeit sichtbar, die hinter der Herausbildung von neuronalen Netzwerken und künstlicher Intelligenz steckt. «Segmentation.Network» kategorisiert zudem die Maschinenvision als einen Akt bewusster Auswahl: Was von den Maschinen gesehen werden kann und soll und was unerkannt oder als irrelevant eingeschätzt wird, wird auf getrennten Wegen entschieden.

Herstellungsjahr: 2016

Zuhause an der Wand, auf dem Bildschirm des Smartphones oder in den Tiefen des Portemonnaies – wir alle bewahren kostbare Fotos auf, die wir mit Glück assoziieren, die wir gerne anschauen und auf uns tragen. Das Fotografieren von glücklichen Momenten und geliebten Menschen ist tief in uns verwurzelt. Die Verbindungen zwischen Fotografie, Erinnerung und Glück sind so eng wie komplex. Das Photoforum erforscht diese Zusammenhänge anhand von Erzählungen und Reflexionen der BewohnerInnen der Betagtenheime Redernweg und Ried der Stadt Biel. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts geboren, haben sie Jahrzehnte lang Erinnerungen und Fotografien gesammelt, welche sie nun mit dem Publikum teilen. Die Bilder und Interviews sind mit Unterstützung der Verantwortlichen für die Aktivierungstherapie entstanden.

Herstellungsjahr: 2018

Seit den Attentaten vom 11. September 2001 ist die Sicherheit ein politisches Dauerthema und Sorgenkind vieler Menschen. In New York City zielen die in letzter Zeit getroffenen Sicherheitsmassnahmen(verschärfte Ausweiskontrollen in öffentlichen Gebäuden, gepäckdurchsuchungen in Museen und Bibliotheken) darauf ab, die Bevölkerung zu beruhigen und ihr zu zeigen, dass konkrete Vorkehrungen für ihre Sicherheit getroffen werden.

An Orten mit hohem Symbolwert wie dem Times Square oder Liberty Island wurden die Sicherheitsmassnahmen ebenfalls verschärft.
«Sicherheit» soll so sichtbar wie nur möglich sein. Es ist eindrücklich zu sehen, wieviel Wachpersonal eine Statue auf einer kleinen Insel «beschützt».
Die genannten Vorkehrungen erscheinen manchmal, als Antwort auf eine terroristische Bedrohung, eher psychologischer oder symbolischer Natur denn effizient zu sein.Es ist nachwievor schwierig, in den USA eine Debatte über die Sicherheitsmassnmahen und deren Effizienz zu führen – 3 Jahre nach

den Attentaten ist das Thema immer noch sehr stark emotional aufgeladen.
Viele Menschen lassen sich durch die Allgegenwärtigkeit der Massnahmen beruhigen, andere wiederum sehen die Präsenz als Beweis für das Scheitern angesichts von Bedrohungen, die selbst mit den getroffenen Massnahmen nicht abgewendet werden können. Ist die Omnipräsenz der Sicherheit letzten Endes nicht ein Mittel, um gewisse aussenpolitische Ziele der USA zu rechtfertigen? Politisches Alibi oder wirksame Antwort auf eine Bedrohung – die Haltung der Sicherheitsleute, die Art und Weise, wie sie sich ihren Arbeitsraum «aneignen» und die Meinungen, die sie zum Thema «Sicherheit» vertreten, sind ausgesprochen vielsagend.

Die in New York City realisierte Reportage ist der erste Teil eines Projektes zur Rolle, Entwicklung, Sichtbarkeit und Bedeutung der
Sicherheit. Der zweite Teil des Projekts wird zur Zeit in der Schweiz realisiert.

Marc Renaud, 2004

Mit der Aktion «se marier à Bienne» beziehen die Bieler Fototage die lokale Bevölkerung in das Festival 2004 mit ein. Als Teil des Themenschwerpunkts «Hochzeit» werden in einer speziellen Ausstellung Hochzeitsfotos von Ehepaaren aus Biel und der Region projiziert. Die rund 100 Dias, welche «den schönsten Tag im Leben» festhalten, sind voller Anekdoten und Erinnerungen: von der Wahl des Kleides über die Form der Schuhe bis zur Farbe der Fliege des Bräutigams. Die Bieler Fototage öffnen das Familienalbum für die Besucher, mit einem Reigen von Hochzeitsgästen von anno dazumal und von heute, mit hiesigen und fremden Moden, mit vertrauten und zugleich fremd anmutenden Gebräuchen.

Forschung erweitert täglich unseren Wissensstand, ist aber auch eine soziale, konkrete und oft persönliche Tätigkeit. Die Menschen, die Forschung betreiben, betrachten ihre Arbeit aus vielfältigen Blickwinkeln. Welche Botschaft lässt sich in der ästhetischen Sn ihrer Arbeit entdecken?

Jedes Jahr beantwortet eine internationale Jury diese Frage neu, indem sie sich mit den Hunderten von Werken auseinandersetzt, die beim SNF-Wettbewerb für wissenschaftliche Bilder eingehen. Die Auswahl der Jury zeigt ein überraschendes Panorama der heutigen Forschung, das unsere Wahrnehmung von Wissenschaft und Schönheit herausfordert.

Die Wettbewerbskategorien
1. Forschungsobjekt
2. Frauen und Männer der Wissenschaft
3. Orte und Werkzeuge der Forschung
4. Videos

Die Jury 2023

Präsidentin
Mónica Bello, Leiterin Arts at CERN (Schweiz)

Mitglieder
Tanja Gesell, Biologin und Künstlerin an der Universität Wien (Österreich)
Emmanuelle Giacometti, Direktorin von l’Espace des Inventions (Schweiz)
Lars Lindemann, Fotochef des Magazins Geo (Deutschland)
Alexander Sauer, Fotograf (Schweiz)

In Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Nationalfonds (SNF).

Preisverleihung des SNF-Wettbewerbs : 11.5., um 16.00 (NMB)
Führung und Begegnung mit Alexander Sauer, Fotograf, Scanderbeg Sauer (Zurich) : 27.5., vom 11.30 bis 12.00 (d/e) (NMB)

Dank einer Zusammenarbeit mit Ports Francs et Entrepôts de Genève SA wird die SNF-Wettbewerb Austellung in Genf vom 21.9 bis 10.11.23 gezeigt.
Öffnungszeiten: Mo-Fr vom 07.45-11.45 und vom 13.00-17.00.
Route du Grand-Lancy 6a, 1227 Les Acacias.

© Francesca Angiolani Larrea, Maria Francesca Petrucci, Rafael Barmak, Jens Ingensand, Concours FNS d’images scientifiques | SNF-Wettbewerb für wissenschaftliche Bilder

Ort, Objekt oder Fotografie einerseits, ihre durch ein Stereoskop verschobene Ansicht andererseits – Daniel Zimmermann, der sich in seiner künstlerischen Arbeit mit Zeit- und Ortsverschiebungen beschäftigt, setzt beides in Bezug, indem er oft auch eine spielerische Komponente einschliesst. Während der Ort, das Objekt oder die Fotografie ändern, bleibt das Stereoskop (3D-Viewer) als Konstante dieser Paarbildungen bestehen. Fixiert auf einem Sockel, auf einer bestimmten Höhe, erinnert der 3D-Viewer an ein Fernglas und dessen herkömmliche Funktion: die einer präziseren Sicht der Dinge. In der Tat lässt das «Fernglas» des Künstlers eine veränderte, unerwartete Sicht zu, die uns eine andere Wirklichkeit veranschaulicht, eine Wirklichkeit, die ausserhalb des eigenen Erfahrungshorizonts liegt.

Durch seine Installationen, bei denen die BetrachterInnen mit physikalischen und visuellen Widerständen konfrontiert werden, hinterfragt Florian Bach die Beherrschung der Umwelt durch den Menschen. Im Jahr 2003 reiste der Künstler nach Sangatte zum Zentrum für humanitäre Notaufnahme, das jüngst von den französischen Behörden geräumt wurde. Vor Ort hat er eine Serie von stillen und wiederkehrenden Bildern geschaffen, auf denen die Spuren der temporären Besetzung des Ortes zu erkennen sind. Seine Bilderserie, die im Nebel entstanden ist, erzählt vom Verschwinden, von der Abweisung von Menschen und von einem Unbehagen angesichts einer Frage, mit der unsere Gesellschaft andauernd konfrontiert ist: das Exil. Sein Werk wird in Form einer Installation präsentiert, welche die BesucherInnen umfasst.

Unterstützt von : Ted Support / Kanton Genf / Stadt Genf

Herstellungsjahr: 2003-2023

Sandra, die Protagonistin der Reportage, brauchte viel Kraft auf dem langen Weg zu ihrer Identität und zur Selbstakzeptanz. Dabei war dieser durch ihre Kindheit im Heim und ihre Herzerkrankung schon steinig genug. Sandra, die als Junge geboren wurde und aufgewachsen ist, unterzog sich vor sechs Jahren einer Operation, um endgültig zur Frau zu werden. Wer die Bilder betrachtet, lernt Sandra nicht nur über ihre weiblichen Attribute kennen, sondern auch über ihre Interessen, darunter ihre Leidenschaft für Meteorologie. So runden Aufnahmen eines aufgewühlten Himmels die Serie ab und bieten uns Raum, die manchmal schmerzvolle Verbindung zwischen Körper und Geist aus der Sicht der Protagonistin zu betrachten. (Catherine Kohler)

Im Auftrag des Nationalen Forschungsschwerpunkts LIVES und der Bieler Fototage haben drei junge Schweizer Fotografinnen (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) je eine Arbeit zum Thema des NFS LIVES «Vulnerabilität und Resilienz»  realisiert.

Herstellungsjahr: 2015

Gleicher Anzug, gleiche Krawatte, gleicher Koffer. Hunderttausende Individuen. Erwischen den mit japanischen Büroangestellten (salarymen) überfüllten Zug um 8 Uhr in der Früh. Kommen in ihr Büro, in einem der schicken Gebäude im Stadtzentrum von Tokyo. Sitzen an ihrem Bürotisch, teilen ihre Ideen mit niemandem, stellen die Ansichten ihres Chefs nie infrage. Langweilige Jobs – ohne Zweifel. Das Leben des Salaryman dreht sich ausschliesslich um seine Arbeit im Büro. Niemand hinterfragt das System – das System sorgt für alle. Will ein dir übergeordneter Kollege (sen pai) nach der Arbeit trinken gehen, gehst du mit. Sich mit Kollegen und Kunden bis in alle Nacht in Freiluftbars in Shimbashi herumtreiben. Karaoke in Shinjuku, Zigaretten, Sake oder Shochu überall. Es ist bereits Mitternacht und der Salaryman denkt nicht einmal an den letzten Zug. Erschöpft, sturzbetrunken – Zusammenbruch nach einer durchzechten Nacht. Einige von ihnen schaffen es noch zu einem Kapselhotel, vorausgesetzt, sie kennen eines, andere zu einem Taxi und wieder andere versuchen einfach, es sich so bequem wie möglich zu machen, dort wo sie gerade hinfallen.In Japan ist übermässiges Trinken eine selbstverständlich akzeptierte und manchmal sogar obligatorische Katharsis für den tüchtigen salaryman. Dieser braucht sich keine Sorgen darüber zu machen, dass ihm sein Koffer oder sein Mobiltelefon gestohlen werden könnte. Das ist Japan: Gewiss wäre es ein Leichtes, sie ihrer Brieftasche zu entledigen, doch betrunkene Salarymen sind Teil des Stadtbildes und werden von jedermann respektiert. Tausend Mal anders als der Westen, wo junge Leute sich betrinken und Grenzen überschreiten und wo dies als jugendliches Verhalten akzeptiert wird, während es aber als schändlich gilt, als ehrwürdiger Familienvater total betrunken vom Nachbarn überrascht zu werden. (Fernando Alvarez Busca)

Herstellungsjahr: 2008-2009

In meinem Projekt «Salar» geht es um eine gigantische Salzwüste in den Bolivianischen Anden, unter dessen Oberfläche die weltweit grössten Vorkommen von Lithium liegen. Das wertvolle Metall wurde noch nicht abgebaut, könnte aber der Region schon bald wirtschaftlichen Wohlstand bescheren. Es ist nämlich vorgesehen, dass eine staatlich betriebene Gesellschaft das Lithium und weitere Bodenschätze schon bald abbauen soll. Kritiker warnen davor, dass ein Ausbau der chemischen Industrie Umweltprobleme verursachen und die einzigartige und surreale Landschaft, die jedes Jahr Tausende von Touristen aus der ganzen Welt anzieht, massiv verändern wird.

Herstellungsjahr: 2011

Es sind karg besiedelte Gegenden, in welchen Spuren des Menschen als Zeichen seiner Abwesenheit gedeutet werden können. Diese Zeichen interessieren Ester Vonplon in der Serie Ruinaulta.
In ihren Porträts zeigt sie diese Abwesenheit durch erneutes Abfilmen und Langzeitbelichtung und reduziert den Menschen auf gespenstische Erscheinungen. Parallel entführt sie uns in atmosphärische Landschaften und lässt uns zwischen Poesie und Realität schwelgen. Die Betrachter sind gefordert, die möglichen Geschichten darin zu lesen. Die Serie Ruinaulta entstand zu frühen Morgenstunden in klirrender Kälte der Rheinschlucht, wobei die alte Polaroid-Kamera an die Grenzen ihrer Funktionalität stiess. Daher spielt der Zufall auch eine wichtige Rolle in der Entstehung der Bilder, welche ein grauer Schleier überzieht, was ihnen einen mystischen Aspekt verleiht.
(Marina Porobic)

Herstellungsjahr: 2012

Das Projekt «Über die Schulter von Théodore gesehen» ist ein Foto-Projekt, das Afrika ins Zentrum setzt. Das Projekt folgt seriellen Gesetzen. Es ist zusammengesetzt aus einer Vielzahl von Begegnungen, wie ein Puzzle mit 100 bis 200 Fotos, die ohne logische Ordnung eine nach der anderen folgen, fast ein wenig wie eine lange Kamerafahrt aus einem Kinofilm.

Jean-Luc Cramatte interessiert in erster Linie das Detail, dem er bis in seine kleinsten Verästelungen folgt (er bleibt damit seiner «inventarisierenden» Arbeitsweise treu, die er bereits in seinem Projekt «Policlinique Series» angewendet hat). Sein Blick auf Afrika fällt dadurch notgedrungen aus der gewohnten Perspektive heraus. Der Fotograf stellt die Frage: Wie nähere ich mich Afrika? Jean-Luc Cramatte beobachtet die abwechslungsreichen Landschaften. Ihn streifen Blicke von anderen Menschen, die draussen an seinem Taxi vorbeigehen. Das Thema Afrika ist auf den ersten Blick nicht zwingend. Das Projekt könnte gerade so gut das Design, die Grafik oder die Architektur thematisieren (eine aus dem Taxifenster wahrgenommene Mauer verwandelt sich in ein Denkmal, in ein Monument).

Sobald man erfährt, dass es sich beim bereisten Land um Ruanda handelt, bekommt die Geschichte eine neue Dimension, ohne dass es der Fotograf darauf abgesehen hätte. Unversehens tauchen vor dem inneren Auge des Betrachters Bilder vom Genozid 1994 auf, dem über eine Million Menschen zum Opfer fielen. Die Spuren des Massenmordes in Ruanda verwirren gerade deshalb, weil sie so versteckt und diffus sind.

Wie Computer unsere Strassen, unsere Städte und uns selbst sehen und wie sie unsere Welt regieren.

Herstellungsjahr: 2012

Ein paar Jahrzehnte ist es her, dass der Basler Hafen sowohl für den Handel wie auch in sozialer Hinsicht für einen ganzen Stadtteil einen Knotenpunkt bildete. Die Männer hatten einen gut bezahlten Job als Hafenarbeiter, sie waren der Stolz ihrer Familien. Die Matrosen brachten den Geruch des Meeres in das kleine Land. Mit der Rationalisierung des Arbeitsprozesses und der darauffolgenden Einführung des Containersystems änderte sich vieles. Viele Arbeiter verloren über die Jahre ihre Anstellung. Ein Bruchteil der Belegschaft verlädt heute ein Vielfaches der Lademenge von damals. Grosse Containerterminals prägen das aktuelle Bild des Rheinhafens, Kranenführer bewegen tausende von Tonnen mit einem einzigen Joystick in der Hand.

Eine Seite aus einer Zeitschrift wird zerknüllt und wieder geglättet, in einer repetitiven Bewegung: Das Bild verschwindet, der Vorgang ist für das Auge sichtbar, die Druckertinte zeichnet sich auf den Händen ab, die das vergängliche Bild abwechselnd zeigen und verbergen. Die Übertragung löst die idealisierten Gesichter und Körper aus den Werbebildern auf, reduziert sie zu Staub, druckt sie auf die Finger, während das Blatt selbst zu einer Haut, zu einem organischen Gewebe wird.

Herstellungsjahr: 2016

Im Zentrum von Matthias Gabis Arbeit stehen Bilder, die eine illustrative Aufgabe erfüllen. Dies können Werbungen, Presse- oder Produktfotos sein, wie sie uns im Alltag überall und oft in digitaler Form begegnen. In einem subjektiven Prozess wählt er aus unterschiedlichen Druckerzeugnissen einzelne Seiten aus, die für ihn sowohl inhaltlich wie auch formal einen Reiz haben und ihm zugleich für die jeweilige Art von Publikation repräsentativ erscheinen. Die ausgewählten Seiten reproduziert er mittels eines aufwändigen Verfahrens, wie es in Archiven zur Digitalisierung von Kulturgütern angewendet wird. Durch diesen Prozess werden die Fotos materialisiert: Aus den Dokumenten entstehen Bilder. Für seine Ausstellung in der Gewölbe Galerie hat Gabi mit dem Galeristen Martin Jegge zusammengearbeitet. Er hat eine auf den Ort abgestimmte Installation kreiert, in welcher er seine Bilder in Interaktion mit den Möbeln der Galerie inszeniert hat. Damit stellt er die Beziehung zwischen Bildern und Realität in Frage.

Herstellungsjahr: 2019

Im Zentrum von Matthias Gabis Arbeit stehen Bilder, die eine illustrative Aufgabe erfüllen. Dies können Werbungen, Presse- oder Produktfotos sein, wie sie uns im Alltag überall und oft in digitaler Form begegnen. In einem subjektiven Prozess wählt er aus unterschiedlichen Druckerzeugnissen einzelne Seiten aus, die für ihn sowohl inhaltlich wie auch formal einen Reiz haben und ihm zugleich für die jeweilige Art von Publikation repräsentativ erscheinen. Die ausgewählten Seiten reproduziert er mittels eines aufwändigen Verfahrens, wie es in Archiven zur Digitalisierung von Kulturgütern angewendet wird. Durch diesen Prozess werden die Fotos materialisiert: Aus den Dokumenten entstehen Bilder. Für seine Ausstellung in der Gewölbe Galerie hat Gabi mit dem Galeristen Martin Jegge zusammengearbeitet. Er hat eine auf den Ort abgestimmte Installation kreiert, in welcher er seine Bilder in Interaktion mit den Möbeln der Galerie inszeniert hat. Damit stellt er die Beziehung zwischen Bildern und Realität in Frage.

Herstellungsjahr: 2019

Seit dem 19. Mai 1995 habe ich einmal im Monat ein Rendez-vous der speziellen Art. Zuerst war es mit meinem Bauch, der immer runder und voller wurde, dann mit Merlin, später mit Basil, meinen beiden Buben.
Der Rahmen unseres monatlichen Treffens ist einfach: ein Quadrat, ein weisser Hintergrund, zwölf Aufnahmen und die Lust am Spielen vor und hinter dem Objektiv. Das Monatsbild (la photo du mois) ist unser “Familien- Work in progress”, unser Zeitdokument, unsere gemeinsame Geschichte.
Was als reine Stilübung um die runde Form des wachsenden Bauches angefangen hat, entpuppte sich im Laufe der Jahre als verschachtelte Suche nach Identität und Darstellung verschiedener Realitäten. Auf einer Seite wächst der Körper, der Säugling wird zum Kind, das Kind zu Burschen, bis die ersten Anzeichen des Teenagers deutlich werden. Ein fotografisches Tagebuch, eine Dokumentation rein äusserlicher Transformation. Gleichzeitig wird mit Hilfe einfacher Gegenstände und Accessoires das all- tägliche Umfeld der Kinder und unserer Familie festgehalten. Doch dieser Alltag spiegelt nicht nur eine physische Wahrnehmung wider. Die Bilder transportieren auch die ganze Fantasiewelt der beteiligten Personen. Die Kinder werden zu Fabelwesen, zu Schauspielern, zu Science-Fiction-Figuren. Alle tragen zur Schaustellung bei, indem das Zusammenspiel, welches sich im Bild verdichtet, alle Wunschgedanken möglich machen. Diese virtuellen Rollen stellen nicht nur die Komplexität des Wachsens dar, sondern auch die des Zusammenlebens.

Die verfilmte Performance „Religious Aerobics“ ist eine Antwort auf das Aufkommen von religiösem Fundamentalismus in Georgien nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion. Die Bouillon Group nimmt den öffentlichen Raum mit Aerobic-Kursen in Beschlag und führt bei dieser Gelegenheit Gebärden vor, die bei den drei wichtigsten Glaubensrichtungen in Georgien (Christentum, Judentum und Islam) verwendet werden, und hinterfragt dabei die Tatsache, dass diese Gebärden ursprünglich deutlich spirituell geprägt waren, heute aber ähnlich automatisiert sind wie Gymnastikübungen.

Herstellungsjahr: 2013

Herstellungsjahr: 2020-2021

Herstellungsjahr: 2019

«Ist es radikal, Gerechtigkeit zu fordern ? Ist es radikal, durch Liebe gerettet zu werden? Ist es subversiv, freundlich zu sein? Ist es radikal, im Einklang mit sich leben zu wollen?»Radical Love ist eine Hommage und gleichzeitig Erkundung von Stereotypen der Geschlechteridentität in der forensischen DNA-Phänotypisierung (forensic DNA phenotyping). Das Portrait wurde gemacht als Reaktion auf das Verbot, die Whistleblowerin Chelsea Manning zu fotografieren, solange sie als politische Gefangene in Haft ist.

Herstellungsjahr: 2015

Das Projekt Racines du Ciel ⵣ ist ein Werk, mit dem der Künstler seit seiner Retrospektive i-Grow 2010 in Japan unterwegs ist: Jahrtausendealten Bäumen aus der ganzen Welt, die zunächst vom Auge des Fotografen eingefangen wurden, wird dank Tinte und Pinselstrichen neues Leben eingehaucht. Dies geschieht im Rahmen von partizipativen Performances rund um ein ausgewähltes Bild, zu denen der Künstler das Publikum einlädt. Bregnard schlägt ein neues Kapitel dieses Projekts zum Thema der Biodiversität eines Waldes auf. Am Wochenende der Vernissage wird das Festivalpublikum während drei Tagen eingeladen, den Pinsel selbst in die Hand zu nehmen und die riesige Fotografie eines Waldes, die im Rahmen von zwei Workshops zusammengesetzt wurde, sichtbar zu machen. Das auf Leinwand aufgedruckte Bild mit den Konturen des Waldes, das in Zusammenarbeit mit den Teilnehmerinnen und Teilnehmern des Integrationsprogramms effe vorbereitet wurde, wird durch den künstlerischen Beitrag des Publikums nach und nach zum Vorschein gebracht. Vertonung in Zusammenarbeit mit dem Musiker Jef Calmard.

Dieses Experiment wurde bereits an rund 30 Orten durchgeführt, darunter in der Eglise de la Madeleine in Paris mit 480 Teilnehmenden aus 40 verschiedenen Ländern, und wird nun an diesem einzigartigen Ort, dem Saal des Farelhauses, als Variation fortgesetzt.

In Zusammenarbeit mit effe
Unterstützt von: Canton de Vaud, Ville d’Yverdon-les-Bains, Pentel, Posca

Herstellungsjahr: 2022

In «Purity» portraitiere ich junge Mädchen und deren Väter, die in den USA an Keuschheitsbällen (Purity Balls) teilnehmen. An diesen Bällen versprechen die Mädchen, bis zur Heirat auf Sex zu verzichten. Im Gegenzug geben die Väter das Versprechen ab, sie dabei zu unterstützen.Ich wollte meine eigenen Vorurteile auf den Prüfstand stellen und untersuchen, wie unsere Erfahrungen unsere Sicht auf die Welt beeinflussen, indem ich die Portraits so schön gestaltete, dass die Töchter und Väter stolz auf die Bilder sein konnten, währenddem jemand mit einem anderen Hintergrund aus denselben Bildern eine völlig andere Geschichte herauslesen kann.
«Purity» beabsichtigt, uns darüber zum Nachdenken zu bringen, wie unsere Gesellschaft uns beeinflusst und wie wir uns bei der Interaktion mit unserer Umwelt auf Werte stützen, die wir für wichtig halten. (DM)

Herstellungsjahr: 2014

Zum Thema Mobilität macht es Sinn neben den musealen Räumen und den Galerien in der Altstadt den Aussenraum als Ausstellungsort einzubeziehen. Auf dem Bahnhofplatz Biel wird die Fotoinstallation von Daniel Zimmermann präsentiert und die Schüsspromenade lädt die Besucherinnen und Besucher zu einer «Promenade visuelle».

Die «Promenade visuelle» ermöglicht eine lustvolle Auseinandersetzung mit dem facettenreichen Thema rund um die Mobilität und präsentiert Grossvergrösserungen (recto/verso) der in den verschiedenen Ausstellungen vorgestellten Fotografien. Alle im Rahmen des Festivals 2005 eingeladenen Fotografinnen und Fotografen werden mit einer Position vertreten sein.Die grossformatigen Fotografien (200 cm x 200 cm) ermöglichen den Ausstellungsbesuchern Fotografie in ungewohntem Kontext zu erleben. Diese über dem Fluss montierten Grossformate sind meist sanft in Bewegung und erlauben einen anderen Zugang zum Bild.

Die «Promenade visuelle» bietet einerseits eine neue Wahrnehmung des Bildhaften, anderseits ist sie rund um die Uhr für die Bevölkerung erlebbar und unterstreicht den Festivalcharakter. Während den Fototagen soll die Fotografie in der Stadt Biel möglichst hautnah und vielfältig erlebt werden können.

In der andalusischen Provinz Almeria wächst im Herzen eines 30’000 ha grossen Plastik- Meeres unser Wintergemüse und leben über 100’000 Migranten, neue Zwangsarbeiter der modernen Zeit. Die Thematik der Migration und Landwirtschaft beschäftigt mich seit mehreren Jahren. Daher beschliesse ich, in dieses Meer zu tauchen und ihm meine Aufmerksamkeit und fotografische Energie zu widmen. Das Bedürfnis, diese Realität grundlegend zu erforschen und sie von innen heraus zu verstehen, bringt mich zu mehreren Aufenthalten vor Ort. Anhand der Wahl eingegrenzter Bild-Ausschnitte möchte ich das Gefangensein und die doppelte Isolierung dieser Männer betonen, die ausserhalb der Stadtzentren, im Herzen der Plastik-Gewächshäuser zubringen. Fernab ihrer Heimat, ihrer Familie, leben sie in einer konservativen andalusischen Gesellschaft, in der Rassismus und Segregation andauern. Die visuelle Fremdheit dieser Szenen, gleichwohl sie sich im heutigen Europa befinden, untergräbt unsere Bezugspunkte und die Regeln, über die wir uns identifizieren. Sie verweist auf die Fremdartigkeit der Bedingungen, die diesen Männern auferlegt sind, festgehalten an Orten des Nirgendwo, Bewohner einer sinnberaubten Erde. In diesen Krisenzeiten wollte ich anhand dieser zeitgenössischen Mittelformat-Farb- Reportage die Gefühle wiederfinden, die ich empfand als ich die Schwarz-Weiss-Fotografien der grossen US-amerikanischen Wirtschaftskrise der Zwischenkriegszeit entdeckte. Während der ganzen Reportage war ich durchtränkt von Werken wie «Let Us Now Praise Famous Men» des Fotografen Walker Evans oder «Früchte des Zorns» von John Steinbeck und habe meine Arbeit auf das menschlich und sozial Erlebte der Migranten gerichtet. (Christophe Chammartin)

Herstellungsjahr : 2006-2007

Ich fotografiere bei den anderen das Beste von mir.
Meine Arbeit besteht bei jedem Porträt darin, dass sich die abgelichtete Person auf dem Bild verwirklicht sieht.
Meine Wahl des Bildausschnittes ist eine direkte Folge meines Strebens nach dem Wesentlichen. Ich will den Menschen in der Trinität seines Gesichts darstellen. Kein sozial distinktives Zeichen soll dabei stören.
Der Blick, die Augen liegen oberhalb des Bildzentrums (Format des Negativs: 6×6 cm), auf der Blickachse des Betrachters.
Das verleiht den Porträtierten die Kraft, mit den eigenen Augen zu “sprechen”.
Ich habe mir formale Regeln auferlegt, die es den Porträtierten erlauben, sich in aller Ruhe und mit Respekt für ihre Einzigartigkeit zu zeigen.
Das fotografische Porträt ist das Festhalten eines bestimmten Moments in der Lebensgeschichte eines Menschen.
Sich des Gegenübers bewusst sein, seiner Einzigartigkeit, seiner Ausnahme von der Regel. Sein Licht hinterfragt mich.
Es ist der Porträtierte selbst, der sich porträtiert. Der Fotoapparat ist ein Spiegel ohne Make-up.

Damen und Ritter aus weissem Porzellan, Figuren, die Kung-Fu-Kämpfer und Ballett-Tänzerinnen darstellen, Glasvasen mit verschiedenartigen Blumen darin… Es gibt kaum ein Objekt, das dem destruktiven Geist von Martin Klimas entgeht. Es ist allerdings nicht die Idee der Zerstörung, welche seine Fotografien bestimmt, sondern eher jene von der Veränderung. Die aus zerbrechlichem Material geschaffenen Objekte zerspringen unweigerlich, wenn sie auf dem Boden aufschlagen. Der Fotograf hält diese Objekte genau in dem Moment fest, in dem sie auseinanderbrechen: ein flüchtiger Moment der absoluten Stille, den das menschliche Auge in Echtzeit gar nicht wahrnehmen kann. Martin Klimas ist ein Spezialist für High-Speed-Fotografie, eine Technik, die aus der Chronofotografie heraus entstanden ist. Er verwendet für seine Bilder neutrale monochrome Hintergründe und kontrolliert auch das Umfeld der Bilder millimetergenau, um genau den Moment erfassen zu können, in dem das Objekt in tausend Stücke zerspringt. Das Geräusch, das beim Aufprall der Vasen und Figuren auf dem Boden entsteht, aktiviert den Auslöser des Fotoapparates, der schliesslich die Bewegung einfriert, präzis in dem Augenblick, in dem aus dem Objekt ein Nichtobjekt wird. Die Technik fördert die Wahrnehmung von neuen Strukturen, von «Zeitskulpturen», die der Fotograf kreiert, die rasch aufeinander folgen und nur Bruchteile einer Sekunde dauern. Unter den vielen Aufnahmen, die er von einem Objekt jeweils macht, wählt er nur eine einzige aus: jene, die die Veränderungen am deutlichsten zeigt. Im Schnittpunkt zwischen Eleganz und Gewalt, zwischen Ruhe und Bewegung zeigen uns die Bilder von Martin Klimas die Schönheit und Poesie des Moments, in dem die Veränderung erfolgt – und die Stille, die der totalen Zerstörung vorangeht.

Herstellungsjahr: 2004-2007/2007-2010

«Polygon» ist eine Fotoserie, die auf Semipalatinsk Nuklearwaffentestgelände in Kasachstan aufgenommen wurde. Die Fotos wurden analog auf Mittelformatfilm geschossen und vor ihrer Entwicklung radioaktiver Strahlung ausgesetzt. Charrières Reise zum «Polygon» ist inspiriert durch J.G. ballards Kurzgeschichte «The Terminal Beach». Das Projekt oszilliert zwischen Kunst, Wissenschaft und Fiktion und bringt uns zu einem der abgelegensten und unerreichbarsten Orte – zum Beginn des Nuklearzeitalters. Es ist ein mystischer Raum; antithetisch zu jeglichem menschlichen Leben offenbart er die dystopische Ästhetik einer Ärcheologie der Zukunft.

Herstellungsjahr: 2014

Im März 2020 konnte Pascal Greco aufgrund der Einschränkungen im Zusammenhang mit der Pandemie nicht nach Island reisen, um ein Fotoprojekt weiterzuführen. In seiner Wohnung eingesperrt begab er sich täglich auf einen Spaziergang durch die digitalen Landschaften des Spiels Death Stranding auf seiner Playstation 4. Je länger er sich in diesem digitalen Umfeld bewegte, desto bewusster wurde ihm, wie erstaunlich ähnlich die digitalen Landschaften jenen in Island sind, die er fotografieren wollte. Er begann damit, auf den Bildschirm zu zoomen, die Details der konstruierten Landschaften zu betrachten und er erstellte im Spiel dank dem zur Verfügung stehenden fotografischen Modus Aufnahmen, sowohl in Nah- als auch in Weitwinkel.

Die Serie Place(s), die in Form einer Installation gezeigt wird, erforscht die “In-Game-Fotografie“, eine Praxis, die zur “Post-Photography” gehört. Seine Bilder, die verstörend realistisch wirken, konzentrieren sich auf “natürliche” und “bestehende” Landschaften. Sie hinterfragen unsere Wahrnehmung und Konstruktion der Realität im Internet-Zeitalter. Für das Festival wurden neue Bilder produziert, da der Künstler mit einer leistungsfähigeren Kamera, der Playstation 5, nach “Island” zurückgekehrt war. Anschließend verwendete er ein Programm für künstliche Intelligenz, um großformatige Ausdrucke zu ermöglichen. 

Unterstützt von: Photorotation

Herstellungsjahr: 2020-2023

Die Fotoinstallation Piegeception stellt Überlegungen an zur Dokumentation eines Raumes, aber auch zum Verlust der Kontrolle über die Bilder in einem Produktionssystem, auf das wir heute kaum mehr Einfluss haben. Während der gesamten Vorführung produzieren zwei von einer Zeitschaltuhr bediente Kameras in regelmässigen Abständen Fotografien. Der Ausstellungsraum wird hier als Territorium mit eigenen Rhythmen und Aktivitätszyklen gestaltet. Die fotografische Aufnahme wird als Prozess verstanden, der die Information über das Erlebte bewahrt oder verliert. Dadurch entsteht eine Spannung zwischen Verlust und Erinnerung. Die BesucherInnen, die den Raum betreten, werden – ohne es zu wollen – gleichzeitig zu Handelnden sowie Sujets des Dispositivs.

Herstellungsjahr: 2019

Fotoausstellung und Porträtfilme von 28 Schweizer Fotografen und Fotografinnen
CentrePasquArt, Biel/Bienne, 2.9 – 29.10.2006

Die Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia und das CentrePasquArt präsentieren anlässlich der 10. Bieler Fototage die Ausstellung PHOTOsuisse. PHOTOsuisse vereint 28 Fotografinnen und Fotografen aus allen Landesteilen der Schweiz. Shooting Stars der jungen Szene gehören ebenso dazu wie Arrivierte, die in den vergangenen dreissig Jahren Entwicklungen mitprägten. Die Auswahl in der Ausstellung zeigt Exponenten der Sparten Dokumentation, Reportage und Kunst. Die Gliederung in die drei Themen MEDIA, MATRIX und MILIEU orientiert sich an Haltungen und Strategien, welche das Werk der Fotoschaffenden auszeichnen.
Die Ausstellung wurde erstmals im Herbst 2005 anlässlich der Eröffnung des Istituto Svizzero di Roma in Rom präsentiert. Damals wurden die Themen in drei zeitlich nacheinander folgenden Teilen vorgestellt. Bei der Präsentation im Tessin vom April-Juni 2006 wurde MEDIA in Ascona im Museo Comunale d’Arte Moderne und MATRIX und MILIEU in der Pinacoteca Comunale CASA Rusca gezeigt. In Biel findet die Ausstellung mit allen drei Themen im CentrePasquArt statt.
Die Ausstellung PHOTOsuisse wird von einer Serie von 28 Porträtfilmen begleitet, welche dem Besucher einen Einblick in die Ateliers der Fotografen und Fotografinnen erlauben. Die Fotoschaffenden führen in ihr Werk ein und gewähren Einsichten in den Schaffensprozess. Die Porträtfilme ermöglichen einen anderen Zugang zu den ausgestellten Bildern. Während der Ausstellung kann der Besucher die Filmporträts auf einem Monitor auswählen und anschauen (in Deutsch, Französisch, Italienisch oder Englisch).
MEDIA Die Beziehung der Bilder: Olaf Breuning, Olivier Christinat, Christian Coigny, Katrin Freisager, Peter Knapp, Urs Lüthi, Gérald Minkoff / Muriel Olesen, Reto Rigassi, Alberto Venzago
MATRIX Die Untersuchung der Oberfläche: Stefania Beretta, Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Nicolas Faure, Alberto Flammer, Thomas Flechtner, Georg Gerster, Alain de Kalbermatten, Luciano Rigolini, Gaudenz Signorell
MILIEU Der soziale Raum: Manuel Bauer, Luc Chessex, Michael von Graffenried, Monique Jacot, Gian Paolo Minelli, Jean Mohr, Annelies Štrba, Beat Streuli, Christian Vogt
Die Ausstellung PHOTOsuisse wurde initiiert und finanziert von der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia und realisiert von den Kuratoren Andreas Hertach und Hilar Stadler. Unterstützt wird die Ausstellung in der Schweiz von der Stanley Thomas Johnson Foundation.

Die viersprachige Fernsehserie PHOTOsuisse und das gleichnamige Buch sind ein Projekt der SRG SSR idée suisse in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz und Lars Müller Publishers. Projektleitung: Christian Eggenberger.

Ausstellung des Oberstufenzentrums Châtelet, Biel
12 Schülerinnen und Schüler im Alter zwischen 13 und 16 Jahren zeigen unter der Leitung von Francis Boillat eine überraschende Ausstellung über die Bewegung und die Mobilität. Ihre Arbeiten wurden im Rahmen einer Studienwoche Ende Juni 2005 realisiert.

Der Würfel Camera obscura (1. Projekt)
Zuerst fertigten die Schülerinnen und Schüler alle ihre eigene kleine (9 x 9 cm), quadratische Camera obscura an. Parallel dazu wurden sie angehalten, das Thema Mobilität aufzugreifen, indem sie für ihre selbstgebaute Kamera einen geeigneten Standort suchen und dort in sechs Richtungen (entspre¬chend den Seiten eines Würfels resp. der Camera obscura) ein Bild aufnehmen. Die so enstandenen 6 Negative im Format 9 x 9 cm wurden anschliessend gescannt, invertiert und mit Hilfe eines Bild¬bearbeitungsprogramms gestaltet. Die Schülerinnen und Schüler machten so erste Erfahrungen mit entsprechenden Technologien, ohne dabei auf eine traditionelle Kamera zurückgreifen zu müssen. In der Ausstellung sind die aufgehängten Würfel-Kameras mit den jeweils dazugehörigen, vergrösserten Positiv-Bildern zu sehen.

Die Mobilität als abstrahiertes Objekt (2. Projekt)
«Bewaffnet» mit Digitalkameras haben die Schülerinnen und Schüler die Umgebung der Schule durchstreift auf der Suche nach Objekten, die in Verbindung gebracht werden mit Mobilität. Einmal gefunden, wurden Details der Objekte fotografiert. Von den Bildern wurden schliesslich deren sechs ausgewählt, die im Hinblick auf die Ausstellung bearbeitet und verfremdet wurden.

Ausstellung der Sekundarschule des Bas-Vallon, Corgémont
12 Schülerinnen und Schüler im Alter zwischen 15 und 16 Jahren arbeiteten unter der Leitung von Christian Rossé allein oder in kleinen Gruppen an verschiedenen Projekten, welche die Mobilität ins Zentrum stellten.

Dabei wurden zahlreiche Aufnahmen in unterschiedlichen Umgebungen (Stadt, Land) gemacht, die dann im Studio bearbeitet wurden und Ausdruck einer Welt sind, in der die Jugendlichen leben: eine spannende Mixtur aus Kino, Sport und Lebensfreude.

Die Palette der Sujets ist breit gestreut und geht vom Portrait («mon œil!») über eine Sport- und Freizeitleidenschaft («Ich und mein Rollbrett»), den Schaufensterbummel («Ohne Unterlass folge ich den Fenstern») und den Bahnhofplatz («ein bewegter Platz») bis hin zum Phänomen der Schwerelosigkeit («Duo fluo»).

Das Resultat: eine farbenprächtige Explosion…

Kundinnen und Kunden eines Geschäfts, das Unterhaltungselektronik anbietet, erzählen frei von der Leber weg von ihren Konsumgewohnheiten.

Herstellungsjahr: 2011 / 2009-2011

Von Biologen wird die Quallenart Turritopsis Dohrnii als beinahe unsterblich bezeichnet, da sie ihre DNA bis zu 14 mal regenerieren kann und somit technisch in der Lage ist, wiedergeboren zu werden. In der Videoarbeit «Perpetual Operator» vereint Dominique Koch das Schicksal dieser Quallenart, mit den Aussagen des Soziologen Maurizio Lazzarato und Franco ‘Bifo’ Berardi. Die Qualle fungiert als Personnage innerhalb eines komplexen Reigens, der den Zustand eines kapitalistischen Modells am Rande des Zusammenbruchs kommentiert und dieses mit den Mustern der zeitgenössischen Kunst vergleicht. (Nadine Wietlisbach)

Eine Ausstellung des Photoforums Pasquart.
Mit freundlicher Unterstützung von: Fachausschuss Audiovisioon und Multimedia der Kantone Basel-Stadt und Basel-Landschaft.
Futurum Stiftung Basel.

Herstellungsjahr: 2016

Durch das Medium Fotografie erkundet Bertrand Cavalier die Interaktionen zwischen Menschen und modernistischen urbanen Umgebungen, in denen sie sich bewegen. Permanent Concern, die von ihm präsentierte Bilderserie, ist bei seinen Stadtspaziergängen in den Niederlanden mit einem Smartphone entstanden. Ziegelsteine, Beton, Plastik, Spuren, Motive und Fragmente urbaner Architektur sind auf seinen Bildern zu sehen. Diese Elemente, die seinen Blick eingefangen hat und die banal erscheinen mögen, stehen sinnbildlich für alltägliche subjektive, gesellschaftliche Praktiken im öffentlichen Raum.

Durch einen zuweilen maximalen Einsatz des Zooms, Einstellungen, mit denen bewusst ein Ungleichgewicht erzeugt wird, und dem Spiel mit der Wiederholung bestimmter Motive oder Sujets, provoziert der Künstler bei den Betrachterinnen und Betrachtern ein Déjà-vu-Erlebnis. Zudem hinterfragt die Übertragung des Bildes von der Dreidimensionalität in die Zweidimemsionalität die Verbindungen, die der Mensch mit seiner Umgebung und mit den Darstellungen derselben hat. Seine mit Hilfe eines Laserdruckers monochrom gedruckten Bilder vermitteln einen poetischen Dialog zwischen Schwarz und Weiss, voll und leer, Abwesenheit und Anwesenheit sowie zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Unterstützt von: Wallonie Bruxelles International / Fédération Wallonie-Bruxelles

Herstellungsjahr: 2021-2022

Was suchen Touristen auf einer entlegenen tropischen Insel? Die Eltern von Thomas Egli verbrachten 1985 ihre Flitterwochen auf Gili Trawangan, einer kleinen Insel bei Lombok im indonesischen Archipel. Sie beschrieben dieses Stück Land als einen der schönsten Orte auf der Erde. 30 Jahre später hat sich Gili Trawangan von der mehr oder minder unberührten Laguneninsel in einen brodelnden Touristenort verwandelt. Thomas Egli erzählt erschütternde Geschichten, die einen Spiegel und eine Kritik der harmlos gleichgültigen Bildsprache der Tourismusindustrie bilden.

Herstellungsjahr: 2015

Die Ausstellung “Photos Panini” stellt einen gleichzeitig retrospektiven, dokumentarischen und interaktiven Bezug her zur Physiognomie-Thematik der diesjährigen Bieler Fototage. Hinterfragt wird unsere Beziehung zu den Panini-Bildern. In den Auszügen aus dem Archiv der Firma Panini in Modena sind historische und schon sehr selten gewordene Stücke zu sehen, Vorläufer des heute weltweiten Erfolges. In Museumsvitrinen ausgestellt, knüpfen die Archive an unmittelbare Erinnerungen an. Sie haben einen eher familiären als öffentlichen und einen eher auf den Einzelnen als auf die Gruppe bezogenen Anstrich. Sie legen einen ganzen Erinnerungskorpus frei, Zeichen der Begeisterung beim Aufbau einer persönlichen Sammlung. Diese Zeichen können je nachdem auch auf ein Desinteresse für und eine Abspaltung von derartigen Auflageerfolgen bedeuten, nicht alle haben einen Bezug zu derartigen Phänomenen. Oder die Zeichen – wenn die Sammlung komplett ist – deuten in die Zukunft und auf die Frage: Was nun?
Eine Serie von Druckerzeugnissen zeigt Paninibilder der WM 2006 vor dem Zuschnitt. Die Bilder bilden eine Einheit, hängen im doppelten Sinn des Wortes zusammen. Dieser Zusammenhang geht dem Zuschnitt und der Aufteilung auf kleine Pakete, die in der ganzen Welt verteilt werden, voraus. Auch hier verliert sich der Blick zunächst in der Masse, bevor er vom geschärften, individuelleren Blick des Sammlers abgelöst wird.
Schliesslich bricht die Ausstellung “Photos Panini” auch eine Lanze für alle verwaisten Paninibilder. Jene “Paninis”, die keinen Abnehmer und keine definitive Bleibe gefunden haben, werden von den Bieler Fototagen an das Publikum verteilt – mit Adoptionsurkunde und gegen die Garantie, dass sie gut behandelt werden…

«Ich mache Bilder von der Welt, wie ich sie sehe. Und ich sehe sie so, weil ich sie fotografiere.»

Unter den Palmen von Miami sitzen, Moskaus Architektur bestaunen, mit dem kanadischen Französisch fertig werden und Chinas Grosse Mauer mit Blick in die Mongolei beschreiten. Frühstück in Prag, Abendessen in Izmir. Hotelzimmer, persönliche Begrüssung, dear Mister Swissair, Zweimeter-Betten mit Blick über Manhattans Midtown, Swimmingpool in Athen, München mit Weisswurst und Bretzel um 05.00 Uhr, eat as much as you can. Saudi Arabien, bei 40° C eine Habaya überziehen. Sehen, erleben, beeilen, Hong-Kong in 24 Stunden, konsumieren, festhalten, nicht vergessen, fotografieren. Immer unterwegs. Städte, Leute, Meer, überall. Bedürfnis nach Heimat, Stammplätze in der Fremde, St. Laurent in Montréal, le Colonial in New York, Welcome back, und doch jedesmal eine andere Strasse zurück zum Hotel. Entdecken, immer wieder von Neuem. OUT OF TOWN – alles ist anders und vieles ist gleich.

Zwischen 2000 und 2004 ist Sabine Troendle mit der Swiss(air) als Stewardess um die Welt gereist. Um sich zu orientieren, hat sie systematisch, alles was sie machte und erlebte, fotografiert, wobei sie das Zusammenspiel vom Souvenir- und dem gestalteten Bild interessierte. Die Bilder sind Zeugen ihres Blickes auf das Fremde, das sich Sabine Troendle im jeweiligen
Moment ihrer Anwesenheit offenbart hatte. Es geht um Geschwindigkeit und Oberflächlichkeit, um Abenteuer und Wiederholung, um Austauschbarkeit und Verschmelzung – und es geht um die Schönheit und Faszination des Moments.

«Options for Walls» ist eine räumliche Aneignung mittels fotografischer Abbildung. Die Fotografie einer Wand (Ausstellung «Transform», 2013) wurde auf die Masse der abgebildeten Fläche skaliert und als s/w A4 Laser-Ausdrucke wieder auf die selbe Wand montiert und tapeziert. Die Wand ist Kopie und Dokument ihrer selbst. Vom Originalschauplatz in den Ausstellungsraum transportiert, findet sich die Wandarbeit als Installation im Institutionellen Rahmen wieder. Jede Situation wird erneut fotografiert, wiederum auf die Holzwand appliziert und in einen weiteren Kontext transportiert. Während sich die Wand räumlich bewegt und neu verortet, verschachtelt sich das Bild weiter und führt so seine Ausstellungschronik mit. (MG)

Herstellungsjahr: 2013-

Die Landschaft um uns befindet sich in stetem Wandel. Der Horizont wird immer stärker verbaut, sogar dann, wenn gar kein Platz mehr vorhanden zu sein scheint. Wo sollen in all dem die Kinder spielen? Bleibt genug Raum für Spielplätze?Es ist die Geschichte einer fantastischen Welt, in der die Kinder immer noch genug Platz zum Spielen haben. Das Gelände wird schon bald zu einer Baustelle werden. Und es ist der einzige Spielplatz, der den Kindern aus der Umgebung noch bleibt.

Aus Anlass von 20 Jahren Bieler Fototage wurden drei junge Festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) eingeladen, sich an der Programmgestaltung zu beteiligen.

In Zusammenarbeit mit Goa Photo (IN).

Herstellungsjahr: 2014

Mit Megan Cump, Tim Davis, Jade Doskow, Matthew Gamber, Sam Jury, Kalle Kataila, Jason Lazarus, Oliver Wasow

Die Fotografinnen und Fotografen, die sich am Projekt «One Hour Photo» beteiligen, gehen eine einzigartige Verpflichtung ein: Das ausgewählte Bild darf ausserhalb der Ausstellung weder reproduziert, noch verkauft werden. Das Konzept sieht vor, dass die Bilder alle nacheinander je eine Stunde lang projiziert und danach zerstört werden. Mit dem Vorgehen, dass die Bilder während einer beschränkten Zeit gezeigt werden, initiiert «One Hour Photo» eine ganze Reihe von Überlegungen, sowohl zur Art und Weise, wie wir Fotografie wahrnehmen, als auch zur Arbeit der Fotografen. Ein paar dieser Überlegungen sollen hier nachfolgend kurz skizziert werden. Dank des gewählten Vorgehens hört jedes Bild auf, ein Objekt zu sein und wird zu einer Erfahrung, einem Prozess mit einem Anfang und einem Ende. Der Betrachter wird zum Fotoapparat, der das Bild aufnimmt, und seine Erinnerung zum einzigen Wahrnehmungsmittel und zur einzigen Spur, die übrig bleibt. «One Hour Photo» konzentriert damit die Kunsterfahrung wieder auf den Augenblick der Wahrnehmung und setzt die Begleiterscheinungen, welche mit Ausstellungsbesuchen immer stärker in Verbindung gebracht werden (wie etwa der Erwerb von Bildern, der Kauf von mit dem Bild verbundenen Produkten oder auch das Berichten über die Ausstellung in der Presse oder in den sozialen Netzwerken), an den Rand. Indem das Bild nach der einstündigen Dauer, während der es gezeigt wurde, zum Verschwinden gebracht wird, unterstreicht «One Hour Photo» den flüchtigen und fragilen Charakter der Fotografie, speziell der Digitalfotografie. Im Gegensatz zu dem, was man ihr üblicherweise andichtet – nämlich die unfehlbare und dauerhafte Erinnerung eines bereits vergangenen Augenblicks zu sein – hat die Fotografie wie jedes andere Objekt nur eine beschränkte Lebensdauer. «One Hour Photo» verleiht damit der Beziehung von Fotografie und Zeit eine neue Spannung. In einer Welt, in der das Bild durch die dauernde Berieselung und den praktisch unbeschränkten Zugang banalisiert wird, verleiht «One Hour Photo» der Fotografie den Charakter eines seltenen und einzigartigen Objekts, dessen flüchtige Präsenz einen wertvollen Augenblick darstellt.

Herstellungsjahr: 2011

Emma, Anne, Anne-Marie und Bernadette wurden von einem Team um Professor Belpomme in Paris als elektrosensibel diagnostiziert. Dies bedeutet, dass sie weder Stromnetze zuhause, noch elektromagnetische, hochfrequente Strahlung wie Mobilfunk und Wifi ertragen. Seit Jahren suchen sie nach sogenannten white zones, nach Funklöchern ohne elektromagnetische Felder. Im französischen Departement Drôme finden sie Gebiete, wo sie unbehelligt schlafen können. Elektrosensible Symptome sind von der WTO anerkannt. Seit Dezember 2013 bezahlt Frankreich Invalidenrenten, erkennt aber die Krankheit nicht an. Laut einer schwedischen Studie rechnet man mit drei Prozent Elektrosensiblen unter der Gesamtbevölkerung.

Herstellungsjahr: 2014

Die Tourismusindustrie bietet heute organisierte Reisen in „Konfliktgebiete“ an. Das dreiteilige Video „Offscreen“ von Gabriela Löffel berichtet über die Reisen eines jungen Mannes, der nach seinem Studium Iran und Afghanistan besucht hat. Was erzählt wird, entspricht zwar der Wahrheit, aber die in den Filmstudios von Babelsberg in Potsdam gedrehten Szenen, die unechten Dekors, die Stimme aus dem Off und das Auftreten von Stuntmen lassen den Film zwischen Fiktion und Realität oszillieren. Die Authentizität wird inszeniert, um über einen Krieg sprechen zu können, der zu einem Konsumgut geworden ist.

Herstellungsjahr: 2012-2013

Wie kann man eine Gesellschaft begreifen, die wir nicht kennen? Wie prägt unsere Kultur unseren Blick? Observing the Unknown ist ein Projekt über den Mangel an Information in einer Welt voller Bilder und Daten. Auf der North Sentinel Island im Indischen Ozean lebt ein indigener Stamm ohne jeglichen Kontakt zur Aussenwelt und praktisch unberührt von moderner Technologie. Er ist zum Objekt von Projektion, Imagination, politischen Ideen und radikalen Theorien geworden. Durch die Kombination von Fotos aus Bilddatenbanken oder Werbefilmen hinterfragt Dominique Wyss die Prinzipien, Normen und Wünsche, die unsere Gesellschaften kennzeichnen.

Herstellungsjahr: 2016

Das von zahlreichen Bürgerinnen und Bürgern kritisierte Google Street View bildet die Arbeitsgrundlage von Edgar Leciejewski. Er «entnimmt» daraus Bilder, die er anschliessend bearbeitet. Aus den Bildern entsteht ein Portrait der Menschen im 21. Jahrhundert.

Herstellungsjahr: 2011

Preisträger Rado Star Prize Switzerland 2013 @ Biel/Bienne Festival of Photography

Die Bilder dieser Serie zeigen Personen in verdichteter Kombination mit urbanen Elementen und resultieren aus einer sorgfältigen Auswahl durch den Fotografen. Die Bildeinstellung wird in zwei Schritten realisiert: zunächst aus grosser Entfernung, als er Aufnahmen in Japan machte, dann durch eine detaillierte Untersuchung der Schnappschüsse, um in ihnen ein zuvor nicht wahrgenommenes latentes Thema zu entdecken. Dieses Verfahren verleiht der Serie eine faszinierende Wirkung die sich bei genauer Betrachtung der Bilder noch weiter verstärkt. Die Jury lobte nicht nur die hohe experimentelle Qualität der prämierten Arbeit, sondern auch die originelle Bearbeitung fotografischer Themen, die sich von den üblichen Klischeevorstellungen über Japan, ein millionenfach abgelichtetes Land, angenehm abhob.Der von den Bieler Fototagen gemeinsam mit der Rado Uhren AG ausgeschriebene internationale Fotografiepreis stiftet dem Preisträger die Organisation einer Ausstellung anlässlich des nächsten Festivals, die Übernahme der Produktionskosten für die ausgestellten Arbeiten bis in Höhe von CHF 10 000 sowie einen Aufenthalt in China.

Die prämierten Fotografien wurden unter 200 Dossiers aus 15 europäischen Ländern ausgewählt. Mitglieder der Jury waren Dr Simon Baker (Vorsitzender), Konservator der Abteilung Photography and International Art an der Tate Modern in London; Mirjam Fischer, selbstständige Autorin von Büchern zu den Themen Kunst, Fotografie und Design in Zürich; Gerardo Mosquera, unabhängiger Kunstkritiker, Kurator, Historiker und künstlerischer Leiter der PHotoEspaña in Madrid, sowie Hélène Joye-Cagnard, Co-Direktorin der Bieler Fototage und Philippe Walther, Brand Manager für den schweizerischen Markt bei der Rado Uhren AG (in beratender Funktion).

Herstellungsjahr: 2010-2013

Nothing Personal ist ein laufendes Projekt über das Kriegsgeschäft. Im Gegensatz zu einem Schlachtfeld ist diese Welt ein riesiger Spielplatz für Erwachsene, auf dem ihnen Wein, Fingerfood und funkelnde Waffen angeboten werden. Kadaver sind Schaufensterpuppen oder Pixel auf Bildschirmen. Panzerfäuste und Maschinengewehre werden auf Flachbildschirmen gezeigt. Kriegswaffenmessen sind bis auf wenige Ausnahmen generell für das Publikum geschlossen. Die Bilder wurden in Kielce (Polen), Minsk (Weissrussland) und Seoul (Südkorea) zwischen 2016 und 2017 aufgenommen.

Herstellungsjahr: 2016-2017 (ongoing)

«Notes sur H2» (Notizen zu H2) ist in einer verlassenen und teilweise zerstörten Stadt (Hebron) angesiedelt. Der Erzähler macht sich auf die Suche nach dem letzten Menschen, der dort einsam und von allen verlassen lebt. Der Film erschafft sich seine eigene Fiktion, ein postapokalyptisches Gedicht, und nimmt dabei Bezug auf ein ganz anderes Genre, nämlich den Reportage- oder Dokumentarfilm. Gedreht in der militarisierten Zone H2 versucht der Film nach Möglichkeit, die dort vorherrschenden Sichten aufzuzeigen: auf der einen Seite Beherrschung, Domination, Kontrolle und Vereinnahmung, auf der anderen Seite Leidenschaft, Verherrlichung und Respekt.

Herstellungsjahr: 2014

Der Glaube, man könne restlos alles in Echtzeit sehen, hat seine Tücken.

Herstellungsjahr: work in progress

Für seine Fotoreportage No Blackout hat sich Marc Renaud der Heraus-forderung gestellt, eine unsichtbare Materie abzubilden: die Elektrizität. Der Fotograf hat den elektrischen Fluss bis zu seinen Quellen zurückverfolgt: Wasser, Wind, Sonne und fossile Energien. In der Serie zeigt sich die Elektrizität in der Architektur von Betonstrukturen oder in monumentalen Alpenverbindungswegen, sie wird eingefangen von jurassischen Windmasten oder in den weissen Mikrotechnik-Labors in Licht umgewandelt. Den elektrischen Strom zurückverfolgen bedeutet auch, die Fragilität unserer Ressourcen darzustellen und Raum für Fragen bezüglich unserem Energieverbrauch zu lassen.

Herstellungsjahr: 2017-2019

Die schwedische Kleinstadt Kiruna, die nördlich des Polarkreises liegt, befindet sich in einem einzigartigen Umbruchzustand. Eine Eisenerzmine liess Kiruna wachsen, und nun wird der Stadt diese Mine zum Verhängnis. Durch unterirdische Sprengungen, die jede Nacht die Erde zum Beben bringen, wird Erz gelöst. Bei jeder Sprengung entstehen Deformationen in der Landschaft, die sich langsam aber stetig auf die Stadt zubewegen. Kiruna droht in den Rissen zu versinken. Und dennoch erlebte ich, dass die Zukunft hier stoisch abgewartet wird. Normalität findet in Kiruna auf unsicherem Boden und mit ungewisser Zukunft statt.

Herstellungsjahr: 2015

Der Tag vor der Operation vergeht nur langsam. Wenn alles gut geht, beginnt für die elfjährige Leonie Zeller am nächsten Tag ein neues Leben. Seit ihrer Geburt leidet Leonie an einer Niereninsuffi zienz. Die Funktion ihrer Nieren nimmt stetig ab und sinkt gegen die 10%-Grenze. Jede Nacht sammeln sich in ihrem Körper Giftstoffe an. Am Morgen ist ihr übel und sie erbricht sich häufig. Während Jahren musste sie durch eine Nasensonde künstlich ernährt werden.

Marilyn Zeller wird sich keine Verschnaufpause gönnen. Sie wird sich wie immer um Leonie kümmern, bis sie am nächsten Morgen um 7.41 Uhr selbst in der Narkose liegt. Damit ihre Tochter gesund wird, hat sich Marilyn Zeller vor längerer Zeit entschlossen, ihr eine Niere zu spenden. Was dieser Eingriff für ihre eigene seelische und körperliche Integrität bedeutet, darüber hat sie sich noch kaum Gedanken machen können.Weltweit ist der Mangel an Spendeorganen gross. Als Folge davon nimmt der illegale Handel mit menschlichen Organen zu. Wirtschaftliche Not bringt immer mehr Menschen dazu, ihre Organe zu verkaufen. In einigen Jahren soll es möglich sein, gentechnologisch veränderte Organe von Schweinen in Menschen einzupfl anzen. Doch es bleiben grosse medizinische Risiken, und die ethischen, moralischen und rechtlichen Fragen sind ungeklärt. Um die Wartezeit zu verkürzen, entscheiden sich immer mehr Angehörige von Patienten, denen mit einer Transplantation geholfen werden könnte, für eine Lebendspende.

Eine Lebendnierentransplantation ist im Universitätsspital Zürich beinahe schon ein Routineeingriff und wird mehrmals wöchentlich durchgeführt. Jeder medizinische Eingriff bleibt aber mit einem beträchtlichen Risiko verbunden. Das Bundesamts für Sozialversicherungen schätzt, dass in der Schweiz jährlich 2 000 bis 3 000 Menschen an den Folgen von medizinischen Fehlern sterben – das sind deutlich mehr Menschen, als im Strassenverkehr getötet werden. Die Operation verläuft ruhig und nach Plan.

Marilyn Zeller machen die Folgen des Eingriffs noch längere Zeit zu schaffen. Falls ihre verbleibende Niere gesund bleibt, hat sie jedoch gute Aussichten: Gemäss den Ärzten kann sie mit lediglich einer Niere problemlos 90 Jahre alt werden.

Leonie geht es schnell besser. Bereits zwei Tage nach der Operation verspürt sie Heisshunger. Zum ersten Mal im Leben darf sie essen, worauf sie Lust hat. Die Chancen stehen gut, dass sie die körperlichen und geistigen Defi zite aufholen und ein beschwerdefreies, eigenständiges Leben führen kann.

Daniel Rihs

Um seine Fotoserie New Dutch Views realisieren zu können, suchte Marwan Bassiouni zwischen Januar 2018 und Februar 2019 über 70 Moscheen in Holland auf. Seine in den Innenräumen der Moscheen frontal aufgenommenen Hochformatbilder wirken wie Fenster in die Aussenwelt und leiten einen formalen Dialog zwischen den beiden Räumen ein. Die streng komponierten Bilder zeigen gleichzeitig die Gegensätze und die Verbindungen auf, die zwischen religiösen und kulturellen, orientalischen und okzidentalischen Vorstellungen bestehen.

Herstellungsjahr: 2018-2019

Für «New Artificiality» begab sich Catherine Leutenegger an den Hauptsitz eines chinesischen Unternehmens, das mit gigantischen 3D-Druckern ganze Häuser «fabriziert». Werden sich die in Rekordzeit und zu unschlagbaren Preisen hergestellten Häuser aus Zementlagen als neue Bauweise durchsetzen und die Ära der Standardisierung ablösen? Der 3D-Druck bewerkstelligt hier eine bislang noch nie dagewesene Mischung zwischen Architektur und Darstellung, und sie formuliert unsere Erfahrung der Wirklichkeit um. Die grossformatigen Bilder von Leutenegger sind an die Dimensionen des Ausstellungsraums angepasst. Sie lösen eine Verwirrung in unserem Verständnis für die neuen Abmessungen eines dreidimensionalen, bewohnbaren Bildes aus.

Herstellungsjahr: 2016

Seit Beginn des dritten Jahrtausends eröffnen uns digitale Technologien neue Möglichkeiten zum Experimentieren. Der 3D-Druck gehört zu diesen Technologien, deren mögliche Entwicklungen mich faszinieren – einerseits durch seine fortschreitende Öffnung für ein breites Publikum, andererseits durch die stetig wachsenden Möglichkeiten, die bald viele Bereiche revolutionieren dürften. Was sind die Grenzen dieses Verfahrens, das scheinbar unendlich viele Anwendungen bietet? Wie präzise lässt sich Realität nachbauen? Und was passiert, wenn Programm oder Drucker Fehler aufweisen, wenn also der «Glitch» im digitalen Modell zu einem greifbaren Objekt wird? (CL)

Herstellungsjahr: 2015-

«Neuseenland» ist eine topographische Studie einer Region in Ostdeutschland, durch die der grösste Landschaftswandel, der im Moment in Europa stattfindet, sichtbar gemacht wird. In der DDR war der Braunkohleabbau der wichtigste Wirtschaftssektor. In der Nähe von Leipzig werden bis heute zwei grosse Gebiete ausgebeutet während die bereits inaktiven Felder in den letzten Jahren geflutet wurden, um sie anschliessend als Naherholungszonen zu vermarkten. Die zeitliche und physische Distanz zu meiner Heimatregion ermöglichte es mir, dieses einzigartige Stück Land aus einer neuen Perspektive wiederzuentdecken. (SG)

Herstellungsjahr: 2014

In den vergangenen hundert Jahren iranischer Politgeschichte  wurde die iranische Nationalhymne jedes Mal geändert, wenn ein neues autoritäres Regime die Macht übernahm, drei Mal insgesamt. In meiner fotografischen Arbeit verwende ich kulturelle Symbole, die ich – eine aussenstehende Beobachterin – mit meiner Wahrnehmung des Mittleren Ostens konfrontiere. Ich konzentriere mich auf in den Medien kursierende Fakten und benutze Bilder, die durch Datenlecks nach aussen gelangten. Diese adaptiere ich dann, um sie in neuen Zusammenstellungen auftreten zu lassen. Jedes der Fotos nimmt eine spezifische Zeit der iranischen Geschichte auf und berücksichtigt dabei, wie sowohl der Osten wie auch der Westen auf die sozialen Ereignisse reagiert haben. (SS))

Herstellungsjahr: 2014-2015

Die Aufnahmen der Serie Mundus wurden während des Jahresaufenthalts der Fotografin im Schweizerischen Institut in Rom in italienischen und schweizerischen Höhlen aufgenommen. Jedes Bild ist zusammengesetzt aus einem fotografischen Diptychon, auf dem Fragmente von Felsengebilden zu sehen sind, die an Augenhöhlen oder an glänzende Retina-Oberflächen erinnern. Die Künstlerin begreift die tatsächlich vorhandenen und die symbolischen Orte als neue Öffnungen in die Welt, aber auch als Abgründe, welche die BesucherInnen in die hintersten Winkel des eigenen Inneren stürzt. Mit der Serie lässt uns Marion Tampon-Lajarriette die Grenzen zwischen aussen und innen, dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, dem Wirklichen und dem Virtuellen erfahren.

Herstellungsjahr: 2017

In seiner Serie „Moi avec des filles“ beleuchtet Romain Mader erneut auf humorvolle Weise seine Beziehung zu Frauen. Am Automobilsalon in Genf posiert er stolz vor aufgemöbelten Hostessen und den Autos, für die sie Werbung machen – als wolle er einen Beweis erbringen für seine kurzfristigen Eroberungen. Bekleidet mit einem kitschiggelben Hemd stellt er sich für ein „Selfie“ hin und gefällt sich dabei, sich selbst in Szene zu setzen, um seine ewige Suche nach dem Glück zu dokumentieren … und die Lücke zu überdecken, die sich auftut, wenn die Liebe fehlt.

Herstellungsjahr: 2009

Die Stadt ist ein kontrollierter Raum, in dem die Natur durch den Menschen, der sich diesen Raum zu eigen macht, modelliert und strukturiert wird.

Herstellungsjahr: 2010

Die Leidenschaft von Biss für Natur und Fotografie hat «Microsculpture» ermöglicht. Die sehr grossformatige Portraitserie hält die mikroskopische Form von Insekten in beeindruckend hoher Detail-Auflösung fest und bietet die einzigartige Gelegenheit, diese verborgene Welt kennen und schätzen zu lernen. Jedes Exemplar (aus dem Oxford University Museum of Natural History) wurde auf dem jeweils am besten passenden Mikroskoptisch platziert, was eine optimale Kontrolle der Position vor dem Kameraobjektiv ermöglichte. Die meisten Insekten wurden aufgeteilt auf 30 Ausschnitte und entsprechend aufgenommen, jeder Ausschnitt wurde unterschiedlich ausgeleuchtet (mit Stroboskopblitz), um die Mikroskulptur jedes einzelnen Körperabschnitts noch besser zur Geltung zu bringen. Jedes der Insektenportrait wurde aus über 8000 separaten Einzelbildern zusammengesetzt.

Eine Ausstellung des NMB Neuen Museums Biel.

Herstellungsjahr: 2016

Auslöser für dieses Projekt war, dass ich einen Koffer mit nach Hause nahm, der seit fünf Tagen in der Strasse herumgestanden war. Ich begann, jeden einzelnen Gegenstand ganz genau zu dokumentieren, und verstand bald, was ich in meinen Händen hielt. Etwa fünfzig Meter von meinem Fenster entfernt befindet sich ein Parkplatz, wo ich schon öfters gesehen hatte, wie sich junge Frauen zwischen den Autos versteckten, um sich umzuziehen oder Lippenstift aufzutragen. Sie hatten ähnliche Taschen bei sich und bevor sie in ein anhaltendes Auto stiegen, versteckten sie sie im Gebüsch. Ich taufte sie Magdalene und malte mir aus, was ihr zugestossen sein könnte. Sehr bald fing ich an, ihre Sachen mit meinen zu vermischen. (ME)

Aus Anlass von 20 Jahren Bieler Fototage wurden drei junge Festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) eingeladen, sich an der Programmgestaltung zu beteiligen.

In Zusammenarbeit mit Fotopub (SI).

Herstellungsjahr: 2014

Ist es möglich, lustige Bilder von Tieren ins All zu schicken für Aliens, die so die Möglichkeit erhalten, das Ökosystem der Erde kennenzulernen? Die schier unerschöpfliche Anzahl von Tierbildern, auf die wir im Internet Zugriff haben, untergräbt unser Wissen, dass ausschliesslich Menschen über ein Ichbewusstsein, Sprache, Kultur, Boden und Sitten verfügen. Wann hört ein Löwe auf, Löwe zu sein? Welches sind die typischen Kategorien der Naturfotografie, die von der Wissenschaft geprägt wurden und nun ersetzt werden durch Bilder von Amateuren, welche die durch die ständig fortschreitende Verstädterung immer stärker gefährdeten Lebensräume der Tiere dokumentieren? Müssen wir deshalb die wissenschaftlichen Kategorien für diese Bilder von Grund auf überdenken ?

Année de production : 2015

Mit Prototypen von Raumanzügen und Diäten, die ausschliesslich auf gefriergetrockneten Lebensmitteln basieren, verbringen Menschen aus der ganzen Welt Wochen bis Monate ihres Lebens damit, die Marsumgebung zu simulieren, um sich auf den Tag vorzubereiten, an dem sie die Erde verlassen müssen. Diese Pioniere haben den Wunsch, an der Erforschung des Weltraums teilzunehmen. Simulationsstandorte wie HI-SEAS schaffen eine Erfahrung, die die Grenze zwischen Realität und Phantasie verwischt; ein Universum, in dem die Luft nicht eingeatmet werden kann, in dem der Kontakt mit den Liebsten begrenzt ist und in dem die Abhängigkeit und Kooperation zwischen den Mitgliedern im Mittelpunkt steht.

Herstellungsjahr: 2015

Die Hungersnot in der Provinz Bihar als Trilogie, Briefausschnitt von Werner Bischof an Robert Capa in Paris, Februar 1951, Hungersnot in der Provinz Bihar
«Nachdem ich die Situation in Bihar studiert habe, gedenke ich das Hungerproblem in einer Trilogie darzustellen:
1. Hunger in Bihar
2. Stahl für die Industrie
3. Nutzbarmachung der Wasserkräfte
Das würde mir die Gelegenheit geben, die Aufbauprojekte von Damodar Valley und Jamshedpur miteinzubeziehen und aufzuzeigen, dass die Menschen hier auch versuchen, etwas gegen die Naturkatastophen zu unternehmen.»
Indien damals
Im August 1947 wird Indien unabhängig, jedoch erst im Januar 1950 erhält es eine Verfassung. Das Land hat damals 350 Millionen Einwohner. Indien ist eine Grossmacht. Als einziger Demokratie Asiens ist es Indien gelungen, eine unabhängige Politik zu machen zwischen den beiden Blöcken USA und Sowjetunion. Das neue Indien war gewaltfrei und somit für viele Künstler und Intellektuelle ein Synonym für Hoffnung.
Zitate von Werner Bischof, Indien, 1951Die Anreise
«Noch eine halbe Stunde bis Bombay. Alles ist so eigenartig. Man verliert die Masse mit dem Flugzeug. Ich habe nie das Gefühl, dass ich soweit weg bin.» (Tagebuch, Februar 1951) Erste Indieneindrücke schreibt an seine Frau Rosellina: «Ich habe mich auf Elend, auf allerhand gefasst gemacht, doch was da an Hütten und Dreck entlang der Strassen steht, ist unbeschreiblich, und ein Geruch weht einem entgegen, der zum Brechen reizt. Ich werde mich sehr überwinden müssen, um gut zu arbeiten.
Die Hungerstory
Montag beginne ich mit einer Hungerstory. Keine leichte Arbeit, denn die Regierung liebt in dieser Sache keine Dokumente. Ich glaube nicht, dass jemand an diesen Hungerbildern vorbeischauen kann. Nein, sicher nicht, auch wenn jedesmal nur ein wenig hängen bleibt, dann würde mit der Zeit eine Basis geschaffen, die mithilft, Gutes und Verwerfliches zu unterscheiden.»
«Ich fuhr mit einem Regierungsbeauftragten in die Dörfer. Wir brachten rationiertes Getreide, aber was kann ein Jeep für 5‘000 km2 schon ausrichten! Dann habe ich diese hungernden Frauen gesehen, durch den Spiegel der Rolleiflex und es war das erste Mal, dass ich ohne Scheu die Kamera benutzte. Die Dramatik des Augenblicks war stark. Es ist nicht schwer solche Bilder zu machen, wenn man einigermassen Gefühl für Komposition hat.»
Werner Bischofs Reaktion auf die Publikation
«Erfreulich war die Zusendung der Foodstory in Life und ein Brief von Edward Steichen vom Museum of Modern Art, in welchem er mit Begeisterung von den starken Bildern aus Bihar spricht und mir alle Anerkennung schreibt. Er glaubt, wenn die amerikanischen Senatoren diese Bilder sehen, sie nicht lange um Foodlieferung diskutieren. Nun, die erste Seite ist wirklich stark, die anderen vier hätte ich anders gestaltet. Aber menschlich ist dieser kleine Beitrag, glaube ich, recht wirksam.»

Zwei Wesen auf Durchreise. Sie wissen nicht woher sie kommen, noch wohin sie gehen.
Haben sie überhaupt etwas miteinander zu tun? Waren sie jemals glücklich? Ein Führer fehlt.

Die Schönheit spielt eine zentrale Rolle, selbst in einem der ärmsten Länder der Welt, in Mali, boomt dieser Markt. Besonders vor wichtigen Festen wie Ramadan, Neujahr, Hochzeiten, setzen die Frauen Wert darauf, ihre Frisur zu erneuern, die Hände pflegen zu lassen, ein neues Kleid zu kaufen und nehmen sich dafür alle Zeit der Welt.

Die Vielfalt und Kreativität der Frisuren ist enorm, Trends kommen und gehen. Dieselben Abläufe wie bei uns. Auch in Mali wird darüber diskutiert, ob junge Mädchen, die einen String und tief geschnittene Hosen tragen als zu kokett erscheinen.
In Mali lassen sich viele Frauen die Haut bleichen, denn hell gilt als edel und vornehm. Bei uns in Europa hingegen ist “gesunde” Bräune angesagt. Dort werden Haare gestreckt und glatte Haarteile aufgenäht, hier werden Haare geschnitten und gar immer noch dauergewellt.

Dieselben Abläufe basieren auf einem anderen kulturellen Hintergrund, angetrieben durch andere Ideale, die sich einander – so habe ich den Eindruck – langsam anzunähern scheinen.

1517 erschütterte Martin Luther mit seinen 95 Thesen die Macht der katholischen Kirche. Sein Auftreten löste grundlegende Veränderungen des christlichen Glaubens aus. Die Reformation prägt heute nicht nur die kirchlichen Gemeinden, sondern auch den Alltag in vielen Teilen Deutschlands, Europas und der Welt. Auf seiner Suche nach der Präsenz des Protestantismus ist Jörg Gläscher Menschen und Landschaften begegnet, in denen die Ideen Luthers lebendig geblieben sind. Das Fotoprojekt lädt ein zum Nachdenken über die religiösen Wurzeln zentraler Werte, auf denen der Zusammenhalt unserer Gesellschaft beruht.

Herstellungsjahr: 2016

Losing Ground erzählt die Geschichte von verlorener Landschaft, Erinnerung und Identität, die der Bau des Spring-Grove-Damms durch die südafrikanische Regierung im Jahr 2013 zur Folge hatte. Kay hält mit seinen Bildern das Verschwinden von kurvigen Strassen, vertrauten Plätzen und intensiven Erinnerungen. Diese dokumentarische Arbeit, die Land, Familie und Freunde verbindet, soll die Bilder zu einem Ersatz dessen machen, was sie nicht darstellen können. Denn die vergängliche Fotografie kann weder Vergangenheit noch Gegenwart festhalten. (John Fleetwood)

Aus Anlass von 20 Jahren Bieler Fototage wurden drei junge Festivals (Fotopub (SI), Goa Photo (IN), Joburg Photo (ZA)) eingeladen, sich an der Programmgestaltung zu beteiligen.

In Zusammenarbeit mit Joburg Photo (ZA).

Herstellungsjahr: 2012-2014

Für Ingrid Wildi ist der Videofilm ein unmittelbares Medium, das es ihr erlaubt, dem anthropologischen Blick und dokumentarischen Format zu folgen, die ihre Arbeit seit mehreren Jahren charakterisieren. Die Serie “Los Invisibles” lässt fünf kolumbianische Immigranten zu Wort kommen, die seit mehreren Jahren inoffiziell in der Schweiz leben. Sie antworten auf Ingrid Wildis Fragen und zitieren so die Gründe ihrer Auswanderung und die Bedingungen, in denen sie leben. Durch eine dialektische Montage zeigt die Künstlerin die Realität der Sans-Papiers und vergrössert die Tragweite der Zeugnisse. Wie um ihre Anonymität zu wahren, ist der Ausschnitt auf den Rumpf der Personen gerichtet und spart deren Gesichter aus. In Wirklichkeit zitiert diese Fragmentierung des Körpers zum einen die Existenz, da die Künstlerin die Personen zeigt, die sie befragt, und zum andern eine Form der Abwesenheit, da die Personen ohne ihre Gesichter ihrer Identität beraubt sind. In diesem Prozess liefert der Titel völlige Paradoxie. Indem Wildi die Personen filmt, ohne sie zu identifizieren, zeigt sie das Unsichtbare und unterstreicht so die Diskrepanz, in der die Sans- Papiers leben: sie existieren, aber wir sehen sie nicht, sie leben unter uns, aber sie haben kein Recht auf eine soziale Identität.
Das Ausschliessen der Gesichter veranlasst den Betrachter auch, sich auf die Stimmen und die Körpersprache zu konzentrieren. Gestik, Intonation und Details, die diese Immigranten manifestieren, sagen nicht nur etwas über ihre Situation aus, sondern suggerieren auch Ängstlichkeit, Machtlosigkeit und Zerbrechlichkeit angesichts ihrer Notlage. “Erkennen Sie einen Immigranten auf der Strasse?” Die Antworten auf diese Frage zeigen das scharfe Bewusstsein, dass die Sans-Papiers dafür haben, dass sie nicht der Norm ihres Gastlandes entsprechen, dass sie aus dem Gewöhnlichen herausfallen und, paradoxerweise, dass sie sichtbar sind. Die Farbe ihrer Haut, ihre Art zu sprechen und sogar zu gehen, scheinen sie zu verraten und drücken wider ihren Willen ihre Identität aus. Der Fragmentierung der Körper entspricht die Zerlegung der Zeugnisse: ein subtiler und im Voraus bedachter Schnitt kettet die Aufnahmen aneinander, und die Stimmen scheinen sich zu antworten, sich zu unterbrechen und zu ergänzen. Am Ende der Intervention erscheint dann eine Botschaft, die die markanten und bei der Erfahrung der Illegalität immer wiederkehrenden Themen hervorhebt. Die Dialektik der Fragmentierung bewirkt so eine Umwandlung, die zu einem Kollektiv- und Universal-Zeugnis führt, als Sinnbild für die Situation der Sans-Papiers in der Schweiz wie in der restlichen Welt. (Anne Froidevaux)

Herstellungsjahr: 2007

Der Blick, den Britta Rindelaub auf Menschen, Dinge und Ereignisse richtet, orientiert sich an ausgesprochen banalen Wirklichkeiten. Sie reduziert diese Wirklichkeit auf das Wesentliche, und wir vermeinen im ersten Moment, das im Bild Gezeigte zu erkennen, aber im nächsten Moment entzieht «es» sich auch schon wieder. Was eine Fotografie wiedergibt – den durch das Licht übertragenen Abdruck der Welt – wird neu dargestellt mit den Mitteln einer Bildästhetik, die über den Wert des rein Dokumentarischen hinausgeht. Sicher dokumentiert diese Fotografie auch, aber sowohl für sich selbst als auch für das, was sich in ihr spiegelt. Zwar liegt die Essenz der Realität in der Fiktion, auf der anderen Seite aber nährt sich das Fiktionalisierte einzig und allein von der Wirklichkeit. Das eine (die Realität) und das andere (die Fiktion) sind untrennbar miteinander verknüpft. Die Fotografie ist die Oberfläche, auf der Ereignis und Darstellung des Ereignisses, Chronik und Erzählung, Autobiographie und erfundenes Leben zugleich stattfinden. Dabei ist jeder dieser Begriffe nie etwas anderes als das Substrat seines – scheinbaren – Gegenbegriffs.

Hervé Laurent

Liquid Panic wirft einerseits einen Blick auf die Arbeit Der Lauf der Dinge des Künstlerduos Fischli/Weiss, andererseits ist das Video ein Remake von Pulp Fiction. Die Bilder wurden in ländlichen Gegenden der Schweiz aufgenommen, fast überall ist Wasser im Spiel. Das in einer neuen Installation gezeigte Video lässt uns in die geheimnisvolle Welt von Augustin Rebetez eintauchen. Die Flüssigkeit ist der Antrieb, die um sich spritzt und laute Lo-Fi-Rhythmen produziert. Die nervösen, humorvollen, überströmenden Aufnahmen haben mit ökologischen Fragen oder fortschreitenden Ökokatastrophen nichts zu tun. Sie widmen sich vielmehr den zerstörerischen Trieben, den mentalen Anfechtungen oder einer bestimmten Form der Obsession, denen der Mensch ausgesetzt sein kann.

Herstellungsjahr: 2018

Während 27 Jahren hat Iren Stehli die in Prag lebende Zigeunerin Libuna und ihre Familie mit ihrer Kleinbildkamera begleitet.

Zu Beginn ihrer Auseinandersetzung mit Fotografie hat Iren Stehli in Libuna Sivakova nicht nur eine Freundin, sondern auch ein Thema gefunden. In neugieriger Zurückhaltung ist sie den Besonderheiten einer ebenso unvertrauten wie faszinierenden Existenz nachgegangen. Was sie daran bewunderte, zeigen ihre Aufnahmen in überzeugender, weil vielschichtiger und nie überrumpelnder Anschaulichkeit: Wärme, Zähigkeit, Überlebenswille, Erotik, Kampf, das Bedürfnis nach Schönheit, Verspieltheit, Solidarität. Nahezu unmerklich hat sich solche Schilderung jedoch im Laufe der Zeit zu einer existenziellen Aufgabe verdichtet: zur Suche nach der Essenz des Lebens.

Das offene Geheimnis dieser Suche besteht darin, dass sie jedes Pathos vermeidet. Auch dann, wenn es um grosse Gefühle geht, und um jene menschlichen Kräfte, die imstande sind, Werte zu setzen: Glaube, Liebe, Hoffnung.

Wesentlich ist dabei, dass Iren Stehli ihre fotografischen Ansprüche uneingeschränkt in den Dienst solcher Eindringlichkeit stellt. Keine ihrer Aufnahmen läuft Gefahr eitler Autorschaft. Im Gegenteil: Iren Stehli diszipliniert ihre lakonische Warmherzigkeit, ihren Sinn für auch queren Humor und ihren bildgestalterischen Reichtum bewusst und konsequent, um die Nähe und Offenheit der erzählerischen Situation nicht zu gefährden. Auf solche Weise entsteht der Eindruck einer beiläufigen, ja selbstverständlichen Unmittelbarkeit, die indessen das Resultat einer künstlerischen und fotografischen Position ist.

Martin Heller, Auszug aus dem Text zum Buch «Libuna. Das Leben einer Zigeunerin in Prag», Scalo 2005

In den 1960er- und 1970er-Jahren erlebte die Schweiz eine Episode innerer Konflikte: den Unabhängigkeitskampf im Kanton Jura. Während dieser Zeit erlitt das Land mehrere “terroristische” Angriffe des Béliers, einer separatistischen Gruppe, die mit komischen, absurden und fast immer gewaltfreien Aktionen für ihre Sache kämpfte. Diese Arbeit erforscht das bedrückende, fast kriegerische Territorium des Juras auf der Suche nach den Spuren dieses Kampfes und folgt einigen der Aktionen des Béliers. Die Inszenierungen, die von den ursprünglichen Protagonisten aufgeführt werden, sind eine Hommage an den politischen Aktivismus der Béliers: humorvoll, ja sogar ein wenig verrückt.

Herstellungsjahr: 2012-ongoing

Die Künstlerin Rebekka Friedli arbeitet in ihren Performances mit ihrem eigenen Körper. Beim Festival werden zwei ihrer audiovisuellen Werke ausgestellt. In der Videoarbeit mit dem Titel Leveza ist ein nackter Körper zu sehen, der von oben aufs Meer hinabblickt. Zusammengerollt wie ein Stein verschmilzt der Rücken der Künstlerin mit der Landschaft, richtet sich langsam auf und gibt nach und nach seine menschliche, weibliche und organische Gestalt zu erkennen. In der Abenddämmerung mit leichtem Dunst und in pastellfarbenen Tönen tritt die «Körper-Skulptur», die immer deutlicher zum Vorschein kommt, mit der sie umgebenden Landschaft auf intime Weise in einen Dialog und wird dabei von der Wellenbewegung begleitet. Ein poetischer Dialog zwischen dem inneren und dem äusseren Universum, zwischen dem Körper und der Materie, zwischen dem Lebenden und dem Leblosen. Touching myself, das zweite Video der Künstlerin, das auf einem Bildschirm gezeigt wird, behandelt die Beziehung des Menschen mit seinem Körper und seiner Erscheinung. In einer Nahaufnahme berührt Friedli langsam ihr Gesicht mit ihren eigenen Händen, die es wie einen Fremdkörper abtasten. In einer Gesellschaft der Bilder hinterfragt ihr Werk die Beziehung zu sich selbst und seiner Darstellung.

Unterstützt von: Burgergemeinde Bern / Stadt Bern

Herstellungsjahr: 2021 & 2017

Herstellungsjahr: 2021

«Letters from Utopia» (Briefe aus Utopia) ist eine dokumentarische Fotorecherche, die Gruppen untersucht, welche die menschliche Lebensdauer extrem verlängern oder sogar unsterblich werden möchten. Für das Projekt besuchte Daan Paans fünf unterschiedliche Bewegungen und deren wichtigste Vertreter, die an eine utopische Weltordnung glauben. Unzählige Menschen waren schon fasziniert von der Idee eines unendlichen Lebens und damit letztlich von der Überwindung der (eigenen) Sterblichkeit. Im Sinne eines Leitmotivs liess sich Paans leiten von der Frage, die sich er und die von ihm portraitierten Personen unablässig stellen: Lang lebe die Unsterblichkeit?!

Herstellungsjahr: 2012

1991, nach dem Ende des Kalten Krieges und der Auflösung der Sowjetunion, wurde die Ukraine schließlich unabhängig. Im Jahr 2014 führte die ukrainische Revolution zur Annexion der Krim durch Russland und zum immer noch anhaltenden Krieg im Donbas. Let Us Not Fall Asleep While Walking beschreibt den psychologischen Zustand eines Landes, das versucht, seine Zukunft aufzubauen, während es durch seine Vergangenheit und sein kollektives Gedächtnis belastet bleibt. Bilder sind metaphorische Darstellungen des Alltagslebens, in denen die Zeit eingefroren scheint, die Träume von Hoffnung aber fortbestehen.

Herstellungsjahr: 2017

Michel Le Belhomme beschäftigt sich mit der Darstellung und Darstellbarkeit der Landschaft und dem Bezug zum Raum. Die Serie bietet mit ihrer strukturellen und analytischen Herangehensweise einen peripheren Blick, der spielerisch verzerrt wird durch hybride und mutierte Formen. Verlagerungen und Tangenten bewirken ein Umdeuten der fotografischen Selbstreferenz. Durch die gestörte Kollision mit der rohen Wirklichkeit wird ein Überwinden von unmittelbarer Betrachtung und schwindelerregender Virtuosität angestrebt. Bilder von Bildern, Darstellungen von Darstellungen schaffen so eine Dialektik, die zwischen intensiviertem und ausgelöschtem Subjekt schwankt.

Herstellungsjahr: 2012-

Die Dorfbewohner von Fiesch, stark von Natur und dem mit ihr verbundenem Tourismus abhängig, arrangieren sich mit Gott, den Berggeistern und wissenschaftlichen Projekten, ohne dass das Eine das Andere ausschliesst. Ziel ist einzig die Erhaltung ihrer Identität, ihrer wirtschaftlicher Situation, den Kern ihrer Existenz: Der grosse Aletschgletscher.In diesem Tal vereinigen sich Mythos, Wissenschaft, Ökologie und Tradition zu einem unerschütterlichen Schritt in Richtung Zukunft. (AKS)

Herstellungsjahr: 2015

Heute ist Lesen eine Tätigkeit, die in Konkurrenz steht zu zahlreichen digitalen, sozialen und kulturellen Plattformen, deren Ziel es ist, möglichst viel Aufmerksamkeit zu generieren. Das Lesen ist zu einer immer stärker immateriellen, zeitlich und räumlich fragmentierten Tätigkeit geworden. In seiner Fotoserie mit dem Titel Lectures stellt Olivier Suter Kinder in den Mittelpunkt, die in Bücher vertieft sind, welche die Geschichte der Menschheit geprägt haben. Werke, die bereits zum Zeitpunkt ihres Erscheinens unsere Beziehung zur Welt und zu anderen Menschen durchleuchteten. Durch seine Bilder erforscht der Künstler den Einfluss, den Schriftstellerinnen, Denker und Philosophinnen noch heute auf unsere Gesellschaft haben können. Dank der Zusammenarbeit mit der Stadtbibliothek werden die Fotoporträts von Toninhalten begleitet, die Auszüge und einen kurzen Kontext zu den Büchern auf den Bildern bieten.

Unterstützt von : Kanton Freiburg / Forum für die Zweisprachigkeit / Collaud & Criblet

In Zusammenarbeit mit Stadtbibliothek.

Herstellungsjahr: 2020-2023

Die Bilder von Marlous van der Sloot laden den Betrachter in die immateriellen Welten der Gefühle und Emotionen ein. Sie suchen die menschliche Seele, da die verschärfte Rationalisierung der modernen Gesellschaft einen Bruch mit der Unmittelbarkeit des Realen erzeugt hatte. Es scheint als sei es van der Sloots Aufgabe, durch Methaphern und Phoesie uns mit unseren verlorenen Sinnen wieder zu verbinden.Marlous van der Sloots Geschick für Methaphern und Poesie, verwendet sie als kraftvolles Instrument um uns in ein Universum von raffinierten Bildern zu entführen, deren Elemente kollidieren, um uns in Resonanz des Primitiven und der Urbilder zu stossen. Indem sie ihre Modelle in unpassenden Körperhaltungen und Posen fotografiert, erzeugt sie eine unheimliche und entfremdende Atmosphäre.

Herstellungsjahr: 2008-2012

The Long Watch

Was schaut er sich an?
Wer beobachtet Sie?
Das Fernrohr verkörpert die Doppelbrennweite dieser Fabel des Verlangens und der Kontemplation.

Anhand verschiedener Strategien und Ansätze, darunter Dokumentarfilm, Performance, Schaffung von Objekten und Erzählung, schafft Camille Aleña Verbindungen zwischen verschiedenen Bereichen (Musik, bildende Kunst, Übersetzung, Ethnologie usw.) und verschiedenen Praktiken. In der 25. Ausgabe des Festivals möchten die Künstlerin und der Künstler Sylvain Menétrey den zweiten Teil ihrer Performance, die im Mai 2021 beim Festival durchgeführt wurde, realisieren. Vor einem Computerbildschirm liegt eine Musikerin. Sie spielt mit einer selbst gefertigten Lockpfeife die Arkadien, um den seltenen, fast ausgestorbenen Vogel, die Grauammer, in einer ihrer letzten Hochburgen im Kanton Waadt, dem Champ Courbe, zu rufen. Im Lokal-int wird ein direkt gefilmtes Bild des Champs Courbe übertragen und animiert die Zuschauerinnen und Zuschauer dazu, dem seltenen Vogel aufzulauern.

Herstellungsjahr: 2021-2022

Die Bilder sind Teil einer Serie, die 2005 im Rahmen einer Lanparty als freie Arbeit entstanden ist. Auf einem meiner täglichen Wege fiel mir eine Gruppe orientierungsloser Jugendlicher auf. Ich folgte ihnen und landete staunend in einer grossen, dunklen Halle voller Monitore.

Mit 16 Jahren interessierte ich mich für Mofas, träumte von einem “Puch-Maxi ” und von Mädchen. Doch was bewegt heute hunderte junger Männer dazu, sich für vier Tage und drei Nächte in einer riesigen Halle einzuschliessen, vor vernetzten Computern zu sitzen und fast ohne Schlaf und mit dem Lieblings-Junk-Food ausgerüstet in stickiger Luft zu gamen? Kaum ein Mädchen weit und breit… Abgeliefert von den Eltern und nach vier Tagen wieder eingesammelt, was nötig ist wegen des ganzen Equipments: Monitore, getunte PC-Terminals mit Wasserkühlung, Schlafsack bis und mit Minikühlschrank – dies alles passt kaum auf ein Mofa.

Die Porträts entstanden im Anschluss an die Siegerehrung, als die übernächtigten Computerfreaks sich auf den Heimweg machten. Ich entschied mich, die Aufnahmen vor einem schweren schwarzen Vorhang zu fotografieren, der die Computerwelt während der vier Tage und drei Nächte von der Aussenwelt abschirmte.

Das Museum Schwab wird zur begehbaren Kamera. Linsen, Blenden und Spiegel projizieren die Stadt als raumfüllende, flüchtige Lichtbilder. Beeinflusst von Tageszeit und Wetter entsteht ein Roadmovie, das nicht vorankommt und sich trotzdem bewegt.

Im fotografisch-räumlichen Dialog entwickeln walter-feger-spehr Projekte, die über die Grenzen industrieller Medienformate führen und die Schnittstellen sinnlicher Wahrnehmung und mentaler Konstruktion erlebbar machen.

Denn hinter den Augen beginnt die unsichtbare Landschaft des Sehens. Wenn im Körper die Neuronen feuern, verbinden sich Wirklichkeit und Erinnerung, werden Erlebnis und Erlebtes eins.

Guadalupe Ruiz realisiert seit mehreren Jahren Arbeiten in Form von Bildinventaren, die sie zu Enzyklopädien zusammenfasst. Dieses Vorgehen hat sie entwickelt, um die Welt und die Gesellschaft, in der sie lebt, analysieren zu können. 2015 vollendete sie die Kleine Fotoenzyklopädie, ein Werk mit 645 Bildern (schwarz-weiss und farbig), die sie im Alltag zusammengetragen und in 37 verschiedene Kapitel eingeteilt hat: Hunde, Vasen, verschiedene Backwaren, ein revolutionäres Manifest, Porträts ihrer Cousine, Objekte aus dem Elternhaus etc. Um ihre Installation im Kunstraum Juraplatz einrichten zu können, hat Guadalupe Ruiz das Bildinventar, das sie in der Wohnung ihrer Eltern angefangen hat, weiterentwickelt. Ein Versuch, das zu reproduzieren und zurückzuerlangen, was mit der Zeit verloren gehen könnte.

Herstellungsjahr: 2018-2019

Menschenleere Ebenen, in Nebel getauchte Landschaften und verlassene Behausungen als einzige menschliche Spuren… Maria Trofimova liefert eine einschlägige Bildwelt und taucht uns in ein postapokalyptisches Klima, das uns an Filme aus dem Genre oder an Videogames erinnert. Mit ihrer 2007 realisierten Bildserie “La Horde” (Die Meute) präsentiert sie uns die Vision einer Welt, in der einzig die Hunde überlebt haben. Ihre Silhouetten heben sich wie Geister vom aufscheinenden Licht ab. Gelenkt von ihren Bildkompositionen gleitet unser Blick von Naturpanoramen ohne klar umrissenen Horizont und mit kaum wahrnehmbaren Bildelementen, die an Traumbilder erinnern, über in deutlichere Ansichten dieser mysteriösen Protagonisten. Maria Trofimova scheint den Tieren auf ihren unkoordinierten Gängen von einer Ruine zur anderen zu folgen, die Hunde scheinen die verlassenen Behausungen in Besitz zu nehmen. Die Serie bekommt dadurch etwas Zusammenhängendes, Umfassendes. Die Hundemeute wird gleichzeitig zum Subjekt und Richtwinkel des Blicks der Fotografin, als möchte die Meute uns eine andere, eine von ihr selbst gewählte und geschaffene Wirklichkeit zeigen. Mit “La Horde” hat die Fotografin die Grundlagen gelegt für eine allgemeiner ausgerichtete Arbeit, welche es ihr ermöglicht, die fragilen Grenzen der Fotografie zwischen Fiktion und Realität auszuloten, zwischen, wie sie sagt, “irrtümlicher Dokumentation und unbeabsichtigter Fiktion”. Was sie daran interessiert: Fährten zu verwischen, keine zeitlich-räumlichen Ansatzpunkte zu liefern. Sie bringt die Betrachterin, den Betrachter dazu, den Weg “gegen den Strich” zu gehen und konfrontiert sie, ihn mit der eigenen Phantasie oder den eigenen Träumen. Das letzte Wort in den Bildern, in der Geschichte hat somit die Betrachterin, der Betrachter. (Marie DuPasquier)

Herstellungsjahr : 2007

Die «Diagonale Aride» ist ein geographischer Raum in Frankreich, der sich von den Ardennen bis ins Cantal am Fusse des Massif Central erstreckt. Der Begriff inspiriert sich an der Bezeichnung «Diagonale du Vide», die der Geograph Roger Béteille in seinem Buch «La France du Vide» verwendete, um eine Reihe von Regionen zu beschreiben, die unter einer starken Landflucht leiden.Meine Arbeit im Gebiet dieser «Diagonalen Aride» wurde angestiftet vom Bedürfnis, den Wahrheitsgehalt dieser Bezeichnung nachzuprüfen. Ich habe mich dazu entschieden, mich auf ein paar historische Stätten oder geographische Orte zu konzentrieren, die stellvertretend für die Region stehen. Die Reise hat mir gezeigt, dass diese «trockene Diagonale» im Vergleich zum übrigen Frankreich tatsächlich ihre Besonderheiten aufweist. (BS)

Herstellungsjahr: 2013-2014

Meteorologische Ereignisse im Weltall wie Sonnenwinde oder Asteoroiden schwächen regelmässig die schützende Wirkung der Magnetfelder auf der Erde und beeinflussen die irdischen technologischen Systeme, das Klima und die Wege wandernder Tierarten. La dérive des pôles ist ein Projekt, mit dem der Einfluss der Magnetfelder auf den Wandel irdischer Landschaften untersucht wird. Für ihre gestalterische Recherche stützt sich Vanessa Gandar auf irdische Erhebungen von Seefahrern aus dem Jahr 1650, Forschungsergebnisse des Naturwissenschaftlers Alexander von Humboldt und jüngste Entdeckungen.

Sie hat sich zudem in verschiedene Meteoritenkrater auf der ganzen Welt begeben, um Spuren zu finden, die von diesen magnetischen Phänomenen zeugen könnten. Aus all diesen Reisen sind ganze Produktionen entstanden: ein dokumentarischer Atlas der verschiedenen Formen, fotografische Werke und grafische Experimente, welche die Spuren dieser Phänomene auf geologischer, kultureller und gesellschaftlicher Ebene auf plastische, sensible und technische Weise zum Ausdruck bringen. Die für das Festival geschaffene Installation hinterfragt das Verhältnis des Menschen zum Lebendigen, zur Erde und zum Kosmos.

Unterstützt von: DRAC Grand Est / Région Grand Est

Herstellungsjahr: 2018-2023

Durch eine Zusammenstellung verschiedenartiger Bilder erzählt die Künstlerin von der Konfrontation des Menschen mit den Lebenszyklen und interessiert sich insbesondere für durch die Mutterschaft hervorgerufene Identitätsveränderungen. Ihre in einer Installation zusammengestellte Serie von Bildern und Objekten hält die Ambivalenz eines fragilen oder völlig veränderten Alltags fest: ein enges und unaufhörliches Zusammenspiel von Leben und Tod, Angst und Zärtlichkeit, Verzückung und Besorgnis, Magie und Frustration. In ihrer visuellen Sprache vermischen sich Kindheitserinnerungen mit Tierfiguren aus Träumen oder Fantasievorstellungen, die das «Wilde» heraufbeschwören. Die runde Form taucht immer wieder auf. Sie ist eine ständige Erinnerung an die ursprüngliche Bauweise, die Form des Bauches, die Form einer Höhle, und nimmt Bezug auf ein Tondo, genauer gesagt auf das allegorische Gemälde desco da parto (Geburtstafel), das aus Anlass der Geburt des ersten Kindes während der italienischen Renaissance angefertigt wurde.

Herstellungsjahr: 2021

Zahllose Portraits des syrischen Präsidenten Bachar el-Assad während des Wahlkampfes.

Herstellungsjahr: 2007

5. September 2003, 18 Uhr
Dauer der Show: ca. 1/2 Stunde
Ort: Stadtkirche Biel, Ringplatz
Ungefähre Anzahl Plätze: 500
In Zusammenarbeit mit: Martina Schwarz, Andreas und Raphael Urweider: Texte / Daniel Glaus: Musik / Sängerinnen und
Sängern des Theaters Biel-Solothurn: Models

Christa de Carouge ist seit 25 Jahren als Modeschöpferin tätig. Aus diesem Anlass organisiert sie in Biel für die Vernissage der Bieler Fototage eine Performance. Sie wird, bevor diesen Herbst das Jubiläumsfest in Zürich steigt, ihre neue Kollektion präsentieren. Die Ästhetik der Stylistin mit Wurzeln in Zürich und Genf ist geprägt von Spiritualität – was gäbe es also für einen idealeren Ort als die Bieler Stadtkirche, um ihre neuen Kreationen zu präsentieren? Dreissig Sängerinnen und Sänger des Theaters Biel-Solothurn, allesamt keine professionellen Models, werden die Kleider- Kreationen zum Leben erwecken. Untermalt wird die Modeshow von Musik, die von Daniel Glaus eigens für diesen Anlass komponiert wurde und auf der Orgel der Kirche vorgetragen wird. Der Schnitt der Kleider, die Wahl der Stoffe (reine Seide) und deren Textur, aber auch die Farben, die Christa de Carouge ausgewählt hat, erinnern an buddhistische Klosterkleidungen, mit denen sich die Modeschöpferin anlässlich ihrer Reisen in den Tibet und nach Japan vertraut gemacht hat. Die weiten Kleider, die Unisex-Tunikas ähneln, sind leicht zu tragen und überzeugen durch die Einfachheit der Formen. Die klar geschnittenen Stoffe leuchten manchmal in feurigem Rot, einer Farbe, die Christa de Carouge neu in ihrer Kollektion verwendet. Die Modeschöpferin lässt sämtliche überflüssigen Gadgets weg und setzt auf reine Formen und Farben. Sie beschränkt sich auf das Wesentliche und reduziert ihre Kollektion auf das dichte und intensive Minimum.

Seit 1986 lebe und arbeite ich im Niederdorf, in der Zürcher Altstadt, als selbständiger Möbelrestaurator. Neben dieser Tätigkeit habe ich schon immer fotografiert. Ungefähr 1994 hat sich die Idee herauskristallisiert, meine nächste Umgebung fotografisch zu dokumentieren.

Über die Jahre habe ich in meinem Quartier jede Gasse und jede versteckte Ecke, die Beizen und die Bars kennen gelernt, aber auch die Bewohner, die Nachtschwärmer und die zufällig Vorbeikommenden beobachtet. Diese Vielfalt von Bekannten, viel Gesehenem und Vertrautem sowie das Unerwartete und Einmalige, das Auftauchen von Freunden in unterschiedlichen Befindlichkeiten, dieses Welttheater, das sich vor meinen Augen abspielt, habe ich versucht, in der Arbeit «Kreis 1» zu dokumentieren.

Christian Schwarz

«Der 1955 geborene Fotograf ist in den alltäglichen und allnächtlichen Situationen stets ein Teil der Realität, die er mit seiner Kamera festhält. Man sieht Menschen jeden Alters, die sich die Freiheit nehmen, jenseits der üblichen Regeln zu leben,… Christian Schwarz beutet seine Umgebung nicht voyeuristisch aus, sondern wendet sich ihr fast zärtlich zu – seine besten Aufnahmen aus diesem unbekannten
Zürich erinnern an Brassaïs nächtliches Paris.»

Wolfgang Jean Stock, Süddeutsche Zeitung

Die Portraits aus Joël Tettamanti’s Studie «Kobo, Lesotho» fokussieren auf Decken (Kobo), die von Leuten aus dem Volksstamm der Basotho, welche die Mehrheit der Bevölkerung in Lesotho (unabhängiges Königreich und Enklave Südafrikas) ausmachen, getragen werden. Die Decken sind nicht einfach nur ein Schutz, sie werden auch anlässlich von Initiationsriten als Geschenke verteilt und dienen dann als soziale Erkennungszeichen. Das distinktive Merkmal wurde im 19. Jahrhundert von den Kolonisatoren eingeführt, im Tausch gegen Tierfelle. Heute sind die Kobos fast gänzlich verschwunden. Tettamanti entschied sich deshalb 2013 dafür, die Decken zu dokumentieren. Was früher eine Nationaltracht war, wird heute – vermutlich eine Folge der Globalisierung – nur noch in ländlichen Regionen getragen und wird wohl schon bald nur noch folkloristischen Zwecken dienen. (HJC)

Herstellungsjahr: 2013

Im oberen Saal der Alten Krone werden experimentelle Fotos zum Thema «Mode-Accessoires» gezeigt. Realisiert wurden die Bilder von zwei Bieler Sekundarschulklassen unter Verwendung einer selbstgebauten Camera Obscura. Das Projekt unter dem Titel «Die Mode aus dem Blickwinkel von Jugendlichen» steht unter der Leitung von Francis Boillat.

„Kamagasaki“ ist der Titel der Fotoserie von Eduardo Cebollero, gleichzeitig ist es der Name eines Quartiers in der japanischen Stadt Osaka. Ursprünglich angelegt, um westlichen Wohlstand und Glamour zu zeigen, ist das Quartier heute, gefangen in seiner Vergangenheit, völlig heruntergekommen und beherbergt seit dem wirtschaftlichen Abschwung des Landes die grösste Ansammlung von Obdach- und Arbeitslosen von ganz Japan. Seither ist das Arbeitsvermittlungsamt zur Schaubühne für vergebliche Hoffnung auf Arbeit und für Phantomtätigkeiten geworden, denen sich die betroffenen Japaner hingeben.

Herstellungsjahr: 2013

In Gösgen steht ein Bauernhof. Wer mit dem Zug daran vorbeifährt und im richtigen Augenblick zum Fenster hinausschaut, sieht dahinter den Kühlturm des Atomkraftwerkes. Harmonisch fügen sich in diesem Moment Hof und Kühlturm in die Landschaft ein. Überall sind Spuren menschlicher Existenz auszumachen. Menschen selbst sind keine zu sehen.

Zugfahrten haben Daniel Rihs stets Gelegenheit geboten zu fotografieren; aufmerksam, aber ohne Absicht. Erst nach und nach richtete er seine Aufmerksamkeit auf diese Zweihundert- fünfzigstelsekunde ziemlich genau in der Mitte zwischen Bern und Zürich.Vor nicht allzu langer Zeit wäre das Bild vom Bauernhof, der vom AKW überragt wird, noch als Symbol für den Gegensatz zwischen Tradition und Moderne gesehen worden. Inzwischen gilt Atomstrom als veraltet und hat wahrscheinlich in der Schweiz keine Zukunft. Spätestens im Jahr 2038, wenn das AKW Gösgen vom Netz genommen wird, steht der Bauernhof nur noch im Schatten eines radioaktiven Industriedenkmals.

Im Internet-Zeitalter machen digitale Spuren verstorbener Personen diese in unserem Alltag omnipräsent und verändern unser Verhältnis zu Trauer und Erinnerung. Rituale rund um den Tod einer nahestehenden Person, die früher im engsten Kreis begangen wurden, werden teilweise in die sozialen Netzwerke verlagert. Je vivrai pour toi stellt dieses wachsende Phänomen, mit dem wir alle konfrontiert sind, nämlich die virtuelle Ewigkeit, bildlich dar. Mit diesem Werk durchforscht Calypso Mahieu Geisterprofile, die in der virtuellen Welt weiterhin Tags, Pokes und Mitteilungen erhalten. Wie digitale Mausoleen werden die Konten von Verstorbenen zu Räumen der Andacht und der Kommunikation mit dem Jenseits, wo Erinnerungen, Bilder und Trauer geteilt werden.

Für den zweiten Teil dieses Projekts, dessen erster Teil im Rahmen der Ausgabe 2018 des Festivals gezeigt wurde, hat die Künstlerin die Bildersymbolik von Trauer und Spiritualität, wie Blumenschmuck, Kerzen oder Weihrauch aufgegriffen, um virtuelle Altare von hybrider Form nachzustellen. Die ausgestellten Stillleben im Übergrossformat verkörpern diese neuen Andachtsräume, die fortan frei sind von räumlichen und zeitlichen Grenzen.

Unterstützt von : Pro Helvetia / Ville de Lausanne

Herstellungsjahr: 2020

Studien zufolge wird Facebook bis 2065 zu einem digitalen Friedhof mit mehr Toten als Lebenden geworden sein. Je vivrai pour toi erforscht diese Geisterprofile von vermissten Personen, die weiterhin tagged, poked und notified werden. Ähnlich wie bei digitalen Mausoleen scheinen diese Berichte ohne Rezipienten Räume der Erinnerung und Kommunikation mit dem Rest der Welt zu werden, in denen Erinnerungen, Bilder und Epitaphien geteilt werden. Das Netz als Allegorie des Jenseits kann weder berührt noch materialisiert werden. Es ist ein unbegrenzter Raum, der jeden unsterblich macht.

Herstellungsjahr: 2017

Dieses Langzeitprojekt hat zum Ziel, Einsiedler aufzuspüren und sich ihnen anzunähern. Nelly Rodriguez findet sie häufig in abgelegenen Bergregionen. Ihre Bilder zeugen von einer wenig bekannten Realität und sprechen Themen wie Einsamkeit und Konfrontation mit dem Anderen, die Wahl einer Lebensform sowie Beziehungen zur Gesellschaft und der Natur an. Dieses laufende Projekt, das zum ersten Mal an den Bieler Fototagen gezeigt wird, zeigt abwechselnd Porträts und unberührte oder bewirtschaftete Landschaften, welche die abgebildeten Menschen umgeben.

Herstellungsjahr: seit 2010

Die Exotik, das Fremdartige, das Unentdeckte, ästhetische Strategien, um zwischen dem 19. Jahrhundert und heute eine Parallele ziehen zu können. Daraus heraus: der Wunsch, über eine aktuelle Situation zu sprechen, aber so, als wäre sie ein unmittelbares Resultat der Vergangenheit. Indem ich von Dingen ausgehe, die in meinem Leben eine Rolle spielen, thematisiere ich einen viel umfassenderen Begriff, nämlich den Neokolonialismus. Ich gehe von einer kleinen, privaten Geschichte aus, um eine die ganze Welt betreffende Problematik angehen zu können – die Machtverhältnisse zwischen dem Norden und dem Süden, Gedanken zum Kapitalismus. Mein Alltag wird von sehr vielen Transaktionen, von weltweitem Austausch und weltumspannenden Beziehungen bestimmt. Ohne Globalisierung wäre ich nicht der, der ich bin. (YH)

Herstellungsjahr: 2013

Seit 10 Jahren bereist Markus Bühler-Rasom Grönland. Das Land und die Menschen sind für ihn zur zweiten Heimat geworden. Dort hat er die so gennanten Inuits, die über die gesamte Arktis verbreiteten Eskimos, kennengelernt.

Die Inuit im Norden Grönlands leben schon lange nicht mehr in Iglus. In ihren Häusern gibt es Ölheizungen, Fernseher und Telefone. Obwohl das Leben in den Dörfern und Städten Grönlands mit einigen Einschränkungen demjenigen in Europa ähnlich ist, sorgt das arktische Klima für eigene Bedingungen. Die Grundnahrungsmittel der Thule Eskimos sind Robben und Fisch. Da Grönland ausser den heimischen Tieren keine Nahrungsmittel bietet, muss alles andere ins Land importiert werden. In den langen Wintermonaten ist die Versorgung oft sehr schwierig, lange Stürme machen Flüge fast unmöglich. Keine Ortschaft ist mit der anderen durch eine Strasse verbunden. Noch heute sind der Seeweg im Sommer und die Hundeschlitten im Winter die Haupttransportmittel. Die Inuit müssen also, um genügend Essen zu haben, zur Jagd fahren. Sie leben die Jahrhunderte alte Tradition nicht um ihrer selbst willen, sondern sind durch die arktischen Umstände gezwungen, die bewährte Form der Ernährungsbeschaffung beizubehalten. Gleichzeitig entwickelt sich eine moderne Gesellschaft – für manche, vorab junge Inuit eine Zerreissprobe, die sich am deutlichsten im hohen Alkoholkonsum zeigt. Das Volk in der Arktis wird auf ewig dem harschen Klima ausgesetzt bleiben. Der Verlust der Tradition würde unweigerlich das Ende der Thule Kultur bedeuten.

Michel Le Belhomme beschäftigt sich mit der Darstellung und Darstellbarkeit der Landschaft und dem Bezug zum Raum. Die Serie bietet mit ihrer strukturellen und analytischen Herangehensweise einen peripheren Blick, der spielerisch verzerrt wird durch hybride und mutierte Formen. Verlagerungen und Tangenten bewirken ein Umdeuten der fotografischen Selbstreferenz. Durch die gestörte Kollision mit der rohen Wirklichkeit wird ein Überwinden von unmittelbarer Betrachtung und schwindelerregender Virtuosität angestrebt. Bilder von Bildern, Darstellungen von Darstellungen schaffen so eine Dialektik, die zwischen intensiviertem und ausgelöschtem Subjekt schwankt.

Herstellungsjahr: 2014

Der Fotograf Pierfrancesco Celada hat acht Jahre lang in Hongkong gelebt. Von 2016 bis 2021 fotografiert er tagtäglich einen öffentlichen Frachthafen im Westen der Insel, der bei zahlreichen Instagrammern, Fotografinnen und anderen Personen beliebt war, um Selfies und Fotos zu schiessen, auf denen sie sich vor dem Hintergrund des Hafens in Szene setzten. Mit der Zeit bemerkte der Fotograf Wiederholungen in seinen eigenen Bildern und in jenen der anderen, wie auch bei den gestellten Posen vor diesem überraschenden Hintergrund. Der Hafen fungierte als Treffpunkt zwischen der realen und der virtuellen Welt. Die Menschen kehrten oft mehrmals dorthin zurück, um erneut Fotos zu machen, die jenen ähnlich sind, die sie bereits gemacht und gepostet haben.

Der Fotograf schaffte auf Instagramm eine Ausstellung mit seinen Bildern. Im März 2021 wurde sein Projekt aufgrund der Schliessung des Hafens durch die Behörden gestoppt. Deshalb hat er einen Online-Hafen geschaffen, um in der virtuellen Welt einen neuen Raum des Ausdrucks bereitzustellen. In Biel wird sein Projekt, das die Macht des Digitalen in Kontexten hinterfragt, in denen die bürgerlichen Freiheiten in Frage gestellt werden, durch ein interaktives Angebot am Seeufer ergänzt : #instagrampierbiel.

Mach ein Foto und poste es mit dem #instagrampierbiel:

• Pilier de l’amour – Liebessäule Nidau (Schlossstrasse 25, 2560 Nidau) : 47°07’47.9″N 7°13’51.5″E
• Rue du Débarcadère – Ländtestrasse (Weg am See) : 47°07’59.9″N 7°13’56.0″E

Unterstützt von: Jura Drei-Seen-Land Biel Seeland

Herstellungsjahr : 2016-2021

Aus der Luft zeigt sich Tokio als endloses Häusermeer, aus dem nur die Hochbauten der Geschäftszonen wie Inseln herausragen. Die Stadt gleicht einer zufälligen Ansammlung zahlreicher Gross- und Kleinstädte, welche durch Eisenbahnlinien miteinander verbunden sind. Die Bahnhöfe bilden deren Zentren. So hat Tokio im Vergleich zu westlichen Städten, die oft einen bestimmten Strassenraster oder städtebaulich wichtige Achsen und Plätze aufweisen, keine leicht erkennbare Ordnung. Eine freie Baugesetzgebung, kleine Parzellengrössen und ein radikaler, unsentimentaler Erneuerungswille führen zu einer baulichen Vielfalt, die ein homogenes Stadtbild verunmöglicht.Die verheerenden Brandkatastrophen nach dem Erdbeben von 1923 und den Bombardierungen von 1945 sowie wirtschaftliche Profitoptimierung sind dafür verantwortlich, dass heute nur wenige Häuser über 60 Jahre alt sind. Deshalb wird die Geschichte Tokios nicht von Gebäuden, sondern von den noch vorhandenen Flüssen und Kanälen erzählt. Seit 1964 wird am Netz des «Tokyo Metropolitan Highway» gebaut. Diese Stadtautobahn ist wegen Raumknappheit als Hochbau auf Stützen mehrheitlich über die einstigen Wasserverkehrswege gelegt worden. Durch ihre Höhe und ihre Länge von 220 km ist sie räumlich omnipräsent.

Wie die Stadt in ihrer Struktur sind auch die Gebäude in ihrer äusseren Erscheinung – mit Ausnahme von neueren Hochhäusern – nicht auf Repräsentation ausgerichtet. Da sich das Hauptaugenmerk der BewohnerInnen auf das Hausinnere, das Private richtet, wird der Gestaltung der Gebäudehülle wenig Beachtung geschenkt. So richtet sich die Position und Grösse der Fensteröffnungen oft nach den inneren Bedürfnissen. An den Fassaden werden ganz pragmatisch auch Klimageräte, Rohre und Leitungen angebracht.

Seit 2019 arbeiten Giorgia Piffaretti und Sophie Wright immer wieder zusammen, indem sie Fragmente (Bilder, Notizen, persönliches Archivmaterial) sammeln und damit vielfältige narrative Konstellationen zusammenstellen. Die Untersuchungen gehen oft von einem statischen Ausgangspunkt aus, entwickeln sich dann experimentell in unterschiedliche Richtungen und zeigen sich beispielsweise als lecture performance oder Multimedia-Installation. Im Zentrum ihrer gemeinsamen Arbeit steht die spekulative Erzählung von Bildern.

Ausgehend von einem Familienfoto, das auf dem Gipfel des Mont Blanc aufgenommen wurde, löst die Arbeit In Vetta eine Lawine von kollektiven Assoziationen aus. Der höchste europäische Berg wird zur Metapher eines Archivs, das unsere Besessenheit, die Zeit festhalten zu wollen, repräsentiert. Fragen zu Vergangenheit, Sehnsucht, Verlust und Konservierung drängen sich auf und ermöglichen es, die Beziehung zwischen Mensch, Bild und Natur aus verschiedenen Perspektiven neu zu untersuchen.

Das Projekt wurde von Espace Libre ausersehen.

Herstellungsjahr: 2019-

(ongoing research project, 2019 –)

Die interaktive Installation „In the Woods“ von Camille Scherrer entführt den Zuschauer in einen imaginären Wald, in dem sich seine Umrisse mit Schatten von ungewöhnlichen Tieren oder Pflanzen vermischen, sobald er sich einer Lichtquelle nähert. Mit Gestalten, die inspiriert wurden von Scherenschnitten aus dem Pays-d’Enhaut, der Region in den Waadtländer Alpen, aus der die Künstlerin stammt, wird dieser Waldspaziergang in den Innenräumen eines Ausstellungsraums zu einem Unternehmen, in dem sich Städter, denen Natur und Abenteuer fehlen, nur allzu gerne verlieren werden.

Herstellungsjahr: 2012

Isabelle Steiner ist eine junge Basler Künstlerin, die in ihrer Arbeit «in & out» mit Be- und Entkleidungsfantasien spielt. Ihre verschiedenen Modelle sind «verkehrtherum» angezogen, d.h. sie tragen ihre Unterwäsche über der Oberbekleidung. Das «Darunter» wird zur Hülle «darüber». In einer Bilderfolge wird Intimes zu Tage resp. an die Oberfläche gebracht. Der Enthüllungsprozess wird dabei nicht völlig abgeschlossen, es bleibt ein Rest von Scham – und Respekt. Isabelle Steiner vermittelt nicht den Eindruck des Voyeuristischen, das Thema «Dessous» wird vielmehr aus soziologischer Sicht betrachtet, indem sie versucht, die Bezüge herauszuarbeiten, die zwischen unserer Stadtbekleidung, der Unterwäsche und unserer Persönlichkeit bestehen.in & outDie Fotografin konzentriert sich nicht auf jene Kleidungsstücke, die um- und verhüllen, sondern auf jene, die enthüllen, und zwar nicht den Körper selbst, sondern den Charakter der Modelle. Nicht ohne ironische Untertöne stellen sich Frauen und Männer auf eine neue Art und Weise vor, zeigen uns einen Teil ihrer Intimität und stellen damit eine neue Beziehung her zum Gegenüber, die unter die Oberfläche blicken lässt. Der Mensch kann sich hinter einer Kleiderfassade verstecken, Isabelle Steiner macht diese Fassade durchlässig und durchsichtig, indem sie den Blick freigibt auf das, was normalerweise hinter der Fassade versteckt liegt. Das Hinterfragen des Inneren und des Äusseren, des Intimen und des Sichtbaren ist auch ein Hinterfragen der Bekleidung in ihrer Funktion als zweiter Haut.

Nützlicher Führer durch das Flüchtlingslager Calais. Der «Dschungel» ist ein weiträumiges Wohngebiet in den Aussenvierteln von Calais in Frankreich. Es ist umgeben von einem Metallzaun und verfügt über eine Wasser- und Stromversorgung. Über 6000 Flüchtlinge lebten hier einmal unter den gezeigten Bedingungen. In der Zwischenzeit wurde das Lager abgebaut. Wir versuchten uns auszumalen, wie es gewesen sein muss, in diesem Lager zu leben. Hinter dem Werk steckt ein fotografisches Projekt, an dem fast zwei Jahre gearbeitet wurde. Wir haben uns für einen ironischen Zugang entschieden, hatten wir doch genug von der Art der Berichterstattung durch traditionelle Medien und auch viele Fotografen, wir sind der Überzeugung, dass es alternative Sichtweisen und Narrativen braucht.

Herstellungsjahr: 2016

Im Herzen von Biel
Ausstellung Nr. 1, 16 Schülerinnen und Schüler des Oberstufenzentrums Bas-Vallon / St. Imier in Corgémont durchstreifen während eines ganzen Tages die Stadt Biel und realisieren mit ihrer «Camera obscura» Panoramabilder im Format 40×15 cm. Bei ihren Streifzügen stossen die Kinder auf aussergewöhnliche Sujets: Schatten- und Lichtspiele, abwechslungsreiche Linien, Formen und Strukturen. Die Negative wurden von den Schülerinnen und Schülern umgehend vor Ort entwickelt, in einem kleinen Labor in der «Boîte à Images».MMS in der Schule und zu Hause

Ausstellung Nr. 2, 16 Schülerinnen und Schüler des Oberstufenzentrums Bas-Vallon / St. Imier in Corgémont werfen einen scharfen Blick auf ihre Schule (Reportage) und auf ihr Zuhause (Farbkompositionen). Sie schiessen dabei Bilder mit Mobiltelefonen, die ihnen zur Verfügung gestellt werden. Für einmal keine Schule und keine Verpflichtungen…

Rat mal!
Ausstellung Nr. 3, Was wäre, wenn Bilder – wie Wörter – aus mehreren Teilen bestünden? Was wäre, wenn wir Ihnen Bilder zeigen würden, auf denen gewisse Teile abgedeckt wären? Wären Sie noch in der Lage, Ihre Stadt zu erkennen? Kennen Sie die dunklen Seiten Ihrer Stadt? Was macht Sie da so sicher? 23 Schülerinnen und Schüler im Alter von 12 Jahren haben die Stadt Biel fotografiert. Danach wurde ein spezieller Ausschnitt gewählt, manchmal wurden die Bilder auch mit Hilfe des Computers verfremdet. Und der Lehrer kreierte ein einfaches interaktives Spiel daraus, in dem die Bilder immer halb verdeckt erscheinen. Unsere Vorstellungskraft schickt uns auf eine spannende Reise – mit nichts als einer Maus im Reisegepäck… Die Ausstellung wird mittels einer interaktiven Konsole präsentiert.

Sandra Mehl traf Ilona und Maddelena 2015 in einem Arbeiterviertel von Montpellier. Im Alter von 12 und 11 Jahren leben sie in der kleinen Familienwohnung, die sie mit ihren Eltern, Maddelenas Patenonkel, fünf Hunden, vier Katzen und einer Vielzahl von Objekten und Bildern von Indianern und Johnny Hallyday teilen. Die Fotografin folgte ihnen zwei Jahre lang in ihren intimen Momenten, um festzuhalten, wie sie sich in ihrem Alltag während ihrer Adoleszenz transzendieren und selbst konstruieren.

Herstellungsjahr: 2016

Es gibt nichts Bindenderes als ein Tattoo. Von allem kannst du dich trennen, alles kannst du verlieren, dein Tattoo bleibt dir, sofern du es nicht für teures Geld weglaserst, ein Leben lang. Und doch kommen oft Leute ins Atelier und wollen, was alle anderen haben. Irgendein lässiges Müsterli, das grade in ist. Oder sagen: Mach doch einfach etwas, du machst das schon recht.

Abschieben von Verantwortung nennt die Tätowiererin das, wenn jemand sie oder die Mode entscheiden lassen will, was er lebenslänglich auf der Haut tragen wird. Unreif und respektlos. Mit dem eigenen Wesen müsste das Motiv doch zu tun haben, mit dem persönlichen Bewusstsein, der Biografie. Es braucht ja nicht gleich ein buntes Erinnerungsalbum zu werden wie bei jenen wandelnden Gemäldegalerien, die vielleicht einmal klein angefangen haben und dann mit Bildersammeln gar nicht aufhören mögen, bis kein Hautfleck am Körper mehr weiss ist und der Schutzmantel perfekt, auf dass sie sich nie mehr so nackt fühlen müssen wie bei der Vertreibung aus dem Paradies. Wer indes gleich mit einem grossflächigen Motiv beginnt, hat sich meist intensiv mit dem Wie, Warum, Woher und Wohin beschäftigt. Lässt sich von der ornamentalen Ästhetik eines Schwarz-Tattoos auch nicht unbedingt verführen, es einfach als Schmuck zur Schau zu tragen. Mag es sogar eher an Stellen applizieren lassen, wo es normalerweise Kleider verbergen, und trägt es dort mit sich wie einen geheimen Schatz. Denn seine Bedeutung reicht weit über die blosse Zierde hinaus. Als verschlüsselte Botschaft aus dem gemeinsamen Urgrund der Menschheit verbindet es das eigene Dasein mit jenen fernen Welten, wo Tätowierungen von jeher echte Initiationsriten sind.
Margret Mellert, aus der Reportage über die Arbeit der Tätowiererin Jacqueline Spoerle, Neue Zürcher Zeitung vom 25./26.5.2002

Mit dem iPhone in Libyen aufgenommene Bilder. iPhotojournalismus der anderen Art, der den Betrachter dazu bringt, das Ganze anders zu sehen.

Herstellungsjahr: 2011

Im März 2016 hat die Europäische Kommission die Schliessung der «Balkan-Route» veranlasst. Mehreren Hundert der 15’000 in Idomeni festsitzenden Flüchtlinge gelang es aber am 14. März am Nachmittag trotzdem, die von Mazedonien errichteten Stacheldrahtzäune zu überwinden und zum Dorf Moin zu gelangen. Die Flüchtlinge wurden von der mazedonischen Armee festgesetzt und nach Griechenland zurückgeführt. Trotz des Misserfolgs bleibt die gemeinsame Aktion die letzte emanzipatorische und Freiheit einfordernde Äusserung in einem Europa, das sich immer stärker einmauert. Das Video legt Zeugnis ab von diesem illegalen, zum Scheitern verurteilten Grenzübertritt.

Herstellungsjahr: 2016

Jenny Rova spioniert ihrem Ex-Freund und dessen neuer Freundin nach. Sie verfolgt sie auf Facebook und lädt Bilder runter, die diese von sich selbst und voneinander hochgeladen haben. Jenny Rova versetzt sich in die Position der neuen Freundin, imitiert ihre Posen, Ausdrücke und Outfits. Sie fotografiert sich im selben Licht wie auf den Bildern des Paars. Dann klebt sie die ausgeschnittene Figur von sich auf das Originalbild, und überdeckt die Freundin. Auf diese Weise erbaut sich Jenny Rova ihre eigene Traumwelt welche die des Paars überlagert.
Während dem Prozess des Posierens wird Jenny Rova nochmals kurz ein Teil des Lebens ihres Ex-Freundes, kann sich vorstellen, wie es wäre, an ihrer Stelle zu sein.
(Bettina Partl)
Herstellungsjahr: 2010

An den Details dieser bearbeiteten Pressebilder, die so wirken, als sähe man durch ein Fernrohr oder ein Schlüsselloch, schärfen wir unseren Blick.

Herstellungsjahr: 2011

Ein Strommast in einer Wüste, die von einer Strasse durchschnitten wird; ein Autofriedhof, der sich im pflanzlichen Dickicht verliert; Holzstapel, die von einem unwirklichen Nebel ummantelt sind: In seinen Arbeiten entzieht Nicolas Denis der Landschaft ihren Rückhalt – die Welt als solche – und formt sie zum Bild um.

Man sieht, was man sieht, was tatsächlich da ist, und trotzdem werden aus den Bildern visuelle Rätsel. Die Fotos von Nicolas Denis könnten geradeso gut aus einem Hochglanz-Geographiemagazin stammen. Plastische Motive treten hinter Linien zurück, hinter eine Sequenz von geometrischen Ebenen – man spürt einen direkten Bezug zu seinen ersten Panorama-Fotocollagen.Die Landschaften mögen noch so künstlich – die Landschaft ist schliesslich und endlich eine Erfindung – wirken: Immer spricht aus ihnen auch die Leidenschaft, die Nicolas Denis den Landstrichen, die er durchquert, entgegenbringt. Der Mythos des Reisenden aus dem 18. Jahrhundert ist allgegenwärtig: Indem der Fotograf die narrative Virtualität der Landschaften ausleuchtet und sie in ihrem herkömmlichen Zustand festhält, ermöglicht er überraschende Einblicke in versteckte Winkel dieser Welt.

Florence Grivel, Kunsthistorikerin

Herstellungsjahr: 2020

Das Beziehungsnetz zwischen Mensch und Tier ist komplex. Erstaunt über die Tatsache, dass inzwischen mehr Geld für Tierfutter als für Babynahrung ausgegeben wird, begab ich mich auf eine visuelle Reise zur Ergründung dieser Tatsache.

Während meiner Arbeit habe ich verschiedene «Hund-Mensch Beziehungen» beobachtet: Man geht mit dem Liebling an Hunderennen – zum Spass für beide. Man zieht dem Hündchen wie sich selbst einen Regenmantel an – fast wie ein Team. Man hat den Hund überall dabei – und am Abend hat man gemeinsam viel erlebt.

Der Hund hat unendliche Geduld beim Zuhören, wenig eigene Probleme und viel Zeit. Er ist also immer für die Besitzer da.Er wird manchmal mit viel Liebe gehegt und gepfl egt – und sogar zum Coiffeur gebracht. Ist das Kinderersatz?Der neuste Trend: Wellnessferien für beide – mit Pfotennmassage respektive Fussrefl exzonenmassage für Tier und Mensch: Während Frauchen die Füsse massiert werden, sind die Pfoten des Lieblings in den guten Händen einer speziell ausgebildeten Tierfachfrau. Wer nicht ins Wellnesshotel will, kann einfach seinen treusten Begleiter im Hundehotel abgeben. Da gibt es für die Hunde normale Unterkünfte, aber auch Zimmer mit Bodenheizung, Fernsehen, einem Kronleuchter und gekachelten Wänden. Das Hotel kocht für die Hunde pünktlich auf die Minute, wie das für Gäste üblich ist. Geputzt wird jeden Tag und damit sich die Besitzer vergewissern können, dass dies tatsächlich gemacht wird, ist jedes Zimmer mit einer Videokamera ausgerüstet, die mit dem Internet verbunden ist. So kann man seinem Liebling rund um die Uhr online zuschauen, falls die Sehnsucht doch zu gross wird.

Neuerdings gibt es bei uns in den Tageszeitungen Todesanzeigen für Hund und Katze. Der allererste Tierfriedhof in der Schweiz, der sich in Läufelfi ngen am Wiesenberg befi ndet, ist vor drei Jahren eröffnet worden. Die Nachfrage für Gedenkstätten ist gross.

Seit meinen Beobachtungen weiss ich, dass Hund nicht gleich Hund ist.

Franca Pedrazzetti

Mit gerade einmal 22 Jahren reiste Stephen Dock ohne Erfahrung und ohne Auftraggeber in den Mittleren Osten, um dort über die Konflikte und ihre Folgen zu berichten. Zehn Jahre später wirft er einen neuen Blick auf sein eigenes Fotoarchiv aus Syrien und interpretiert es neu. Durch die zeitliche und faktische Distanz zu den Bildern eignet er sich seine eigene Handschrift auf radikale Weise neu an und befreit sie insbesondere durch Versuche und Interventionen von fotojournalistischen Zwängen. Das Ergebnis ist eine Recherche zur organischen Materie des analogen und digitalen Bildes. Zwischen Bildern der Zerstörung und der Zerstörung des Bildes wird mit dieser Serie die ikonografische Funktion und das fotografische Kriegsvokabular grundlegend hinterfragt. Das Projekt Human Interest Stories stellt den Nutzen der Fotografie im weiteren Sinn und den Status des Autors in Frage.

In Zusammenarbeit mit der Kuratorin Audrey Hoareau.

Herstellungsjahr: 2011-2021

Das Video von Mary Maggic zeigt eine fiktionale TV-Show, in der die beiden Animatorinnen und Transfrauen Maria und Maria den ZuschauerInnen vorführen, wie man in der eigenen Küche Hormone brauen kann. Mit viel Ironie erinnert die Arbeit an das Video Semiotics of the Kitchen von Martha Rosler und hinterfragt gesellschaftlich definierte Normen und sexuelle Identitäten, die Darstellung von Sexualität in den Medien, sowie die Schwierigkeiten mit denen Individuen zu kämpfen haben, die sich einer Hormonbehandlung unterziehen. Mit der Küche als Kampffeld spekuliert Mary Maggic über eine Welt mit weniger Diskriminierung und mehr Selbstbestimmung für alle.

Herstellungsjahr: 2017

Das Hotel Viktor ist ein zwölfgeschossiges Gebäude in Most (ehemals Brüx) im Norden Böhmens. Die Zimmer der 4., 5. und 6. Etage sind Personen vorbehalten, die – aus welchen Gründen auch immer – schon seit längerer Zeit obdachlos sind.

Im Jahr 2001 logierte Vanessa Püntener während ihres Aufenthaltes in Most als «regulärer Hotelgast» im Hotel Viktor. Sie schliesst Bekanntschaft mit Rentnern, Arbeitslosen, geschiedenen Familienvätern, aber auch mit «intakten» Familien, die sich ein 16 m2-Zimmer teilen.Die Fotografin beobachtet, wie sich Individuen verhalten, die gezwungen sind, in einem vereinheitlichten, vorgegebenen Rahmen zu leben. Die vom Hotel Viktor zur Verfügung gestellten Zimmer sind vom Grundriss und der Einrichtung her alle identisch. Erst durch ihre Bewohner bekommen die Zimmer ein unverwechselbares und persönliches Gesicht.

Das Schlafzimmer gehört, wie ein Tagebuch, zum Privatbereich. Spiegelt die Art und Weise, wie es hergerichtet und dekoriert wird, die Persönlichkeit jener, die es bewohnen? Durch die Anordnung der Gegenstände bekommt das Zimmer etwas von einem Portrait, oder noch mehr: Der Ort selbst wird zum Portrait.

In ihrem Projekt befasst sich Sabina Bösch mit Frauen im traditionellsten Schweizer Sport, dem Schwingen. „Hoselupf“ ist ein umgangssprachlicher Begriff dafür. Diese Sportart, zu der die Frauen auf Profiebene erst 1982 zugelassen wurden, wird nach wie vor von Männern dominiert. Im Sommer 2019 hat die Künstlerin eine Saison lang bei fünf Turnieren an verschiedenen Orten in der Schweiz Frauen und Mädchen mit ihrem Fotoapparat begleitet. Die Bilderserie in Farbe und Schwarz-Weiss besteht aus Aufnahmen von Schwingerinnen, wo das Geschlecht nicht immer auf den ersten Blick ersichtlich ist.

Die Anordung in Form eines Diptychons, erzeugt einen Dialog zwischen zwei Bildern oder zwei Körpern. Zugleich sinnlich und brutal, vermitteln ihre Fotos einen zeitgenössischen und weiblichen Blick auf eine Kampfsportart und ermöglichen es ihren Protagonistinnen, aus dem Schatten zu treten, in dem sie auch in der heutigen Zeit noch stehen.

Herestellungsjahr : 2021

Berman fotografiert weltweit, ihr Hauptinteresse gilt jedoch der sozialen und politischen Landschaft Amerikas: “Den Grossteil meines Lebens habe ich damit zugebracht, die USA zu bereisen, um den American Way of Life zu verstehen.” Auch in anderen Arbeiten befasst sie sich mit den sichtbaren Spuren, welche Ideologien in der Welt zeitigen: In Megachurches mit den Auswüchsen des Evangelischen Christentums in den USA, in Purple Heart und Marine Wedding mit der Situation von körperlich und psychisch verstümmelten Kriegsrückkehrern. In Homeland widmet Berman ihre Aufmerksamkeit der Militarisierung des Amerikanischen Alltags seit 9 /11. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf das von George W. Bush ins Leben gerufene “Department of Homeland Security”, welches die USA vor Terroranschlägen schützen soll. Berman beobachtet das Treiben ihrer Landsleute mit scharfem Blick. Meistens scheint die Sonne – dennoch ist diese Welt von einer tiefen Traurigkeit geprägt. Die Menschen scheinen in einer hermetischen, surrealen Traumwelt gefangen. Amerikanische Freizeitkultur verbindet sich nahtlos mit Übungen für den Ernstfall. Die Leute am Strand schauen hoch zur Silhouette eines B-2 Stealth Bombers – ein zackiges Loch am Himmel, welches sie beschützen soll. Im Hintergrund eine Werbung fürs Paintball-Schiessen: “with Live Targets”. Angst ist zum Alltag geworden. Der gegenwärtige Grad der Bedrohung wird den Bürgern mit Hilfe von farbkodierten Flaggen angezeigt. Lustig flattert die Gelbe Flagge im Wind: “significant risk”. Angst stiftet Identität. Immer wieder zeigt Berman Kinder und Jugendliche – ihre prägenden Erinnerungen werden aus Kriegsspielen im sonnendurchfluteten Wald bestehen. Das Leben im Ausnahmezustand wird für sie unhinterfragte (und unhinterfragbare) Normalität sein: Homeland. (Simon Stähli)

Herstellungsjahr: 2008

Der Produktionsprozess der Aleppo-Seife ist bereits seit dem Altertum bekannt. Er wurde in der Levante erfunden, in der Gegend um Aleppo, das damals eine der grössten Städte in der Region war. Emmanuel Tussore bildet aus dieser fragilen und knetbaren Materie Skulpturen, die er anschliessend fotografiert. Durch diesen Verarbeitungsprozess wird die Aleppo-Seife zum Symbol für eine brutale zerstörerische Macht. Die Ruinen, die dabei entstehen, erzählen von Fehlen, Verlust, Exil, und beschäftigen sich mit Fragen nach menschlichen Werten. Tussore taucht in die Geschichte ein, um aktuelle Probleme anzusprechen und zeigt eine Weltsicht, in der das Verschwinden eine zentrale Rolle spielt.

Herstellungsjahr: 2017

Nach mehreren Jahren ohne entsprechenden Auftrag wurde ich wieder einmal gefragt, ob ich eine Hochzeit fotografi eren könne. Das erste und zugleich letzte Mal, dass ich eine Hochzeit fotografiert hatte, war Ende der 80er-Jahre in Kroatien. Kurz nachdem ich mich dazu entschlossen hatte, die Fotografie zu meinem Beruf zu machen, fand mein Vater für mich einen kleinen Job für einen Tag: Einer seiner Freunde heiratete. Anfangs war alles schön und angenehm, je später es allerdings wurde, desto mehr liessen sich die Hochzeitsgäste gehen, am Ende liessen sie jeden Respekt vermissen. Was vor meinem Objektiv passierte, entglitt meiner Kontrolle.2003 verheiratete sich ein Freund eines Freundes in der Schweiz. Ich nahm die Herausforderung an, das Ereignis zu dokumentieren, und zwar auf unkonventionelle Art und Weise: Keine Schnappschüsse der Hochzeitsgesellschaft, keine Die-Familie-in-kleinen-Gruppen-in-die-Linse-grinsend-Bilder. Jeder Bildausschnitt war von vornherein festgelegt, und die Hochzeitsgesellschaft war schon beim Aperitiv über das Vorgehen informiert worden. Jede Aufnahme beanspruchte drei Minuten, insgesamt fotografierte ich während zweier Stunden. Es war schon aussergewöhnlich, von jedem Gast für eine gewisse Zeit die volle Aufmerksamkeit zu haben und danach ein Gruppenbild sämtlicher Anwesender zu kreieren, eine Art Hochzeitspanorama.

Goran Potkonjak

Das Photoforum Pasquart bietet für diese Ausgabe der Fototage unter dem Titel Flood der Künstlerin Myriam Ziehli, die von den historisch wiederkehrenden Motiven von Sintflut und Katastrophe ausgeht, eine Carte Blanche an.

«Dies geht von einer sehr einfachen Intuition aus; die Konservierung in der zoologischen Struktur ist nicht ohne die Erinnerung an zwei biblische Parabeln: die von der Arche Noah und davor der Genesis. Tatsächlich stellt der Zoo eine geschlossene Konservierungsstruktur dar und bildet damit eine Form der Arche. Die Dringlichkeit der apokalyptischen Situation in der Parabel erweckt Verbindungen mit aktuellen ökologischen Problemen, einschliesslich des besorgniserregenden Verlusts der biologischen Vielfalt, der durch das sechste große Massenaussterben gekennzeichnet ist. Noahs patriarchalische und hierarchische Autorität über die von ihm ausgewählten und ‚geretteten’ Tiere erinnert an die westliche Frechheit, einerseits die Priorisierung der Schutzmassnahmen zu bestimmen, andererseits festzulegen, wie Tiere als Repräsentanten ihrer Spezies in zoologischen Parks definiert werden.

Schliesslich findet sich in bereits am Anfang der Bibel, in Genesis 1.26, eine Beschreibung der ‚naturalistischen’ Wahrnehmung (nach den vier von Philippe Descola definierten Ontologien), die die umgebende Welt (Umwelt) vom Menschen trennt: ‚Und Gott sprach: Lasset uns Menschen machen in unserem Bilde, nach unserem Gleichnis; und sie sollen herrschen über die Fische des Meeres und über das Gevögel des Himmels und über das Vieh und über die ganze Erde und über alles Gewürm, das sich auf der Erde regt!’

Würden uns diese heute absurd erscheinenden Visionen von der Natur unter der Herrschaft des Menschen erlauben, unser kulturell aufgebautes – und tief verwurzeltes – Selbstverständnis der ‚Souveränität über die Natur’ zu hinterfragen?»

Likes, Retweets, Followers und Friends bauen ein Wertesystem auf, das auf Popularität basiert. In High Retention, Slow Delivery untersucht Constant Dullaart dieses Phänomen. Er hatte festgestellt, dass viele dieser Profile vollständig von Maschinen erstellt wurden, zusammengesetzt aus zufälligen Fotos und Namen von Personen, die online gefunden wurden. Er kaufte grosse Mengen von diesen gefälschten Instagram-Follower-Profilen, die er dann auf verschiedene Personen auf diesen Plattformen gleichmässig verteilte, so dass es unmöglich war zu erkennen, wer beliebter ist als die anderen.

Herstellungsjahr: 2017

Europa 1999-2004
Inguschetien – Grozny – Moskau – Ukraine – Fuerteventura – Schweiz – Mailand – Bradford

Kriegsflüchtling, Wirtschaftsflüchtling, Auswanderer, Migrant, Vertriebener, Asylant – die Wörtervielfalt entwirft nur ein grobes Abbild der möglichen Gründe, sein Zuhause zu verlassen. Wird hier und anderswo über die Echtheit von Flüchtlingen diskutiert, haben die betroffenen Menschen, bei aller Unterschiedlichkeit ihrer Schicksale, etwas gemeinsam: Sie alle haben ihre Heimat verloren und hoffen auf eine bessere Zukunft. Dieser Heimatverlust ist ein einschneidendes, meist traumatisches Erlebnis. Oft ziehen die Heimatlosen von einem Provisorium ins nächste.Zur Behausung dienen Unterkünfte aller Art: Zelte, umfunktionierte Gefängnisse, Baracken, überfüllte Einzimmerwohnungen, ehemalige Militäranlagen, stillgelegte Fabriken. Diesen Unorten wird mit ungeheurer Energie ein Minimum an Heimatsphäre abgetrotzt. Jeder Winkel, jeder vorhandene Gegenstand muss entsprechend genutzt werden – das stille Gebet in der engen Wohnung, die Wäscheleine in der ehemaligen Zementfabrik, das Spielen mit einem ausgedienten Wasserschlauch zeugen davon. Dann immer wieder das Warten, das zum Nichtstun verdammt sein, die Hoffnung absitzen, bis auch sie sich in Ernüchterung umgewandelt hat. Viele dieser Unterkünfte sind bewusst karg gehalten, sollen auf keinen Fall zum Bleiben einladen. Denn die sie bewohnenden Menschen sind unerwünscht, sollen, wenn sie nun schon gekommen sind, baldmöglichst wieder gehen, finden höchstens als nackte Zahlen Eingang in Asylstatistiken.

Heimatlose zeugen von etwas: sei es von einem Krieg oder von Armut – also von einem Missstand, und wer will schon daran erinnert werden?

Mit einem Monat wurde Carmela Harshani Odoni von ihren Eltern in Sri Lanka adoptiert und kam in die Schweiz. Zwei Jahre später bekam sie eine Schwester, auch aus Sri Lanka. Sie wuchsen wohl behütet in Rothenburg (LU) auf, mit dem Wissen anders zu sein.

Die Adoption, die leiblichen Eltern, interessierten Carmela Harshani Odoni bis anhin nicht. Sie wollte sein wie alle anderen. Doch mit dem Älterwerden, mit dem Sich-Selber-Finden, tauchten die Fragen auf: Wie waren wohl ihre Mutter und ihr Vater? Warum haben sie sie zur Adoption frei gegeben? Wie leben die Menschen dort? So vereinbarte sie einen Termin auf der Sri Lankischen Botschaft in Genf, um sich über mögliche Wege der Suche zu informieren. Bei ihren Papieren fand man auf der Rückseite eine Adresse in Colombo.Mit ihrem singhalesischen Pass, dem Geburtsschein und dieser Adresse flog Carmela Harshani Odoni im Oktober 2004 nach 24 Jahren zum ersten Mal für eine Woche in «ihre Heimat» zurück.

Es begann gut. Sie fand Kontakt zu einheimischen Familien und lernte deren Alltag kennen. Sie erlebte Hilfsbereitschaft, ein friedliches Zusammenleben der Singhalesen und der Tamilen, mit Buddhisten, Muslimen, Hindus und Christen. Auch das Treffen bei der besagten Adresse liess Hoffnung aufkommen. Eine Frau namens Galappathi versprach Unterstützung bei der Suche.

Bei ihrer zweiten Reise überschlugen sich dann die Ereignisse. Angefangen mit dem Tsunami, welcher Sri Lanka überschwemmte, als Carmela Harshani Odoni ankam. Weiter erfuhr sie kurz nach der Ankunft von Frau Galappathi, dass sie angeblich ihre Mutter gefunden hätte… Das war aber das letzte Mal, dass sie diese Frau zu Gesicht bekam. Carmela Harshani Odoni durchlebte extreme Hochgefühle wie herbe Enttäuschungen. Wollte diese Frau sie auf eine falsche Fährte locken? Wusste sie mehr über ihre leibliche Mutter als sie zugab? Oder handelte es sich sogar um eine ihrer Töchter? Es bleiben viele Fragen ohne Antworten.

Während eines Jahres hat der Künstler Tag für Tag, Monat für Monat den Verschmutzungsgrad der Stadt Singapur und ihrer Umgebung dokumentiert. In diesem Zeitraum hatten immer häufigere Waldbrände in den für die Palmölproduktion bestimmten Palmenplantagen Auswirkungen auf die Dichte der Feinstaubpartikel in der Luft. Der Künstler hat den nationalen Umweltindex minutiös in Grauwerte umgerechnet und auf lichtempfindliches Fotopapier übertragen. Die zu zwölf Blöcken (pro Monat ein Block), mehr oder weniger dunkel – je nach Niveau der Tagesverschmutzung – gruppierte Installation, erinnert auf sinnhafte Weise daran, dass es für den Einzelnen unmöglich ist, sich die Konsequenzen des Raubbaus an Natur und Umwelt vorzustellen. Die Serie macht auf die tägliche Passivität des Menschen gegenüber den selbst verursachten Klimaproblemen aufmerksam.

Herstellungsjahr: 2016

Die Fotografie Hang spielt mit Perspektive, Massstabs- und Grössenverhältnissen. Auf den ersten Blick wirkt sie wie ein abstraktes Gemälde, beim Zweiten ist ein abfallverschmutzter Abhang zu erkennen. Mittels Digitalisierung und Vergrösserung einer analogen Fotografie, auf der eine verlassene Abfalldeponie abgebildet ist, konfrontiert uns die Künstlerin mit einer visuellen Realität, welche auf unseren entfesselten Konsum und dessen Folgen hinweist, die das menschliche Handeln – bewusst oder unbewusst – auf die Umwelt hat.

Herstellungsjahr: 2018

Von alten Menschen wird bei uns nicht erwartet, dass sie noch arbeiten. Sie sollen nach Möglichkeit ihr Leben geniessen. Frau Kawai aus der Provinz Chiba, die östlich an Tokio angrenzt, ist alt. Sie ist 84. Und sie ist eine «Gyosho». Die beiden japanischen Schriftzeichen für «Gyosho» bedeuten «gehen/fahren» und «handeln/Handel treiben». Man könnte «Gyosho» also mit «Hausiererin» übersetzen.

Jede Woche von Montag bis Freitag bringt Frau Kawai ihr 60 Kilo schweres Bündel mit Gemüse, Früchten und Reisprodukten nach Tokio, um sie dort zu verkaufen. Und dies seit mehr als 60 Jahren. Man könnte meinen, diese harte Arbeit hätte sie verbittert und vergrämt. Aber nein: Frau Kawai ist eine starke, zufriedene und selbstsichere Frau mit stolzer Ausstrahlung. So wie die meisten Gyoshos, die ich angetroffen habe.Als ich in Tokio zum ersten Mal Gyoshos sah, war ich sofort von ihrer Erscheinung beeindruckt. Diese kleinen, gebeugten alten Frauen in ihrer bäuerlichen Kleidung und dem grossen Bündel Gemüse auf dem Rücken passten so gar nicht in das hektische, geschäftige Treiben der modernen Grossstadt. Sie schienen mir Botinnen eines anderen, alten Japans zu sein.

1949 fuhren jeden Tag rund 3 000 Gyoshos von Chiba aus nach Tokio. Heute besteht die «Vereinigung Keisei Linie» nur noch aus rund 120 Frauen. Da junge Frauen nicht mehr als Gyoshos arbeiten wollen und das Durchschnittsalter der aktiven Gyoshos bei etwa 70 Jahren liegt, nimmt ihre Zahl rasch ab.

Die hier gezeigten Bilder sind das Resultat einer gut zweijährigen Arbeit. Bevor ich überhaupt erste Bilder machen konnte, musste ich Kontakt zu den Frauen herstellen. Da ihre Vereinigung geschlossen und hierarchisch strukturiert ist, erwies sich dies als nicht ganz einfach. Es brauchte viel Geduld und Verständnis von beiden Seiten. Dann aber erlaubten sie mir, Bilder zu machen, die vor mir noch kein Fotograf aufnehmen durfte.

In gut zehn Jahren wird es die Gyoshos nicht mehr geben. Ich werde weiter versuchen, ihr Vermächtnis fotografi sch festzuhalten, indem ich eine der elementarsten Eigenschaften der Fotografie nutze: die Zeit einzufangen.

Andreas Seibert

Barbara Davatz hat 2001 12 Familien aus der Region Zürcher Oberland porträtiert; auf 77 Farbfotografien 35 x 50cm sind 93 Frauen, Männer, Jugendliche und Kinder abgebildet, in Familienreihen von 2 bis 13 Bildern geordnet.

“Gsüün”, bezeichnet laut dem “Schweizerischem Idiotikon” (Dialektwörterbuch) einen bestimmten, ererbten Familien- oder Volks- typus, meint aber auch Angesicht, Antlitz oder Gesichtsausdruck. Der Begriff ist da und dort noch zu hören.

Es ist eine visuelle Forschungsarbeit entstanden, die sich mit familiären Ähnlichkeiten, Verwandtschaften, mit der Weitergabe von physiognomischen Merkmalen und physischen Eigenschaften innerhalb eines Familienstammes beschäftigt. Dieser Arbeit liegt aber auch, weniger augenfällig, ein tiefer liegendes Thema zugrunde: Der Gang der Generationen, der Fluss des Lebens.

Die Menschen wurden in strenger Frontalität vor hellgrauem Hintergrund im Studio fotografiert, aus ihrer Umgebung “heraus- geschält”, damit nichts mehr von der Gestalt und deren Botschaften ablenkt. Die Figuren treten so in einer Klarheit und Konzentriertheit in Erscheinung. Die objektiv abgebildete Realität kann so ihre volle Faszination und Intensität entfalten; die schlichte Art der Aufnahme erlaubt es den Menschen sich selbst “darzustellen”.
Einer naturwissenschaftlichen Sammlung nicht unähnlich, erlaubt diese auf das Wesentliche konzentrierte Darstellung das “morphologische Studium”, das neugierige und präzise Betrachten der einzelnen Gestalten mit ihren Bezügen untereinander.

Zwillinge. Eine Laune der Natur
Die Fotografin beschäftigt sich in der 52 Zwillingspaare umfassenden Serie von 1982 mit der Frage der Einmaligkeit der Individuen, am Beispiel von Menschenpaaren, die mit dem absolut identischen “Lebenscode” geboren werden. Im Laufe der Arbeit machte die Fotografin die Beobachtung, dass diese “Doppelwesen” ein leibhaftiges “Alter Ego” als Lebensbegleiter haben, und eine sehr starke, tiefe und beständige Beziehung, die sie vermutlich davor bewahrt sich in dem Masse als Individuen in der Welt “allein” oder “einsam” zu fühlen wie wir Nicht-Zwillinge.
Vor dem Hintergrund neuester gentechnologischer Forschungen, die die “letzten Geheimnisse” des menschlichen Lebens zu entschlüsseln versuchen, weisen beide Arbeiten eine aktuelle Komponente auf.
“Gsüün” und “Zwillinge. Eine Laune der Natur” reihen sich an andere konzeptuelle Porträt-Serien der Fotografin, getragen von
einer fast naturwissenschaftlichen Schaulust, dem Vertrauen auf die elementare Ausdruckskraft der Dargestellten und dem enzyklopädischen Ansatz, einer Liebe zum Sichtbaren, einer Faszination an der physischen Erscheinung, und der Beschäftigung mit den Fragen der Identität sowie der Zugehörigkeit zum einzelnen anderen und zur Gruppe.

Der Titel „Grosse kleine Welt“ ist einem Roman von Robert Walser entlehnt. Die Arbeit richtet ihren Blick auf eine Region und eine Stadt, die Robert Walser unzählige Male durchwandert und dabei betrachtet hat. „Grosse kleine Welt“ liefert ein Portrait des Schriftstellers anhand von in der jetzigen Zeit absolvierten Spaziergängen durch Bilder und Landschaften dieser Gegend. Zwei kurze Texte von Robert Walser – «Die Vaterstadt» und «Der Mond» – begleiten die Bilder von der Wanderung.„Interférences et variations“ hinterfragt unsere Seh- und Hörgewohnheiten; das Bild und dessen Übertragung werden in einem mal absurden, mal melancholischen, mal angriffigen Dialog auf den Prüfstand gestellt.

„Grosse kleine Welt“, Deutsche Version: 11h I 13h I 15h I 17h.
„Interférences et variations“, (nur auf französisch) folgt der Projektion „Grosse kleine Welt“.

Herstellungsjahr: 2013 | 2011

Glück ist kein Zustand, Glück ist ein Moment, also vergänglich und kurz. Über Glück nachzudenken heisst also unweigerlich, sich daran zu erinnern.

In Gedanken an erlebte oder wiederholte Glücksgefühle liessen sich Unbekannte und auch Freunde porträtieren. Es sind Menschen unterschiedlichster Herkunft und jeden Alters, die vor allem eines gemeinsam haben. Nämlich ihre Geduld und auch die Bereitschaft, sich der Kamera zu zeigen. Dabei erwiesen sich die Umstände der Aufnahmen als Glücksfall. Denn die aufwändig installierte Beleuchtung, die schwerfällige Grossbildkamera, das kahle Umfeld der Aufnahme ermöglichten den Zustand von Kontemplation und Rückbesinnung, aus der heraus weit zurück liegende oder auch tägliche kleine Glücksmomente wieder bewusst wurden.
Sie manifestierten sich als eine Art inneres Licht der Porträtierten.

Glück drückt sich nicht nur in einem Lächeln aus, es entsteht auch ausserhalb der Verbindlichkeit von Beziehungen, es ist nicht bloss eine Reaktion auf Erlebtes. Glück entsteht auch ganz von selber, als Ausdruck von Leben, als Spannung. Um bei den porträtierten Menschen diesen leicht entrückten Zustand zu erreichen, muss der Fotograf bei seiner Arbeit still bleiben, aber nicht stumm werden. Im suggestiven, aber offenen Gespräch entsteht jene Gelassenheit, aus der heraus das Glücksgefühl erst erinnert werden kann oder neu entsteht. Glück bedeutet hier nicht Euphorie, nicht einmal Neugierde und schon gar keine Kumpanei. Glück heisst nichts anderes als: das innere Licht für die Kamera sichtbar zu machen.

Herstellungsjahr: 2022

Zwischen Dezember 2005 und August 2006 begleitete ich Giulia. Es ist die Zeit, in der sie ihre Krankheit bekämpft: Brustkrebs.
Im Fokus steht weniger die Darstellung der Krankheit, sondern der Verlust von Weiblichkeit. Was macht eigentlich diese Weiblichkeit aus? Da steckt eine Angst dahinter, nicht mehr Frau zu sein; nicht mehr als Frau wahrgenommen zu werden. Das sind Urängste, die in uns stecken und die in der heutigen Zeit noch verstärkt werden, durch unerreichbare Idealbilder aus dem Showbusiness und der Werbung.

Symbolisch stehen bei Giulia die Haare als Akt einer neuen Wahrnehmung ihrer Weiblichkeit. Wie diese verloren gegangene Feinheit, Weichheit und Weiblichkeit wieder kommt, ist daher nicht nur ein äusserlicher Prozess, sondern auch ein innerlicher.

Martin Wieslis Porträtserien sind nüchterne Aufzeichnungen menschlicher Wesen, vier Ansichten von jedem Modell, als handle es sich um Dokumente eines Polizeiarchivs. Dem Objektiv der Grossformatkamera entgeht kein Detail, das Gesicht scheint vervielfacht aus dem Aufnahmeprozess hervorgegangen zu sein, eingefroren im Negativ und ins Bild gebannt. In der
Enge des Formats eingeschlossen und oftmals nur als Fragment sichtbar, wird das Gesicht zum Objekt, das erst in dieser Form und ohne Empathie betrachtet, zum optischen Genuss wird. Das Licht changiert auf dem herunterhängenden Haar wie auf Samt. Die Schweissperlen wirken wie Tautropfen, die das Streiflicht über der ockerfarbenen Haut zum Leuchten bringt. Haarlocken fallen wie feine Pinselstriche über die Stirn, und in die Lippen sind kleine Furchen gezogen, deren feuchte Stellen ebenso funkeln wie die Augen. Martin Wiesli überlässt nichts dem Zufall. Licht, Farbe, Hintergrund, Ausdruck – alles ist abgestimmt. In der Serie treten die Bilder zudem in einen chronologischen Zusammenhang, der im Falle der Bildpaare eine erzählerische und eine psychologische Ebene dazu gewinnt. In welchem Zusammenhang stehen das neonbeleuchtete Treppenhaus und die schwarz gekleidete Frau, fragen wir uns. Entsprechen die leeren Räume, von denen sich eine Frau abwendet, ihrem Gemütszustand, oder verbindet die Frau mit diesem Raum ein Erlebnis? Die Bildpaare sind auch Vergleiche, Gleichsetzungen. Sie sind zudem farbliche Kompositionen.

Michael Krethlow

Zwischen 2006 und 2013 reiste Lucas Foglia durch Idaho, Montana, Nevada, New Mexico, Texas und Wyoming, also durch einige der am spärlichsten besiedelten Gebiete der USA. Das bei Nazraeli Press publizierte «Frontcountry» beginnt mit Bildern von Cowboys und zeigt dann zunehmend die Eingriffe von Bergbauunternehmen (Gold, Öl, Erdgas, Kupfer, Kohle). Im amerikanischen Westen verlaufen die Geschichten von Viehzucht und Bergbau parallel. Die Identität stiften dabei die Cowboys und die Viehzuchtkultur, Bilder davon werden auf Souvenirs für Touristen und sogar auf die Nummernschilder der Autos aufgedruckt. Wäre aber beispielsweise Nevada ein Land, so wäre es der viertgrösste Goldproduzent der Welt. Die Unternehmen graben immer tiefere Löcher und finden immer kleinere Mengen. Dort, wo einst Berge waren, hinterlassen sie Gruben. «Frontcountry» ist ein Portrait der Menschen, die im heutigen, ländlichen amerikanischen Westen wohnen, und es ist ein Portrait darüber, wie sie eine immer noch wild anmutende Landschaft teilen und von ihr abhängig sind. (LF)

Herstellungsjahr: 2006-2013

Für dieses Projekt fotografierte Ekaterina Sevrouk männliche Flüchtlinge aus Afrika in natürlichen Umgebungen und alpinen Regionen Österreichs. Die künstlerische Intention der Fotografin wird in Verbindung gebracht mit dem Selbstbild der Flüchtlinge. Der Titel greift Franz Schuberts romantischen Liederzyklus Winterreise auf. Die 1827 komponierten Lieder beschreiben die leidenschaftliche Reise eines Wanderers zwischen überschwänglicher Freude und hoffnungsloser Verzweiflung. Wo Schubert das Klavier benutzt, um die Melancholie und den Seelenzustand des Fremden auszudrücken, nutzt Ekaterina Sevrouk die Ressourcen der Fotografie, um eine Stimmung von Andersartigkeit und Entfremdung zu schaffen.

Herstellungsjahr: 2017

Wirklicher Raum, Bilder und Spiegelungen überlagern sich mit der Absicht, unseren Blick zu verwirren.

Herstellungsjahr: 2012

Eine Menschenmenge bildet sich spontan, ähnlich wie ein Zellorganismus, welcher der Kohärenz genetischer Sequenzen unterworfen ist. Emotionen äussern sich auf heftige, ja sogar gewalttätige Art. Es gibt diese Erregung, diesen Moment, in dem die Individuen verschmelzen, um eine menschliche und homogene Masse zu bilden. Die einzelnen Persönlichkeiten gehen auf in einer komplexen Körpereinheit, die mit dem Rhythmus des jeweiligen Ereignisses mitgeht. Diese Masse setzt sich in Bewegung, sie verformt sich wie eine zähflüssige Welle. Die Vibrationen bilden eine Woge, eine Wellenbewegung aus Zeichen und Tönen.

Herstellungsjahr: seit 2011

Herstellungsjahr: 2018

Seit seiner Kindheit lebt Tymon Markowski in Bydgoszcz, wo der Fluss Brda endet. Um seine nähere Umgebung besser kennenzulernen, machte er sich auf den Weg: Ein Jahr lang erkundete er die Orte an den Ufern des Flusses und suchte nach überraschenden und aussergewöhnlichen Momenten. Die Reise nahm eine skurrile Wendung, als er ein zweites Dorf namens Bydgoszcz an der Quelle des Flusses entdeckte. Die Entfernung zwischen diesen beiden Bydgoszczs beträgt 106 Kilometer Luftlinie. Es ist ein ungewöhnlicher Raum, in den Tymon eingetaucht ist.

Herstellungsjahr: 2016

Nachdem Nicolas Delaroche zeitgenössische Privatkunstsammlungen in Europa fotografiert hatte, widmete er sich China, dem wichtigsten Kunstmarkt der Welt. First Seen ist ein Rundgang durch 30 Privatkunstsammlungen in China und Hongkong. Alle Aufnahmen enstanden unter derselben Prämisse: einen Dialog mit den Kunstwerken und deren Umgebung aufnehmen. Nicolas Delaroche wird für diese Serie unter Bezug auf das chinesische Umfeld eine neue Kompositionsästhetik einsetzen und die Bilder inspiriert von den besuchten Kunstsammlungen aufhängen.

Herstellungsjahr: 2017

Amerikaner schauen zuerst auf die Hautfarbe anstatt auf den Menschen dahinter. Die meisten sind davon überzeugt, “Rasse” (engl. “race”) sei ein wichtiger Wert. Man hat uns gelehrt, dass die individuelle Identität stark geprägt ist von der “Rasse” und der persönlichen Geschichte. Mit anderen Worten: “Rasse” kann ein Ehrensiegel sein oder etwas, das uns an unsere Gesellschaft, an die nähere Umgebung bindet. Wie dem auch sei: Öfter als alles andere ist “Rasse” eine Quelle sozialer Spannungen oder ein Feld, das auf offiziellen Formularen angekreuzt wird – und diese offiziellen Formulare führen letztlich zu unterschiedlichem Wohlstand und zu unterschiedlichen Werten. Die unterschiedlichen Werte generieren eine Art Hierarchie “rassischer” Werte und tragen zu den Spannungen zwischen “Rassen” massgeblich bei. Diese Spannungen sind letztlich der Grund für isolierte Gemeinschaften, für das Aufkommen von Stereotypen und für die Zuordnung von “rassischen” Eigenschaften. In einer Zeit, in der die Amerikaner grosse Angst vor Terroranschlägen haben, wird der Feldzug gegen den Terrorismus, den die amerikanische Regierung führt, als Vorwand genommen für rassenspezifische Charakterisierungen, die – so wird behauptet – zum Schutz der amerikanischen Bürger vorgenommen werden.

Mein Projekt hinterfragt den Drang der Amerikaner, Menschen aufgrund ihrer Hautfarbe zu kategorisieren. Es bringt unsere Vorurteile ans Licht und zeigt auf, wie wir Wert, Bedrohung oder Schönheit definieren. Für die Serie von Porträts habe ich die Haut jedes Porträtierten und jeder Porträtierten einer Pantone-Farbe zugeordnet. Ich habe das Pantone-Farbsystem gewählt, weil es ein international standardisiertes System ist, das sich auf der ganzen Welt nicht unterscheidet. So erhält jedes Porträt einen exakten Farbton für seine Haut und einen Namen. Ausgehend davon liegt es am Betrachter oder an der Betrachterin zu kategorisieren, zu definieren und Werte zuzuordnen.

Die Installation False Positives hinterfragt die Verlässlichkeit der Überwachungssysteme, die im öffentlichen Raum eingesetzt werden. Die Künstlerin hat ihr Augenmerk auf Kameras gerichtet, die dazu programmiert wurden, «abweichendes» Verhalten im Geschäftsviertel von Brüssel zu registrieren. Diese verdächtigen Verhaltensweisen, die als potenziell kriminell angesehen werden, wurden von Fachleuten für Überwachungssysteme definiert, mit denen die Künstlerin zusammenarbeitete. Die Verhaltensweisen werden in Fotomontagen und Skizzen aufgenommen, um die Begriffe Normalität respektive Abweichung in Überwachungssystemen zu ergründen.

Herstellungsjahr: 2015-2016

Das Video «Face Swap (present)» wurde kürzlich in Bluffdale/Utah (USA) gedreht, genau gegenüber des NSA-Datenzentrums. Seit Edward Snowden die in den USA angewendete Massenüberwachung öffentlich gemacht hat, steht das Zentrum im Verdacht, Informationen über Menschen ohne deren Zustimmung zu speichern. Das Video oder besser lebende Bild nimmt Bezug auf neuere Apps für Smartphones, mit denen man die Gesichter zweier Menschen austauschen kann. Hier nun aber bleibt das Gesicht auf dem Smartphone-Bildschirm gefangen und wird zu einem gähnenden Loch. Das Werk setzt sich mit der Online-Identität und der Verwirrung zwischen dem Maschinen-Objekt und dem Menschen auseinander.

Realisiert mit Hilfe von Dash und Hunter Longe.

Herstellungsjahr: 2017

Die in China geborene und aufgewachsene Künstlerin Pixy Liao war lange der Meinung, dass sie nur jemanden lieben könne, der älter und reifer ist als sie, der sie beschützen und ihr Mentor sein könnte. Als sie ihren fünf Jahre jüngeren Freund Moro kennenlernte, änderte sich ihre Vorstellung von einer Beziehung grundlegend. 2007 begann die Künstlerin, physisch und visuell mit dieser Beziehung zu experimentieren, indem sie für Moro und sich allerlei Situationen vor der Kamera inszenierte. Ihre subtilen Fotoserien hinterfragen die Macht in Beziehungen und ergründen die Möglichkeit, die Kräfteverhältnisse im privaten Bereich auszutauschen.

Herstellungsjahr: 2007-

Patrick Pfeiffer fotografiert seit rund sieben Jahren im Theater. Seine während der Bieler Fototage gezeigten Arbeiten stammen alle aus den letzten beiden Theater-Spielzeiten am Stadttheater Konstanz unter der Leitung von Dagmar Schlingmann und am Theater Biel–Solothurn unter Hans J. Ammann.

Sie dokumentieren einerseits den Einzug der digitalen Bilderstellung in die bisher als klassische Schwarz-weiss-Domäne angesehene Bühnenfotografie. Sie zeigen aber auch eine Unterart dokumentarischer Fotografie in einer eher undokumentarischen Sinnlichkeit aus Farbigkeit und Unschärfe, die sie stilistisch in die Nähe moderner Werbe- und Modefotografie setzt.

Die Ansprüche von Theater und Zeitungsredaktionen decken sich aber nur selten mit eher freien, vom Auftragskontext losgelösten Bildauffassungen. So gibt es in Biel überwiegend bislang unveröffentlichtes Material zu sehen. Die Bilder eint eine etwas wagemutige Sorglosigkeit in der Bildkomposition, durch die man den Eindruck hat, die Bewegung werde nicht in der Aufnahme eingefroren und festgehalten, sondern gehe über den Bildrand hinaus weiter, jenseits des fotografierten Augenblicks.

Was wissen wir vom europäischen Parlament, von dem was dort zur Debatte steht, von seinen Anliegen, den Personen, die dort ein- und ausgehen? Welches Bild machen wir uns von diesem unbekannten Ort, einem Ort, der mittels seiner Glasfassade die Idee von Transparenz ausdrückt? Was meinen wir von dieser Welt zu kennen, zu wissen, wovon die Medien uns privilegiert berichten können? Von dieser individualisierten und formalisierten Welt berichtet Martin Kollar auf seine Weise in der Serie “European Parliament”. Weit entfernt von der offiziellen Darstellung, porträtiert Kollar die Personen der Macht in unüblichen Situationen: im Grenzbereich von Absurdität und Ironie. Diese gewöhnlichen Situationen des Alltags, die sich befreit von professioneller Verantwortung zwischen den gewöhnlichen Menschen abspielen, gehören eben auch zum Umfeld des europäischen Parlaments. Durch geschickte Distanzierung zum öffentlichen Geschehen gelingt es Kollar, die Banalität, das “nothing special” zu dokumentieren. (Géraldine Delley)

Herstellungsjahr: 2007-2008

Die beiden Fotografinnen vereinen unter dem Titel „Eukalyptus & Vegas“ zwei Projekte, die sich der Identitätssuche widmen. Für Michal Florence Schorro nimmt „Eukalyptus“ Bezug auf ihre Wurzeln, auf ihre Heimat: Ein Ort, der sich verändert und von dem sie Gegenstände, Landschaften oder Gesten festhält, die aus der Versenkung auftauchen. „Vegas“ seinerseits ist ein Begriff, der Prune Simon-Vermot an ihre spanische Herkunft erinnert, die sie vor Kurzem entdeckt und die sie dazu veranlasst hat, sich auf die Suche nach sich und nach der Kultur ihres neu(-gewonnenen) Landes zu begeben.

Herstellungsjahr: 2013

Mich fasziniert die Vielfalt und Heterogenität von «alternativen» Bildarchiven. Google und Instagram, aber auch Online-Auktionen wie Ricardo und eBay, stellen für meine Arbeit einen schier unerschöpflichen Fundus dar. Indem ich die digitale Bilderflut in einen neuen Kontext stelle, entstehen spannende Sichtweisen oder visuelle Kommentare. So fertige ich mit Google Reverse Image Search Raumporträts an, bei denen meine Originalbilder mit verwandten Google-Bildern in einen Dialog treten. Dabei mache ich mir die inhaltliche Blindheit des Systems zu Nutzen, sie führt immer wieder zu überraschenden und ungewohnten Resultaten. Der ausgestellte partizipative Algorithmus hinterfragt auch die Form, in der Fotografie heute gezeigt wird. (TJ)

Die Ausstellung wurde eigens für die Bieler Fototage konzipiert.

Herstellungsjahr: 2015

Noch gibt es die Sowjetunion, noch steht die Mauer. Aber die Dissidenten fangen an, sich zu Wort zu melden. Eine Freilicht-Kunstschau wird von Baumaschinen niedergewalzt und geht als «Bulldozer-Ausstellung» in die Geschichte ein. Das ist der Moment, in dem sich Sergei Borissow für die Dissidenten-Kunst zu interessieren beginnt. Aus dieser Zeit stammen seine ersten Atelieraufnahmen und Künstlerporträts. Borissow entwirft Poster und Plattenhüllen für Moskauer und Leningrader Bands. Er ist noch jung, als er bereits im Pionierhaus fotografiert.

Die Sowjetunion, insbesondere Mittelasien und Sibirien, lernt Borissow als junger Mann kennen, indem er in der Küche der Wagon-Restaurants arbeitet. Danach schlägt er sich beruflich als Reklame- und Modefotograf durch – eine damals eher ungewohnte Berufsbezeichnungen, denn Mode galt lange zum dekadenten Wortschatz der westlichen Bourgoisie.Die Mannequins dienen Borissow nicht nur für die Modefotos. Er setzt sie als Schauspielerinnen ein für sein, wie er es selber nennt, «Foto-Theater». Er kleidet sie mit ideologischen oder patriotischen Insignien ein und fotografiert sie vor repräsentativen Bauwerken und Denkmälern Russlands. Es entstehen so karikierende und ironische, in Szene gesetzte Bilder. Seine Beschäftigung mit Inszenierungen weckt in ihm fast automatisch das Interesse für die Bühnenkünste. Ab 1986 arbeitet er, neben seiner Malerei, die er schon immer betrieben hat, auch mit der Videokamera.

Der Fotograf schlüpft in die Haut (und das Gesicht) von Prominenten. Dass man dieses Hineinschlüpfen fast nicht bemerkt, ist das Ergebnis einer sehr sorgfältig ausgeführten Arbeit.

Herstellungsjahr: 2010

Die von Catherine Leutenegger gezeigte Bilderserie entstand während ihres Aufenthalts in der indischen Grossstadt Chennai. Vor Ort fotografierte sie das zweite Leben von Blachen, Plakaten und Wandbildern, die im öffentlichen Raum ausgestellt werden: Plakate von bekannten Persönlichkeiten (SchauspielerInnen, PolitikerInnen) oder von Unbekannten (Geburtstage, Gedenkfeiern, Werbekampagnen). Die Bilder ergeben ein visuelles Durcheinander, in welchem sich verschiedene Welten überlagern und vermischen. Anschliessend werden sie an Stränden weiter- und wiederverwendet, um die Arbeitsgeräte der Fischer und die Habe der kleinen Händler abzudecken. Die umgenutzten, vorher zweidimensionalen Bilder werden sich nun zu dreidimensionalen Skulpturen, auf denen die Gesichter nach und nach Risse erhalten, verformen, sie werden ihre Farbe verlieren und schliesslich verschwinden und damit sinnbildlich die Anfälligkeit des Bildes und des Individuums in unserer heutigen Gesellschaft illustrieren.

Herstellungsjahr: 2020

Elisa Larvego, Gewinnerin der ersten Genfer Fotostudie 2016, realisierte eine Fotoreportage über die Sportwelt in Genf aus gesellschaftlicher Sicht. Die Fotografin verbrachte sechs Monate in den Genfer Sportvereinen und -stätten, um die flüchtigen Momente von 18-30-Jährigen nach dem Sport festzuhalten. Sie richtet ihren Blick auf den menschlichen Aspekt, stellt etwa zwanzig Sportdisziplinen vor und lässt sie mit der Umgebung, in der sie praktiziert werden, in Dialog treten. Das Ergebnis ist ein Mosaik von Porträts junger Sportlerinnen und Sportler, die selbstbewusst in die Kamera blicken und ein beredtes Zeugnis aktueller Sportpraktiken bei Jugendlichen ablegen.

Herstellungsjahr: 2016

Dokumentarische Auftragsarbeiten blicken sowohl in der Schweiz als auch im Ausland auf eine lange Geschichte zurückblicken. Die erstmals gezeigte Ausstellung zeichnet die Geschichte der dokumentarischen Auftragsarbeiten in der Westschweiz von 1989 bis heute nach. Sie versammelt Bilder aus vier fotografischen Ermittlungen, die Leute in der Westschweiz nach wie vor aktiv sind, und zwar aus den Kantonen Freiburg, Genf, Neuenburg und Wallis. Damit wird nicht nur die fotografische Gestaltung unterstützt, die Ermittlungen sind auch ein wichtiges Werkzeug im Hinblick auf die Bewahrung eines Erbes durch das Bild. Die fotografischen Ermittlungen sind je nach Region anders aufgebaut und funktionieren auf unterschiedliche Art und Weise. Ziel dieser Ausstellung ist es, den Reichtum und die Vielfalt dieser Produktionen aufzuzeigen, mit denen die regionale Fotografie unterstützt wird, und die lokalen Eigenheiten der Ermittlungen aufzuzeigen, die sich an den jeweiligen Bedürfnissen und Erwartungen vor Ort ausrichten. Zudem soll das Publikum die Möglichkeit erhalten, die Diversität der Auseinandersetzungen und die unterschiedlichen Ansätze der Fotografinnen und Fotografen kennenzulernen.

FotografInnen und Bildfachleute diskutieren im Rahmen einer Tischrunde die Perspektiven, welche diese Unterstützung der dokumentarischen Fotografie bieten kann. Der Anlass wird von der Journalistin Florence Grivel moderiert und findetam Samstag, 18. Mai von 14 bis 17 Uhr statt.

In ihrem Werk stellt Silvia Rosi Momente nach, die von ihrer Familiengeschichte inspiriert sind, indem sie auf ihr togolesisches Erbe und die Migrationswege zurückgreift, die sie nach Italien geführt haben. Indem sie auf persönliche Weise mit den künstlerischen Strategien arbeitet und von der Tradition der westafrikanischen «Studioporträts» entwickelt wurden. In den Mittelpunkt ihrer Praxis stellt sie die Visualisierung der italienischen Afro-Abstammung und die ständige Arbeit der Identitätsverhandlung. Diese wurde von den italienischen Subjektivitäten verlangt, die eine diasporische Geschichte in sich tragen. Ihre Bilder erwähnen Themen der in die Gegenwart geholten Tradition, sowie Auswirkungen der Migration. Ein zentraler Aspekt ihrer Arbeit ist die Beobachtung des traditionellen Transportierens auf den Köpfen. In Encounter beleuchtet die Künstlerin die Komplexität familiärer Beziehungen und die (Selbst-)Darstellung familiärer Bindungen als einen Ort, an dem strukturelle soziale Fragen auftauchen und Subjektivitäten gefeiert werden, die im Mainstream verborgen sind.

Herstellungsjahr: 2019

Die im äussersten Norden Frankreichs gelegene Region Nord-Pas-de-Calais war ab dem 19. Jahrhundert aufgrund seiner Kohlevorkommen Schauplatz eines industriellen Booms. Bis zur Einstellung des Kohleabbaus in den 80er-Jahren wurden 852 Minen in den Berg getrieben, 326 Abraumhalden errichtet und über 100’000 Kilometer Stollen gegraben, was die topographische, städtische und demographische «Landschaft» der Region nachhaltig geprägt hat.Antoine Bruy verfolgt einen sozio-dokumentarischen Ansatz. Auf der Suche nach Spuren dieses «Goldenen Zeitalters» hat er die verschiedenen Städte des Nord-Pas-de-Calais abgeklappert und dabei das Gespräch gesucht mit dessen Bewohnern. Seine Bilder legen Zeugnis ab von der langwierigen und schwierigen Umorientierung, die vor fast 30 Jahren einsetzte und das Gefühl von einem ewigen Wiederbeginn vermittelt.

Herstellungsjahr: ab 2011

Im Boden verwurzelt, unter liebevollen Bäumen, eine Performance, die Stabilität in der Höhe sucht. Zu ihren Füssen: spitze und gefährliche Schuhe. Wie beim De-Skilling schaffen sie eine unpraktische Situation, die sie dazu zwingt, neue Wege zu finden, um sich zu bewegen. Ineinander verschmelzen, Evolutionen durchlaufen. Was braucht es am Ende, um voranzukommen?

Für die Ausstellung im espace libre, die im Rahmen des Bieler Fototage präsentiert wird, arbeitet Bertuchoz mit dem Künstler und Fotografen Ricardo Caldas zusammen, um aus den Spuren und Dokumentationen der ursprünglichen Performance eine neue Installation zu schaffen.

In Zusammenarbeit mit Yadin Bernauer, Giuliana Gjorgjevski, Sven Gex, Thilda Bourquie, XV06-Y.

Curators: Beth Dillon & Vera Trachsel

Herstellungsjahr: 2022-2023

Das Grafik-Klang-Projekt Elements ist der zweite Teil einer Kreation der Fotografin Sarah Carp und der Musikerin Priscille Oehninger. Gemeinsam haben sich die beiden Künstlerinnen ein Werk ausgedacht, das der Symbolik der vier Elemente Erde, Wasser, Luft und Feuer entsprungen ist. Ursprünglich von griechischen Philosophen definiert, werden sie seit der Antike herangezogen, um die Materie zu beschreiben, aus der das Universum besteht. Gemäss ihrer Hypothese sind sämtliche Materien, aus denen die Welt besteht, Verbindungen daraus.

Im Rahmen des Projekts wird zunächst jedem Element eine eigene Identität und eine eigene Behandlungzugeschrieben. Die Klangtexturen treten in einen Dialog mit den visuellen, abstrakten, sich bewegenden Kompositionen. Anschliessend überlagern und mischen sich die Elemente, um gleichzeitig in einem visuellen und klanglichen Strudel Ausdruck zu finden, aus dem ein fünftes Element entsteht, das für die Wirren steht, in denen sich unser Planet heute wiederfindet.

Live-Musik: Priscille Oehninger (viola) und Christophe Calpini (drums electro)
Bilder: Sarah Carp
Montage: Aurélien Garzarolli (atelier Actinic)

Performance : 14.5., 16.00-17.00 (Farelhaus)

Herstellungsjahr: 2022

Der Himmel ist verhängt mit stacheligen Drähten – und wir denken an Stacheldraht, an Gefängnis, an Konzentrationslager. Doch eigentlich ist, was uns Tiziana De Silvestro präsentiert, kein Zaun, keine Grenze, kein Hindernis, sondern Lichtträger der gewohnten, da regelmässig wiederkehrenden, Art: die Weihnachtsbeleuchtung einer Grossstadt. Und der Zaun, der stachlige, ist der Zaun in unserem Kopf.

Einschränkungen hat Tiziana De Silvestro eingefangen, Schranken, die uns auf Schritt und Tritt begegnen: Baustellen-Abschrankungen, Verkehrsampeln, Mauern, Geländer. Häufig sind sie auf den Fotografien unscharf wahrzunehmen, zumeist stehen sie im Vordergrund. Deutlicher müssen sie auch nicht erscheinen – wir wissen, was gemeint ist. Die Schranken haben sich uns längst eingebrannt in Auge und Seele. Wo ein Zaun steht, halten wir an oder wechseln die Richtung, selbst wenn er leicht zu überwinden wäre. Warum eigentlich?, fragt die Fotografin. Und sie hat versucht, die mentalen Einschränkungen ins Bild zu rücken. Die Mauern, Zäune und Drähte auf ihren Fotografien sind Zeichen von Denk- und Handlungsweisen. Es sind statische Gebilde, die aber durchaus etwas tun können, wie hindern, stören, bremsen, lenken. Es spielt darum auch eine untergeordnete Rolle, dass die Bilder in Hongkong aufgenommen wurden. Zäune sehen überall gleich aus. Die Frage ist vielmehr, was sie verhindern können.

Lilo Weber, Kulturjournalistin

Jérémie Gindre dreht den Alltag gern ins Spektakuläre. Er bedient sich dabei bewährter Mittel wie der Manipulation der Wirklichkeit oder der Fiktionalisierung. Fasziniert von den unerschöpflichen Möglichkeiten, welche Fabelgeschichten bieten, versucht er Personen, Handlungen und Situationen zu kreieren. Ganz ähnlich wie in einem Film erfindet er ein Universum, in dem der Charme der Unvernunft, die Ironie des Schicksals und die unangefochtene Fantasie des Banalen regieren. Die Machart seiner Inszenierungen und Ränkespiele kann dabei aufgeschlüsselt werden. Er versucht, den Kern, das Stereotype aus einer Situation herauszuarbeiten, indem er sie in mehreren Varianten präsentiert. Dadurch werden Formen miteinander verschränkt, die kulturell normalerweise weit auseinander liegen. Über die Parodie hinausgehend, setzt Jérémie Gindre das Medium in seinen Foto-Romanen entgegen seinem urspünglichen Verwendungszweck ein, indem er sich seinen Sujets und Geschichten heimlich nähert und sich gleichzeitig von ihnen, wieder heimlich, entfernt. Ob absurd oder ironisch, seine fotografierten Geschichten weisen nie wirklich einen verlässlichen Roten Faden auf. Dafür laden sie die Betrachterin und den Betrachter ein, in die versteckte, kaum sichtbare Welt der Metaphern einzutauchen.

CM.

SNF-Wettbewerb für wissenschaftliche Bilder

Ein neuer Blick auf die Wissenschaft
Die wissenschaftlichen Entdeckungen, die Schlagzeilen machen, werden der vielfältigen Welt der Forschung nicht gerecht. Denn sie besteht nicht nur aus Zahlen und Fakten, sondern auch aus Menschen, ihrer Neugierde, ihrem Engagement und Erfindungsgeist. Die 14 ausgezeichneten Arbeiten des SNF-Wettbewerbs für wissenschaftliche Bilder 2022 geben überraschende Einblicke in die Forschungswelt von heute.

Die Wettbewerbskategorien
1. Forschungsobjekt
2. Männer und Frauen der Wissenschaft
3. Orte und Werkzeuge der Forschung
4. Videos

Die Jury 2022

Präsident
Lars Lindemann, Fotochef des Magazins Geo (Deutschland)

Mitglieder
Emmanuel Ferrand, Mathematiker, Sorbonne Université (Frankreich)
Emmanuelle Giacometti, Direktorin von L’Espace des Inventions (Switzerland)
Cécile Lestienne, Chefredaktorin von Pour la Science und Cerveau & Psycho (Frankreich)
Alexander Sauer, Fotograf (Schweiz)

In Zusammenarbeit mit dem Schweizer Nationalfonds zur Förderung der wissenschaftlichen Forschung (SNF).

Von Google Earth zur Verfügung gestellte Satellitenbilder, die von Militär- oder Regierungsbehörden zensuriert wurden.

Die Strasse, allgemein bekannt als ein Verkehrsweg, der Punkt A mit Punkt B verbindet: Bereits mein Grossvater war ihr verfallen. Er besass schon früh ein Auto. Seine Begeisterung galt nicht unbedingt dem Fahrzeug, sondern der damit verbundenen Mobilität. Nicht selten war aber auch der Weg oder die Strasse ein wichtiges Element in seinen Landschaftsfotografien. Mein Vater interessierte sich von seiner frühen Kindheit an nicht für die Strasse, sondern für die Fahrzeuge. Seine Faszination galt nicht nur den Autos, die er selber steuerte, nein, auch jener der grossen Autorennfahrer der Nachkriegszeit. Er fotografi erte Autos in allen «Lebenslagen»: die Fabrikation, die Bewegung, die Unfälle, oder die sportliche Betätigung. Schon 1949 reiste er nach Bern zum Grand-Prix der Schweiz. Später wurde diese Begeisterung ein Teil seiner beruflichen Tätigkeit: die Formel-1-Rennen in Monaco, Monza, Reims oder Hockenheim fotografi erte er regelmässig. Seine Haupttätigkeit als regionaler Bildjournalist trieb ihn auch zwangsweise dauernd auf die Strasse. Zuerst mit einem «Goggomobil», später mit dem VW-Käfer fuhr er bei Tag und Nacht, Sommer und Winter zu sämtlichen Geschehnissen und Anlässen in der Zentralschweiz. Da er praktisch jeden Autounfall, Hausbrand oder Flugzeugabsturz festhielt und oft auch vor der Polizei oder Feuerwehr vor Ort erschien, bekam er den Übernamen «Katastrophen-Sepp».Im Kindergarten malte ich nur mit schwarzen Stiften, meist verunfallte Rennwagen, was mich schon als Sechsjähriger zum Psychiater brachte, da die Kindergärtnerin glaubte, mit mir stimme etwas nicht. Nachdem der grosse Traum vom Rennfahrer aufgrund der finanziellen Möglichkeiten platzte, begann automatisch meine Fotografenkarriere am Rande der Rennstrecke. Nicht nur Monaco und Monza, nein, die ganze Welt stand mir offen. Seit 1979 stehe ich, Wochenend für Wochenend, in sämtlichen Kurven mit wohlklingenden Namen wie «Parabolica», «Lesmo», «Sachs», «Mirabeau», «Eau Rouge» oder «La Source». In den drei Generationen sammelten sich über all die Jahre unzählige Bilder zum Thema Strasse, Verkehr und Rennsport an. Leider wurde am 15.8.1997 ein Teil unseres Archivs durch eine Überschwemmung vernichtet. Dieser Umstand hat unseren Umgang mit dem Archiv verändert: Wir sind uns dem Wert und der damit verbundenen aufwendigen Aufbewahrung bewusst geworden.

Daniel Reinhard

Eine aufblasbare Matratze, eine Bürste und eine Tube Ketchup stehen weder logisch noch natürlich in einer Beziehung zueinander. Obwohl sie in unserem Haushalt durchaus zu finden sind, würde ausser MacGyver kaum jemand auf die Idee kommen, sie zu kombinieren. In der 1938 durchgeführten Studie «Homo Ludens» werden speziell Personen beschrieben, die eben doch auf diese Idee kommen. Wie Johan Huizinga ausgeführt hat, ist das Spiel eine der Hauptvoraussetzungen, um überhaupt «Kultur» entstehen zu lassen. Haushaltsgegenstände, die oft als wertlos angesehen werden, verfügen über Eigenschaften, die leicht übersehen werden. Wenn sie aber in grossen Mengen verwendet werden, können diese trivialen Objekte plötzlich die Vorstellungskraft anregen.

Herstellungsjahr: 2010

«DIY» (Do It Yourself) ist eine Art Bewegung in der Skateboarding-Gemeinde, die ausserhalb gesellschaftlicher und sozialer Normen funktioniert. Indem sie in Eigenregie Skateparks bauen, oft auf brachliegendem Gelände in der Stadt oder in ländlichen Gebieten, transzendieren die Skateboarder von heute ihr Existenzbedürfnis in einen konventionelleren Raum. Die mit gebrauchtem Material illegal erstellten Bauten faszinierten Richard Gilligan, der diese ephemeren Räume über vier Jahre in Europa und den USA aufgesucht, fotografiert und dokumentiert hat. Seine Bilder zeigen, wie sich Skateboarder und «DIY’s» von gesellschaftlichen Zwängen befreien und sich ihren eigenen Raum schaffen, in dem sie ihrem peripheren Hobby frönen. (RG)

Herstellungsjahr: 2008-2012

In einer Gesellschaft, in der das Individuum ständig mit seinem Aussehen konfrontiert wird, ist das Essen ein Vergnügen als auch eine Art mit seinen Mitmenschen in Verbindung zu treten. Es ist aber auch ein Mittel, seine Emotionen zu zügeln und gleichzeitig ein mächtiges Instrument, um seinen Körper zu beherrschen. Im Rahmen eines immersiven einwöchigen Workshops am französischen Gymnasium von Biel behandelte Katherine Longly mit einer Klasse Problematiken rund um den Körper und seine Ernährung aus der Sicht der Schülerinnen und Schüler, einer Generation, die sich mit Fragen auseinanderzusetzen hat, die sich spezifisch auf ihr Alter, aber auch auf die heutige Zeit beziehen. Die Generation Z wird mit den sozialen Netzwerken, der Instagram-Nahrung, gesponserten Inhalten von Influencerinnen und Influencern und enthemmter Schönheitschirurgie geboren. Sie ist sich der Künstlichkeit von Bildern bewusst und hat Gegenbewegungen wie Body Positivity ins Leben gerufen.

Wie entsteht die persönliche Beziehung der Jugendlichen zum Essen? Wie erleben sie die Erwartungen, die an ihren Körper gestellt werden und wie befreien sie sich davon? Wie sehen ihre Gegenstrategien aus? Die Künstlerin hat Aussagen zusammengetragen und gemeinsam mit den Schülerinnen und Schülern verschiedene Recherchen und Erkundungen rund um diese Fragen durchgeführt, damit sie ihr «Selbstbild» zurückgewinnen können.

In Zusammenarbeit mit dem Französischen Gymnasium Biel.

Herstellungsjahr: 2021-2022

Die Wissenschaft ist keine abgehobene, unnahbare Disziplin, sondern entspringt der menschlichen Natur, der Leidenschaft und Hingabe, des Trial and Error und zuweilen auch glücklichen Fügungen. Einen Einblick in die aktuelle Forschungspraxis geben die 680 Arbeiten, die die Schweizer WissenschafterInnen im Rahmen der Ausgaben 2020 und 2021 des SNF-Wettbewerbs für wissenschaftliche Bilder eingereicht haben. An den Bieler Fototage wird eine von der Jury ausgezeichnete und im Rahmen einer Publikumswahl gekürte Auswahl gezeigt. Dadurch angeregt initiert der Produzent METEO jeweils eine audiovisuellen Komposition mit elektronischer Musik hinterlegte wissenschaftliche Videos.
Preisverleihung und Führung durch die Ausstellung in Begleitung der SchöpferInnen der Arbeiten am Donnerstag, 20. Mai, 16 Uhr.

Die vier Wettbewerbskategorien
Kategorie 1: Forschungsobjekt
Kategorie 2: Männer und Frauen der Wissenschaft
Kategorie 3: Orte und Werkzeuge der Forschung
Kategorie 4: Videos

Die Jury
Irène Hediger, Direktorin von Artists-in-Labs, Zürcher Hochschule der Künste (Schweiz), 2020, Vorsitzende der Jury 2021
Nadine Wietlisbach, Direktorin des Fotomuseums Winterthur (Schweiz), Vorsitzende der Jury 2020
Pauline Fer, Designerin, Kossmanndejong (Niederlande), 2021
Emmanuel Ferrand, Mathematiker an der Sorbonne Université (Frankreich), 2020 und 2021
Jens Hauser, Kurator (Dänemark), 2020 und 2021
Lars Lindemann, Fotochef des Magazins Geo (Deutschland), 2021
Gilles Steinmann, Leiter Bildredaktion, Neue Zürcher Zeitung (Schweiz), 2020

Bildauswahl 2017-2021 durch Studierende und Publikumswahl
Zur Feier der fünften Ausgabe des SNF-Wettbewerbs für wissenschaftliche Bilder wurde mit der Schule für Gestaltung Bern und Biel zusammengearbeitet. Die 20 Studierenden der Fachklasse Grafik der Schule für Gestaltung Bern und Biel, die von der Fotografin Anita Vozza geleitet wird, haben aus den über 2000 im Rahmen des Wettbewerbs zwischen 2017 und 2021 eingegangenen Arbeiten 50 Fotos und 15 Videos ausgewählt. Diese Auswahl wurde anschliessend für die Publikumswahl im März 2021 online gestellt.
Die Auswahl der Studierenden und die Publikumswahl ergänzen die Arbeit der offiziellen Jury des SNF-Wettbewerbs für wissenschaftliche Bilder, da durch sie der Blickwinkel der Öffentlichkeit auf die Bilder aus der Wissenschaft eingebracht wird.

Nichts stimmt mehr. Die Eltern werden schwierig, die Geschwister lästig, der eigene Körper bricht aus und Zugehörigkeit muss verhandelt werden. Gerade noch war alles so einfach, gut und böse, innen und aussen, fremd und vertraut. Aber jetzt treibt die Pubertät die Kindheit aus. Und nur eine Person versteht einen dabei. Eine einzige, die alles weiss, der alles anvertraut werden kann, die beste Freundin.

Mit ihr werden freie Nachmittage verbracht, Ärger und Liebeskummer geteilt und Kleider anprobiert. Die beste Freundin leiht einem ihr Ohr oder den tollen Ohrstecker, sie kann Geheimnisse für sich behalten und bei der Frisur beraten. Sie darf immer unter dieselbe Decke kriechen und jederzeit anrufen, sie ist besser als alle, grossartig, stark, schön, verständnisvoll und dabei doch selbst so unsicher und verletzlich – diese Ähnlichkeit beruhigt.

In ihrer Serie “Die beste Freundin” porträtiert Judith Stadler reale Freundinnen. Die Fotografin entwickelt die Porträtfotografie den technischen Möglichkeiten gemäss weiter und überhöht den Stellenwert der dokumentierten Freundschaften durch digitale Bearbeitung der Bilder. Judith Stadler ersetzt das Gesicht des einen Mädchens durch dasjenige des andern. Zu wem das im Bild nun zweifach vorhandene Gesicht ursprünglich gehört, lässt sich für die Betrachterin, den Betrachter nicht mehr entschlüsseln. Fern jeder technischen Spielerei erzählen diese Porträts von der eben so verwirrenden wie faszinierenden Identitätssuche adoleszenter Seelenverwandter. Die Serie porträtiert keine Teenager, sondern die tiefe Vertrautheit und die Fragilität ihrer Freundschaft.

Fanni Fetzer, Zürich

Als politischer Symbolträger wird er hierzulande meist belächelt oder gar gehasst – der amerikanische Cowboy. Dennoch wissen Werbestrategen, dass sie in breitesten Bevölkerungsschichten weiterhin auf die suggestive Kraft des «Marlboro Man» und seiner romantischen Freiheitspose zählen können. McDonald’s mag in der Kritik stehen, aber Fast Food gehört auch bei uns definitiv zum Alltag. Die amerikanische Autoindustrie hat es in Europa eher schwer, aber eine verrückte Stretch-Limousine für die Hochzeit oder für eine exklusive Samstagnacht wär doch schon mal was. Wir kommen nicht drum herum: Amerika prägt unsere Gesellschaft in vielen Bereichen – Mobilität, Raumplanung, Kleidung, Essen, Wirtschaft, Werbung, Film, Fernsehen, Musik, Literatur, Sprache. Amerika beschäftigt, interessiert, fasziniert, irritiert und provoziert. In jedem Fall: Amerika lässt uns nicht kalt.Genau dieses Aufeinandertreffen zweier Welten hat Geri Stockers fotografisches Interesse geweckt. Seit 2001 dokumentiert er, wie präsent fürs Auge Amerika in der Schweiz ist und stiess dabei auf die spannendsten Kontraste, umso faszinierender und irritierender, je klischeehafter die Amerikanismen sind: der Cowboy neben dem Amtsblatt, der Grand Canyon in Pratteln, die Freiheitsstatue in Winterthur, der Wilde Westen in der Urschweiz oder New Yorker Taxis in Oerlikon. Fernweh und Heimat unter einem Hut.

Die Arbeit von Marc Latzel zeichnet das wunderbare Abenteuer der «fliegenden Frauen» von Teheran nach. Jener Frauen, die keinen Zutritt haben zu Fussballstadien, die in der Stadt nicht Motorfahrrad fahren dürfen, denen es verwehrt ist, anlässlich der Hochzeit in den Männergemächern zu tanzen, denen man nach einer Scheidung den Kontakt zu ihren Kindern verbietet. Aber seit drei Jahren dürfen diese Frauen etwas: Gleitschirmfliegen. Diejenigen, die das Vogelgefühl einmal genossen haben, können nicht mehr davon lassen. So wie die 19 Jahre alte Nasim Lotfi , die 2001 den ersten Teheraner Gleitschirmflug-Wettbewerb gewonnen hat.Die iranische Hauptstadt mit ihren 12 Millionen Einwohnern zählt zur Zeit um die 60 Gleitschirmfliegerinnen. Die meisten sind Schülerinnen von Azar Farahani, der einzigen offiziellen Instruktorin im ganzen Land. Diese Pionierin stürzte sich 1993 mit ihrem Mann, einem ehemaligen Jagdpiloten, ins Abenteuer; zu einem Zeitpunkt, als das Gleitschirmfliegen noch nicht auf der Liste der für Frauen erlaubten Sportarten verzeichnet war. «Nach meinen ersten Unterrichtseinheiten habe ich derart viele Anrufe bekommen, dass ich mich dazu entschlossen habe, um eine offizielle Erlaubnis nachzufragen», sagt sie. Das Verfahren dauert 6 Jahre. Mehrmals muss Azar Farahani Videokassetten mit Aufnahmen des Unterrichts an religiöse Komitees schicken. «Theoretisch ging es um die Frage, ob es im islamischen Glauben erlaubt sei, dass Frauen fliegen», fügt die Instruktorin bei, «praktisch wollten allerdings die Behörden sichergehen, dass wir anständig bedeckt blieben».

Sie blieben es. Die über die Röcke gespannten Gleitschirmgurte lassen keinen Luft-Striptease zu. Über dem Kopftuch «wacht» ein stossfester Helm. Und die Hände stecken in Handschuhen – mit einer Ausnahme: für das Lesen im Koran vor dem Absprung…

Serge Michel

«Es waren Hunderttausende. Sie kamen tief aus dem Süden, aus Sizilien, Apulien der Basilicata und Kalabrien. Sie kamen aus dem Zentrum der italienischen Halbinsel und viele aus dem Friaul und dem Veneto. Der Norden, das war Arbeit und Einkommen, das war das Versprechen. Was sie erlebten war vielfach Entbehrung, immer Befremdung. Nur die Männer und die arbeitsfähigen Frauen sollten es am Anfang sein, die dort oben hinein durften; das sogenannte Gastland, die Schweiz, wollte Arbeitskräfte, keine neuen fremden Mitbürger.»

«Il lungo addio» zeigt einen wichtigen Aspekt der Geschichte Italiens und der Schweiz: Die Emigration italienischer Arbeiter in die Schweiz zwischen 1950 und dem Ende des Jahrhunderts.Es ist kein Zufall, dass im Rahmen der Bieler Fototage eine Ausstellung gezeigt wird, die diese Thematik aufgreift. In den 50er und 60er Jahren fanden viele italienische Emigranten Arbeit in der damals boomenden Uhrenindustrie. Biel galt denn auch lange Zeit als typische Arbeiterstadt und weist heute noch grosse fremsprachige Gemeinden auf. Aus dem Zusammenleben verschiedener Sprachen und Kulturen bezieht das bilingue Biel einen Teil seiner Identität.

Die Ausstellung steht zudem in direktem Zusammenhang mit dem Festivalthema, der Reportagefotografie. Das Medium Fotografie will seinem dokumentarischen Charakter gerecht werden, Zeugnis ablegen, Geschichten erzählen. Jedes Bild legt Zeugnis ab und erzählt eine «vollständige Geschichte » -stellvertretend für die Geschichten von hunderttausend, insgesamt wohl Millionen von Emigranten.

Verschiedene Themen werden dabei fotografisch aufgegriffen: Die Vorbedingungen der Emigration – wirtschaftliche, politische, kulturelle. Die Abreise, die Reise – ein Leitmotiv wie die verschnürten Koffer. Der Grenzübertritt – Ankunft, erste Kontakte. Die Arbeitsplätze – Arbeit, Unterkunft, Wohngegenden. Die Freizeit – Feiertage, Feste. «Viele Sehnsüchte, öfter das Heimweh. Und manchmal der Versuch, zurückzukehren.»

Textauschnitte aus «Il lungo addio. Der lange Abschied», Dieter Bachmann

Justo Gallego Martínez steht ausserhalb sämtlicher Normen. Bis zu seinem 40. Lebensjahr war er Trappisten-Mönch. Danach wurde er Konstrukteur und Bauherr in einer ganz speziellen und eigenen Sache: Seit über 40 Jahren arbeitet er an einem grossen aussergewöhnlichen Werk. Bei dem Werk handelt es sich um nichts weniger als um eine Kathedrale. Sie ist in einem Vorort von Madrid im Entstehen begriffen, 55 Meter lang, 25 Meter breit und 50 Meter hoch.Um die Konstruktion des Bauwerks vollenden zu können, greift er auf rezykliertes Material zurück, das er sich dank Spenden von Firmen aus der Umgebung beschaffen kann und das er anschliessend bearbeitet und einbaut. Mit seiner Arbeit, so seine eigenen Worte, will er sich Gott immer stärker annähern. Der Glaube lebt fest in ihm, und entmutigen lässt er sich durch nichts und niemand. Er arbeitet ohne Unterlass, sechs Tage in der Woche, zehn bis zwölf Stunden am Tag. Einzig am Abend nimmt er eine kurze Mahlzeit zu sich. Nur unter diesen strikten Bedingungen, ist er überzeugt, kann ein Mensch ein derartiges Werk vollenden. Was er am meisten fürchtet, ist die Vorstellung, bald einmal nicht mehr über die nötige Kraft zu verfügen, um sein Werk beenden zu können, das in einer ersten Zeit Anlass gab zu Hohn und Meinungsverschiedenheiten mit den Bewohnern des Vororts und jetzt Bewunderung hervorruft.

Der ein wenig verrückte Traum von Gallego ist bereits überdacht und überkuppelt. Womöglich wird aus der Kathedrale schon bald ein Touristenmagnet oder – wieso nicht? – ein Wallfahrtsort. Voraussetzung ist, dass sich die Wirtschaftsvertreter in ihren Machtzentralen nicht anders entscheiden. Es liegt tatsächlich im Bereich des Möglichen, dass das Bauwerk wieder abgerissen wird. Zur Zeit allerdings macht es den Anschein, dass sich das Unmögliche behaupten kann und die Energie und der Glaube aus Demut obsiegen. Früher wurden die Kathedralenkonstrukteure und -erbauer in ihrer Gesamtheit gelobt. Diesmal gebührt das Lob einem Einzigen.

Pierre Montavon

42 Quadratzentimeter Haut, keine verborgene Region und doch kaum beachtet, vom Leben gezeichnet, gestaltet und geprägt, aussergewöhnlich und einmalig bei jedem Menschen: Der Ellbogen, Stelle des Arms, an der Ober- und Unterarm zusammentreffen.

Es gibt sie noch, die kleinen Dorfskilifte. Einer davon ist der Skilift von Schüpfheim im Entlebuch. Hinter der Kirche und dem Friedhof liegt noch ein Acker und dann folgt bereits ein kleines Kabäuschen – die Talstation. Rot-weiss karierte Vorhänge zieren das Pistenrestaurant.
Eine Tafel wirbt für Ovo und heisse Wienerli – mit Brot, nicht mit Pommes Frites! Von der Talstation führt der Lift vielleicht drei-, vierhundert Meter den Hügel hinauf. Das ist alles. Viele haben an solchen Liften den Stemmbogen gelernt. Kindheitserinnerungen sind mit rasanten Abfahrten, wagemutigen Sprüngen und spektakulären Stürzen verbunden.Doch diese Idylle ist gefährdet – in Schüpfheim und anderswo. Die Lifte liegen meist auf Höhenlagen unter 1000m und müssen je länger je mehr mit wenig bis keinem Schnee rechnen. So konnte zum Beispiel in Schüpfheim 1999 nur an 15 Tagen Ski gefahren werden und im Jahr 2000 nicht einmal an einem einzigen Tag. Der Klimawandel wird diese Tendenz noch verstärken. Und was das Klima nicht schafft, besorgen die Konkurrenz der grossen Skiarenen und die steigenden Ansprüche der Snöber und Skifahrer/-innen. In einer Welt der Businesspläne, Wachstumskurven und Sparmassnahmen gibt es keinen Platz für Dorfskilifte.

Oder vielleicht doch? In die Dorfskilifte wird viel Herzblut und persönliches Engagement gesteckt – davon können kommerzielle Unternehmen nur träumen. Der Betrieb wird meistens von Bauern geführt, die für ein geringes Entgelt arbeiten und mit einem kleinen Budget allfällige Reparaturen und Unterhaltsarbeiten selbst durchführen. Handarbeit und persönlicher Einsatz sind gefragt – und viel Fronarbeit. Für das Spannen der Kabel, das Einhängen der Bügel, das Präparieren der Piste. Aber wenns dann mal schneit, lassen die Kunden nicht lange auf sich warten. Schulklassen aus dem Dorf verlegen an schönen und schneereichen Tagen den Unterricht spontan auf die Skipiste. Und wer frei hat, ist sowieso am Lift. Denn: Wo gibts heute noch Tageskarten für fünf Franken?!

Marion Nitsch

Wer Rumänien besucht, wird früher oder später auf den Dacia stossen. Beim Dacia handelt es sich um die lokal adaptierte Version des alten Renault 12. Der Dacia lief, nachdem Frankreich eine Renault-Lizenz an Nicolae Ceaucescu verkauft hatte, erstmals 1969 vom Werkband der Firma Mioveni bei Pitesti. Bis zum heutigen Tag sind 2’300’000 Stück produziert worden.

Das Auto wird zu einem bescheidenen Preis verkauft (circa 4000 Euros) und ist deshalb unter allen Modellen, die es in Rumänien zu kaufen gibt, das erschwinglichste. Es kann auch von Personen, die alles andere als reich sind, erstanden werden. Obwohl mindestens 50% sämtlicher Immatrikulationen in Rumänien auf einen Dacia ausgestellt werden, wird die Produktion demnächst eingestellt.Trotzdem: Der Dacia ist der Stolz der Rumänen. Jeder «glückliche» Besitzer wird Sie gerne und höchstpersönlich über seinen Dacia aufklären. Er wird beispielsweise sagen: Meiner stammt aus dem Jahr 1982, er hat 1310cm³ und braucht höchstens 8 Liter auf 100 Kilometer, er hat schon 167’000 Kilometer auf dem Zähler, ist immer noch top beieinander und schafft jede Strecke, aber wirklich jede – kein Wunder, bei diesen Strassenverhältnissen!

Den Dacia gibt es in verschiedenen Modellen und Varianten: als Limousine, als Kombi, als Geschäftstransporter oder als Pickup; er fühlt sich sowohl im Stadtverkehr als auch über Land wohl, man kann ihn spontan zum Picknickauto oder zum Taxi umfunktionieren. Technikverwöhnte Westler werden die Mundwinkel verächtlich nach unten ziehen und sagen, das Auto sei derart miserabel gebaut, dass jedes Modell ein Unikat sei, das von Panne zu Panne holpere. Diese Kostverächter machen ihre Rechnung aber ohne die «Besitzerwirte» der Dacias: Es kommt häufig vor, dass man sich untereinander organisiert und einem Daciafreund, der mit einem defekten Teil am Strassenrand steht, aus der Patsche respektive aus der Panne hilft.

Durch ihre fotografische Ermittlung versucht Laurence Rasti, den in Genf lebenden Menschen mit Migrationshintergrund, eine Stimme zu geben. Diese Frauen und Männer ohne Aufenthaltsbewilligung, auch «sans-papiers» genannt, sind Teil der eigentlichen Identität von Städten. Tausende von ihnen werden jedoch stigmatisiert, scheinen nicht willkommen, werden zuweilen gar kriminalisiert und ihrer Grundrechte beraubt. Diese dokumentarische Arbeit umfasst einerseits in unterschiedlichen urbanen Kontexten realisierte Farbporträts dieser Menschen und andererseits Bilder der Institutionen und Organisationen, die sie beherbergen und deren Aufnahme- und Betreuungsverfahren manchmal widersprüchlich sind. Sie nehmen diese Menschen nicht nur auf, sondern sperren sie paradoxerweise auch ein, weisen sie weg und schaffen sie manchmal sogar aus. Das Festival präsentiert eine Auswahl von urbanen Porträts im öffentlichem Raum.

Enquête photographique 2019, Stadt Genf

Herstellungsjahr: 2019

«Meine Arbeit war in den vergangenen Jahren fokussiert auf Öl und Wasser – die zwei global massgeblichen Flüssigkeiten, welche die Unterströmung bilden für jegliche Auseinandersetzung mit ökologischen Fragen, weil sie tiefgreifende Veränderungen im Naturhaushalt des Planeten bewirken. In Deep Weather stelle ich eine Verbindung her zwischen der unablässigen Suche nach fossilen Brennstoffen mit ihren schädlichen Auswirkungen auf das Klima und den Folgen, welche diese Suche für die einheimische Bevölkerung in entlegenen Gebieten dieser Welt hat. Der erste Teil des Videos kommentiert die riesige Abbaugrube für Teersand inmitten des weitläufigen Nadelwaldgürtels in Nordkanada. Der zweite Teil setzt sich dann mit den Auswirkungen des Schmelzens der Eisfelder am Himalaja auseinander: weltweit steigende Meerwasserspiegel, geothermische Katastrophen und extreme Wetterphänomene, welche die Lebensbedingungen in Bangladesh zunehmend beeinflussen. Das Video dokumentiert auch die gigantischen gemeinschaftlichen Anstrengungen, Schutzdämme aus Lehm aufzuschütten.»

Herstellungsjahr: 2013

Im Rahmen des Festivals lädt das Photoforum Pasquart den Künstler Salvatore Vitale ein. Seine Arbeit Decompressed Prism  präsentiert eine Kombination aus fiktionalen und dokumentarischen Elementen, Videoarchiven, Texten, Sounddesign und Daten. Die digitale Installation konfrontiert die BesucherInnen mit einem ebenso bedrohlichen wie verspielten Erfahrungsraum, in dem die Themen Überwachung, Empathie, Raum und Körper verhandelt werden. Dabei enthüllt der Künstler die Paradoxe, die sich hinter der systemischen Logik allgegenwärtiger Überwachung von automatisierten Sicherheitsanwendungen verbergen.

Durch die Auseinandersetzung mit verschiedenen Überwachungstechnologien in Polen, der Slowakei, der Schweiz und Italien stellt der Künstler die Frage, wie sich diese Technologien auf unsere Beziehung zur Welt und zu uns selbst auswirken. Gleichzeitig erforscht Decompressed Prism die Vorstellung von Körpern zwischen Digitalisierung und Realität, die Gefahr läuft, zu einem von der Technologie kontrolliertem Produkt zu werden. Auf der Grundlage zeitgenössischer philosophischer und soziologischer Texte imaginiert der Künstler eine andere Realität, in das Publikum aufgefordert ist, die Möglichkeiten einer Gegenerzählungen zu imaginieren.

Curator: Jana Johanna Haeckel

Herstellungsjahr: 2022

Sara-Lena Maierhofer tritt als Ermittlerin auf, sie erstellt ein Profil des aussergewöhnlichen Lebens eines Fremden und konstruiert auf diese Weise das Szenario für ihr Werk. Dieses  Vorgehen wendet sie bei dem Hochstapler Clark Rockefeller (alias Christian Karl Gerhartsreiter) an. In ihrer Arbeit „Dear Clark,“ beleuchtet sie, auf halbem Weg zwischen Fiktion und Dokumentation, aus der Distanz diesen Betrüger, der gerne mit verschiedenen Identitäten durch die Welt reist. Die Fotografien, Collagen, gefundenen Dokumente oder Videos zeichnen den Weg der Ermittlungen nach, deren Ziel es letztlich war, die Identität einer Person festzuhalten, die sich in ständiger Verwandlung befindet.

Herstellungsjahr: 2011

Während vier Jahren begleitete Will Steacy die Zeitung Philadelphia Inquirer mit dem Ziel Momente der Veränderung der Zeitung zu erfassen um ein Porträt der Entwicklung der amerikanischen Zeitungsbranche in einem grösseren Kontext zu erschaffen. Denn Will Steacy interessiert, inwiefern die Verschiebung der Technologie und die Verbreitung von Informationen durch das Internet, nicht nur Auswirkungen auf das Zeitungsgeschäft hat, wie Deadline zeigt, sondern auch auf die amerikanische Gesellschaft als Ganzes. Er sieht im Verlust der Zeitungen den Verlust der Berichterstattung, der Gesellschaft und des Selbst.
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: 2009-2013

Die Bilder von Lucas Dubuis durchleuchten unser Verhältnis zur Darstellung von Leben und Tod: Sie hinterfragen den Pragmatismus im Umgang mit Verstorbenen in unserer Gesellschaft und die symbolische Bedeutung von Bestattungsritualen im Kontext eines streng katholischen Dorfes. Für sein Werk, das in einer Publikation erschienen ist, hat der Fotograf mehrere Monate lang Dominique Theurillat, einen Bauern und Bestatter in Les Breuleux im Schweizer Jura, begleitet. Der Bildkorpus, der zum ersten Mal öffentlich präsentiert wird, zeigt den Alltag eines Mannes, der seine Zeit zwischen seinen Aufgaben auf dem Hof der Familie und der Betreuung der Verstorbenen der Region aufteilt.

Der Fotograf verschafft so einen parallelen Einblick in die Welt des Bauernhofs und jene der Leichenhalle, die Welt der Lebenden und jene der Toten, zwei Universen, die zugleich gegensätzlich, aber auch ähnlich sind und sich ergänzen. Eine Metapher des menschlichen Daseins, bei dem die Wärme des Stalls und die sterile Kälte einer neonbeleuchteten Leichenhalle nicht weit auseinanderliegen. De la terre à la terre nimmt auch Bezug auf den Vers aus dem Buch Genesis, in dem die ungehorsame Menschheit mit Arbeit und dem Tod bestraft wird: « Im Schweisse deines Angesichts wirst du dein Brot essen, bis du zurückkehrst zur Erde, denn von ihr bist du genommen. Denn Staub bist du, und zum Staube wirst du zurückkehren. »

Herstellungsjahr: 2019-2023

Seit dem Kalten Krieg ertönt in Holland jeden ersten Montag des Monats (« eerste maandag van de maand ») ein Alarm, der die Bewohner vor sich nähernden Gefahren warnen soll. Der Alarm dauert genau 1 Minute und 26 Sekunden. 2020 wird die Sirene ein letztes Mal ertönen. Thomas Kuijpers hat 2014 damit begonnen, die Szenen zu drehen. Sein Video illustriert die Absurdität der Beziehung zwischen diesem Alarm und der friedlichen Umgebung, in der er ertönt.

Herstellungsjahr: 2015

Herstellungsjahr: 2020

Es gab einmal ein Photographengässchen. Das begann oder endete im südwestlichen Teil des Centralplatzes in Biel, gehörte aber weder zur Bahnhofstrasse noch zum Unteren Quai, sondern lag dazwischen, führte in einen Hinterhof – und verlor schliesslich seinen Namen. Namenlos weiterzubestehen, das ist für eine Strasse, und sei sie noch so unbedeutend, schon seltsam genug. Ungewöhnlich ist aber auch der verlustig gegangene Name selbst. Im heutigen Orts- und Flurnamenverzeichnis der Schweiz taucht nur ein einziges Mal eine «Rue des Photographes» auf – sie liegt in Genf; eine «Ruelle des Photographes» ist jedoch weit und breit nirgends zu finden.Grund genug, das einstige Photographengässchen in Biel wieder zu beleben und ihm den alten Namen erneut zu verleihen. Den alten Namen – passt der, passte er je? Was hatte denn diese enge, unauffällig zwischen zwei Häuserzeilen gelegene Passage mit dem Weitblick der Fotografie zu tun? Eine Erklärung lautet so: Wer das Photographengässchen verlässt – so, wie er gekommen ist, denn der einstige Durchgang in die Bahnhofstrasse steht heute nicht mehr offen – und über den Schüsskanal in Richtung des Jura-Südhangs schaut, blickt exakt an jene Stelle, an der während 70 Jahren der «Photo Bandi» tagein, tagaus seine Ladentüre geöffnet hatte. In diesem Fotoatelier und -geschäft haben Fritz Bandi und seine Mitarbeiterin und Nachfolgerin Ruth Patzer mit unermüdlicher Leidenschaft und Sorgfalt die Gesichter von Jung und Alt aus Biel und der Umgebung fotografisch festgehalten.

Das Aufkommen von Passfotoautomaten, digitalen Kameras und der Foto-Bearbeitung am Bildschirm hat den traditionellen Beruf der Porträt-FotografInnen verdrängt. Übrig geblieben sind die Bilder: im Fall des «Photo Bandi» der Bestand von schätzungsweise 50’000 Schwarzweiss-Negativen. Diese Porträts aus vier Jahrzehnten hat das «Regionale Gedächtnis» – ein Projekt von W. Gassmann AG, das sich um die Sammlung regionalhistorischer Fotografien und Filme bemüht – vor der Vernichtung gerettet. Das Archiv Bandi wird nun erstmals auszugsweise in der Öffentlichkeit präsentiert.

Manuela Di Franco

Die in situ Installation von Luzia Hürzeler erforscht die Beziehung zwischen Bild und Objekt sowie zwischen einem Objekt und dessen «Double», und spielt mit dem Gegensatz innen-aussen. Das eigens für das Festival kreierte Werk untersucht die nicht wirklich fassbare Durchlässigkeit zwischen dem Sich und dem Gegenüber, zwischen Illusion und Realität. Der Kunstraum Juraplatz wird mit seinem «Doppel» auf dem Brühlplatz in Verbindung gebracht und bietet den BesucherInnen ein Ausstellungsdispositiv, in dem sich Fotografie und Architektur vermischen.

Herstellungsjahr: 2019

2008 beginnt für die Bewohner des Alters- und Pflegeheims Pasquart ein neuer Lebensabschnitt: Sie verlassen die Räume des westlichen Flügels des Gebäudekomplexes und ziehen in einen Neubau um. Die Fotoreportage dokumentiert die Zeit vor dem Umzug und wie diese von den älteren Menschen erlebt wird. Die Fotos von Alltagssituationen aus dem Alters- und Pflegeheim geben Aufschluss über ihre Haltungen, Wünsche, Grenzen, Interessen und Neigungen.
“Ich besuchte die Bewohner mehrmals und tastete mich langsam an ihren Lebensrhythmus, an ihre Gewohnheiten und Eigenheiten heran. Dabei begegnete ich ihnen mit grossem Respekt und legte Wert auf ihre Würde. Ich konzentrierte mich auf die Beziehung zwischen Körper und Umgebung und deren Ausdruck. Die Porträts der ausgewählten Personen sind so angelegt, dass die Betrachtenden den Eindruck erhalten, als würden sie mit diesen Menschen tagtäglich zusammenleben.”

Im seichten Bachbett der kleinen Schüss, in der Bieler Seevorstadt, werden die Aufnahmen während der 10. Bieler Fototage im Wasser schwimmen. Durch die Präsentation der Fotografie im fliessenden Wasser wird die Idee des Lebenslaufs, des spezifischen Lebensabschnittes der Menschen an diesem Ort verstärkt.

Die Dokumentarserie Dans les plis de la ville ist das Ergebnis einer Spurensuche am Pariser Stadtrand, den die Künstlerin systematisch zu Fuss erkundet hat. Die Stadtansichten von Emmanuelle Bayart zeigen das «Unbewohnbare». Abgebildet sind Körper, die es schwierig machen, das Innere und das Äussere, das Private und das Öffentliche zu trennen. Die sorgfältig komponierten Bilder schwanken zwischen Not und Zauber, sie stellen Fragen zu unseren demokratischen Werten und dem Zusammenleben in der heutigen Gesellschaft.

Herstellungsjahr: 2012-2018

Agrarsubventionen, erhöhte Milchproduktion bei stetig sinkenden Preisen sowie das Freihandelsabkommen zwischen der EU und der Schweiz – all das erschwert das wirtschaftliche Überleben der Schweizer Landwirte. Immer mehr Kleinbetriebe verschwinden, zudem wurden vermehrt Fälle von Suizid bekannt. Während einige Betriebe den Ausweg in der Industrialisierung sehen, versprechen Marktnischen einen möglichen Erfolg: Wasserbüffel, Zebus, Bisons, Kängurus, Strausse, Seidenraupen, Shrimps, Kaschmirziegen, Lamas und Kamele. Einige Landwirte haben sich schon auf dem Markt etabliert und andere expandieren noch. Neben der wirtschaftlichen Situation spielt auch die Liebe zu den Tieren eine sehr zentrale Rolle.

Herstellungsjahr: 2016

Die interaktive Installation Cursor, Caressor, Eraser erkundet das erotische Potential eines berührungsempfindlichen Interface. Eine Oberfläche übersetzt Streichelbewegungen von Benutzern in projizierte Bilder aus fotografisch anmutenden Körperlandschaften. Diese werden in langsamen Überblendungen schichtweise überlagert und wieder ausgelöscht. Die Abfolge macht das Spannungsfeld von Berührung und körperlicher Begegnung zu Thema: Vergessen und Erinnern, Wiedererkennen und Fremdsein. Eine einfache Geste erzeugt eine Reihe von reichhaltigen Variationen.

Herstellungsjahr: 2010

Das Photoforum Pasquart bietet für diese Ausgabe der Bieler Fototage, unter dem Titel Cracks, der Künstlerin Małgorzata Stankiewicz eine Carte Blanche an.

Jahrhundertelang und entgegen aller Erwartungen widerstand der Białowieża-Urwald dem barbarischen Verhalten der Menschen auf seinem Gelände. Doch 2016 hatte der neue polnische Umweltminister Jan Szyszko, unter dem Vorwand zu dessen Schutz zu handeln, einen gross angelegten Holzeinschlag in den Gebieten genehmigt, die bis dahin von jeglichem menschlichen Eingriff bewahrt waren.

Obwohl in den letzten Jahren so viel über die Umwelt gesprochen wurde und ihr Schutz ein dringendes und überfälliges Bedürfnis ist, wurde der letzte Urwald Europas zwei Jahre lang auf Anweisung derer, die ihn schützen sollten, abgeholzt. cry of an echo versteht sich als persönlicher Protest der Künstlerin, als ihre persönliche Stimme des Widerstands; die Bilder sind eine Metapher für das drohende Unheil der unwiederbringlichen Zerstörung der Natur.

Das Projekt wurde während eines einmonatigen Aufenthaltes als Freiwillige im Nationalpark Białowieża im Frühjahr 2016 realisiert. Es umfasst insgesamt 46 Bilder, die absichtlich durch Maskierung, chemische Verunreinigung, ungleichmässige Entwicklung, Bleichen und Retuschieren misshandelt wurden. Ursprünglich als handgemachtes Künstlerbuch konzipiert, gewann cry of an echo2017 den Unseen Dummy Award und das Buch wurde im September 2018 vom niederländischen Verlag Lecturis veröffentlicht.

Herstellungsjahr:  2016

Thierry Fontaine thematisiert einerseits das Verhältnis zwischen Nord und Süd, sprich Réunion und nennenswerte Metropolen, im Kontext des Postkolonialismus. Andererseits ist die Frage der Identität und Selbsterkenntnis ein wesentlicher Bestandteil seiner Arbeiten. Indem Thierry Fontaine sein Gesicht mit verschiedensten Materialien bedeckt, die Sinne zum Ersticken bringt und die Frage nach der Hautfarbe durch Materialien verhüllt, bringt er Stigmatisierungen ans Licht und verdeckt diese gleichzeitig wieder. Thierry Fontaine versucht in seinen Fotografien die Klischees zu dekonstruieren.
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: seit 1996

Ein Projekt der Kunstvermittlung der Bieler Fototage unter der künstlerischen Leitung von Claudia Breitschmid, in Zusammenarbeit mit dem Regionalgefängnis Biel.Fotografische Bilder sind in unserem digitalen Zeitalter omnipräsent, doch existieren Orte wie das Gefängnis, wo Bilder nur bedingt zugänglich sind. Das Projekt “Création d’espaces photographiques“ widmet sich dem Dialog (und damit verbundenen Widerständen) zwischen Gefängnis und Festival mittels dem Medium Fotografie.

Die ausgestellten Arbeiten wurden im Rahmen der  Workshops von Insassen des Regionalgefängnis Biel geschaffen. Räume erfahrbar sowie Standpunkte und Sichtweisen,die nicht für alle Beteiligten zugänglich sind, sichtbar machend, ermöglicht dieses Projekt eine reale Reflektion über die Fototgrafie als Ausdruck und künstlerisches Medium.

Inspiriert von bestimmten Vorstellungen von Überwachung und der exzessiven Nutzung von Schönheitsbehandlungen imaginiert die Fotoserie Cosmic Surgery medizinische Verfahren, die in der Zukunft angewendet werden könnten. Indem Haser die Fotografie mit komplexen Origami-Techniken kombiniert, erweitert sie in ihrem Werk die Grenzen der herkömmlichen Porträtfotografie und versucht, die Sorgen und Ängste kommender Generationen darzustellen. Gesichtsmerkmale werden vervielfacht und verformt; sie erinnern an kubistische und surrealistische Bilder. Jedes Werk wird zu einem Kaleidoskop von charakteristischen Gesichtszügen und kuriosen Formen, die den Rezipienten mit ihrer komplexen Konstruktion verunsichern und gleichzeitig zur näheren Betrachtung einladen. Hasers Porträts deuten auf versteckte Narrative hin, in denen der/ die BetrachterIn seiner Fantasie freien Lauf lassen kann.

Herstellungsjahr: 2016

«Auf dem Weg der Verbote trennte sich der Mensch vom Tier. Er versuchte dem masslosen Spiel des Todes und der Fortpflanzung (der Gewaltsamkeit), in deren Macht das Tier sich ganz und gar befindet, zu entrinnen. Doch auf dem sekundären Weg der Überschreitung näherte sich der Mensch dem Tier wieder. Er erblickte im Tier, was der Verbotsregel entgeht, was der Gewaltsamkeit (dem Exzess) offen bleibt: der Gewaltsamkeit, von der die Welt des Todes und der Fortpflanzung beherrscht wird.» Georges Bataille «Die Erotik»

Im Stierkampf findet sich auf unvergleichliche Weise eine Komprimierung von «Eros und Tod» an einem einzigen Ort: der Plaza de Toros. Als Zuschauer nehmen wir an diesem atemraubenden Geschehen teil, das uns im gleichen Mass fasziniert wie erschüttert und dem wir tatsächlich von Geburt an selbst unterworfen sind.Der ursprünglich moralische Ausgangspunkt meiner fotografischen Annäherung an dieses unvergleichliche und radikale Opferritual führte mich in eine unerwartete und widersprüchliche Welt, in einen Mikrokosmos von Leidenschaft und Tod, deren Offenbarung an Festtagen in Spanien und Südfrankreich mich in Bann nahm und sich mit zunehmendem Wissen vom moralischen Kontext entfernte.

Die Betrachtung des Todes – beim Stierkampf während eines rituellen Festes mit dem Matador und den Toreros, Picadores und Banderilleros als Hohepriester, dem Toro mit seiner fünfhundert Kilo schweren Urkraft eines wilden Tieres und von Natur aus dem Menschen an sich überlegener Hauptdarsteller, auf den sich alles ausrichtet und von dem fast alles abhängt – ist doch aus unserer medienfixierten Entrüstungsgesellschaft nicht mehr wegzudenken. Und auch wenn spanische Liveausstrahlungen von Corridas nach der Grenze dank Euro-Codierung nicht mehr empfangen werden können, nehmen wir täglich über unsere nicht codierten Fernsehsendungen, News wie Fiction, an Ritualen von Eros und Tod teil, vornehmlich mit Menschen, mit Kindern, Frauen und Männern, mit Soldaten, Zivilisten, Verhungernden und Verlierern, mit Entwürdigten und Opfern.

Der Stierkampf sei Tierquälerei, klagen Kalb-, Rind- und Schweinefleisch verzehrende Mitteleuropäer, die sich jedoch kaum um die Tierhaltung unserer nationalen und internationalen Fleischressourcen kümmern. Sie wissen darüber so wenig wie über die Corrida, der sie mit undifferenzierter Emotionalität und Vorurteil entgegentreten.

Meine Arbeit kann dem Tod seinen Schrecken nicht nehmen. Der Stierkampf auf der Plaza de Toros bleibt eine uns scheinbar fremde Metapher für den Triumph des Geistes über die Kraft.

Giorgio von Arb

Die Serie Copyride umfasst 60 Bilder. Durch Aline Zeltners spielerische Handlung mit einem Farblaser-Kopierer, wird die eigentliche Funktion des Gerätes, nämlich die Erstellung exakter Kopien, aberkannt und wird zu einem Medium das Originale erstellt. Diese Originale entstehen im kurzen instabilen Moment des Druckes (Bewegung des Papiers), womit die eigentliche Funktion des Farblaser-Kopierers pervertiert wird. Die Serie Copyride weist eine fröhlich-farbige Bildsprache und Leichtigkeit auf, unter die sich ein kritischer Blick mischt, ein befragen der Welt.
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: 2011

„Coming Soon“ ist eine Fotoserie von Natan Dvir, die in New York aufgenommen wurde. Sie hinterfragt das Zeitalter der omnipräsenten Werbung, in dem wir leben. Im Hintergrund sind kurzlebige, monumentale Werbeplakate in knalligen Farben zu sehen, die die Eröffnung eines Kaufhauses ankündigen; im Vordergrund sieht man Passanten oder Strassenverkäufer, die zu passiven Zuschauern ihrer Stadt geworden sind und deren Werbung ausgesetzt sind. Die Aufnahmen mit ihrer grellen Ästhetik werden zu dynamischen Bildern dank der subtilen Ausschnittswahl des Künstlers und der Aneinanderreihung der gesamten Serie.

Herstellungsjahr: 2008-2014

Das Badezimmer ist Ort der Begegnung mit Claude. Die Badewanne Stätte eines täglichen Rituals. Die Härte der weissen Kacheln, des Chromstahls, geht einher mit den Wunden am geschundenen Körper.
Auf den ersten Blick ein Missbrauch für das Auge der Betrachter.

Claude scheint sich im Wasser zu verstecken, sich in der Reinheit verkriechen zu wollen, wie andere unter einer warmen Decke.
Die weichen Linien des Körpers fügen sich symbiotisch in die Symmetrie des Raums und bilden mit auftauchenden Symbolen eine ästhetische Komposition. Mit penibler Sorgfalt reinigt sich der Protagonist von der Haarwurzel bis in die Ritze zwischen dem vierten und dem kleinen Zeh. Begleitet von besänftigenden Worten eines Monologs; sie klingen nach Versöhnung.
Claude akzeptiert seine Sucht. Eine Reise, die für den Heilpädagogen vor dreissig Jahren ihren Anfang nahm. Mit der Zeit weicht der Monolog einem beinahe fröhlichen Singsang. Der Betrachter mag an Lieblichkeit denken. Und versteckt sich. Scheinbar.

Der Bieler Fotograf Enrique Muñoz García hat sich als Wirkungsstätte für diese Arbeit ausschliesslich auf die drei Zimmer in Claudes Wohnung konzentriert.
Die Klanginstallation der Bieler Soundtüftler Christian Müller und Gaudenz Badrutt der Gruppe ‹strøm› runden “Claude” zu einer audiovisuellen Erfahrung ab. Das Projekt besteht aus dem 45-minütigen, ungeschnittenen und unbearbeiteten Dokumentarfilm, einer Fotoreportage, Videoanimationen und Musik.

Simone Lippuner, Journalistin

„Cíclope“ zeigt eine Geste: eine Hand taucht Bilder in einen Behälter mit sich im Kreis drehenden Wasser und führt damit deren Auflösung herbei. Die Bilder «verlöschen» nach und nach, bis das bewegte Wasser nur noch eine schwarze Scheibe darstellt: Das Auge des Zyklopen. Im Video sind die Konzepte, die Oscar Muñoz am Herzen liegen, enthalten: Die Erinnerung, das Vergessen, der vergängliche Charakter der Erinnerungen und des Lebens selbst.

Herstellungsjahr: 2011

„China Western“  reflektiert die von vielen Einflüssen geprägte und ambivalente politische Aktualität von Xinjiang, der westlichsten Provinz Chinas, die reich ist an Öl- und Gasvorkommen und zudem strategisch wichtig, da sie am Weg liegt zu den chinesischen Ölfeldern in Kasachstan. Die Eingeborenen, die moslemischen Uiguren türkischer Herkunft, haben ihre Kultur verloren und fordern die Unabhängigkeit ihres Ostturkestans. Sie unterhalten Kontakte zu den Han-Chinesen, die hierher umgesiedelt wurden, hier arbeiten und Fortschritt und Bildung ins Land brachten.

Herstellungsjahr: 2006-2008

Durch die Fotografie und das Schreiben ist Hazuki Natuno in der Lage, die Grenze zwischen Leben und Tod zum Ausdruck zu bringen. Die Serie Change of Life rankt sich um Konflikte und Reproduktion innerhalb der Familiengeschichte, sowie um den Kampf gegen eine psychische Erkrankung. Über die Fotografie als ein Medium um Empfindungen Ausdruck zu verleihen sagt sie: „Die Kamera ist geheimnisvoll. Bewegt man einen Finger, können Fotografien im Krankenhausbett, sogar in der Ambulanz aufgenommen werden, man kann sein Leben und seinen Geist dokumentieren.”
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: 2010

Fotoinstallation in Zusammenarbeit mit visarte. 660 Fotos in 420 Bilderrahmen.

Ausgangspunkt meiner Ausstellung war das Thema der diesjährigen Bieler Fototage «de la vie à la mort – de la mort à la vie.» Für mich stand fest: Ich wollte eine Installation machen, die den Raum mit einbezieht. Alles andere war anfangs Juni noch offen. Ich durchsuchte also meine Negative – die Schachtel mit den Fotos, die ich nie einordne…

Ich fand viele Fotos: Passfotos, die ich über Jahre immer wieder in den billigsten Fotoautomaten gemacht hatte, zahllose Polaroidfotos von mir! Plötzlich bekam ich grosse Lust, mal alle Fotos, auf denen ich allein abgebildet bin, zu sichten und zu sammeln.Ich machte mir selbst eine Auflage: «Alle Fotos, die ich finde, will ich unzensuriert scannen. Das wird die Grundlage der Ausstellung sein.» Später kamen aber auch oft Zweifel auf, ob ich das wirklich machen wolle. Die Flut von Fotos löste viele Fragen und Erinnerungen aus: Die Konfrontation mit meinem Leben und die Frage nach dem Sinn dieser Arbeit. Trotzdem hielt ich die Entscheidung, die Installation auf diese Art zu machen, immer für richtig.

Während der Arbeit an der Installation war es sehr spannend zu sehen, wie sich eine Foto verändert – je nachdem, in welchen Rahmen ich sie einspannte.

Erst am Montag vor der Eröffnung der Ausstellung konnte ich erkennen, dass die fertige Installation auch tatsächlich dem Bild entsprach, das ich als Idee ursprünglich im Kopf hatte. Das einzelne Bild ist schlussendlich in der Installation unwichtig. Alle Bilder zusammen erlauben aber einen Einblick in ein Leben und in dessen Vergänglichkeit.

Carla Etter

Die Bilder zeigen und dokumentieren die Girl-Shows, die ich in Neuengland in den Sommern 1973, 1974 und 1975 besucht habe. Die Frauen, die ich bei dieser Gelegenheit kennenlernte, waren zwischen 17 und 35 Jahren alt. Die meisten von ihnen stammten ursprünglich aus Kleinstädten, die sie auf ihrer Suche nach Mobilität, nach Geld, nach der grossen weiten Welt und einem anderen Leben als das, das ihnen vorgeschrieben oder vorgezeichnet schien, verlassen haben. Der Jahrmarkt bot ihnen die Gelegenheit, das «alte Leben» hinter sich zu lassen. Es waren Ausreisserinnen, Freundinnen von Schaustellern und Klubtänzern, sie arbeiteten mal hier mal dort, nie fest, aber immer professionell. Sie wurden bar bezahlt, 15 bis 50 Dollar pro Nacht, Spesen wurden dabei vorgängig abgezogen.Die Frauen agierten auf einer mobilen Showbühne auf einem Lastwagen. Die Bühne bestand aus zwei Teilen: Einer «öffentlichen» Zone, die von überall her einsehbar war und als Anwerbefläche genutzt wurde, und einer von einem Zelt überdeckten Fläche für «private Treffen». Die beiden Bühnen waren jeweils durch eine Garderobe getrennt. Immer und immer wieder, Tag und Nacht bewegten sich die Frauen von der hinteren auf die vordere Bühne und zurück, begleitet von den plärrenden Werbesprüchen der Anheizer, welche die Menge von einem Ort zum anderen zu locken versuchten, wo die Frauen jeweils für die Dauer einer Single-Schallplatte performten. Das Publikum war ausschliesslich männlich. Man konnte vom Farmer bis zum Banker alles sehen, Väter besuchten die Show mit ihren Söhnen, nie aber «Frauen und kleine Kinder» («no ladies and no babies, please»). Die Budenstadt verweilte jedes Jahr jeweils drei bis fünf Tage an einem Ort, dann wurde abgebrochen, die Trucks wurden beladen und die Karawane brach auf zur nächsten Station, mit den Frauen im Schlepptau. Das Leben «on the road» erschöpfte sich in Essen, Bars und Motelrooms, die Stunden verstrichen zäh mit Warten, Wäsche, Kartenspielen, TV – und Gesprächen untereinander.

Die Girl Show ist ein Business, und Striptease in einer Budenstadt ist einerseits harter Wettbewerb und andererseits saisonal beschränkt. Diejenigen Frauen, die das Jahrmarkts-Strippen zum Beruf machten, klapperten im Winter Go-Go-Bars, Strip-Clubs und Single-Parties für Männer ab oder arbeiteten als Gelegenheits-Prostituierte. Für die meisten Frauen war der Jahrmarkt eine Zwischenbeschäftigung, eine Station auf ihrem Weg zur Kellnerin, Sekretärin oder Hausfrau. Diese Welt zu (er)finden, heisst noch lange nicht, sie auch zu anerkennen. Ich wollte eine Art Bestandesaufnahme, ein Inventar der Girl Show vornehmen. Ich wollte nachzeichnen, was ich dort gesehen hatte, und aufdecken, was die Frauen bei ihrer Arbeit empfanden.

Susan Meiselas

Bis 1994 war Akmola, «weisses Grab» auf Kasachisch, eine kleine Provinzstadt Kasachstans. Das war einmal. Seither wurde Akmola von Präsident Nazarbayev in Astana umbenannt und in eine Hauptstadt mit megalomaner Architektur, eine Fantasiestadt, umgewandelt. In Astana, dem Las Vegas der Steppe, dominieren städtebauliche Fehlentscheidungen, welche alle Spuren der Vergangenheit zu verwischen versuchen. Es gilt, wie eine Weltmetropole daherzukommen. Und dennoch scheint die Zeit in Astana stehen geblieben zu sein. Und ihre BewohnerInnen eben so…

Herstellungsjahr: 2012

In diesem Werk mit dem Titel «Candela» wird der Fotoapparat als Negativ, als Gussform verwendet. Er wird als Behälter verwendet, in den flüssiges Blei geleert wird. Über die Apparate, von denen die Objektive entfernt wurden, wird vertikal ein Kartonrohr aufgebracht. Ist das heisse Blei einmal erkaltet und ausgehärtet, zeichnet es Unebenheiten und Details des Gehäuses ab, die man sonst normalerweise nicht zu sehen bekommt. Sind die Abgüsse aus den Fotoapparaten entnommen, gleichen sie Szeptern; die Abgüsse zeigen und reproduzieren den Ort, an dem das Bild kreiert wurde.

Herstellungsjahr: 2016

Eine lichtdurchlässige Öffnung vor einer lichtempfindlichen Oberfläche in einer schwarzen Kammer: Es ist die Einfachheit der Lochkamera, die Maxime Genoud fasziniert. Er stellt seine Apparate selbst her und verwendet dazu Abfallprodukte unserer Konsumgesellschaft. Für die Ausstellung hat er SchülerInnen der Primarschule Madretsch dazu animiert, es ihm gleich zu tun und mit eigenen Abfällen wie Konservenbüchsen und Tetra Pak Apparate zu basteln. Der Künstler reflektiert über den Widerstand der Produktivität, die Anpassung an Normen sowie die Nachhaltigkeit. Sein Projekt versucht, zum Grundlegenden und zur Einfachheit zurückzukehren. Vor den Objektiven der Camerae Obscurae wird jegliche Bewegung unsichtbar. Die Bilder zeigen keine Details; die verschwommenen und milchigen Aufnahmen, welche die Lochkamera liefert, behalten nur das Wichtige zurück, es bleibt den Betrachterinnen und Betrachtern überlassen, das Bild zu ergänzen.

Herstellungsjahr: 2019

Saskia Groneberg erforscht und dokumentiert eine enge Beziehung, die sich über Jahre erstreckt. Eine Beziehung, die eine gewisse Aufmerksamkeit, aber auch eine gewisse Gelassenheit erfordert. Die Rede ist von der Beziehung, die ein Angestellter zu seiner Büropflanze unterhält. Sie sagt viel aus über deren Besitzer, wächst drauflos, wenn man sie lässt, nimmt still und heimlich eine andere Form an, verleiht dem Büro einen leicht anarchischen Anstrich und erinnert an das Leben ausserhalb dieser Räumlichkeiten, wo Arbeit und Produktivität nicht mehr zuoberst auf der Liste stehen.

Herstellungsjahr: 2012

Der doppeldeutige Titel der fotografischen Langzeitstudie von Dimitris Michalakis spielt in Anlehnung an die heutige Volkskrankheit auf den Zustand totaler wirtschaftlicher und emotionaler Erschöpfung seines Heimatlandes an. Der Ausstellungstitel ist aber auch buchstäblich zu nehmen : Er steht für das Feuer in den Strassen Athens. Für die Wurt der Indignados, der mittellosen Demonstranten, die sich regelmässig in Molotowcocktails, brennenden Barrikaden und Strassenschlachten entlädt. […] Der Fotograf hat all dies mit kurzer Brennweite in flüchtiger Beiläufigkeit ins Bild gesetzt. Distanzlosigkeit und atmosphärische Dichte zeichnen diese Handschrift aus. Das forciert düstere, ausgewaschene Kolorit unterstreicht die Diagnose einer Gesellschaft am Abgrund.
(Sascha Renner : Die Krise und ihre langer Schatten, Auszüge)

Herstellungsjahr: seit 2010

Zwischen Tradition und Moderne hinterfragt der Künstler Mikail Koçak rastlos das Fortbestehen von kulturellem Erbe wie auch multiple Identitäten, die aus dem Exil entstanden sind. Das Ergebnis seiner Bemühungen zur Rückeroberung dieses Erbes sind Installationen, die narrative Möglichkeiten wecken und Verbindungen zwischen seinen beiden Kulturen, der östlichen und der westlichen, knüpfen. Der «Kiosk», der ursprünglich aus dem Mittleren Osten stammt und im 17. Jahrhundert in den Westen gebracht wurde, ist ein dem Vergnügen gewidmetes Architekturelement. Es handelt sich um ein Belvedere oder einen kleinen Gartenpavillion, der auf mehreren Seiten geöffnet und überdacht ist. Sein Name ist aus dem Persischen Kūšk (Palast) und dem Türkischen Köşk (Pavillon oder Schloss) abgeleitet, seine Verwendung hat sich jedoch im Laufe der Zeit häufig gewandelt. Mikail Koçak bedient sich für seine Ausstellung im Kunstraum Juraplatz mit Interesse dieses formbaren Wortes in seiner Muttersprache (Türkisch) und seiner Nationalsprache (Französisch). Durch die Überlagerung der Ufer des Bosporus und der Strassen von Biel, von zwei Kontinenten und zwei Kulturen durch Fiktionen, möchte der Künstler einen Chamäleon-Ort schaffen.

Herstellungsjahr: 2022

Mann oder Frau? Beim schnellen Hinsehen kann man sich täuschen. Das “dritte Geschlecht” versucht, die Spuren zu verwischen und erschwert eine Identifizierung. Fantasmatische und stereotypische Ikonen einer komplexen und verschworenen Gemeinschaft am Rande einer Gesellschaft, die in ihren Tabus erstarrt ist… Während anderthalb Jahren hat Julian Salinas seinen Blick auf dieses verstörende Phänomen gerichtet.

Als neutraler Beobachter, mit keiner anderen Absicht, als auf sehr persönliche Weise zu erfassen, was sich hinter den Fassaden abspielt, ist er in dieser Welt “spazieren gegangen”. Von diesem Eintauchen in ein pulsierendes, nächtliches Pariser Universum – bereits unendlich oft fotografiert, hat er sehr direkte Porträts zurückgebracht – die frontal vor einfarbigem Hintergrund aufgenommen wurden. Eine einfache und ruhige Art der Wiederholung, die es erlaubt, den hybriden Dualismus, um den es hier geht, zu enthüllen, ohne ihn zu stigmatisieren.

Julian Salinas rückt auf diesem schwierigen Weg vor, und man spürt schnell, dass es nicht die Suche nach dem Spektakulären ist, die ihn leitet, und noch weniger die Absicht, Objekte der sexuellen Begierde zu zeigen. Vielmehr sucht er das, was am wenigsten sichtbar ist: Er spielt mit der Verwirrung, um sich dann auf der Seite der Menschlichkeit des Wesens zu positionieren. An dieser sozialen Randgruppe hält er die Suche nach Identität fest und nach den sozialen Schwierigkeiten, die sich in ihren Gesichtern widerspiegeln.

Die Arbeit umfasst ca. 70 Fotografien in Farbe, die mehrheitlich im 18. Arrondissement in Paris und vor allem im Folies Pigalle aufgenommen wurden, einer Hochburg des Pariser Nachtlebens, das einmal pro Woche zum Treffpunkt der Transvestiten und Transsexuellen wird.

Aude Boissaye, Journalistin, Paris

Für die Ausstellung des PhotoforumPasquArt während der Fototage Biel entwickelt Penelope Umbrico eine multidimensionale Installation, die sich unter anderem aus Fotografien von kaputten LCD-Bildschirmen zusammen setzt. Diese Bilder, die sie auf e-bay und Craigslist findet, werden mit weiteren Aufnahmen von Reflektionen des Blitzes, die durch die Verkäufer selber entstehen, kombiniert. Penelope Umbrico verwendet Bilder von Tausch- und Verbraucherwebsites und nutzt die Fülle dieser Plattformen als ihren Rechercheraum. Das kollektive Bildergedächtniss des 21. Jahrhunderts bestimmt ihre Arbeitsweise, sie bewegt sich zwischen der individuellen und kollektiven Vorstellung eines Bildes und dessen technologischen und produktionstechnischen Eigenheiten. (Nadine Wietlisbach)

Eine Ausstellung des PhotoforumPasquArt.

Herstellungsjahr: 2008-

Bombenkrater zu fotografieren ist für den deutschen Künstler Henning Rogge eine Form, sich mit der neueren Geschichte seines Landes auseinander zu setzen. Die im Geist der romantischen Malerei aufgenommenen Bilder zeigen Waldlandschaften, in denen die leicht von oben aufgenommenen, oft mit Wasser angefüllten Einschlagkrater zu sehen sind. Ohne Bezug zu einem bestimmten Ereignis des Zweiten Weltkriegs scheinen diese Orte zwischen Erinnerung und Vergessen zu schweben. In ihnen drückt sich die Ambiguität eines Gebiets aus, das von der Gewalt der Zerstörung geprägt ist, aber gleichzeitig auch von der Kraft des Lebens. Denn diese Bombenkrater sind oft auch Zufluchtsort für Arten geworden, die vom Aussterben bedroht sind. (DM)

Eine Ausstellung des PhotoforumPasquArt.

Herstellungsjahr: 2008-

Die kargen Holzpavillons, die in markantem Gegensatz zur Satellitensiedlung Le Lignon in der Genfer Gemeinde Vernier stehen, bilden die Kulisse von Delphine Schachers fotografischer Nachforschung. Sie wurden 1960 gebaut, um den Hunderten von italienischen Gastarbeitern, die auf der Baustelle Le Lignon Arbeit fanden, ein Dach zu bieten. Die 10 m2 grossen Zimmer beherbergten nachfolgende Generationen von Gastarbeitern und schliesslich auch andere Mieter. In der Serie wechseln sich Porträts der Bewohner mit Innen- und Aussenansichten der Pavillons ab, um diese sozioökonomische Realität aus verschiedenen Perspektiven zu beleuchten. Einwanderung, Arbeitslosigkeit und Scheidung verändern die Grenzen von Privatsphäre und der Beengtheit, die zugleich Spannungen und sozialen Zusammenhalt schafft. (Catherine Kohler)

Im Auftrag des Nationalen Forschungsschwerpunkts LIVES und der Bieler Fototage haben drei junge Schweizer Fotografinnen (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) je eine Arbeit zum Thema des NFS LIVES «Vulnerabilität und Resilienz» realisiert.

Herstellungsjahr: 2015

Der Tschador verhüllt hier in Form eines Vogels, der Gutes oder Schlechtes ankündigt, einen Mann. Die schwarzen Vögel hinterfragen das, was zu sehen ist – aber auch das, was verhüllt wird.

Herstellungsjahr: 2011

Die Bilder laden ein zu einer Reise durch die Schweiz, zu Hotelschwimmbädern in den Alpen. Der Bau von Hotelschwimmbädern nimmt in den 1920er-Jahren seinen Auftakt. Zunächst sollte damit der Krise die Stirn geboten werden, später wollte man auch ein Gegengewicht schaffen zur Popularität des Wintertourismus’. Die zu Beginn auf Sport ausgerichteten und funktionalen Bäder wurden in den 1950er-Jahren kleiner gebaut und in der Form stärker variiert. Ab den 1960er-Jahren erlaubten es die technischen und finanziellen Möglichkeiten, gedeckte Schwimmbäder zu bauen und dadurch die saisonalen Schwankungen aufzufangen. Die Aufnahmen orientieren sich an der typischen Bildersprache des Unternehmes Brügger. Ihr Retro-Charme wird durch die mit der Zeit erfolgten Farbveränderungen noch akzentuiert.

In den Jahren 1950 bis 1970 verfügte die damalige Stadtpolizei Biel über eine «Abteilung Fotografie», die jeweils von einem einzigen Polizisten besetzt war. Ausgerüstet mit einer Mamiya-Kamera hielten die Fotografen in erster Linie Verkehrsordnungswidrigkeiten, Polizeieinsätze, grosse Restaurierungs- oder Abrissprojekte, aber auch Katastrophen-ereignisse fest.In Zusammenarbeit mit dem Stadtarchiv Biel zeigen die Bieler Fototage eine Auswahl aus dem Fotobestand der Stadtpolizei, die den (ausser)gewöhnlichen, manchmal (be)trügerischen Alltag der Stadt Biel illustrieren. Aus mehreren hundert Negativen, die sich im Polizeibestand befanden, wurden 40 ästhetisch interessante Aufnahmen ausgewählt, die durch das Schwarzweiss noch akzentuiert wirkten. Ein original-origineller Blick auf historische Dokumente also, die erstmals einem breiteren Publikum zugänglich gemacht werden. Nicht selten mit einem humoristischen Unterton hinterfragen die Bilder unsere Gegenwart, indem sie die Entwicklung der Sitten und Bräuche und die Zusammensetzung der Stadt Biel darstellen. Und bei manchen werden wohl auch alte Erinnerungen aufsteigen…

Wenn Sie über Informationen zu den Bildern verfügen, können Sie uns an folgende Adresse schreiben: bienne.extraordinaire@jouph.ch

Between Chair And Keyboard, der Titel des audiovisuellen Werks von Emma Bedos, behandelt die technologischen Fehler, die durch das Eingreifen des Menschen in ein virtuelles System entstehen, die «Probleme zwischen dem Stuhl und der Tastatur» genannt werden. Für dieses Werk, das mitten in der Pandemie entstanden ist, hat die Künstlerin Gespräche ihrer Grosseltern, die beide von Alzheimer betroffen sind und in einem Altersheim wohnen, fotografiert und aufgenommen. Dank der Fotogrammetrie, einer Technik, die sie verwendet hat, um diese Bilder in 3D wiederzugeben, lässt Emma Bedos die Betrachter/-innen in ein Universum eintauchen, in dem die gefilmten Sujets die Form von kleinen schwarzen Punkten annehmen.

Die fragmentierte Wolke aus Punkten stellt die Leere in den Vordergrund, thematisiert die Entkräftung ihrer Körper und ihres schwindenden Gedächtnisses. Diese digitalen Darstellungen illustrieren den Kontrast zwischen dem virtuellen, fehlerlosen System und der Zerbrechlichkeit des Menschen. Das audiovisuelle Werk, das sich humorvoll und poetisch zwischen Realität und Fiktion hin- und herbewegt, hinterfragt sowohl den Platz des Lebenden, des Gedächtnisses als auch die empfindliche Beziehung des Einzelnen zu seiner Umgebung. 

Herstellungsjahr: 2021

Dieses Projekt ist eine Studie, eine Dokumentation, eine Konstruktion der urbanen Modekultur in Johannesburg (Südafrika).
In den wenigen Zeitschriften, die in Afrika greifbar sind, ist die urbane Mode – verglichen mit der kommerziellen Modefotografie – ein nur sehr karg dokumentierter Bereich.
Das Projekt wuchs, wucherte aus meinen Kindheitserinnerungen an die Menschen in meiner damaligen Umgebung heraus.
Ich suche nach einem anderen Südafrika als jenem, das uns die westlichen Medien jahrelang stereotyp vermittelt haben, ich suche den Stolz und die Lebensbejahung in der südafrikanischen Bevölkerung.
Die von mir fotografierten Personen habe ich zufällig in den Strassen angetroffen: Sie sind zuversichtlich, gehen mit hoch erhobenem Kopf durch die Welt, und ich habe mich mit ihnen identifiziert. Sie sind Gebieter über ihre eigene Umgebung und erheischen einen gewissen Respekt.
Die südafrikanische Jugend nutzt die Kleidung zur Selbstdarstellung, sie ist Ausdruck von Freiheit, Identität und sozialem Status.
In der Kleidung spiegelt sich der Wunsch nach Reichtum, der Wunsch, sich etwas leisten zu können, cool auszusehen, ohne sich von den Dingen, die man sich leistet, vereinnahmen zu lassen. Die Identität ist komplexer, als es den Anschein macht.

JocJonJosch lotet das Konzept der Kollektiven Arbeit, deren Bedeutungen und die damit verbundenen Gefühle auf einer künstlerischen Ebene aus. Die Videos unter dem Titel „Beast Mutation“ zeigen das Trio nackt, monströs ineinander verschlungen, in einem prekären Körperkontakt, aus dem heraus die „Beasts“ entstehen, an denen sich die Überlegungen des Trios zur Zusammenarbeit entzünden. Die enge Arbeitsbeziehung, die die drei Künstler miteinander verbindet, ist manchmal unbequem, mühsam, ja sogar behindernd, sie ist aber fester Bestandteil ihrer kreativen Schaffenskraft und treibt sie ständig an und weiter.

Herstellungsjahr: 2010

Die Serie Banana Republic ist eine Reaktion des Künstlers Shinji Nagabe auf einen hoffnungslosen Zustand und eine politische und soziale Desillusionierung, in der Gewalt und religiöser Eifer herrschen und die geprägt ist von der Einschränkung individueller Freiheiten. In der vom Künstler erschaffenen Fiktion wird der Staat unter das Joch eines brutalen und populistischen Diktators gestellt. Die Banane wird zur Täuschung und Zensur eingesetzt, während Widerstandsgruppen sie verwenden, um Waffen und improvisierte Bomben herzustellen. Der surrealistische Realismus der Serie ist zugleich humorvoll und zerstörerisch und entführt den / die BetrachterIn in eine fiktive Republik. Sie ist angelehnt an Praktiken von Politikern, die sich in ihren Reden dem gleichen Mass an Fantasie bedienen, wie der Künstler in der Serie zum Ausdruck bringt, in denen die Rolle des Individuums in einer Gemeinschaft hinterfragt wird.

Herstellungsjahr: 2018-2019

Durchgangszentren für Asylsuchende sind Transitorte. Sie sind Warteräume zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Herkunft und Destination. Die Asylbewerber bangen auf einen Entscheid der Behörden, die ihre Identitäten überprüfen, dekonstruieren, anerkennen und verkennen. Die Unwissenheit über den künftigen Lebensverlauf prägt ihren Alltag und führt zu einer intensiven, oft konfliktreichen Auseinandersetzung mit der eigenen Identität.
Während eines halben Jahres haben die Fotografinnen immer wieder Durchgangszentren im Raum Bern aufgesucht.
In einer intensiven menschlichen und thematischen Auseinandersetzung ist ihre Arbeit, die um die Identitätsproblematik kreist, entstanden.
Auf drei Arten haben sie sich der Identitätsfrage angenähert: In den Ausweispapieren wird der rechtliche Status der Asylbewerber deutlich. Im Gegensatz zur zugewiesenen formalen Identität wollten sie dem einzelnen Menschen durch die Porträtaufnahme Spielraum für die Selbstdarstellung geben. Die persönlichen Fotos sind Erinnerungsträger, die symbolische Brücken zwischen den Lebenswelten schlagen.

Ein Mann – man sieht ihn nur von hinten – rennt so schnell und so weit er nur kann. Entlang eines Weges, der sich am fernen Horizont verliert – verdeckt, unbekannt, er geht ständig an die Grenzen, seine Grenzen, und darüber hinaus. In seinen Fotos zeigt John Divola Momentaufnahmen, die durch das bildliche Festhalten etwas Dauerhaftes bekommen und in ein Raum-Zeit-Gefäss überführt werden. Weniger allgemein betrachtet: Der Fotograf hat die Bilder realisiert, als er sich seinem 50. Lebensjahr näherte, in einem Alter also, in dem das Leben nicht mehr unendlich und unverrückbar erscheint. In seinem Werk läuft insgeheim auch immer die Sterblichkeit mit; er bewegt sich gleichsam hinter dem «point of no return», dort, wo es keine Wahlmöglichkeiten mehr gibt; er kann nur noch in eine Richtung gehen: vorwärts. John Divola selbst verfolgt seinen Lebensweg konsequent und ohne Schlenker. Für seine Bilder verwendete der Künstler einen grobkörnigen 35-mm-Film. Das bewirkt, dass die Person auf dem Bild aussieht, als wäre sie vom Bild selbst absorbiert worden. Vor Kurzem hat John Divola auch die GigaPan-Technologie (Panoramabilder in sehr hoher Auflösung) genutzt – das hat es ihm ermöglicht, seine Fotos gründlich zu «durchforsten» und sich in den unzähligen Details, aus welchen das Bild besteht, zu bewegen, wie in einer Erinnerung, die man über das Gedächtnis reanimiert. Zeit und Raum sind also zwei Schlüsselelemente für das Verständnis dieses Werks. Indem er sich, so schnell er kann, von seinem Fotoapparat entfernt, lässt John Divola uns Zuschauer zurück, mit all unseren Existenzfragen.

Herstellungsjahr: 2009–2010

In Arkanum befasse ich mich mit der heutigen Großstadt und dem Verhältnis des Menschen zu seiner städtischen Umwelt und Architektur. Ähnlich wie in Godards Alphaville, einer logischen Stadt, erbaut nach Plänen des Alpha 60 Computers, geht es in meiner Arbeit um eine künstlich konstruierte Stadt der Zukunft, die im starken Kontrast zur Natur steht. Zentren deutscher Großstädte, aber auch Orte wie Messen, Shopping Malls und Flughäfen, bilden den örtlichen Rahmen. Die gefundenen Motive bieten dabei nur zum Teil eine Referenz zum realen Ort, vielmehr fungieren sie als Türöffner für fiktive, innere Bilder. (AG)

Herstellungsjahr: 2013-2014

Um die Auswirkung der langen Belichtungszeit bei Porträtaufnahmen zu kompensieren, wurden in den Anfängen der Fotografie die Porträtierten mittels Kopfklammern (headrest), speziellen Stühlen und anderem Gestänge «ruhig» gestellt. Mit ihrer Arbeit reflektieren Trmasan Bruialesi und Rudolf Steiner diese fotohistorische Kuriosität und schlagen ihrerseits den umgekehrten Weg ein, indem sie mit ihren «appareils de pose» den Körper der Fotografin oder des Fotografen in einer bestimmten «Haltung» fixieren. Denn es könnte ja sein, dass die körperliche auch eine seelische Haltung spiegelt.

Herstellungsjahr: 1998-2016

Im Las Vegas von Google Street View wurde die funkelnde Maske des Tutanchamun ausgetauscht gegen das verwitterte Gesicht seines ägyptischen Vorbilds. «Wenn auf unseren Bildern ein identifizierbares Gesicht zu sehen ist, […] wird es von unserer Technologie sofort unkenntlich gemacht, um jegliche Identifizierung der Person zu verunmöglichen». Von Google unkenntlich gemacht, sind alle Gesichter gleichwertig. Und so verstecken sich auch die Gesichter von Statuen – religiös oder kommerziell – vor dem Blick der Zuschauer, die sie gleichsam unilateral von ihrem Fauteuil aus anschauen.

Herstellungsjahr: 2014

Zwanzig Jahre nach dem Völkermord in Ruanda leben die Täter und ihre Opfer wieder in relativem Frieden. Mit diesem Projekt gibt ihnen Lana Mesić die Möglichkeit, ihre Geschichte zu erzählen. Sie ging auf Paare zu und bat sie, die Momente der Vergebung nachzubilden. Überlebender und Angreifer von Angesicht zu Angesicht, sie halten sich die Hände, küssen sich oder brechen ein. Inwieweit haben sie verziehen? Wie viel haben sie sich selbst vergeben? Lana Mesić untersucht zärtlich die vielfältigen Gesichter der Vergebung.

Herstellungsjahr: 2014

An Answer to Women with Binoculars ist die Antwort von Studierenden des 2. Fachklasse Grafik der Schule für Gestaltung Bern und Biel auf die von Enrique Muñoz García zusammengestellten Bilder. Jede/r Student/in hat, begleitet von ihren Dozenten Dominik Müller und Roland Aellig, eine Arbeit realisiert, die Bezug nimmt auf eines der Bilder. Die Arbeiten werden im Ausstellungsraum der Schule für Gestaltung gezeigt.

Das Langzeitprojekt Amicezia erzählt von Jaromir Kreiliger geografischen und künstlerischen Herkunft.
Die Bilder spiegeln sein unmittelbares Umfeld sowie sein Seeleninterieur. Eine Synthese von gesehenen und gefühlten Momenten bildet ein Werk, welches über diese Orte zu sprechen vermag. Das Wort Amicezia stammt aus dem Rätoromanischen. Es bedeutet Freundschaft und Liebe.

Herstellungsjahr: 2016

Gerader, strenger Blick, starre Oberkörper, gekreuzte Hände; was auf den ersten Blick an klassische Porträts erinnert, mutet sehr rasch merkwürdig an. Denn Grégoire Cheneaus Porträts sind keine Momentaufnahmen, sondern minuziös durchdachte Kompositionen, welche die Vielschichtigkeit eines Menschen durch geschickte Manipulation seiner Gesten andeuten. Grégoire Cheneau fotografiert seine Modelle über mehrere Stunden hinweg aus möglichst verschiedenen Winkeln und ordnet anschliessend einzelne Bildelemente neu zu unbehaglichen Porträts zusammen. Unvollkommenheit findet Einzug in das fotografische Porträt. In Altered States strebt Grégoire Cheneau eine Annäherung an das Wesen der abgebildeten Personen an und bewegt sich dabei dicht an der Grenze zwischen Realität und Fiktion.
(Marina Porobic)

Herstellungsjahr: 2012

2020 zieht der Fotograf Beat Schweizer mit seiner Familie in die USA. Einige Monate später war er in einer kleinen Wohnung mitten in New York eingesperrt. Er beginnt die Wohnung und das Alltägliche, das sich darin abspielte, bis ins kleinste Detail zu beobachten. Er richtete einen Blog ein, auf den er seine Bilder publizierte. Seine Fotoserie All Things Considered umfasst poetische und intime Aufnahmen aus der Wohnung seiner Familie, von der Wohnzimmer bis ins Schlafzimmer. Auf diesen Bildern in hellen Farbtönen dringt das Tageslicht ein und schafft, wie auf gewissen Gemälden niederländischer Maler, eine besondere Atmosphäre – als würde die Zeit stillstehen.

Seine Serie wird durch dokumentarische Aufnahmen ergänzt, die in der menschenleeren Stadt entstanden sind – Bilder, in denen der politische Kontext, die Pandemie und die Vergänglichkeit zum Ausdruck kommen. Ein feinfühliger und pointierter, fotografischer Erlebnisbericht.

Unterstützt von : Pro Helvetia / Kultur Stadt Bern / Burgergemeinde Bern / Nigg Ziegelmüller Bilderrahmen

Herstellungsjahr: 2020-2021

Die Fotos von Marta Zgierska scheinen sanft, deutlich und zugleich verführerisch und äusserst persönlich. Ausgangspunkt und Rohmaterial für die Bilder der Künstlerin sind ihr eigener Körper und dessen Erinnerungen an traumatische Erlebnisse. Ihre Performances, herauskristallisiert durch das fotografische Bild, orientieren sich an den Gesetzen der Kosmetikindustrie und hinterfragen die gesellschaftlichen Erwartungen an den weiblichen Körper.

Für die Selbstporträt-Serie Afterbeauty hat die Künstlerin mehrmals Schönheitsmasken auf ihr Gesicht gelegt. Anschliessend hat sie die einzelnen Masken, die Abdrücke ihrer Gesichtsform, wie abstrakte Skulpturen oder inhaltsleere Körper fotografiert. Für die Bilderserie Votive Figure hat die Künstlerin ihren Körper mit Wachs bedeckt, einer Materie, die sowohl an Kosmetikprodukte erinnert, aber auch Reinheit und Unberührtheit symbolisiert. Die Fotos in Pastelltönen, die aus dieser Performance, in deren Verlauf sich das Wachs auf ihrem Körper wie ein Korsett verhärtet hat, entstanden sind, hinterfragen die paradoxe Schönheit von Darstellungen des weiblichen Körpers, eines oft gezügelten oder kontrollierten Körpers.

Herstellungsjahr: 2018 & 2019

In Zusammenarbeit mit Gowen Contemporary

In der Reportage von Simone Haug bildet die magische Zirkuswelt den Hintergrund für eine soziale Realität: die seelische, physische und materielle Fragilität pensionierter Akrobaten. Auch wenn körperliche Einschränkungen oder das Alter sie dazu zwingen, ihren Beruf aufzugeben, bleiben die Artisten stets optimistisch. Sie zeigen, dass sie sich nach wie vor durchschlagen können und ihre positive Einstellung zum Leben bewahren. Die Zirkuswelt inspirierte Simone Haug zu einer Reduktion auf das Wesentliche: die Fähigkeit, in einer Welt, in der andauernd Grenzen überschritten werden, das Gleichgewicht zu halten. (Catherine Kohler)Im Auftrag des Nationalen Forschungsschwerpunkts LIVES und der Bieler Fototage haben drei junge Schweizer Fotografinnen (Simone Haug, Annick Ramp, Delphine Schacher) je eine Arbeit zum Thema des NFS LIVES «Vulnerabilität und Resilienz» realisiert.

Herstellungsjahr: 2015

Versteckt an der englischen Küste, ein magischer Ort: weisses Gold, vom Wind verwischt, am Himmel verglühen Sternschnuppen. Es ist ein Ort, der von den Bewohnern und Besuchern geheim gehalten wird. Nach dem Zweiten Weltkrieg war es ein Refugium für Mütter und deren Kleinkinder, dann ein Hippielager bis in die 90er-Jahre, als schliesslich die «Raver» ankamen mit ihrem Boxentürmen und bis in den Morgen hineintanzten. Seit 20 Jahren kommen sie jedes Jahr mit ihren Kindern und ein paar Möbeln, um sich während langer Sommerwochen in Trance zu tanzen, Spiritualität zu erleben und den Herausforderungen der modernen Welt für einen Moment zu entfliehen.

Herstellungsjahr: 2017

A Plastic Tool hat sich aufgrund der persönlichen Forschung Maya Rochats über heterogene Bilder entwickelt. Die dabei entstandene Collage setzt sich aus Bildern zusammen, die sich durch ihre Materialität, strukturelle Dichte, Relevanz und kritische Haltung auszeichnen. Die Transformation der Bilder in eine Collage zeigen ihre Lüge und Oberflächlichkeit auf. Ebenso soll A Plastic Tool die kritische Betrachtung der Produktion und Rezeption von Bildern in unserer Gesellschaft anregen.
Diese Installation wurde für die Bieler Fototage konzipiert.
(Bettina Partl)

Herstellungsjahr: 2013

Die ersten Bilder des Werks A Man In Public Space sind in Lausanne entstanden und wurden 2021 im Rahmen des Festivals gezeigt. Für diesen zweiten Teil hat Karla Hiraldo Voleau ihr Experiment wiederholt, dieses Mal in Paris. Inspiriert durch die Zunahme feministischer Aktionen und durch Künstlerinnen wie Adrian Piper oder Katarzyna Kozyra, hat sie eine fotografische Performance über die Überschreitung der Geschlechterstereotypen und die mit ihnen verbundenen Codes geschaffen. Mit Hilfe der Special FX-Künstlerin Mélanie Vargas ist sie erneut in die Haut ihres «männlichen Alter Ego» geschlüpft, um Fragen der Männlichkeit im öffentlichen Raum zu erforschen.

Ihre Erkenntnisse werden auf Plakattafeln entlang einer Promenade in Form von Autoporträts und dokumentarischen Fotografien gezeigt. Sie lädt die Besucherinnen und Passanten ein, sich Gedanken zu machen über die Wirkung der Geschlechtsidentität bei Machtfragen, im Zusammenhang mit dem Sicherheitsgefühl oder mit im öffentlichen Raum wahrgenommenen und erlebten Gefahren.

Unterstützt von: Ville de Lausanne

Herstellungsjahr: 2022 –

Karla Hiraldo Voleau ist während einer Woche in die Haut ihres «männlichen Alter Ego» geschlüpft, um einerseits die Veränderung der Haltung ihr gegenüber untersuchen zu können und andererseits ihre eigene Verhaltensveränderung zu beobachten. Ihre Erkundungen erfolgten mittels Selbstportraits, Texten, «gestohlenen» Bildern und Videoaufnahmen. So vermittelt sie den BetrachterInnen eine einzigartige wie auch erschreckende, amüsante und aufregende Erfahrung. Ihre Installation setzt sich auseinander mit der Auswirkung der Geschlechtsidentität auf unsere Handlungen im öffentlichen Raum.

Herstellungsjahr: 2020

In Rumänien sind es immer noch 30% der Bevölkerung, welche den Boden bebauen. Seit einigen Jahren machen sich aber westliche Unternehmen aus der Agrarindustrie in den fruchtbaren und billigen Landwirtschaftsregionen des Landes breit. Gerade weil sie Zugriff haben auf europäische Fonds für die Landwirtschaft, verändern diese Unternehmen die Ausgangslage grundlegend – und damit auch die Lebensbedingungen der rumänischen Bauern.Vom Marktflecken Zagon über die grössere Stadt Sibiu (Hermannstadt) bis an den Fuss der Karpaten hat Christophe Chammartin ab September 2010 die Strassen von Transsilvanien unter die Füsse genommen und die verschiedenen Wirklichkeiten der rumänischen Landwirtschaft fotografiert. Die Bilder aus der sozialpoetischen Reportage des Künstlers zeigen eine Realität auf, die zwar teilweise bekannt, aber doch noch oft unter den Teppich gekehrt wird.

Herstellungsjahr: 2010-2013

Um die Entwicklung ihrer hauptberuflichen Selbständigkeit als Künstlerin zu beschleunigen und ihr Leben mit Hartz4 abzuschliessen, wurde sie zur Teilnahme an einer Unternehmensoptimierungs- Massnahme ermutigt. Ihre Anfrage, dies filmisch zu dokumentieren, wurde abgelehnt. Aus Gesprächsmitschnitten, Hand-Outs, ihrem Traumtagebuch und dem Vordruck F5.5 setzte sie ihre « Arbeit an der künstlerischen Unternehmerpersönlichkeit » in ein Skript um, in dem die Rollen Künstlerin, Unternehmerin und Hartz4-Empfängerin, alle von ihr wahrgenommen, aufeinandertreffen.

Herstellungsjahr: (Work in progress)

Das Video 34°8’8.59”N | 118°20’48.61”O ist eine mithilfe von Google Earth realisierte Plansequenz. Der aufgenommene Ort befindet sich in den Universal Studios in Los Angeles. Das Set wurde für den Film „Krieg der Welten“ von Steven Spielberg aus dem Jahr 2005 aufgebaut. Indem ich eine Plansequenz vom Ort aufnehme, versuche ich beim Betrachter ein Gefühl der Verwirrung auszulösen. Der Ort ist ja ein Filmset, das man auch heute noch besuchen kann. Die Reproduktion des Sets durch Google Earth verleiht dem Ganzen einen gewissen Grad von Wirklichkeit. Ist da tatsächlich ein Flugzeugabsturz zu sehen, oder handelt es sich um eine Täuschung? Das Set im Set, die „Fiktionalisierung“ der Fiktion.

Herstellungsjahr: 2013

SchülerInnen der 2. Fachklasse Grafik an der Schule für Gestaltung Bern und Biel haben unter Anleitung ihrer Lehrer Alexander Jaquemet eine Reihe von Arbeiten realisiert, die auf die Themen der diesjährigen Bieler Fototage Bezug nehmen. Für diese Ausgabe werden Projekte in der Residenz au Lac präsentiert, die zum Teil in Zusammenarbeit mit Bewohnerinnen und Bewohnern entstanden sind.

Herstellungsjahr: 2023

SchülerInnen der 2. Fachklasse Grafik an der Schule für Gestaltung Bern und Biel haben unter Anleitung ihrer Lehrer Dominik Müller und Alexandre Jaquemet eine Reihe von Arbeiten realisiert, die auf das Thema der diesjährigen Bieler Fototage Bezug nehmen. Die Arbeiten werden im Ausstellungsraum der Schule für Gestaltung gezeigt.

Herstellungsjahr: 2022

SchülerInnen der 2. Fachklasse Grafik an der Schule für Gestaltung Bern und Biel haben unter Anleitung ihrer Lehrer Dominik Müller, Roland Aellig und Alexandre Jaquemet eine Reihe von Arbeiten realisiert, die auf die Themen der diesjährigen Bieler Fototage Bezug nehmen. Die Arbeiten beider Klassen (2019-2020 et 2020-2021) werden im Ausstellungsraum der Schule für Gestaltung gezeigt.

Herstellungsjahr: 2019 – 2021

2. Fachklasse Grafik
Semesterarbeiten zum Thema «Glück».

2. Fachklasse Grafik
Semesterarbeiten zum Thema «Extrême».

2. Fachklasse Grafik
Semesterarbeiten zum Thema «Permis de construire».

2. Fachklasse Grafik

Semesterarbeiten zum Thema der diesjährigen Ausgabe.

Schule für Gestaltung Bern und Biel, 2. Fachklasse Grafik.

Semesterarbeiten zum Thema der diesjährigen Ausgabe.

Semesterarbeiten zum Thema der diesjährigen Ausgabe.

Die 16 StudentInnen bearbeiten während eines Semesters das Thema der Ausgabe 2012 der Bieler Fototage.

Schule für Gestaltung Bern und Biel, 2. Fachklasse Grafik

Den Schülerinnen und Schülern von Roland Aellig war das Thema „kollateral“ Anlass zu Nachforschungen über die Wahrnehmung und Sicht der Dinge, welche nebeneinander, zueinander, von innen nach aussen, verborgen, rückseitig, spiegelnd, oder gleichzeitig erscheinen.

Fotografien entstehen oft mit einfachsten analogen oder digitalen Kameras. Die Lernenden der zweiten Fachklasse Grafik finden auf kreative Weise ihren ganz persönlichen Zugang zur Fotografie. Mit unterschiedlicher fotografische Technik und Sichtweise dokumentieren sie das eigene Umfeld und lassen sich in ihrer individuellen Art auf gesellschaftliche Themen ein. Manuela Cannizo dokumentiert mit einer Holga Kamera Wohnzimmer. Möbel und Einrichtungsgegenstände wirken wie Exponate einer Wohnausstellung. Anaïs Corti nennt ihre Serie «schön machen». Fotografien von Grabmälern verschiedener Friedhöfe. Wie unterscheiden sich Grabsteine, Pflanzen und Dekorationen voneinander? Was sagen sie über die Verstorbenen aus? Nadine Furer hält sich mit ihrer Kamera im «Passpartout» auf. Hier treffen sich Jugendliche unterschiedlicher Herkunft. Manchmal bleibt Nadine beim Fotografieren unbemerkt, die Blicke der Jugendlichen gehen in die Ferne. Janaïs Gerber untersucht den Stellenwert des Fernsehers: der Platz, den das Fernsehen einnimmt, seine Dominanz und Einfluss auf den Menschen und auf alles, was es umgibt. Mathieu Grosjean dokumentiert den «Vorraum»: persönlich und intim inmitten eines öffentlichen Raumes, ist der Vorraum ein Übergangsort. Milena Gsteiger hat Sabine und Nik begleitet. Milena beleuchtet das Paar, Wohnräume und die Grillparty-Gäste mit Blitzlicht. Die Umgebung wird dunkel abgebildet und tritt dadurch in den Hintergrund. Manon Gygax verwendet eine alte Polaroid-Kamera. Eine verblasste Abbildung mit Jugendlichen von heute erinnert von der Farbstimmung her an eine Farbfotografie aus den 50iger Jahren. Die Teeangerjahre zwischen 10 und 19 sind eine wichtige Periode des Lebens. Bestrebt danach, sich als Individuum in der Gesellschaft zu behaupten, distanzieren wir uns freiwillig von den anderen. Der Kleiderstil spielt dabei eine wichtige Rolle. Aus dem Bedürfnis heraus, zu einer Gruppe zu gehören, vergleichen sich die Jugendlichen mit den anderen und beeinflussen sich gegenseitig. Marc-Andrea Huber zeigt Räume von verlassenen Wohnhäusern. Teile der Decke und Wände sind eingebrochen, eine Katze durchquert das unbewegte Bild.
Simon Kiener wird selber mit gelb-schwarzem Schal zum YB-Fan und Teil des Ganzen. Mit der Kamera mischt er sich unter eine Menge von Fussballinteressierten. Sie kommen aus verschiedenen sozialen Schichten, unterscheiden sich im Alter und Nationalität. Doch am Sonntag spielt das alles keine Rolle. Am Sonntag gilt nur die gemeinsame Liebe Gelb-Schwarz. Zusammen feiern sie, zusammen trauern sie. Patrick Kuhn legt Weggeworfenes auf einen Leuchttisch. Was wirft eine Person im Verlaufe eines Tages weg? Können Rückschlüsse auf diese Person gemacht werden? Die Dokumentation erinnert an Polizeifotos. Simon Mick. Auf dem Bild eines Pausenplatzes sind Tische und Stühle zu sehen. Personen kommen und gehen, das Licht der Tages- und Nachtzeit verändert sich. Die Fotos werden zu Videostandbildern einer Überwachungskamera. Tanja Roux nennt ihre Fotos «Mein Lieblings Ding». Freundinnen posieren in ihren Wohnungen mit ihrem persönlichen Lieblings-Gegenstand. Tamara Rufener-Kunz fotografiert mit einer analogen Kleinbildkamera und einem Weitwinkelobjektiv: Bauarbeiterhütten sind Orte, wo sich das Leben abspielt. Sie dienen den Bauarbeitern als Schutz und Rückzugsmöglichkeit. Ich fragte mich, was darin vor sich geht und was vom Menschen spürbar ist, auch wenn er abwesend ist. Diese geschlossenen Räume sind dem sie umgebenden Rahmen gegenübergestellt. David Ryf ist in der Welt des «tattoo» zu Hause. Seine Fotodokumentation besteht aus 15 bis 20 malerischen Porträtfotografien, aufgenommen vor dunklem Grund. Unterschiedliche Bildformate bilden, an der Wand installiert, ein Gesamtbild. Judith Schmid, «3471 m.ü.Meer». Die Sicht beträgt nur wenige Meter. Touristengruppen bilden in Schnee und Nebel «Inselgruppen». Wer besucht eigentlich das Jungfraujoch? Und wie sehen diese Menschen aus? Und was ist da oben bei so geringer Sicht noch zu sehen? Michael Wenk ist zu Gast. Mit seiner Fotodokumentation im Nahbereich wird das Umfeld des Gastgebers spürbar. Gastgeber zeigen sich immer von der besten Seite, wenn sie andere zu sich einladen. (Projekt unter der Leitung von Roland Aellig).

Herstellungsjahr: 2003-2010

Viele und vielfältige Bilder einer Performance, welche die ver-schiedenen Verhaltensweisen untersucht, die aufdringliches Fotogra-fieren auslösen kann.

Herstellungsjahr: 2008-2012

Die Bilder, die alle aus ein und demselben Fenster einer New Yorker Wohnung aufgenommen wurden, wirken wie ein Storyboard.

Herstellungsjahr: 2010

Herstellungsjahr: 2020

Mathieu Merlet Briand sammelt statistische Daten und Tausende von Fotos aus dem Web als Rohmaterial seiner Werke. Diese Datenmasse bearbeitet er anschliessend mit Bildbearbeitungs-Algorithmen, die er selbst entwickelt hat. Die Installation #Blue-Screen Temple nimmt Bezug auf die blauen Bildschirme, die dazu dienen, Programmfehler Informatiksystemen anzuzeigen. Beim Eintreten in die Installation des Künstlers, deren Form klassischen Tempeln nachempfunden ist, eröffnet sich eine abstrakte Realität, ein eindringlicher visueller «Fehler», der unsere Glaubenssätze und Überzeugungen im Zeitalter der neuen Technologien hinterfragt.

Herstellungsjahr: 2019

Die Auflösung der Gesichter mittels Überbelichtung verweist auf die Unmöglichkeit, einen Menschen in einem Portrait vollumfänglich zu erfassen.

Ein Hirnschlag reisst Vreni im Dezember 2000 aus ihrem ausgefüllten aktiven Leben. Irreversible halbseitige Lähmung, Zerstörung des Sprachzentrums, lebensbedrohendes Eudem – die Ärzte machten wenig Hoffnung. Allen Prognosen zum Trotz: Vreni überlebt und mit dem ihr eigenen eisernen Willen beginnt sie langsam, alle Lebensfunktionenen wieder zu erlernen.

«Se sche was» sind Vrenis erste und für längere Zeit einzige Worte. «Se sche was?» Vreni hat versucht mich telefonisch zu erreichen, ich höre ihre Stimme auf dem Beantworter, sie tönt gut gelaunt. Ich melde mich zurück. «Se sche was?» «Ich komme nach dem Essen vorbei.» Vreni hängt auf. Ich denke, sie hat mich verstanden.Vreni wohnt nach einem halben Jahr Rehaklinik wieder zu Hause, unterstützt von ihren Kindern, ihrem Mann und der Hilfe der Spitex. Arbeiten kann sie nicht mehr, aber das scheint sie heute wenig zu kümmern. Vreni war jahrelang als Journalistin bei SF DRS tätig. Angesprochen auf die Zeit beim Fernsehen, sagt Vreni nur «schaffe…wääh…äxgüsi!» und lacht.

Vreni auf der Terrasse – Vreni im Garten –Vreni in der Physiotherapie. Unser Projekt ist ein Langzeitprojekt. Angefangen haben wir im November 2001. Vreni geht ihren Weg, ich begleite sie.

Im August 1984, beide hochschwanger, haben wir in der Storchenbar in Zürich bei einer Flasche Champagner unsere Freundschaft besiegelt. Heute, 2004, sitzen wir bei einem Glas Wein auf Vrenis Terrasse und stossen an auf unser gemeinsames Projekt, Vreni schaut mich an und lacht. Ich denke, sie liebt mich. Ich liebe sie auch, sehr sogar.

Judith Schlosser

«Was, du machst Hochzeitsreportagen?», fragt man mich zuweilen – und die Fragesteller schneiden dazu fast immer ein erstauntmitleidiges Gesicht. Die Hochzeitsfotografie gehört nicht gerade zu den anerkanntesten Sparten der Fotografie. Viele glauben, eine Hochzeit zu fotografieren sei eine nervige Routineangelegenheit, und es brauche dazu kein spezielles Können. Das hängt vermutlich damit zusammen, dass die Fotografie seit jeher in Verbindung gebracht wird mit dem Hochzeitsritual. Die Fotos gehören einfach dazu, wie das Amen in der Kirche.Meine «Hochzeitsästhetik» folgt anderen Gesetzen. Ich versuche, das Individuelle, das die Gäste miteinander verbindet, herauszuarbeiten – und nicht das scheinbar Gemeinsame, das sie mit allen anderen Hochzeiten dieser Welt vermeintlich teilen. Anstatt zu ritualisieren, wie das die klassische Hochzeitsfotografie macht, versuche ich die individuell-lebendigen Momente zu entdecken, die an jeder Hochzeit plötzlich aufblitzen.

Bei einer Hochzeit ist der Fotograf ein akzeptierter Beobachter. Dieser Status verschafft eine Bewegungsfreiheit und eine Wahlfreiheit bei den Sujets, die ich schätze. Ich versuche, einen Kompromiss zu finden zwischen der Notwendigkeit, über das Ereignis und dessen zentrale Momente zu berichten, und dem Willen, diese auf subjektive Art und Weise darzustellen.

Auch wenn gewisse Bilder herausragen, «etwas Spezielles haben», so bin ich schlussendlich doch der Meinung, dass sie keine künstlerische Arbeit darstellen. Und trotzdem finde ich in den Bildern immer wieder Momente des Glücks; oder besser Momente, in denen es mir gelungen ist, das eigentlich undarstellbare Glück doch darzustellen.

Die Ausstellungen werden durch einen Hörsaal ergänzt, der in Zusammenarbeit mit Canal 3 eingerichtet wurde. Besucherinnen und Besucher können sich dort Meinungen und Gedanken der Bieler Bevölkerung zur Mode, zu Stil und Identität anhören. Der Hörsaal soll dazu beitragen, dass Mode nicht nur – äusserlich – visuell erfahrbar wird, sondern dass gleichsam ein inneres Bild entsteht: Das Hören ergänzt das Sehen und vice versa.

Anfang April 2005 ist der Jahresbericht 2004 der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich (HGKZ) erschienen. Gestaltet wurde die Publikation von Franziska Burkhardt und Barbara Wiskemann. In Zusammenarbeit mit den Gestalterinnen sind von April bis Juli 2004 fünfundzwanzig “Klassenfotos” entstanden. Dazu wurden die Studierenden aus jedem Studienbereich in einem ihrer Arbeitsräume fotografiert. Die Gruppenporträts wurden mit einer Grossformatkamera aufgenommen, die vorhandene Lichtsituation mit Blitzlicht ergänzt.

Die Fotografinnen wollten die Wirkung des Raums auf die Menschen, die sich darin aufhalten, wie auch die Eingriffe, die die Studierenden an den gegebenen Unterrichtsräumen vornehmen, festhalten. Das Spannende daran war, dass trotz, oder gerade wegen dem klassischen, konventionellen Genre der Gruppenaufnahme, eine hohe Konzentration und Präsenz von Kreativität die Aufnahmesituation prägte. So wird das Individuelle, aber auch die Zusammengehörigkeit einer speziellen Gruppe auf den Bildern sichtbar.

Ein hinter einem roten Ballon verstecktes Gesicht tritt immer stärker in den Vordergrund, je mehr sich die Gummihaut des Ballons dehnt: Zuerst sieht man die Augen als zwei dunkle Flecken. Dann treten die Konturen stärker hervor, sind aber immer noch ein wenig verschwommen. Der Ballon wird grösser und grösser, zerbrechlicher oder, wenn man so will “zerplatzlicher”. Die Farbe verliert an Dichte und wird transparent. Ein roter Schein umhüllt das deutlicher hervortretende Gesicht, es hat einen leichten rosa- roten Teint. Die Künstlerin pumpt weiter Luft in den Ballon, bis er vom Überdruck zerfetzt wird. Es entsteht ein trockener Knall, welcher die Künstlerin erschreckt. Sie wirft einen Blick auf den Zuschauer, dann schliesst sie die Augen.
Parallel zu diesem Selbstporträt, bei dem das Gesicht nach und nach hervortritt, hat sich Luzia Hürzeler in einem weiteren Selbstporträt den Oberkörper eingebunden, um einen Abdruck mit Katzenfutter anzufertigen. Der deutsche Titel ” Selbstporträt für die Katz” hat eine ironische Dimension. Der “Abdruck” steht auf einem Sockel. Normalerweise sind solche “Abgüsse” dauerhaft, gleichsam für die Ewigkeit gemacht. Dieser hier aber soll von einer rauhen Katzenzunge weggeschleckt werden.
Diese Erosion verläuft gänzlich ohne Brutalität, sie geschieht langsam und sanft.
Die zwei Selbstporträts machen – wie die Arbeiten “Derrière le rideau” (Hinter dem Vorhang) und “Perturbations” (Verstörungen) – den Körper zum Thema, seine physische, tatsächliche Präsenz, oder seine angenommene, durch Töne vermittelte Präsenz. Die Katze, welche den Abdruck frisst, lässt an die Vögel denken, welche in “Vogelhaus” ein Kernenbrot zerpicken.
Wie in ihren anderen Videos konstruiert Luzia Hürzeler auch hier ausgehend von komplexen Dispositiven einfache Abläufe.
Die Handlung ist auf wenige Erzähltrümmer reduziert, es geschieht keine wirkliche Entwicklung. Die “Handlung handelt” vor allem von der Zeit, von der Art und Weise zu sehen, und das Video lebt nicht zuletzt von visuellen Effekten und Tönen. Luzia Hürzeler liefert die Moral zu diesen Geschichten/Fabeln eben gerade nicht, sie hinterfragt aber die Konstruktion und den Aufbau von bewegten Bildern und unsere Wahrnehmung derselben.

Claude-Hubert Tatot